Don_Chinasky

Suede – A New Morning (2002) Deluxe Edition 2011

2011-12-05T16:50:00.005-03:00

Bueno aca les dejo uno de los 5 discos que remasterizaron y incluyeron lados B y un dvd que obviamente no lo subi eso se lo dejo a ustedes si es que lo quieren eso y disfrutenlo ahh y subire el resto segun como sea posteada esta subida!

CDs Tracklist:

CD1 (the original album and demos):

01. Positivity - 02:56
02. Obsessions - 04:11
03. Lonely Girls - 03:13
04. Lost In TV - 03:39
05. Beautiful Loser - 03:38
06. Streetlife - 02:51
07. Astrogirl - 04:34
08. Untitled - 03:45
09. ...Morning - 02:15
10. One Hit To The Body - 03:06
11. When The Rain Falls - 04:29
12. Oceans - 04:03
13. Obsessions (2 kHz Demo) - 03:52
14. Positivity (Hoffer Version) - 03:01
15. Buckley (Simon) (Demo) - 04:39
16. Bony (Untitled) (Stanbridge Demo) - 03:54
17. Beautiful Loser (Parkgate Demo) - 03:50
18. Lost In TV (Stanbridge Demo) - 04:29
19. Lonely Girls (Parkgate Demo) - 03:22
20. Cheap (Four Track Demo) - 04:42
21. When The Rain Falls (Stanbridge Demo) - 04:28

CD2 (the b-sides):

01. Simon - 04:34
02. Cheap - 04:42
03. One love - 04:01
04. Superstar - 04:11
05. Colours - 03:30
06. Campfire song - 05:35
07. Cool thing - 03:05
08. Instant sunshine - 03:49
09. Ufo - 03:28
10. Rainy day girl - 04:13
11. Hard candy - 02:46
12. Abc song - 04:01
13. You belong to me - 03:24
14. love the way you love - 03:35
15. Attitude - 03:04
16. Golden gun - 03:05
17. Oxygen - 04:05
18. Golden gun (z one demo) - 02:58
19. Love the way you love (brett's original 4 track demo - 04:36
20. Refugees (previously unreleased) - 04:31

DESCARGA PARTE 1

DESCARGA PARTE 2

DESCARGA PARTE 3

DESCARGA PARTE 4

DESCARGA PARTE 5

Pearl Jam Twenty 2011 Rmvb + Pearl Jam Twenty original motion picture soundtrack

2011-11-23T10:49:00.007-03:00

Aca les traigo un pequeño regalito...que pequeño un gran regalo un excelente documental que muestra sus 20 años de altos y bajos de esta mitica banda muy recomendable!! y por si les interesa la banda sonora del docu tambien se las dejo ENJOY!!

Director: Cameron Crowe
Calidad: DVDrip
Formato: rmvb
Duracion: 109 min

Capturas

DESCARGAR
FILESONIC: PARTE UNICA
FILESERVE: PARTE UNICA
BITSHARE: PARTE UNICA

Pearl Jam Twenty original motion picture soundtrack

Disco 1 – Pearl Jam Twenty
01. Release – Verona, Italy 9-16-06
02. Alive – Moore Theatre, Seattle 12-22-90
03. Garden – Zurich, Switzerland 2-19-92
04. Why Go – Hamburg, Germany 3-10-92
05. Black – MTV Unplugged, NYC 3-16-92
06. Blood – Auckland, New Zealand 3-25-95
07. Last Exit – Taipei, Taiwan, 2-24-95
08. Not For You – Manila, Philippines 2-26-95
09. Do The Evolution – Monkeywrench Radio, Seattle 1-31-98
10. Thumbing My Way – Chop Suey, Seattle 9-6-02
11. Crown Of Thorns – 10th Anniversary, Las Vegas, NV 10-22-00
12. Let Me Sleep – Arena di Verona Steps, Verona, Italy 9-16-06
13. Walk With Me (w/Neil Young) Bridge School Benefit, Mountain View, CA 10-23-10
14. Just Breathe – SNL, Rockefeller Center, New York City 3-13-10

Disco 2 – Rarities and Inspiration
01. Say Hello 2 Heaven – Temple of the Dog Demo, 1990
02. Times Of Trouble – Demo 1990
03. Acoustic #1 – Demo 1991
04. It Ain’t Like That – Demo 1990
05. Need To Know – Demo 2007
06. Be Like Wind – McCready Score 2010
07. Given To Fly – McCready Instrumental 2010
08. Nothing As It Seems – Demo 1999
09. Nothing As It Seems – Seattle, 10-22-01
10. Indifference – Bologna, Italy 9-14-06
11. Of The Girl – Instrumental 2000
12. Faithfull – Pistoia, Italy 9-20-06 (Soundcheck)
13. Bu$hleaguer – Nassau, NY 4-30-03
14. Better Man – New York City 5-21-10
15. Rearviewmirror – Universal City, CA 10-1-09

Disco 1

Disco 2

AGRADECER NO CUESTA NADA!

Seis webisodes como adelanto para The Walking Dead

2011-10-12T17:38:00.004-03:00

A dias del @zombiewalk y del estreno de la nueva temporada traigo unos webisodes de The Walking Dead. Son seis pequeñas píldoras que han sido creadas exclusivamente para internet. El director es Greg Nicotero. The Walking Dead Webisodes se centran en uno de los zombies más conocidos de la serie, Hannah, la chica de la bicicleta con la que se topa Rick durante el piloto. Será interesante saber cómo llegó Hannah hasta allí. ¿Cúal es la historia de esa zombie que tanto nos impresionó?

La segunda temporada de la serie llegará a la AMC el 16 de octubre. Por desgracia, Frank Darabont ya no está al mando del proyecto y la cadena ha decidido recortar el presupuesto de la misma. Cambios que se dejarán notar este año. ¿Algo positivo? Sí, tendremos trece capítulos en vez de seis. Y después de la emisión de cada capítulo, la cadena ha preparado un talk show para los seguidores de la serie.

“A New Day”

“Family Matters”

“Domestic Violence”

“Neighborly Advice”

“Step-Mother”

“Everything Dies”

Enjoy

Fringe season 4 capitulo 01

2011-09-28T14:46:00.002-03:00

Bueno aca les dejo el primer capitulo de la cuarta temporada de Fringe en excelente calidad enjoy!

Calidad: Muy Buena (HDTV)
Género: Drama, Misterio
Director: J.J. Abrams
Número de Episodios:
Idioma: Inglés con subtítulos
Tamaño: 250Mb aprox
Formato: RMVB

http://www.blogger.com/img/blank.gif

descarga

deacarga

Slayer World Painted Blood Chile 2011 Live Movistar Arena (02/06/2011)

2011-07-12T09:48:00.004-04:00

Setlist
01. World Painted Blood
02. Hate Worldwide
03. War Ensemble
04. Postmortem
05. Temptation
06. Stain of Mind
07. Disciple
08. Dead Skin Mask
09. Dittohead
10. Americon
11. PayBack
12. Mandatory Suicide
13. Chemical Warfare *VIVA CHILE MIERDA!!!!!*
14. Ghosts of War
15. Seasons in the Abyss
16. Snuff
17. South of Heaven
18. Raining Blood
19. Black Magic
20. Angel of Death

DESCARGA

PASS:vivachilemierda

ENJOY!!!

OPETH - Live Concert At The Royal Albert Hall (05/04/2010)

2011-06-23T15:43:00.006-04:00

1. The Leper Affinity
2. Bleak
3. Harvest
4. The Drapery Falls
5. Dirge For November
6. The Funeral Portrait
7. Patterns In The Ivy
8. Blackwater Park
9. Forest Of October
10. Advent
11. April Ethereal
12. The Moor
13. Wreath
14. Hope Leaves
15. Harlequin Forest
16. The Lotus Eater

Descarga

El ùltimo Romance de Arab Strap

2011-05-18T06:47:00.003-04:00

Arab Strap era un grupo indie pop de estilo folk pop proveniente de Escocia cuyos álbumes aparecieron bajo el sello independiente Chemikal Underground.

El vocalista Aidan Moffat y el multi-instrumentalista Malcolm Middleton crecieron en Falkirk,Escocia y se conocieron gracias a su pasión común tanto por los artistas del sello Drag City, entre ellos Smog y Will Oldham, como por el alcohol. Empezaron a colaborar en 1995 y al año siguiente publicaron su álbum de debut The Week Never Starts Round Here.

En sus 10 años de carrera, Arab Strap trabajaron con multitud de músicos, como Jenny Reeve y Stacey Sievewright, o Adele Bethel y David Gow, quienes posteriormente formaron Sons and Daughters. Stuart Murdoch de Belle & Sebastian participó en el álbum Philophobia, pero su canción y álbum titulados "The Boy with the Arab Strap" le enemistaron más tarde con el grupo de Falkirk.

Una de las características más definidas de Arab Strap es la utilización de letras sórdidas, personales y muy sinceras, descritas por el semanario musical británico NME como "descripciones de alcoba" ("fly on the duvet vignettes"¹ ). Aunque iniciaron sus andanzas como una banda esencialmente electro-acústica de sonido melancólico y áspero, poco a poco, tras varios álbumes e infinidad de conciertos, desarrollaron un sonido mucho más completo que bebía tanto de la música indie como de la de baile.

En consonancia con sus habituales alusiones a temas sexuales, (arab strap es el nombre de un juguete sexual), Moffat ha publicado varios discos en solitario bajo el nombre de Lucky Pierre (en argot británico, el tercero de un trío homosexual). Su trabajo en solitario comparte el mismo estilo áspero y melancólico, pero es totalmente instrumental. Malcolm Middleton ha publicado también discos en solitario. Los dos primeros, incluyendo el ensalzado por la crítica 5:14 Fluoxytine Seagull Alcohol John Nicotine, fueron publicados por Chemikal Underground. En el año 2007, Middleton firmó con la discográfica Full Time Hobby Records, con la que publicó, ese mismo año, su tercer álbum, A Brighter Beat.

El 9 de septiembre del 2006, el grupo anunció su separación a través de su página Web. Para celebrar los 10 años desde la publicación de su primer álbum de estudio decidieron lanzar al mercado el recopilatorio Ten Years Of Tears, grabado en directo. A finales de año salieron de gira por última vez y dieron su último concierto en una sala de Japón, Shibuya O-Nest, el 17 de diciembre de 2006.

Álbumes de estudio

Pass: lagrimapsicodelica

Them Crooked Vultures (2009)

2011-03-28T19:59:00.004-03:00

Este sin duda debe ser uno de los mejores discos no sólo del 2009, sino de la primer década de los 2000’s.
Pffffffffff! Y quienes son estos tipos????? Corvan, te has vuelto loco? Cómo colocas entre los mejores discos de la década a unos tipos anónimos con nombre casi impronunciable? De qué planeta son? De cuál fumaste?
No. Créanme. En primer lugar, lo más probable es que ya los hayan escuchado y compartan mi opinión. Si no, les aseguro que este disco vale la pena. Sigo sin poder dejar de oírlo al menos una vez a la semana, y a veces, al menos una vez al día. A cuanto se lo he recomendado y lo ha escuchado, ha terminado comprándolo. Así de plano. Y no me llevo comisión, jajaja. En segundo lugar, no son unos desconocidos. Les suena el nombre de Dave Grohl a la batería??? Un impresionante Josh Homme en guitarra y voz??? Y un tal John Paul Jones al bajo???A que al menos habrás reconocido a 2 de 3!!!.
Pues sí, este es un disco casi perfecto de un supergrupo, con integrantes y las consiguientes influencias de Foo Fighters, Queens of the Stone Age y Led Zeppelin, de donde provienen su integrantes. Y de las pocas ocasiones recientes en que un supergrupo merece ser llamado así, tras las dudas que dejaron Velvet Revolver o Dead Weather, por ejemplo, que quedaron a deber respecto a las expectativas que habían creado. Y es que en la mayoría de los supergrupos, el pedigrí y el ego terminan opacando la verdadera capacidad de la banda, pero en este caso, afortunadamente, es una excepción. Y en verdad que con los Vultures el producto supera a la suma de sus partes (que de por sí aquí ya son superlativas); suenan mejor que cualquier cosa de los Queens of The Stone Age, con todas las virtudes del Rated R y Songs For The Deaf, y ninguno de los defectos y excesos usuales de Homme. De hecho, tuve que repasarme toda la discografía de los QOTSA y en serio que no tienen nada tan perfecto a pesar de que hay rolas excelentes. Dave Grohl por su parte también luce magnífico, potente, inspirado, empujando la canción con las baquetas, e incluso me atrevo a decir que se contiene un poco para dejar el lucimiento a sus compañeros. Si alguna vez lo critiqué o dudé por su papel con Nirvana, me retracto por completo ante este Grohl que me ha callado la boca. Y también suena mejor que cualquier cosa que estuviera haciendo el Sr. John Paul Jones, que se había mantenido a más bajo perfil desde el ’80, sin contar la breve reunión en el O2. Evidentemente estaba ocupado no sólo como productor y arreglista, sino guardando algo de este asombroso catálogo de riffs para el momento adecuado.

Por otro lado, aquí John parece quitarse la bofetada que tanto Plant como Page le dieron en los 90’s al excluirlo del No Quarter y su gira, así como la decepción hace poco tras la negativa de Plant a rearmar a Zeppelin para un tour mundial. Con este disco Jones parece decir: “No me importa Led Zeppelin, de todos modos voy a estar en la mejor banda de rock del planeta”. De paso demuestra que fue importantísimo para el sonido Led. Alguna vez le preguntaron porqué sus trabajos posteriores sonaban tan Zeppelin. Su respuesta me encantó: “Nunca le preguntan eso a Jimmy. Acaso no se dan cuenta de que yo también fui una cuarta parte de la banda? No es que Led Zeppelin me influencie a mi, YO influencié también a Led Zeppelin”. Nada más cierto, y aquí, señoras y señores, está la prueba irrefutable.
Si el Coverdale-Page nos acercó en 1993 a lo que hubiera sonado Led Zeppelin en los 90’s, el disco Them Crooked Vultures es como una continuación actualizada, potenciada y con bastante sangre fresca. No es propiamente el sonido Zeppelin (como tampoco lo es el Coverdale-Page), pero se nota y agradece la influencia.

Sin embargo no es un disco de John Paul Jones; también están las figuras colosales de Dave Grohl y de Josh Homme, que proponen parte de su sonido fresco y salvaje, con pequeños matices alternativos, y al mismo tiempo se redefinen para acercarse a la gran experiencia de Jones para crear un álbum mastodóntico y redondo. Josh es quien lidera con la guitarra, acercándose ligeramente a los sonidos crudos y al dominio de riffs que tiene con los QOTSA, pero se nota mayor carga de blues, menos excesos alternativos, y en general una mayor madurez y equilibrio gracias al aporte de sus compañeros. No es Queens, ni Foo ni Led, pero se notan las aportaciones más maduras de cada uno de los integrantes y de los sonidos de sus proyectos previos.
Los tres integrantes ya habían estado trabajando muy bien unos con otros, pero nunca los tres al mismo tiempo: Dave tocó la batería en el Songs for the Deaf, posiblemente el mejor disco de los QOTSA; Jones ya había tenido algunas participaciones con los Foo Fighters, en el disco Your Honour. En Enero del 2009 coincidieron los 3, quizá para una de las sesiones informales de los famosos Desert Sessions de Josh Homme y de inmediato hubo química. Así que Dave se le prendió el foco y se planteó, “Por qué no juntarnos los tres para algo más serio?”
Así empezaron a juntarse y a sacar una colección de riffs muy buenos que ninguno de los tres había usado. El resultado es impresionante: riffs bluseros pero tratados de forma actual, potentes, sólidos, ágiles, siniestros y con mucha clase. Después de un tiempo, verlos juntos tan seguido comenzó a levantar sospechas en los medios y se empezaron a filtrar rumores del supergrupo. La esposa de Josh llegó a comentar en Julio que no podía dar detalles, pero era “algo asombroso y con una fuerza que nunca se había escuchado antes”, al oírlos ensayar en el sótano de su esposo. Los chicos buscaron llamarse Calígula, pero ya existía una banda con ese nombre, por lo que optaron por uno sin significado en particular, Them Crooked Vultures, que viene siendo algo así como “Sus Buitres Encorvados”. Poco después, el nombre de la banda, que era celosamente guardado, se le escapó a uno de los compañeros de Josh de Eagles Of Death Metal, cuando dijo que todo ese año Homme iba a estar dedicado de lleno a los “Them Crooked Vultures” y por ello no estaría en la gira de los Eagles. En Agosto comenzaron las primeras presentaciones en Chicago, dejando a todos con la boca abierta. Días después se lanzaron a Europa para algunas apariciones en TV y festivales, causando furor y robándole cámaras a las cabezas de cartel. Para Septiembre anunciaron una minigira por Inglaterra y USA para cerrar el año, y las entradas se vendieron en un par de horas. Todas. Algo inaudito para un grupo que ni siquiera había lanzado disco. El álbum (que originalmente se iba a llamar Don’t Deserve the Future), por fin salió a la luz el 16 de Noviembre del 2009, recogiendo alabanzas tanto de la crítica como de los fans, y obligando a los 3 a dedicarse por completo a esta banda durante todo el 2010 y dejar de lado sus otros proyectos. No sería de sorprender si los Foo Fighters y los Queens se quedaran en el cajón también el 2011.

Tracklist

1. No One Loves Me & Neither Do I
2. Mind Eraser, No Chaser
3. New Fang
4. Dead End Friends
5. Elephants
6. Scumbag Blues
7. Bandoliers
8. Reptiles
9. Interlude With Ludes
10. Warsaw Or the First Breath You Take After You Give Up
11. Caligulove
12. Gunman
13. Spinning In Daffodils

Descarga

Proyecto Célula

2011-03-21T19:30:00.002-03:00

Gracias al éxito del disco Tributo Chileno a Gustavo Cerati les informo de una nueva propuesta, me gusta la onda de los músicos tengan la libertad de mostrar su arte de forma gratuita y no necesiten de sellos que se aprovechen de sus talentos, vale decir que le dan la posibilidad al público de escucharles de manera fácil, y que solo en tocatas cobren sus pesos para obviamente ganar algo aparte de los aplausos. Para eso hay que masificar esta estrategia, y para eso les propongo “PROYECTO CELULA”, será una serie de discos que funcionará al igual que el disco tributo anterior de Elefante17, las bandas que pueden participar son aquellas que tienen discos de descarga gratuita y con su biografía, esto para ver la seriedad de la banda también y su intención de algo a futuro. Deben enviar un tema previamente grabado y mezclado, ojala un single para que sea incluido en el disco compilatorio con su ficha técnica y el link de su página y descarga, acá analizaremos el conjunto de datos e incluiremos el disco en una masterización, para subir el volumen 1 y que sirva de promo para los músicos, y así mientras mas temas vayan llegando se irán creando mas volúmenes o “células”, si la convocatoria es grande las células pueden ser diferenciadas por estilos, pero eso lo dejaremos para mas adelante según como funcione el proyecto.

Estas son las bases:

- Pueden participar todas aquellas bandas o músicos con canciones netamente propias, escritas y ejecutadas exclusivamente por miembros del proyecto.

- Enviar un tema listo en formato WAV o MP3, y debe estar terminado ya que al ser seleccionado se enviará a una masterización para así ser incluido en una celula.

- Enviar el tema a elefante17_maturana@hotmail.com

- Se sugiere que la canción elegida por el artista debe ser un single para que sea de mayor promoción y difusión de la banda.

- El musico o banda da el permiso para difundir su canción, respetando los creditos.

- No se admiten bandas de covers.

- Se dará prioridad a los músicos con páginas en internet y con música de descarga gratuita, la idea es masificar esta propuesta.

- Enviar conjuntamente una breve reseña de la banda con datos y links.

- Y por último, queda estrictamente prohibida la participación de bandas con género cumbias, reggaetón, sound, etc.

La inteción del proyecto célula no es nada más que difundir de forma gratuita la música del circuito independiente, para que se valore más al artista y se abran más puertas, envía tu tema cuanto antes y así saldrá en las primeras células, difunde ésta información!!

Fuente y comentarios de Elefante17

Radiohead adelanta para hoy el lanzamiento de su nuevo álbum

2011-02-18T22:42:00.003-03:00

The King of Limbs será enviado a las personas que lo ordenaron en el sitio web de la banda.

Radiohead decidió adelantar en 24 horas el lanzamiento de su nuevo álbum, The King of Limbs. Así lo anunció el sitio web de la revista NME, donde añaden que si bien, el estreno del último trabajo de la agrupación estaba agendado para el sábado, finalmente tendrá lugar hoy.

Además, se lanzó un video para la canción Lotus Flower, una de los nuevos cortes del disco.

El álbum, que por el momento sólo se comerciaizará en formato digital, llegará como disco a las tiendas el próximo 8 de mayo.

The King of Limbs será enviado en formato digital a aquellas personas que lo ordenaron a través del sitio web del álbum.

Las canciones que conforman The King of Limbs son Bloom, Morning Mr. Magpie, Little by little, Feral, Lotus flower, Codex, Give up the ghost y separator.

Blur podría lanzar nuevo álbum "en seis años más"

2011-02-17T21:56:00.001-03:00

Pese a que a fines del año pasado se reportó que Blur estaría próximo a lanzar un nuevo álbum, el guitarrista Graham Coxon reveló al medio británico The Sun, que la banda no tiene tales planes. De hecho, comenta que el próximo disco de los íconos del Britpop no saldría hasta en seis años más.

"Eso fue lo que arruinó a Blur en primer lugar", aseguró Coxon, "la obligación, el trabajo. En especial para mi". Y añade que se reúnen a grabar música "regularmente", y que esa música "se podría convertir en un LP en seis años o algo por el estilo".

Aún así, no se descarta que los temas que el grupo se encuentra grabando salgan a la luz por separado, a modo de sencillos.

La banda liderada por Damon Albarn se encuentra trabajando junto a sus integrantes originales, por primera vez, tras su disolución en 2003.

CRISTAL EN VIVO: El Abrazo 11/12/2010 (Chile – Argentina)

2011-01-05T19:59:00.003-03:00

El Festival Cristal en Vivo: El Abrazo 2010 completo, acá un index con los post de las bandas que estuvieron en el cartel…esta esta dedicado a todos los que nos cagaron con el general y nos cagamos de firo por la lluvia!!!

LOS BUNKERS

01 – La Exiliada Del Sur (Inti-Illimani)
02 – Miño
03 – Ven Aquí/Quién Fuera/Nada Nuevo Bajo El Sol/Llueve Sobre La Ciudad
04 – No Me Hables De Sufrir

Descarga

Gustavo Cordera

01 – No Es Que Sea Viejo
02 – La Bomba Loca
03 – El Baile De La Gambeta
04 – Asalto De Cumbia
05 – Sencillamente

Descarga

Lucybell

01 – Ave Fenix / Caballos De Histeria
02 – Fé
03 – Mil Caminos / Salvame La Vida
04 – A Perderse / Cuando Respiro En Tu Boca

Descarga

Fabiana Cantilo + Javiera Parra + Denisse Malebrán + Nicole

01 – Una Tregua (Fabiana Cantilo)
02 – Soy Tu Agua (Javiera Parra)
03 – Lo Que Mereces (Denisse Malebrán)
04 – Hoy (Nicole)
05 – Símbolo De Paz (F.Cantilo,J.Parra,D.Malebrán,Nicole)

Descarga

Babasónicos

01 – Intro
02 – Microdancing
03 – Cuello Rojo
04 – El Colmo
05 – Y Que?
06 – Putita
07 – Pendejo
08 – Carismático
09 – Pijamas
10 – Irresponsables

Descarga

Chancho En Piedra

01 – Megamix (Edén / Eligiendo Una Reina / Almacén / Mi Equilibrio Espiritual / Guach Perry / Volantin / Pregonero / Da La Claridad / Locura Espacial / DiscoJapi)
02 – Ella Quiere
03 – Historias De Amor Y Condón
04 – Canción Final (Cantata Santa María)

Descarga

León Gieco

01 – Solo Le Pido a Dios
02 – Mañanas Campestres
03 – El Fantasma De Canterville
04 – Hombres De Hierro
05 – En El País De La Libertad
06 – La Mamá de Jimmy
07 – Pensar En Nada

Descarga

Joe Vasconcellos

01 – Mágico / Las Seis
02 – Duerme Duerme Negrito (Con Bahiano)
03 – Sed De Gol
04 – Huellas / Hijo Del Sol Luminoso

Descarga

Luis Alberto Spinetta

01. Milonga Blues
02. Durazno Sangrando
03. Té Para Tres
04. 8 De Octubre
05. Luz
06. Tu Vuelo al Fín
07. Y Si acaso No Brillara El Sol

Descarga

Beto Cuevas

01 – Miedo Escenico
02 – Vuelvo
03 – Are You Sorry
04 – Hablame
05 – Tejedores De Ilusión
06 – Aquí / Delirando
07 – El Duelo

Descarga

Fito Páez

01. Folis Verghet
02. Tiempo Al Tiempo
03. Circo Beat
04. El Diablo De tu Corazón
05. Ciudad De Pobres Corazones
06. A Rodar Mi Vida
07. Dar Es Dar (Cortada Al Comienzo, (solo un par de seg.))
08. Mariposa Tecknicolor

Descarga

Audio Clip Fuerza Cerati

Descarga

Los Tres

01 – Hojas De Té
02 – La Torre De Babel
03 – Shusha
04 – Amor Violento
05 – La Vida Que Yo He Pasado
06 – Quien Es La Que Viene Allí
07 – He Barrido El Sol
08 – Déjate Caer
09 – El Pueblo Unido (Con Ismael Oddó)

Descarga

Charly García

01 – Demoliendo Hoteles / Cerca De La Revolución
02 – Yendo De La Cama Al Living
03 – Asesíname
04 – Nos Siguen Pegando Abajo
05 – Canción Para Mi Muerte
06 – Yo No Quiero Volverme Tan Loco
07 – Funky
08 – No Toquen
09 – No Voy En Tren
10 – Rezo Por Vos
11 – Estoy Verde

Descarga

Jorge González

01 – La Voz De Los 80
02 – Brigada De Negro
03 – Latino América Es Un Pueblo Al Sur De Estados Unidos
04 – Sexo
05 – Paramar
06 – No Necesitamos Banderas
07 – Nunca Quedas Mal Con Nadie

Descarga

Andrés Calamaro

01 – El Salmon
02 – Te Quiero Igual
03 – Todavia Una Canción De Amor
04 – Tres Marias / Mil Horas
05 – Tuyo Siempre
06 – Los Chicos
07 – Paloma
08 – Estadio Azteca / Gracias A La Vida
09 – Crímenes Perfectos / Volver / Flaca

Descarga

Los Jaivas

01 – Corre Que Te Pillo
02 – Pregon Para Iluminarse
03 – Sube A Nacer Conmigo Hermano
04 – Presentación De La Banda / Mambo De Machaguey
05 – Mira Niñita
06 – Todos Juntos

Descarga

Vicentico

01 – Se Despierta La Ciudad
02 – Bajando La Calle
03 – Si Me Dejan
04 – Solo Un Momento
05 – Siguiendo La Luna
06 – Las Manos (Fragmento Canción Comandante Che Guevara)
07 – Tiburón
08 – Los Caminos De La Vida
09 – Vasos Vacíos
10 – Basta De Llamarme Así
11 – Yo No Me Sentaría En Tu Mesa

Descarga

Final

Descarga

Rammstein lanzará DVD en vivo y disco recopilatorio

2010-12-20T01:57:00.008-03:00

El pasado 11 de Diciembre, Rammstein se presentó en Estados Unidos por primera vez en una década. El escenario fue el mítico Madison Square Garden, en Nueva York, y numerosos medios han dicho que ése fue el concierto del año en el país de las barras y las estrellas. ¿Y por qué nos importa a nosotros? Porque ese concierto y otro show en Montreal, Canadá, fueron filmados para un futuro DVD en vivo.

Así lo afirmó Oliver Riedel, bajista de la agrupación germana, a MusikUniverse.net. Ésta será la tercera filmación oficial de la banda sobre un escenario, tras “Völkerball” (2006) y su extraordinario “Live Aus Berlin” (1998). Y además, en la misma entrevista, Riedel contó que en Abril del 2011 los teutones lanzarán su primer Grandes Éxitos, que incluirá (como la moda bien lo exige) dos temas inéditos. La pregunta ahora, claro, no es qué canciones incluirán: es cuáles irán a dejar afuera. Jodida decisión.

Fuente:potq.cl + Via Blabbermouth

2010-12-12T23:36:00.001-03:00

Si aunque no lo crean ahi registro no es de la mesa, es del publico y suena bastante bien!!! se los recomiendo

Formato:Mp3
Bitrate: 210 a 226 Kbps
Tamaño: 203.83mb

Set List:

01 – Intro
02 – My Love Is Winter
03 – Song For A Son
04 – Bullet with butterfly wings
05 – Tarantula
06 – Eye
07 – Today
08 – Astral Planes
09 – Ava Adore
10 – Stand Inside Your Love
11 – United States (Star Spangled Banner / Moby Dick/ Drum Solo)
12 – Introducing The Band
13 – Spangled
14 – To Sheila
15 – Cherub Rock
16 – Zero
17 – Shame
18 – Freak
19 – Tonight, Tonight
20 – Encore
21 – A Stitch In Time
22 – Disarm
23 – Heavy Metal Machine

Descarga

RAMMSTEIN - Estadio Bicentenario La Florida - Santiago, Chile (25.11.10)

2010-12-06T22:25:00.002-03:00

Si aunque no lo crean es verdad asi de piratas somos en Chile apenas toca una banda aparece el audio,el dvd, y un monton de cosas jaja pero sin eso no podriamos recordar este excelente recital y bueno tambien sin dejar de lado al que no pudo ir y bueno que sufra con esto!!!
Bueno no esta grabado de la mesa segun dice es por la galeria pero esta ben editado y se escucha bastante bien....disfrutenlo!!

Formato:Mp3
Bitrate: 320 Kbps
Tamaño: 240.81mb
Pass: Sin Pass

Set List:

01 – Intro
02 – Rammlied
03 – Bückstabü
04 – Waidmanns Heil
05 – Keine Lust
06 – Weisses Fleisch
07 – Feuer Frei
08 – Wiener Blut
09 – Früling in Paris
10 – Mein Teil
11 – Du Riechst So Gut
12 – Benzin
13 – Links 234
14 – Du Hast
15 – Pussy
16 – Encore 1
17 – Sonne
18 – Haifisch
19 – Ich Will
20 – Encore 2
21 – Ich Tu Dir Weh
21 – Te Quiero Puta!

Descarga

THE SMASHING PUMPKINS – Movistar Arena – Santiago, Chile (23.11.10)

2010-12-06T22:16:00.005-03:00

Panico - Kick (2010)

2010-11-14T21:58:00.004-03:00

Panico - Kick (2010)

“Kick” puede y debe ser el disco de su definitiva consagración internacional. Lo puede ser gracias a un misterioso inicio con “Illumination” al que sucede un pedazo single como “Bright Lights”, con sus rutilantes guitarras que recuerdan a bandas de los 80 como Theatre Of Hate o Siouxie & The Banshees y superan las de bandas actuales como The Rapture. En esa onda Rapture va también “Icon”. Sus raíces latinas se palpan en el baile de guitarras de “Reverberation Mambo” (parece que han escuchado también a nuestros geniales Atom Rhumba que regresan ahora con un pedazo de disco como “Gargantuan Melee” y que están ya en plena gira) y también en la bailable y en castellano “Algodón”. “Waka Chiki” no tiene nada que ver con Shakira y sí tiene un toque psicodélico que navega entre Love y Os Mutantes. Otra pasada es “I Wanna Be Your Needle” con sus ritmos entrecortados y la combinación de voces chico-chica que se repite en otros temas y que nos lleva a acordarnos de los primeros The B-52’s y Tom Tom Club. El final con “Distant Shore” es más reposado y muy, muy bonito. ¡Todo un descubrimiento!

Tracklist

01 Illumination
02 Bright lights
03 Icon
04 Reverberation Mambo
05 Algodon
06 Waka chiki
07 Guadalupe
08 Uptown boy
09 I wanna be your needle
10 Distant shore

Descargar

Pass:afterpre.com

Reedición de 'Pretty Hate Machine'

2010-11-10T14:19:00.004-03:00

‘Trent Reznor’ anunció el pasado 22 de octubre que el disco debut de NIN será reeditado en los próximos días.

Concretamente, el próximo 22 de Noviembre se pondrá a la venta la reedición de ‘Pretty Hate Machine’ a través del sello Bicycle Music Group.

En esta nueva edición se incluye el disco original remasterizado y un corte extra, una versión de ‘Get Down, Make Love’ de Queen, que hasta ahora solo podía encontrarse como cara B en el single del tema ‘Sin’.

A todo ello hay que añadir la nueva portada, rediseñada por ‘Rob Sheridan’.

Recordemos que ‘Pretty Hate Machine’ se publicó originalmente en1989 dejando tres singles dentro del catálogo de NIN, ‘Down In It’, ‘Head Like A Hole’ y ‘Sin’.

Para terminar, a continuación podéis ver el tracklist completo de esta reedición;

Nine Inch Nails – ‘Pretty Hate Machine’:

01 – ‘Head Like A Hole’
02 – ‘Terrible Lie’
03 – ‘Down In It’
04 – ‘Sanctified’
05 – ‘Something I Can Never Have’
06 – ‘Kinda I Want To’
07 – ‘Sin’
08 – ‘That’s What I Get’
09 – ‘The Only Time’
10 – ‘Ringfinger’
11 – ‘Get Down, Make Love’ (Queen Cover)

Fuente:http://heavyforall.blogspot.com

Pixies Teatro La Cúpula de Santiago de Chile 13/10/2010

2010-10-26T17:20:00.010-03:00

Hola a todos como dijo mi querido amigo en la entrada anterior Pixies se presento en Chile el 13 de octubre en una sesión mas intima y prolongada que la hecha en festival maquinaria, esta presentación la realizaron en el Teatro la Cupula (para los que no lo saben esta en el Parque O Higgins, Chile) en su paso por su tour sudamericano 2010. Y es que la ocasión, plenamente lo ameritaba: ese 13 de Octubre se terminó de ejecutar el rescate de los 33 mineros atrapados en la mina San José, por lo cual la banda de Boston se las ingenió para rendirles un tributo personal (y de paso, compartir la alegría con su audiencia chilena) interpretando una canción por cada minero rescatado. En total, el setlist arrojó 33 canciones -con sus geniales covers de Neil Young y The Jesus and Mary Chain- un encore break y dos temas extras. ¡Fulminante! Para todos aquellos que no tuvimos la enorme fortuna de presenciar aquel concierto en directo, nos queda el consuelo de escuchar a todo volumen el presente bootleg grabado desde la audiencia con una muy buena calidad de audio. ¡Descarga obligatoria, amigos!

01. Intro

02. Cecilia Ann

03. Rock Music

04. Bone Machine

05. Crackity Jones

06. River Euphrates

07. Debaser

08. Wave Of Mutilation

09. Monkey Gone To Heaven

10. I Bleed

11. Caribou

12. Cactus

13. Broken Face

14. Something Against You

15. Isla De Encanta

16. Tame

17. Sad Punk

18. Hey

19. #13 Baby

20. Gouge Away
21. Is She Weird
22. Dead
23. U Mass
24. Break My Body
25. Velouria
26. Dig For Fire
27. Allison
28. Ed Is Dead
29. Mr. Grieves
30. Winterlong
31. Here Comes Your Man
32. Head On
33. Holiday Song
34. Vamos
--- Encore Break
35. Where Is My Mind
36. Gigantic

:: DESCARGA / DOWNLOAD :::

Descarga disponible por tiempo limitado.

Pixies Teatro La Cúpula de Santiago de Chile 13/10/2010

2010-10-26T17:20:00.007-03:00

01. Intro

02. Cecilia Ann

03. Rock Music

04. Bone Machine

05. Crackity Jones

06. River Euphrates

07. Debaser

08. Wave Of Mutilation

09. Monkey Gone To Heaven

10. I Bleed

11. Caribou

12. Cactus

13. Broken Face

14. Something Against You

15. Isla De Encanta

16. Tame

17. Sad Punk

18. Hey

19. #13 Baby

:: DESCARGA / DOWNLOAD :::

Descarga disponible por tiempo limitado.

Pixies agenda segunda fecha en Chile

2010-09-18T19:41:00.002-04:00

El grupo estadounidense anunció una presentación para el día 13 de octubre.

El grupo estadounidense Pixies, utilizó su cuenta de Twitter (@Pixies) para dar a conocer un segundo concierto durante su paso por Chile.En el mensaje, escriben "Santiago Chile... Pixies suma otro show. Miércoles, 13 de octubre de 2010, en Teatro La Cúpula". Según añaden, información sobre las entradas será dada a conocer más adelante.Además del recién anunciado espectáculo, Pixies será parte del Festival Maquinaria, que tendrá lugar el 9 de octubre. La presentación del grupo está agendada para las 20 horas.

Fuente:latercera.cl

Shameless 1º y 2º Temporada subtitulada

2010-09-10T18:18:00.003-04:00

Bueno para empezar hace bastante que no veia series de familias disfuncionales como por ejemplo Los Simpsons, Family Guy, American Dad, Malcom, la clasica familia monster, casado con hijos entre otras y una que otra pelicula cabe destacar esta hace tiempo que situaciones tan simples y cotidianas me hacian reir tanto bueno las historia se basa en de la familia más disfuncional que ha pasado por la historia de la TV: Los Gallagher. Comandada por su padre Jack, de profesión superviviente borracho, que tras ser abandonado por su mujer no le queda más remedio que hacer se cargo de sus 6 hijos, ni más ni menos. Todos juntos viven en una pequeñísima casa de los suburbios de Manchester.

Shameless es un drama alegre, pero drama al fin y al cabo. Entre toda la dureza de vivir en los suburbios se deslizan buenas dosis de mala leche y humor, muchas veces desvariado. A pesar de lo fastidiado de sus vidas, los Gallagher, no son el reflejo de la tristeza. El verdadero hechizo de esta serie es su honestidad. Shameless no da cabida a mentiras o artificios. Los personajes, diálogos, reacciones... son como la vida real. Ver Shameless no es ver la tele. Es asomarte a la ventana. Recibir una bocana de realidad sincera. Buno para los que tienen cable la trasmiten los domingos a la medianoche por I-sat pero esta bastante adelantada si quieres verla desde el principio aqui la dejo subtitulada espero que la disfruten tanto como yo lo he hecho.

Temporada: 1º
Capitulos: 7
Formato: AVI
Tamaño: 1 de 350 mb 6 de 200 mb
Idioma: Ingles
Subtitulos: SI

Capitulo 1

http://www.mediafire.com/file/imntmzzjxyg/Shameless 1x01.www.chilecomparte.orgdivx.part1.rar
http://www.mediafire.com/file/myzdy2gnzjk/Shameless 1x01.www.chilecomparte.orgdivx.part2.rar
http://www.mediafire.com/file/ogqydzhgmtz/Shameless 1x01.www.chilecomparte.orgdivx.part3.rar
http://www.mediafire.com/file/nuydgc5nnyn/Shameless 1x01.www.chilecomparte.orgdivx.part4.rar

capitulo 2
http://www.mediafire.com/file/zhiqejmyjnz/Shameless 1x02.Shameless .www.chilecomparte.orgdivx.part1.rar
http://www.mediafire.com/file/wemnmtvtmzy/Shameless 1x02..www.chilecomparte.orgdivx.part2.rar
http://www.mediafire.com/file/jqmmyuiewjm/Shameless 1x02..www.chilecomparte.orgdivx.part3.rar+

capitulo 3
http://www.mediafire.com/file/j1jbdzydwyy/Shameless Episode 3 .www.chilecomparte.org .part1.rar
http://www.mediafire.com/file/ceanktjzmgy/Shameless Episode 3.www.chilecomparte.orgpart2.rar
http://www.mediafire.com/file/zndfidhhkbr/Shameless Episode 3www.chilecomparte.org.part3.rar

capitulo 4
http://www.mediafire.com/file/jirijulyjyd/Shameless Episode 4 www.chilecomparte.org.part1.rar
http://www.mediafire.com/file/my4zgyl0kz4/Shameless Episode 4.www.chilecomparte.orgpart2.rar
http://www.mediafire.com/file/fayihwmtuca/Shameless Episode 4.www.chilecomparte.orgpart3.rar

capitulo 5
http://www.mediafire.com/file/2mmyrorwnvk/shameless_105 -www.chilecomparte.org Episode 5.part1.rar
http://www.mediafire.com/file/zztgmw5dwam/shameless_105 -www.chilecomparte.org Episode 5.part2.rar
http://www.mediafire.com/file/nwdktmz2zni/shameless_105 -www.chilecomparte.org Episode 5.part3.rar

capitulo 6

http://www.mediafire.com/file/mz3myuwjzmn/Shameless www.chilecomparte.orgEpisode 6.part1.rar´
http://www.mediafire.com/file/lnxdmutvnyy/Shameless www.chilecomparte.orgEpisode 6.part2.rar
http://www.mediafire.com/file/jfwjmtijzzw/undefined

CAPITULO 7

http://www.mediafire.com/file/x3tyyddnzjf/...ilecomparte.org Episode 7.part1.rar
http://www.mediafire.com/file/mygxtmnjyz4/...ilecomparte.org Episode 7.part2.rar
http://www.mediafire.com/file/zymgnmwadmh/...ilecomparte.org Episode 7.part3.rar

Subtitulos

http://www.mediafire.com/file/dlznvywwzr2/subtitulos temp 1º.rar

Temporada: 2º
Capitulos: 10+1 especial( 8 de 11, subiendo)
Formato: AVI
Tamaño: 350 mb
Idioma: Ingles
Subtitulos: SI

Capitulo 1.

http://www.megaupload.com/?d=HD2XTJ4D

Capitulo 2.

http://www.megaupload.com/?d=DMJR436H

Capitulo 3.
http://www.mediafire.com/?nidnvydn5yd
http://www.mediafire.com/?wm21mhzwzz1
http://www.mediafire.com/?yzmmbx2zgnb
http://www.mediafire.com/?ng5yxj0itmj

Capitulo 4.
http://www.mediafire.com/?kyjmjwitotw
http://www.mediafire.com/?mnznddjjniu
http://www.mediafire.com/?4y0j2f2ymag
http://www.mediafire.com/?wz4junxojmy

Capitulo 5.
http://www.mediafire.com/?yw2zzjnlnzz
http://www.mediafire.com/?lgegmhzb2vw
http://www.mediafire.com/?mwyxiom5mi2
http://www.mediafire.com/?wktwqtmtizy

Capitulo 6.
http://www.megaupload.com/?d=YLRBTYWC

Capitulo 7.
http://www.mediafire.com/?jgfmlzdokar
http://www.mediafire.com/?zmnnzqmczx2
http://www.mediafire.com/?zodn5zhfyjz
http://www.mediafire.com/?mjjytma12wz

Capitulo 8
http://www.mediafire.com/?znojwhhnz4y
http://www.mediafire.com/?coqygydm2fm
http://www.mediafire.com/?nlmwnzfmndj
http://www.mediafire.com/?jkxezkjj50t

capitulo 9
http://www.mediafire.com/?xymymi3ry2d
http://www.mediafire.com/?nniiyzkx5do
http://www.mediafire.com/?ml31zjmuhky
http://www.mediafire.com/?t5h2jikjnzx

Capitulo 10
http://www.mediafire.com/?lzm0mytmgjm
http://www.mediafire.com/?1memhze4wzt
http://www.mediafire.com/?gyzn4yj5yjn
http://www.mediafire.com/?fn1zjwookjq

subtitulos (con alguno sub me salte la intro)
Los sub. los arregle con subtitle workshop, son los d divx, pero calzados.
http://www.mediafire.com/?32mmgmnnjz1

Sex Pistols ya tiene su propio perfume.

2010-09-02T14:22:00.002-04:00

-La fragancia está inspirada en la estética del sencillo "God save the queen".

-Ya trabajan en el lanzamiento de un jabón.

La banda punk Sex Pistols lanzó una fragancia exclusiva en conjunto con una compañía francesa, con la cual ya tiene planes de lanzar otros productos de cuidado estético.
Para la creación del perfume el grupo se unió con Etat Libre d'Orange, empresa gala que obtuvo la licencia del nombre de los rockeros al asociarse con Live Nation Merchandise.

La esencia de Sex Pistols viene en un paquete que tiene su inspiración en la estética del sencillo "God save the queen" y ya está disponible en Francia, mientras que en Estados Unidos debutará el próximo 10 de septiembre.

Los miembros de la banda no se refierieron al lanzamiento del producto, aunque Live Nation Merchandise se encargó de dejar claro que estuvieron "involucrados de manera muy cercana" con la creación del aroma.

También se anunció que próximamente presentarán un jabón con una presentación inspirada en el trabajo de arte de su disco "Never mind the bollocks",de 1976.

<

El comic de Fringe

2010-08-11T18:41:00.003-04:00

FRINGE, otra nueva entrada relacionada con las series de televisión. Antes del estreno de la serie en televisión, J.J. Abrams gran amante de los cómics programó un proyecto paralelo que serviría como precuela de la serie. Durante el Comic-Con de San Diego se repartió un cómic gratuito a modo de presentación de ''Fringe''.

El cómic sería la PRECUELA de la serie y las historias contienen elementos escondidos (y no tan escondidos) que al final acabarán en la serie y aunque en principio no será necesario leer el cómic para seguir la serie, le darán mayor profundidad. Todos los cómics poseen 2 historias, la primera parte se centra en "el joven" Walter Bishop y William Bell (en la serie de TV es el actual dueño de Massive Dynamics) y la segunda ocurren hechos separados pero siempre relacionados con "EL PATRON".

Aquí estan los enlaces de los 7 números, aunque cabe decir que el número 0, está en inglés.

Nº 0
Nº 1
Nº 2
Nº 3
Nº 4
Nº 5
Nº 6

1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 7)

2010-05-23T17:55:00.001-04:00

251. Lou Reed – Transformer (1972)

Si Lou Reed simplemente hubiese firmado este soberbio disco (dejando al margen sus influyentes grabaciones con la Velvet Underground) ya ocuparía un lugar de honor en la historia del rock. Se trata de un álbum con parte de las constantes temáticas del compositor neoyorquino (travestis, prostitutas, homosexuales, drogadictos, extraños personajes...) que grabó en asociación con David Bowie y Mick Ronson.
La perspectiva urbano-sexual, tan cínica como melancólica, ambigua o provocadora, de la escritura de Reed, se ve enriquecida con la teatralidad glam-rock de Bowie/Ronson para ofertar joyas como "Vicious", "Perfect Day", "Make Up", "Satellite Of Love", "New York Telephone Conversation" y el gigante clásico (utilizado no en pocas ocasiones en anuncios televisivos) "Walk On The Wild Side". canción que fue un éxito inmediato y se ha convertido en la canción más popular de Lou Reed.
Si la producción conjunta de los dos citados es excelente, hay que expresar una especial mención para Mick Ronson (ya que muchas veces sólo se menciona a Bowie), quien además de producir, arregla las cuerdas y el bajo, toca la guitarra y el piano, convirtiéndose en pieza esencial para la consecución del heterogéneo sonido.
Klaus Voorman y Herbie Flowers (que introduce una magnífica tuba, además del bajo) son otros imprescindibles componentes para lograr una perfecta interactuación entre grandes músicos que consuman un trabajo magistral lleno de ingenio, ironía y ecléctico muestrario sonoro, que va tanto del glam-rock o el pop pasando por el hard-rock o el jazz con aromas cabareteros.
“Transformer” es, sin duda, un disco especial y distinto. Imperfecto e irrepetible, nos muestra un lado de Lou Reed que no volveríamos a ver jamás. Y la verdad es que, a veces, se echa de menos.

1. Vicious
2. Andy´s chest
3. Perfect Day
4. Hangin´g round
5. Walk on the wild side
6. Make up
7. Satellite of love
8. Wagon wheel
9. New York telephone conversation
10. I´m so free
11. Goodnight ladies
12. Hangin´g round (acoustic demo)
13. Perfect day (acoustic demo)

Download

__________________________________________________

252. Hugh Masekela – Home is Where the Music Is (1972)

El músico de jazz, Hugh Masekela, nació en 1939 en Wittbank, Sudáfrica. Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band, pero Trevor Huddleston fue deportado a causa de su posición abiertamente anti-apartheid. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961. Su carrera despegó verdaderamente en EE.UU. Su mezcla de pop/jazz africano, tuvo tanto éxito que fundó su propio sello discográfico, Chisa, a mediados de los años sesenta. Colaboraría con artistas de la talla de Fela Kuti y Paul Simon. Esta grabación de inicios de los 70´s, es una muestra del más puro estilo de jazz, aún más que las grabaciones deMasekela de principios del decenio de los 80´s cuando hubo la mezcla de distintas cepas de África tribal o tradiciones culturales. Cuenta con varios temas compuestos por Caiphus Semenya, lo cual se ha convertido en habitual de Masekela.
1. Part Of A Whole
2. Minawa
3. The Big Apple
4. Unhome
5. Maseru
6. Inner Crisis
7. Blues For Huey
8. Nomali
9. Maesha
10. Ingoo Pow-Pow (Children's Song)

Download

__________________________________________________

253. Milton Nascimento & Lo Borges – Clube da Esquina (1972)

Milton Nascimento , cantante, compositor y guitarrista brasileño. Su ámbito de interés musical es amplio y abarca la música popular brasileña, la samba, el pop, el rock, y la fusión musical con diversas tradiciones musicales internacionales.
En 1972 colaboró con compositores como Marcio Borges, Fernando Brant, Ronaldo Bastos y otros amigos para grabar Clube Da Esquina, un disco doble del que surgieron tres sencillos muy exitosos como "Cais (Dock)" y "Cravo e Canela". Las canciones siguen siendo grabadas en la actualidad y se han convertido en estándares en Brasil. Desde que Milton empezó a grabar de forma independiente en 1967 para el sello Codil, ha escrito y grabado 28 discos.

1. Tudo Que Você Podia Ser
2. Cais
3. O Trem Azul (The Blue Train)
4. Saídas E Bandeiras No. 1
5. Nuvem Cigana (Gipsy Cloud)
6. Cravo É Canela
7. Dos Cruces
8. Um Girassol da Cor de Seu Cabelo
9. San Vicente
10. Estrelas
11. Clube da Esquina, No. 2
12. Paisagem da Janela
13. Me Deixa Em Paz
14. Os Povos
15. Saídas E Bandeiras No. 2
16. Um Gosto de Sol
17. Pelo Amor de Deus
18. Lilia
19. Trem de Doido
20. Nada Será Como Antes
21. Ao Que Vai Nascer

Download

__________________________________________________

254. Todd Rundgren – Something/Anything (1972)

Buen cantante, excelente compositor, gran pianista, interesantísimo ingeniero y productor, todo esto y además hace maravillas en la guitarra. Descubrimos uno de sus mejores trabajos de los 70`s , nos referimos a una de sus tantas obras maestras: Something/Anything
Todd es un músico norteamericano que se caracterizó en ser un incansable experimentador de las diferentes técnicas de grabación de instrumentos. Siempre tubo al alcance de sus manos toda la tecnología de punta para tales fines. Además es un gran músico bien rockero, de esos que aportan discos inteligentes. Compuso, entre otras cosas, el tema Influencia (Ifluenza) que luego grabaría Charly Garcìa en el disco homónimo.
Desde sus inicios con la banda Nazz, demostrò una inteligencia e intensidad creativa admirables, tanto como solista como también con su proyecto paralelo: la banda Utopia.
En este trabajo Todd abre un abanico de múltiples sonidos que recorren diferentes estilos rockeros. Todo esto dividido en cuatro partes, en las primeras tres toca todos los instrumentos. Descubrimos sus grandes composiciones como "I saw the light" (con pizcas de la naturalidad de la bossa-nova), la genial melodía a lo S. Wonder de "One More day (no word)" el salvajismo de "Little red Lights" y de "Black María", la inspiradísima y creciente "Torch Song" o la nueva versión de la gigantesca "Hello it`s me" ya grabada en los tiempos de Nazz.
La cuarta parte es la parte ejecutada con banda. Comienza presentando sus raíces o influencias musicales. Se pasea por lindas baladas como "Dust in the Wind" o bien rockean en temas como "Some folks is even wither than me".
El disco mas cotizado y el más largo de Rundgren que incluye éxitos de Rundgren como "Couldn't I Just Tell You", "I Saw The Light", "Wolfman Jack" y su éxito más grande "Hello It's Me" que alcanzo el lugar "5" en el "Billboard Hot 100". Este disco alcanzo el lugar 29 en el "Billboard 200" durando en este lugar por tres años luego de su lanzamiento, después certificado como oro. En 2003 se posiciono en el lugar 173 en el listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Rundgren tocó todos los instrumentos en las grabaciones de este disco.

Disco 1:

1. I Saw the Light
2. It Wouldn't Have Made Any Difference
3. Wolfman Jack
4. Cold Morning Light
5. It Takes Two to Tango (This Is for the Girls)
6. Sweeter Memories
7. Intro
8. Breathless
9. The Night the Carousel Burned Down
10.Saving Grace
11.Marlene
12.Song of the Viking
13.I Went to the Mirror

Disco 2:

1. Black Maria 2. One More Day (No Word)
3. Couldn't I Just Tell You
4. Torch Song
5. Little Red Lights
6. Overture—My Roots: Money (That's What I Want) / Messin' with the Kid
7. Dust in the Wind
8. Piss Aaron
9. Hello It's Me
10.Some Folks Is Even Whiter Than Me
11.You Left Me Sore
12.Slut

Download

__________________________________________________

255. Nitty Gritty Dirt Band – Will the Circle Be Unbroken (1972)

The Nitty Gritty Dirt Band se formó en el sur de California durante la primavera de 1966, como una joven banda desaliñada. Cuarenta y dos años más tarde, el cuarteto (Jeff Hanna, Jimmie Fadden, Bob Carpenter y John McEuen) sigue activo.
“Will the Circle Be Unbroken “ Es un álbum recopilatorio donde la Nitty Gritty Dirt Band, se reunen con un montón de amigos para tocar los grandes clásicos del country, como Randy Scruggs, Roy Huskey Jr., Jerry Douglas, Mark O'Connor, Chet Atkins, Sam Bush, Vassar Clements (a alguien le suena esta gente?), Bela Fleck, Bernie Leadon, John McEuen, Buck White, Roy Acuff, Paulette Carlson, The Carter Family, Johnny Cash (bueno, uno conocido), June Carter Cash, Rosanne Cash, John Denver, Emmylou Harris, Levon Helm, John Hiatt, Chris Hillman, Bruce Hornsby, Jimmy Martin, Roger McGuinn, Michael Martin Murphey, New Grass Revival, John Prine, Earl Scruggs y Ricky Skaggs.
El cambio radical en su suerte llegó con este su mágico Will the circle be unbroken", que pronto vende 1 millón de copias, una obra que hoy en día sigue siendo pieza clave en la historia de la Música Country.

Disco 1
1. Grand Ole Opry Song (Hylo Brown) with Jimmy Martin
2. Keep on the Sunny Side (A.P. Carter, Gary Garett) with Maybelle Carter
3. Nashville Blues (Earl Scruggs)
4. You Are My Flower (A.P. Carter)
5. The Precious Jewel (Roy Acuff) with Roy Acuff
6. Dark as a Dungeon (Merle Travis) with Merle Travis
7. Tennessee Stud (Jimmie Driftwood) with Doc Watson
8. Black Mountain Rag (Traditional)
9. Wreck on the Highway (Dorothy Dixon) with Roy Acuff
10. The End of the World (Fred Rose)
11. I Saw the Light (Hank Williams) with Roy Acuff
12. Sunny Side of the Mountain (Byron Gregory, Harry McAuliffe)
13. Nine Pound Hammer (Merle Travis)
14. Honky Tonkin' (Hank Williams)
15. You Don't Know My Mind (Jimmie Skinner) with Jimmy Martin
16. My Walkin' Shoes (Jimmy Martin, Paul Williams) with Jimmy Martin

Disco 2
1. Lonesome Fiddle Blues (Vassar Clements)
2. Cannonball Rag (Merle Travis) with Merle Travis
3. Avalanche (Millie Clements)
4. Flint Hill Special (Earl Scruggs)
5. Togary Mountain (Walter McEuen)
6. Earl's Breakdown (Earl Scruggs)
7. Orange Blossom Special (Ervin T. Rouse) with Vassar Clements
8. Wabash Cannonball (A.P. Carter)
9. Lost Highway (Leon Payne)
10. Doc Watson & Merle Travis First Meeting (Dialogue)
11. Way Downtown (Traditional, Doc Watson) with Doc Watson
12. Down Yonder (Doc Watson) with Doc Watson
13. Pins and Needles (In My Heart) (Floyd Jenkins) with Roy Acuff
14. Honky Tonk Blues (Hank Williams)
15. Sailin' on to Hawaii (Beecher Kirby) with Bashful Brother Oswald
16. I'm Thinking Tonight of My Blue Eyes (A.P. Carter)
17. I am a Pilgrim (Traditional)
18. Wildwood Flower (A.P. Carter) with Maybelle Carter
19. Soldier's Joy (John McEuen, Earl Scruggs)
20. Will the Circle Be Unbroken (A.P. Carter)
21. Both Sides Now (Joni Mitchell) with Randy Scruggs

Download

__________________________________________________

256. Stevie Wonder – Talking Book (1972)

Es muy fácil hablar bien de un disco que contiene "Superstition". También es fácil hablar de un disco que contiene "You Are The Sunshine Of My Life". Si sabes que el autor y extraordinario intérprete de estas canciones es además productor y arreglista de las mismas, y se encarga de tocar prácticamente todos los instrumentos, es fácil también hablar de este autor. Quiero decir: es tan fácil hablar de Stevie Wonder y de "Talking Book", que uno no sabe que decir.
"Talking Book" es el primero de los grandes discos de autor de Wonder, después de su declaración de independencia artística, que inauguraba su etapa de prodigiosa creatividad que le llevó a ser uno de los grandes creadores de los años setenta. La racha posterior de grandes obras, consolidó a Wonder como uno de los mayores genios de la música negra de todos los tiempos, un caso excepcional de niño prodigio convertido en maestro prematuro. Investigando con los incipientes sintetizadores se permitió el lujo de controlar casi todos los aspectos de su obra, mientras que progresivamente una conciencia social y política que iba a más, comenzaba a manifestarse en sus letras.
En esta ocasión el disco resulta mayoritariamente una romántica colección de canciones de amor y desamor dedicadas a Syreeta Wright, su mujer de entonces, y compañera de voces en la hermosa y rendida "You Are the Sunshine of My Life". En "Talking Book" podemos disfrutar de una serie de baladas marca de la casa, algo saturadas de azúcares ("You and I (We Can Conquer the World)", "Blame It on the Sun", "Lookin' for Another Pure Love", que se acercan peligrosamente al empalago, pero que se salvan gracias a la visionaria brillantez de su producción y a las extraordinarias dotes vocales de un Wonder prodigioso. Como cumbre de esta faceta del disco el cierre y esperanzador broche de oro: "I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)", preciosa y compleja balada con un estallido gospel tan febril que le hace a uno creer como Wonder entonces, que el amor carnal no sólo puede ser eterno, sino que también es una genuina vía de redención espiritual. Cuando fue escogida como cierre para los créditos finales de "Alta Fidelidad" hubo que rendirse sin condiciones ante la mano maestra con la que se escogió aquella banda sonora.
Por otro lado se percibe una incipiente vena social, que se manifestaría del todo en el siguiente álbum, entra de lleno en harina, denunciando la hipocresía de los políticos blancos recolectando votos en los barrios negros. Y en "Superstition", Wonder sermonea sobre los peligros de las creencias irracionales. Sin embargo en este caso el mensaje sucumbe al medio: uno de los mejores singles de todos los tiempos y uno de los más prodigiosos "grooves" jamás construidos. A partir de un teclado (clavinet) utilizado como instrumento casi percusivo con unos arreglos de viento sensacionales, la infección de ritmo resulta inevitable. No en vano, Wonder había escrito el tema pensando en dárselo a Jeff Beck, pero el astuto Berry Gordy olfateó el "hit" y le ordenó grabarlo rápidamente y publicarlo a su nombre. Un número uno como aquél no se podía dejar pasar.
Así que más de treinta años después, aún la prodigiosa música de Wonder, tan repleta de colorido que parece una suerte de poliédrica visión alternativa a aquella de la que el propio Wonder carece, nos puede infectar de groove y hermosos sentimientos. Un álbum imprescindible en tu colección.

1. You Are the Sunshine of My Life
2. Maybe Your Baby
3. You and I
4. Tuesday Heartbreak
5. You've Got It Bad Girl
6. Superstition
7. Big Brother
8. Blame It on the Sun
9. Lookin' For Another Pure Love
10. I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)

Download

__________________________________________________

257. Stephen Still – Manassas (1972)

Stephen Stills acompañado por un espectacular grupo de amigos y grabando uno de los discos más heterogéneos que jamás se hayan realizado.

Algunos acompañantes de lujo son Chris Hillman, ex Byrds y Flying Burrito Brothers; Al Perkins, miembro de los Flying Burrito Brothers y Shilo; el prestigioso batería Dallas Taylor, el no menos celebrado fiddle de Byron Berline, participante en los discos de Gram Parsons, Byrds, Flying Burrito Brothers o The Dillards. Incluso el bajista de los Rolling Stones Bill Wyman introduce su instrumento en algún tema. La intención de Stills era la creación de un supergrupo country-rock pero que tristemente sólo produjo un disco más, titulado "Down the road" (1973).
Su primer trabajo es este doble Lp, un impresionante recorrido por todos los ángulos de la música tradicional americana, temas acústicos y eléctricos que desarrollan sonidos blues, country, rock, pasajes latinos, rock'n'roll, folk o bluegrass en una sabia ejecución instrumental y vocal (las armonías de Hillman, contrapunto a la voz rota y cruda de Stills resultan admirables).
Dentro de tanta aglomeración de calidad, los temas más sobresalientes de esta obra maestra son "Song of love", "Both of us (Bound to lose)", "Fallen Eagle", la sublime "So begins the task", "It doesn't matter (una joya escrita y cantada al alimón por Stills y Chris Hillman), "Johnny's garden", "Bound to fall", "What to do" y "The Treasure", un auténtico tesoro de canción.

1. Song of Love
2. Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass
3. Jet Set (Sigh)
4. Anyway
5. Both of Us (Bound to Lose)
6. Fallen Eagle
7. Jesus Gave Love Away For Free
8. Colorado
9. So Begins the Task
10. Hide It So Deep
11. Don't Look at My Shadow
12. It Doesn't Matter
13. Johnny's Garden
14. Bound to Fall
15. How Far
16. Move Around
17. Love Gangster, The
18. What to Do
19. Right Now
20. Treasure, The - (take 1)
21. Blues Man

Download

__________________________________________________

258. T.Rex – Slider (1972)

La trémula voz de Bolan, los fantasmagóricos y ululantes apoyos vocales de Howard Kaylan y Mark Volman y el sabio manejo en la producción de Tony Visconti son algunos momentos álgidos de "The Slider", la excelsa continuación a su obra maestra "Electric Warrior".
El creador del glam-rock vuelve a presentar un puñado de magníficos temas que amalgaman energía rockera y mecanismo melódico fuertemente orquestado, pasajes de pujanza guitarrera con hipnóticas y cósmicas baladas ("Ballrooms of Mars" versionada por Radio Futura) y arrebatadores medios tiempos. La portada en la que aparece un Marc Bolan desenfocado es obra del "fotógrafo" Ringo Starr (el Beatle era un gran fan de la música de T. Rex además de ser un buen amigo de Bolan y director de un documental sobre la banda). En un disco redondo destacan himnos inmortales de Bolan como "Metal Guru" o "Telegram Sam".

1. Metal Guru
2. Mystic Lady
3. Rock On
4. Slider, The
5. Baby Boomerang
6. Spaceball Ricochet
7. Buick McKane
8. Telegram Sam
9. Rabbit Fighter
10. Baby Strange
11. Ballrooms Of Mars
12. Chariot Choogle
13. Main Man

Download

__________________________________________________

259. David Ackles – American Gothic (1972)

La escasa obra (cuatro Lps) de David Ackles es una de las más desconocidas y por tanto infravaloradas de la música popular. Es una pena que un tipo de su talento se haya visto reducido a la peligrosa etiqueta de artista de culto que es tanto como decir reservada al disfrute de unos pocos.
American Gothic" concebido como un ciclo sobre la vida contemporánea en USA, está producido por Bernie Taupin y grabado en Inglaterra, lo que le dió una adecuada perspectiva de distancia sobre unos temas profundamente enraizados en el "American way of life" como el divorcio (Waiting for the Moving Van), la guerra de Vietnam (Ballad of the Ship of State), el racismo (Blues for Billie Whitecloud) o la prostitución (American Gothic).
Musicalmente se trata de una obra de gran riqueza en la que se oyen ecos tanto de compositores clásicos americanos como Ives y Copland como de las revistas musicales de Broadway de unos Rodgers, Gershwin o Cole Porter pero siempre manteniendo la estructura de canciones con unos arreglos extraordinarios que merecen punto y aparte.
No obstante, su joya de la corona es esta obra donde su imaginación y talento se ponen al servicio de las canciones. Por último, destacaría la épica "Montana Song" y sobre todo la bellisima "Love’s Enough", para mí una de las mejores canciones del siglo XX. Descubrir este disco es hacerse uno mismo el mejor favor al que se puede aspirar.

1. American Gothic
2. Love's Enough
3. Ballad of the Ship of State
4. One Night Stand
5. Oh, California!
6. Another Friday Night
7. Family Band
8. Midnight Carousel
9. Waiting For the Moving Van
10. Blues For Billy Whitecloud
11. Montana Song

Download

__________________________________________________

260. The Eagles – Eagles (1st Album) (1972)

The Eagles , banda de rock clásico estadounidense que se dio a conocer en origen en Los Ángeles, California a principios de los años 70. Inicialmente su música era un híbrido entre música country e instrumentación bluegrass injertadas en armonías del surfer rock californiano, y produciendo baladas sensibles y música ligera de aroma country y pop-rock con letras que hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon. Los Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de un grupo, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y gravitó hacia un sonido claramente más rock. The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. Del este primer álbum homónimo de Eagles se desprendió el primer sencillo "Take it easy". Dando muestras de la magia que vendría a raudales en unos años más.

1. Take It Easy
2. Witchy Woman
3. Chug All Night
4. Most of Us Are Sad
5. Nightingale
6. Train Leaves Here This Morning
7. Take the Devil
8. Earlybird
9. Peaceful Easy Feeling
10. Tryin'

Download

261. Tim Buckley – Greetings from L.A. (1972)

Greetings from L.A. es un disco, muy apropiado, para introducirse en la obra de Tim Buckley, y que sin duda, el que no lo conozca, terminara por acceder a toda su discografía. Músico y compositor incasillable, folk, jazz, psicodelia, soul… y en su última etapa, el rock más tradicional, con influencias tan heterogéneas como Van Morrison, Byrd u otros marginados y malditos como Hank Willians o Fred Neil. La obra de Tim Buckley es corta pero intensa, con un sonido preciosista, evocador y con una voz muy especial, la cual, heredaría su hijo Jeff. Debuta en 1966, “Tim Buckey”, sorprendiendo a todos, dejando marcado las bases de lo que sería su música. Goodbye and Hello 1967 y Happy Sad son imprescindibles en la obra de Tim Buckley. En 1971 grava Starsailor, un disco enigmático, con la canción más conocida y versionada (Héroes del silencio solía abrir sus directos con este tema) en el repertorio de Buckley, “Song to the Siren”. En 1970 lanza “Blue Aftermoon” un ramillete de baladas lisérgicas y escalofriantes y “Lorca” dedicado al poeta Andaluz, para en 1972, este disco que tenemos entre manos, “Greetings from L.A.” y finalmente en plena decadencia y autodestrucción, que le llevaría a la muerte con tan solo veintiocho años, grava “Sefronia” 1973 y Look at the Fooll” 1974 . Su culto aumenta y su legado con el paso del tiempo se ha revalorizado, no es para menos… Tim Buckley se lo merece.

1. Move With Me
2. Get on Top
3. Sweet Surrender
4. Night Hawkin'
5. Devil Eyes
6. Hong Kong Bar
7. Make It Right

Download

__________________________________________________

262. Nick Drake – Pink Moon (1972)

Cuando Nick Drake entregó las cintas originales de "Pink Moon" en las oficinas de Island y las abandonó sin decir mucho más, en cierto modo estaba haciendo una declaración de principios. Grabado sin ningún músico de acompañamiento, con menos de media hora de duración, con un sonido espartano y simple, y unas canciones en la mayoría de las ocasiones tremendamente breves, vino a decir algo así como: "Es tan simple, yo hago una música hermosa que es imposible que no le guste a todo el mundo. ¿Cómo lo podéis hacer vosotros tan complicado?". Les pedía que se limitasen a ponerlo a la venta y dejar que su indudable excelencia pusiera las cosas en su sitio, tras los fracasos comerciales de sus primeros dos discos. En realidad, no era tan simple entonces, y lo sigue sin ser ahora. Ese es uno de los temas recurrentes a propósito Drake: su gloriosa falta de realismo. Aunque algo menos de lo que parecía en un principio, pues es verdad que la calidad de su música ha puesto las cosas poco a poco en su sitio. Eso sí, mucho después de que Drake no pudiera seguir grabando más canciones.
Gracias a la desnudez de "Pink Moon" se puede disfrutar de la pureza de las cualidades de Drake como intérprete. Tanto en su delicada (que no frágil) y serena voz, como en los originales e intrincados dibujos de su guitarra acústica se puede apreciar una clase innata, una originalidad sin aspavientos, que se impone a las directrices de un género, el folk, que trasciende como lo hacen todos los grandes con el suyo. Sus canciones resaltan por sus tempos extraños pero nunca extravagantes (toda su música es de una estructura sólida como una roca), por la búsqueda de nuevas melodías mediante afinaciones alternativas de la guitarra y por un manejo sabio, pero siempre fresco, de su voz. Las cotas de belleza que era capaz de generar con tan escasos elementos son insuperables y sorprendentes.
Ésta es otra enorme tragedia añadida a la que supuso la absoluta ignorancia que sufrió en vida, y que paulatinamente ha ido remitiendo. Hasta convertirlo en uno de los escasos artistas de culto que, de verdad, responde a su fama sobrevenida, más allá de los tics revisionistas y esotéricos de críticos y esnobs del pop. Es verdad que mereció en vida un lugar entre los ilustres de su época. Pero muchos años después, por fin le ha sido concedido con todo merecimiento uno entre los más grandes de todos los tiempos.

1. Pink Moon
2. Place to Be
3. Road
4. Which Will
5. Horn
6. Things Behind the Sun
7. Know
8. Parasite
9. Free Ride
10. Harvest Breed
11. From the Morning

Download

__________________________________________________

263. Paul Simon – Paul Simon (1972)

El cantante y compositor Paul Simon nació en EE.UU. en 1941. Se convirtió en superestrella con el dúo de folk-rock Simon & Garfunkel, muy recordados por su canción "Bridge Over Troubled Water" (1970). Tras su separación, Simon inició una carrera en solitario que despegó con el lanzamiento en febrero de 1972 de su disco “Paul Simon”. En realidad no era su primer álbum en solitario ya que en 1965 había grabado el disco Paul Simon Song Book que se publicó únicamente en Gran Bretaña. Lo que si viene a ser, es el primer LP de Paul tras la ruptura del dúo, un disco heterogéneo en el que el autor toca muchos palos musicales distintos, tanto para marcar una diferencia con la etapa anterior como para tantear sus propias posibilidades y demostrar que era versátil. Así aparecen en el mismo el reggae, la música sudamericana, el blues, el jazz, el country y el calypso. Fue disco de oro, vendiendo más de 1 millón de copias y alcanzando el puesto 4 en las listas. Como singles se extrajeron los temas más destacados: Mother & Cild Reunion (puesto 4 en las listas); Me & Julio Down By The Schoolyard (puesto 22) y Duncan (puesto 52).

1. Mother and Child Reunion
2. Duncan
3. Everything Put Together Falls Apart
4. Run That Body Down
5. Armistice Day
6. Me and Julio Down by the Schoolyard
7. Peace Like a River
8. Papa Hobo
9. Hobo's Blues
10. Paranoia Blues
11. Congratulations

Download

__________________________________________________

264. Roxy Music – Roxy Music (1972)

Formación de éxito liderada por un auténtico dandy del pop-rock, Bryan Ferry (nacido el 26 de septiembre de 1945 en Durham), la cual fue cambiando de estilo a medida que iba avanzando su trayectoria, del art-rock al glam, del rock al pop con elementos soul y electrónicos.
Iniciaron sus pasos musicales en 1971 cuando a Ferry , estudiante de arte se le unieron el bajista Graham Simpson, el saxo Andy Mackay, Brian Eno (nacido el 15 de mayo de 1948 en Suffolk) a los teclados, el guitarrista Davy O'List -ex-The Nice- y el batería Paul Thompson (brevemente estuvieron el guitarrista Roger Bunn y el percusionista Dexter Lloyd). El guitarra Phil Manzanera, uno de sus componentes más afamados se incorporaría un año más tarde sustituyendo a O'List.
"Roxy Music" su primer trabajo para Islands producido por Peter Sinfield supuso un gran e inesperado triunfo comercial, que los llevo hasta el puesto número 10 de las listas. En este disco mezclan la música más pop con la vanguardia y el rock. Muchos efectos de sintetizadores y máquinas por Eno y la guitarra ruidosa de Manzanera, más clarinete y la titilante voz de Ferry hacen de este un buen disco, glam, taquilla y alternativo.

1. Re-Make/Re-Model
2. Ladytron
3. If There Is Something
4. Virginia Plain
5. 2 H.B.
6. Bob, The (Medley)
7. Chance Meeting
8. Would You Believe?
9. Sea Breezes
10. Bitters End

Download

__________________________________________________

265. Alice Cooper – School’s Out (1972)

Después de “Love It To Death” y “Killer”, Alice Cooper publicaron “School’s Out”, un LP con una serie de impresiones y remembranzas escolares de Cooper marcadas por la ironía y el deje teatral tan característico del grupo.
El disco, producido por Bob Ezrin, se inicia con el clásico “School’s Out”, una valiosa pieza rock garajero de base blues y afilado riff de Glenn Buxton con soflama de exaltación libertaria juvenil tras el fin del curso escolar. Todo un himno del adolescente harto de los libros y los profesores.
“Gutter Cats vs. The Jets” es un ambicioso tema glam-rock que revisita en clave jocosa el musical “West Side Story”, basado en el enfrentamiento entre pandillas de diferente procedencia. De compleja estructura y prominencia de los teclados del propio productor Boz Ezrin, es uno de los cortes más interesantes del LP.
Después del instrumental “Street Fight” aparece “Blue Turk”, un gozoso tema que podría ser escrito para un número musical de Broadway. De esencia jazzística y realce sonoro de los saxos y trompetas, podría estar interpretado por el mismísimo Frank Sinatra.
“My Stars” es una pieza rock de cierta intensidad y un piano contagioso pero en general carece de trascendencia lírica e instrumental.
“Public Animal #9” es un vibrante tema a lo Rolling Stones de comienzos de los 70 en el cual se subraya la rebeldía adolescente siempre desde un agradecido sentido del humor.
“Alma Mater”, fantástica balada con ecos de Paul McCartney escrita por el batería Neal Smith, es uno de los mejores cortes del álbum. Retoman la psicodelia con la distorsión vocal, introducen armonías vocales y se ponen nostálgicos sin perder la ironía.
El disco se cierra con el instrumental “Grand Finale”, pieza que recupera la sección de viento, la cual en comunión con la cuerda y los demás instrumentos consigue crear una densa y épica atmósfera, realmente atractiva.
School's Out llego a estar en el puesto 7 en el Billboard Hot 100, en el puesto 2 en el Billboard 200 y en el puesto 1 en el UK Singles Chart durante las tres semanas en agosto de 1972.

1. School's Out
2. Alma Mater
3. Blue Turk
4. Grande Finale
5. Gutter Cat Vs. the Jets
6. Luney Tune
7. My Stars
8. Public Animal #9
9. Grande Finale

Download

__________________________________________________

266. The Temptations – All Directions (1972)

Hay mucha confusión sobre diversos detalles de la génesis del grupo, aunque la mayoría de las versiones coinciden en los sustancial. Los componentes de The Temptations en el momento de la grabación del disco eran: Dennis Edwards , Damon Harris, Richard Street, Melvin Franklin y Otis Williams.
Este álbum era el segundo que editaban en 1972, tras "Solid Rock", el cual incluía una versión de Bill Whiters "Ain't no sunshine" y el hit "Superstar" y "The end of the road".
"All directions" se editó el 27 de julio de 1972, bajo la producción de Norma Whitfield, y con la instrumentación de la banda asidua de Motown, the Funk Brothers. En poco más de 30 minutos de álbum consiguieron dar brillo nuevamente a su carrera, tras el poco éxito de su trabajo anterior.
Este álbum es el último de The Temptations en el que Barrett Strong trabaja como compositor, ya que muy poco después abandonó Motown para reemprender su carrera como solista. El disco está cargado de carga social y política, con temas que demuestran el "black power", como "Papa Was a Rollin' Stone" o "Run Charlie Run". En el disco, quien menos aparece es Otis Williams, el cual solo interviene en dos de los temas; además él y Melvin Franklin son los únicos que no cuentan con un tema en solitario. con este álbum "All directions", se confirmaría una vez más a la banda como uno de los grandes gigantes del soul.

1. Funky Music Sho' Nuff Turns Me On
2. Run Charlie Run
3. Papa Was a Rollin' Stone
4. Love Woke Me up This Morning
5. I Ain't Got Nothing
6. First Time Ever I Saw Your Face
7. Mother Nature
8. Do Your Thing
Download

267. David Bowie – Rise & Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

Una trayectoria tan extensa y sorprendente como la del camaleónico David Bowie ha conocido etapas muy diferentes, las cuales muestran el talento creativo y desarrollo imaginario de un artista en continua evolución y experimentación sonora.
Quizás de entre todas esas etapas la que más popularidad y reconocimiento le ha otorgado sea el periodo como estrella del glam-rock, influyente movimiento musical y estético del que Bowie se convirtió en su más relevante intérprete y en el que se introdujo atraído por la música del grupo de su amigo Marc Bolan, líder del grupo T. Rex.
Dentro de esa fase se encuadra "The rise and fall of Ziggy Stardust", probablemente la obra cumbre de su carrera y una de las cimas del estilo británico, en donde encontramos una espectacular exhibición lírica y melódica en interpretaciones cargadas de intensa emotividad, atmosférica imaginería y riqueza descriptiva, beneficiadas por las aptitudes instrumentales del pianista Rick Wakeman y el guitarrista Mick Ronson, pieza clave en el sonido del disco.
El álbum gira en torno a la figura de Ziggy Stardust, sugerente alien de ambigua sexualidad y ansias de rock star, introductor y protagonista de la sensual y galáctica materia con destino apocalíptico, desarrollado en gemas como "Moonage Daydream", "Ziggy Stardust", "Rock'n'roll suicide", la climática "Five years", las espaciales baladas "Soul love" y "Lady stardust", el sublime estribillo de "Starman" y el frenético ritmo de "Star", "Hang on to yourself" y "Suffragette city", temas en los que el toque glam resulta más palpable.
Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock. También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.
Para algunos el mejor disco del siglo XX, no se puede escapar de entre los discos más importantes jamás creados, la obra cumbre del glam de Bowie. Es oro de esos discos conceptuales de los 70, en los que se cuenta una historia, y en el que cada canción se asimila a un capítulo de un libro.

1. Five Years
2. Soul Love
3. Moonage Daydream
4. Starman
5. It Ain't Easy
6. Lady Stardust
7. Star
8. Hang on to Yourself
9. Ziggy Stardust
10. Suffragette City
11. Rock 'N' Roll Suicide

Download

__________________________________________________

268. War – World is a Ghetto (1972)

La noche antes de su muerte, Jimi Hendrix tocó en directo, secundado por una incendiaria banda californiana que acompañaba al cantante británico Eric Burdon. Dos años después, ya sin Burdon en su formación, War publicaban en el sello United Artists The world is a ghetto, su primera obra maestra y una de las referencias imprescindibles de la encrucijada soul/funk/black rock.
Como Mandrill y Santana, aunque más arrimados a la escuela del funk callejero, War enarbolaron la bandera del rock negro y chicano de la Costa Oeste con discos como All day music, The world is a ghetto, Live, Why can’t we be friends? o Platinum jazz, la clase de sonidos que uno espera escuchar al ver el dibujo de portada de este álbum magistral: seis músicos negros y uno blanco (el armonicista y percusionista danés Lee Oskar) liderados por el gran Lonnie Jordan, traduciendo el pálpito de los suburbios de Los Ángeles al lenguaje del rock negro, el mismo trabajo desarrollado en otras latitudes por The Isley Brothers, The Ohio Players y Funkadelic. No hay puntos muertos ni respiros en The world is a ghetto, ni siquiera en los temas más cercanos al jazz latino (“Beetles in the bog”, con su aire de marcha, y el sensacional “City, country, city”, un instrumental proteico escrito originalmente para la película Nigger Charlie), pero sí hay dos piezas sobresalientes, tanto por su repercusión comercial inmediata (Top 2 y 7 respectivamente en las listas de pop) como por su extraordinaria fuerza: “Cisco Kid”, una parábola colorista y mestiza dedicada a un héroe televisivo mexicano, famoso en los años 50; y “The world is a ghetto”, impresionante mosaico multicultural en clave de funk/jazz latino, con un estribillo coral estremecedor y un extraño olor a desolación y a miseria sin salida.

1. The Cisco Kid
2. Where Was You At
3. City, Country, City
4. Four Cornered Room
5. World Is a Ghetto, The
6. Beetles in the Bog

Download

__________________________________________________

269. Al Green – Let’s Stay Together (1972)

Al Green, como otros muchos, es un cantante de soul surgido del gospel. Pero, tal vez, sea el único comparable a Sam Cooke por su elegancia vocal y su atractivo personal. En este disco, el cuarto de su carrera, nos lleva al éxtasis con su voz angelical, acariciando las melodías con susurros, conteniendo toda su energía, dosificando los sentimientos y dando a las canciones un aire de voluptuosidad impresionante. Las guitarras y la sección de vientos completan el aderezo necesario para hacer de este álbum una grata recomendación.
Alcanzando su apogeo con este Let’s Stay Together en 1972,, con la canción que le daba título, alcanzó el nº 1 en las listas del Billboard, aunque el resto del disco tampoco dejan de ser grandes temas.

1. Let's Stay Together
2. La-La For You
3. So You're Leaving
4. What is This Feeling?
5. Old Time Lovin'
6. I've Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)
7. How Can You Mend a Broken Heart?
8. Judy
9. It Ain't No Fun To Me

Download

__________________________________________________

270. Rolling Stones – Exile on Main St (1972)

Los Stones encumbrados en lo más alto y atravesando por una de sus etapas de mayor profusión creativa publican este magistral trabajo, una jubilosa amalgama de rock, country (profundizando en este estilo gracias a la amistad de Keith Richards con Gram Parsons), blues y gospel, que proporciona sublimes instantáneas sónicas apoyadas por la descarnada producción de Jimmy Miller y que, como suele pasar con muchos discos trascendentes, se aborrecen en la primera escucha y se aman al límite en sucesivas escuchas, convirtiéndose en el favorito del grupo y en el más influyente de su carrera.
Vibrantes, densas y desaseadas piezas de rock’n’roll enraizadas en los sonidos tradicionales americanos como la soberbia Rocks off", "Rip this joint", el single "Tumbling dice", "Sweet Virginia" (memorable armónica de Jagger y colaboración no acreditada del mismísimo Parsons), la acústica "Sweet Black Angel" (con el productor Jimmy Miller a la percusión), una retozona pieza cantada por Keith Richards llamada "Happy", la extraordinaria balada "Let it loose" (con un notable acompañamiento vocal), "Ventilator blues", "All down the line", el regusto blues de "Stop breaking down" o la espléndida "Shine a light", dejan constancia de la gran versatilidad y estatura como compositores y músicos de los Rolling Stones, destacando el memorable duelo guitarrero entre Keith Richards y Mick Taylor.
El quinteto se encuentra acompañado por nombres esenciales en sus formas sonoras como sus habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keyes, Billy Preston o Jim Price, quienes en jubilosa sinergia con los protagonistas principales crean una imperecedera e imprescindible obra maestra, uno de las cúspides de la historia del rock.
Considerado uno de los mejores trabajos realizados por el grupo, la crítica lo coloca como el mejor, y uno de los discos más importantes de la historia del rock. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 7 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. Rocks Off
2. Rip This Joint
3. Shake Your Hips
4. Casino Boogie
5. Tumbling Dice
6. Sweet Virginia
7. Torn and Frayed
8. Sweet Black Angel
9. Loving Cup
10. Happy
11. Turd On the Run
12. Ventilator Blues
13. I Just Want To See His Face
14. Let It Loose
15. All Down the Line
16. Stop Breaking Down
17. Shine a Light
18. Soul Survivor

Download

__________________________________________________

271. Lynyrd Skynyrd – Pronounced Leh-nerd Skin-nerd (1973)

Junto a la Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd es el grupo más importante que ha conocido el rock sureño, un estilo musical basado en la emulsión de blues-rock, country, boogie, honky tonk y rock'n'roll, y en una apostura personal que subraya sus raíces telúricas-confederadas, de finalidad reinvidicativa y lúdica. Las primeras semillas de Lynyrd Skynyrd fueron diseminadas a mitad de la década de los 60, cuando un grupo de estudiantes de Jacksonville, ciudad del estado de Florida, decidieron formar una banda a la que llamaron My Backyard.
Con posterioridad, poco conformes con su nombre, se fueron denominando The Noble Five, Wild Cats, Sons of Satan, Once Percent, Conqueror Worm y finalmente Lynyrd Skynyrd, nombre tomado de su profesor de gimnasia en el instituto, un tipo malhumorado llamado Leonard Skinner.
El grupo estaba compuesto por el cantante y guitarrista Ronnie VanZant, los guitarristas Allen Collins y Gary Rossington, el bajista Leon Wilkeson (que sustituyó a Larry Junstrom), el teclista Billy Powell, y el batería Bob Burns.
Tras patearse los locales de varios estados sureños, consiguieron llamar la atención de Al Kooper, el ex miembro de Blood, Sweat & Tears que después de contemplar un concierto del grupo en el club Funocchio's de Atlanta, les propuso firmar un contrato discográfico con la MCA.
Poco antes de su incorporación a la MCA se les unió otro guitarrista, Ed King, un antiguo componente de la banda psicodélica Strawberry Alarm Clock.
El talento del vocalista Ronnie VanZant en la composición, con textos urdidos en su autoafirmación redneck en los que había cabida para el humor, la nostalgia, la algazara o el sentimiento, y el triplete de guitarristas conformado por Ed King con su Fender Stratocaster, Allen Collins con su Gibson Firebird, y Gary Rossington con su Gibson Les Paul, fueron los cimientos básicos de su primer LP, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" , una obra maestra del rock sureño producida por el propio Al Kooper.
Entre sus ocho temas destacan cortes como "Gimme three steps", "Tuesday's gone" y "Freebird", una pieza compuesta en homenaje al guitarrista fallecido de los Allman Brothers, Duane Allman, que se convirtió en uno de los grandes clásicos del grupo de Florida.
El 20 de octubre de, Ronnie VanZant, Steve Gaines, Cassie Gaines y el manager Din Kilpatrick fallecían tras un accidente aéreo cuando el grupo volaba desde Greenville hacia Baton Rouge. Los demás miembros del grupo resultaron heridos, pero finalmente se recuperaron. Este golpe fue definitivo para la disolución de la banda, pues sin su alma mater compositivo no tendría sentido continuar la trayectoria musical como Lynyrd Skynyrd. Al conmemorarse los diez años del trágico accidente que puso punto y final a la banda, Gary Rossington, Ed King, Leon Wilkeson y Billy Powell volvieron a girar con el nombre de Lynyrd Skynyrd Tribute Tour, incorporándose a la banda el hermano menor de Ronnie, Johnny VanZant y un tercer guitarrista llamado Randall Hall.

1.I Ain't the One
2.Tuesday's Gone
3.Gimme Three Steps
4.Simple Man
5.Things Goin' On
6.Mississippi Kid
7.Poison Whiskey
8.Free Bird

Download

__________________________________________________

272. Incredible Bongo Band – Bongo Rock (1973)

Incredible Bongo Band es un proyecto iniciado por Michael Viner en 1972 y que consiste en interpretar varios temas ya reconocidos pero básicamente utilizando primordialmente percusiones, congas, bongos, etc. The Incredible Bongo Band, la banda instrumental de Michael Viner sólo editó dos discos, Bongo Rock en el 73 y Return Of The Incredible Bongo Band, un año más tarde. Su sonido es característico por el protagonismo de las percusiones, bongos y congas. Entre sus músicos destacan; el batería del grupo, Jim Gordon, uno de los mejores músicos de sesión de la época, y King Errison, el culpable de que los bongos suenen así de mágicos.
A pesar de su corta carrera, la banda dejó huella gracias a la versión de “Apache“, original de The Shadows, que hoy es como un himno del Hip Hop. Primero versionó Apache Sugarhill Gang (la versión que bailaban Carlton y Will en El Principe de Bel-Air), y los primeros en samplear Apache fueron los pioneros Kool Herc y Grandmaster Flash. Desde entonces muchísimos productores han incluido algún sample del tema en sus instrumentales.
Aquí se puede escuchar desde el clásico “In-A-Gadda-Da-Vida” de Iron Butterfly, “Apache” de los Shadows, “Let There Be Drums” de Sandy Nelson. Muy buen disco que también incluye saxofones, teclados y hasta sirve de base para el hip hop.

1. Let There Be Drums
2. Apache
3. Bongolia
4. Last Bongo In Belgium
5. Dueling Bongos
6. In-A-Gadda-Da-Vida
7. Raunchy '73
8. Bongo Rock

Download

__________________________________________________

273. David Bowie – Aladdin Sane (1973)

El disco que continuó a su exitoso "Ziggy Stardust" fue otra gran obra de un David Bowie en plena explosión glam, que aunque no incidió en el diseño conceptual de su pretérito trabajo, sí volvió a ambientar sus cortes en un mundo decadente y de ambigua caracterización, teatralidad en su esencia artística, y sobre todo, hedonismo y evasión sexual.
El LP acomoda piezas rock de espíritu stoniano con ritmos efervescentes, sensualismo en su vocalidad y estribillos pegadizos, ensanchando sus posturas glam con retazos blues, jazz, avant-gardé y doo wop.
"Aladdin Sane" se abre con "Watch that man", un corte rock al más puro estilo Rolling Stones, con una vívida interacción entre la punzante guitarra de Mick Ronson, los saxos de Bowie y Ken Fordham, y el piano de Mike Garson, virtuoso instrumentista que brilla a lo largo de todo el álbum, en especial en el título homónimo, una sugerente balada de fascinante estribillo y estructura, con elementos jazz.
"Drive in Saturday" es una de los temas más famosos del disco y una preciosa canción escrita en principio para Mott The Hoople que recupera sonidos de finales de la década de los 50 y comienzos de los 60, empleando efectivos coros de reminiscencias doo wop.
"Panic in Detroit" viene marcada por un magnífico trabajo en la percusión de Mick Woodmansey y una interesante lírica de miramiento social sobre unos iterativos ritmos rock a lo Bo Diddley.
Dos de las cumbres del disco son "Cracked actor", estimulante tema rock de irresistible estribillo, y "Time", dramática pieza cabaretera.
"The Prettiest Star" es una sencilla y elegante canción dedicada a su esposa Angie, con un soberbio saxo acariciando la melodía y de nuevo coros de herencia doo wop.
La versión de los Stones "Let's spend the night together" es el corte más flojo del LP, a pesar de ser ejecutado con intensidad y fuerza, y ofertar unos curiosos arreglos futuristas. Esta última canción es el preludio de las dos últimas y magníficas piezas disco.
"The Jean Genie", vibrante tema blues-rock con un riff idéntico al "Blockbuster" de The Sweet, y la maravillosa tonada "Lady Grinning Soul", canción de estupenda melodía con Garson a un piano clásico, un Ronson espléndido en su interpretación guitarrera, y un Bowie hipnótico en su sensual interpretación vocal.
Fue una de los seis entradas de Bowie en la lista de Rolling Stone de los mejores álbumes de todos los tiempos (aparecía en la posición 277) y se situó en el puesto 77 en la lista de Pitchfork Media de los mejores cien discos de los años 70.

1 Watch That Man
2 Aladdin Sane
3 Drive In Saturday
4 Panic In Detroit
5 Cracked Actor
6 Time
7 The Prettiest Star
8 Let's Spend The Night Together
9 The Jean Genie
10 Lady Grinning Soul

Download

__________________________________________________

274. King Crimson – Lark’s Tongues in Aspic (1973)

"Lark's Tongues in Aspic" . Posiblemente el disco perfecto de King Crimson. Este contiene en su nucleo el formato de músicos más memorable de la agrupación. Bill Bruford en la batería y John Wetton en el bajo junto a David Cross, Jamie Muir Y Fripp logran producir la más infame pieza (dividida en 4 partes que luego seguirán surgiendo con el tiempo) de rock progresivo que jamás he escuchado. Los acordes en el comienzo de Lark's Tongues... evocan las más extravagantes piezas de Igor Stravinsky y hasta Mussorgsky. Carece de la potencia tonal del disco "Red" del año siguente pero es el único disco de esta agrupación que lleva una genuina concordáncia de disco conceptual. Escuchar este disco es como salir de safari por un terreno ondulado, espinoso, lleno de pendientes frenéticas. Bien podría decirse que estamos ante la versión postmoderna de la "Divina Comedia": FRIPP y compañía, como modernos Virgilios, nos tienden la mano y nos sirven de guía en la experimentación de este enorme catálogo de antonimias, de dualidades. Hay de todo aquí: hay soledad y hay abandono, hay cinismo y hay furia; hay momentos reflexivos y hay momentos violentos. Hay de todo, pero nada es gratuito. Aquí tenemos la versión de un King Crimson nuevo, revitalizado, vuelto hacia adentro, egoísta, autocomplaciente. Como debe ser.
Aquí tenemos la versión de un Crimson que tiene el coraje de reinventarse desde su propia esencia, de seguir siendo el mismo siendo otro. Aquí tenemos un disco sin concesiones ni respiros. Música que oscila entre la violencia y la sutileza. Música que ocupa no solo todo el espacio, sino toda la mente, y que - al final - nos devuelve a un mundo muy distinto al de antes. Esta no es una experiencia sonora, es una experiencia onírica. Un pequeño viaje a las profundidades del averno. Invitado estás, compañero.

1. Larks' Tongues in Aspic, Pt. 1
2. Book of Saturday
3. Exiles
4. Easy Money
5. Talking Drum
6. Larks' Tongues in Aspic, Pt. 2

Download

__________________________________________________

275. Bob Marley & the Wailers – Catch a Fire (1973)

Si hubiera que elegir un disco de reggae para mostrarle a alguien ajeno al género, Catch a Fire sería una excelente elección. No sólo porque sus canciones son prácticamente invencibles, también por el hecho de que fue uno de los primeros discos de este estilo en obtener una repercusión a nivel internacional, esto es; fuera de la isla de Jamaica.
De algún modo, Catch a Fire es el patrón con el que están hechos todos los discos de Marley; las temáticas se reparten en tres o cuatro grupos principales: están las canciones de amor, tanto a nivel individual como universal, las de neto corte “combativo”, con diatribas dirigidas a los organismos -e individuos- ostentando el poder de turno, y también las odas a la ganja y a la religión (dos aliados indisociables en la cultura rastafari).
"Concrete Jungle" revela con una metáfora muy simple- la vida en las ciudades y su interminable desfile de injusticias y ridiculeces y es una de las canciones emblema de este trabajo, está ubicada en primer lugar y siguió apareciendo esporádicamente en los shows en vivo, incluso en el pico de la fama internacional de los Wailers, a fines de la década.
"Stir It Up" es el hit, el que todo el mundo conoce, aquel que es capaz de hacer bailar con una sonrisa al mas reacio. Una de las facetas más pasadas por alto en la lírica de Marley, la libidinosa, siempre presente, manejada con sutileza y administrada en sabias dosis.
Catch a Fire tiene una importancia histórica muy difícil de evaluar o calcular, lo cierto es que convirtió a Marley en una verdadera estrella internacional proveniente de un país subdesarrollado, que pavimentó el camino para la carrera solista de Peter Tosh e hizo que los músicos de rock angloparlante se detuvieran un segundo a prestar atención al increíble sonido dulzón del reggae de Bob Marley & the Wailers.

1. Concrete Jungle
2. Slave Driver
3. 400 Years
4. Stop That Train
5. Baby We've Got A Date (Rock It Baby)
6. Stir It Up
7. Kinky Reggae
8. No More Trouble
9. Midnight Ravers
10. High Tide Or Low Tide
11. All Day All Night

Download

__________________________________________________
1001 discos que debes escuchar antes de morir (on line)
_________________________________________________ __________________________________________________

1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 6)

2010-05-02T21:51:00.000-04:00

226. Serge Gainsbourg - Histoire de Melody Nelson (1971)

Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.
Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña \"Historia de Melody Nelson\", cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el \"violero\" es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.
Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos.

1. Melody
2. Ballade De Melody Nelson
3. Valse De Melody
4. Ah! Melody
5. L’Hôtel Particulier
6. En Melody
7. Cargo Culte

Download

__________________________________________________

227. Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)

Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces.
Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales.
El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín.
La mejor canción del álbum es \"Maggy Mae\". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental.
En la romántica y bella \"Mandolin Wind\", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental.
Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en \"Seems like a long time\", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell.
También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en \"That\'s all right\", triunfa en la revisitación de \"Tomorrow is a long time\" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations \"(I know) I\'m losing you\".
El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin \"(Find a) Reason To Believe\" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.

1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That\'s All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I\'m Losing You
8. (Find A) Reason To Believe

Download

__________________________________________________

228. Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1971)

\"Pictures at an Exhibition\" es un álbum de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer lanzado en 1972 con música adaptada de la obra de Modest Mussorgsky. Es uno de los documentos más significativos de la era del rock progresivo. Anteriormente, este trabajo fue la pieza central del repertorio de la banda en el Festival de la Isla de Wight en 1970.
Hay cuatro canciones que no pertenecen a la obra original de Mussorgsky: \"The Sage\" (una balada acústica), \"Blues Variation\" (un blues instrumental), \"The Curse of Baba Yaga\" (una canción rockera) y \"Nutrocker\" (una adaptación de \"El Cascanueces\" de Tchaikovsky, hecha por Kim Fowley. El resto son las originales, adaptadas al estilo progresivo.
Carl Palmer hizo el arreglo en \"The Gnome\". La balada \"The Sage\", de Greg Lake es una de las mejores composiciones hechas por él. La adaptación blues de \"The Old Castle\" es seguida en cadena por la \"Blues Variation\". \"The Curse of Baba Yaga\" es una de las más conocidas de este disco. Con respecto a las demás, están dos interpretaciones de \"The Hut of Baba Yaga\", la adaptación incluyendo letra de \"The Great Gates of Kiev\", y \"Nutrocker\".
Keith Emerson es la estrella aquí, pero Lake y Palmer intervienen lo suficiente para evitar que sea una presentación de sólo teclados. El disco volvió a cosechar triunfales ventas, llegando al puesto 3 en Gran Bretaña y al 10 en los Estados Unidos.

1.- Promenade
2.- The Gnome
3.- Promenade
4. Sage
5.- The Old Castle
6. Blues Variations
7.- Promenade
8.- The Hut of Baba Yaga
9.- The Curse of Baba Yaga
10.- The Hut of Baba Yaga
11.- The Great Gates of Kiev
12. Nutrocker

Download

__________________________________________________

229. Leonard Cohen – Songs of Love & Hate (1971)

En Songs of Love and Hate la voz de Leonard Cohen suena más segura y convencida. La producción de Bob Johnston (Dylan, Johnny Cash, Willie Nelson) subraya el proceso y el canadiense encuentra soltura en un trabajo donde el acabado instrumental está cada vez más presente. Johnston crea la atmósfera perfecta para que, a pesar de la austeridad, estas canciones suenen clásicas, hundidas y enormes. El tercer disco de Cohen es un golpe emocional difícil de contestar y es –discutiblemente- uno de sus trabajos más personales a la fecha.
Cada canción en este registro es un abismo distinto y cada una termina estancándose en la soledad, la inseguridad y la amargura. Las relaciones se presentan bajo diferentes prismas y el amor, el odio, lo espiritual y lo físico construyen un disco visceral y sombrío desde su portada, donde Cohen no deja espacio para el té y las naranjas extranjeras y tampoco para la instrumentación brillante de New Skin for the Old Ceremony (1974). Éste es un disco opaco por necesidad. Cohen reflexiona respecto al paso de los años en un trabajo triste y resentido que no encuentra en el paso del tiempo razón para celebrar o tranquilidad para sobrellevar tanta decepción. Cohen se vuelve viejo y a pesar de ser tratado como un tipo exitoso, intelectual y mujeriego se da cuenta de que se ha convertido en una leyenda con tan sólo tres discos bajo la manga y que ahora le cuelgan carteles sin que él logre entender o asimilar cada una de las características que han decidido otorgarle. Songs of love and hate, en oposición a su disco siguiente y a sus dos anteriores, es terrenal y obsesivo en hacerse entender. Las imágenes son nítidas y explícitas.
Cohen resume el amor y el odio en ocho composiciones cerebrales y, aún así, espontáneas y conmovedoras. Un disco emocionante que abre con el resentimiento de ‘Avalanche’ y cierra con la sublime ‘Joan of Arc’, para dejar en medio canciones del porte de ‘Famous blue raincoat’, ‘Diamonds in the mind’ o ‘Last year’s man’ y expone, en menos de cuarenta y cinco minutos, emociones tan propias como universales. Los tópicos más recurrentes son, nuevamente, rescatados de las manos de la mediocridad por un hombre que se debate entre la música y la literatura de una forma que hasta el día de hoy resulta inusual, enigmática y sobrecogedora. Cohen sabe que sus canciones han envejecido y se han vuelto amargas y él lo anuncia entre el orgullo y la rabia en ‘Sing another song, boys’, quizás, el mejor ejemplo de lo que este disco realmente simboliza.

1. Avalanche
2. Last Year\'s Man
3. Dress Rehearsal Rag
4. Diamonds in the Mine
5. Love Calls You by Your Name
6. Famous Blue Raincoat
7. Sing Another Song, Boys
8. Joan of Arc

Download

__________________________________________________

230. Joni Mitchell – Blue (1971)

Joni Mitchell es una de las grandes divas de la composición surgidas a finales de los años 60, al igual que Carole King o Laura Nyro, espejo de incontables cantautoras como Jewell, Tori Amos, Liz Phair, Natalie Merchant o Fiona Apple, sus incursiones en el folk o el jazz con textos de elevada carga emocional son algunos de los mejores legados femeninos de la historia de la música, equivalentes a los trabajos más importantes del Neil Young más folk, Van Morrison, Leonard Cohen o James Taylor.
“Blue” es una de sus cumbres, un disco folk muy desnudo, intimista, sensitivo, personal y autobiográfico, que dibuja escenarios de desolación pero también de esperanza, de encuentros y desencuentros amorosos con textos maduros y sinceros en clave poética. Sea con una simple guitarra acústica, un piano o un dulcimer, junto a su voz y melodías sencillas pero que atrapan el sentido emocional del asunto narrado, Joni expresa sus epopeyas románticas y sus evocaciones líricas con percepción y sensibilidad sobre el hogar, el amor, la felicidad y la tristeza en un viaje interior y externo realmente admirable.
Algunas destacadas piezas del álbum, dentro de un Lp prácticamente redondo, son “My old man”, precioso tema pivotado en el contrapunto entre la felicidad otorgada por la presencia del ser querido y el desconsuelo por su ausencia; “River”, una canción iniciada con un piano que interpreta las notas del “jingle bells” y que se centra en la evasión personal en un ideal escenario navideño, o “Little green”, sentido tema de bonita melodía dedicado a la hija que la cantautora canadiense tuvo que dar en adopción cuando todavía no había iniciado su carrera musical. En su madurez ambas terminarían encontrándose.
Como colaboradores suenan en el disco y de manera puntual la guitarra de James Taylor y el bajo y la guitarra de Stephen Stills.

1. All I Want
2. My Old Man
3. Little Green
4. Carey
5. Blue
6. California
7. This Flight Tonight
8. River
9. A Case Of You
10. The Last Time I Saw Richard

Download

__________________________________________________

231. Funkadelic – Maggot Brain (1971)

Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.
Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como \"rock negro\"
Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.
Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.
Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de \"Can You Get to That\" y el irresistible groove de \"Super Stupid\", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.
En cuanto a las épicas, \"Wars of Armageddon\" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.
\"Maggot Brain\", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.
Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.

1. Maggot Brain
2. Can You Get To That
3. Hit It And Quit It
4. You And Your Folks,Me And My Folks
6. Back in our Minds
7. Wars Of Amargeddon

Download

__________________________________________________

232. Janis Joplin – Pearl (1971)

La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.
La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.
A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera \"Move over\"; la irónica \"Mercedes Benz\", cantada a capella; el número 1 \"Me & Bobby McGee\", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de \"Half Moon\", la balada soul \"Trust me\" y el sensacional instrumental \"Buried alive in the blues\" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).
Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.

1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can

Download

__________________________________________________

233. Fela Kuti - With Ginger Baker: Live! (1971)

Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat, que en síntesis es la fusión entre el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.
Este genial documento histórico que supone poder apreciar con un muy buen sonido una de las primeras grabaciones en directo del genial artista-estrella-rey de africa-gran seductor-mito-ente político conocido por todos como Fela Kuti, nace de una odisea sobre cuatro ruedas a lo Kerouac: El viaje que realizaron a principio de los 70 el que fuera batería de Cream, Ginger Baker y nuestro hombre a bordo de un Land Rover... captando ritmos y sonidos de todita África.
Explicaciones complices y reídas entre corte y corte sirven como perfecto prologo para la bacanal de funky con guerra de percusiones, teclado groovey, coros sexuales y movimientos de cadera dislocantes que se pueden disfrutar en este lp que se reeditó en 2006 con un tema extra grabado en 1978 en el festival de jazz de Berlin: Tony Allen (padre del este invento llamado afrobeat) y Ginger Baker a muerte en uno de los solos de batería más bestias que se recuerdan.
El resto de canciones, \"Let´s Start\", \"Black man´s cry\", \"Ye ye de smell\" y \"Egbe mi o (carry me i want to die)\" son variantes de una misma pulsión, de un mismo sonido, del rugido del tercer mundo. Fela nunca grabó ni tocó el mismo tema dos veces. Siempre en esa busqueda incesante de la perfección musical, eso sí con agitación de mentes a lo socio-político más que obligatoria.
Este álbum es lo suficientemente accesible como para poder despertar la curiosidad del neófito por su falta de experimentaciones futuras y su ritmo incesante, y es una joyita inmarchitable para el conocedor de la música más excitante (en el sentido más literal de la palabra) que nos vino del continente negro. Es interesante reflexionar sobre la epóca, ya que en todo el apogeo funk en los 70 en USA, esto ocurría paralelamente en Africa, extraño pero cierto. La música nunca nos dejará de sorprender. Ginger Baker apareció en este disco y Fela le correspondió participando en el disco de Ginger “Stratavarious” (1972).

1. Let\'s Start
2. Black Man\'s Cry - Ginger Baker, Fela Kuti & Africa 70, Fela Kuti & Africa 70
3. Ye Ye de Smell
4. Egbe Mi O (Carry Me I Want to Die)
5. Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo [Live]

Download

__________________________________________________

234. Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)

The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces.
El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman.
Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need.
El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.

1. Miss Judy\'s Farm
2. You\'re So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That\'s All You Need

Download

__________________________________________________

235. Flamin’ Groovies – Teenage Head (1971)

Espléndida formación americana, poco conocida entre la masa pero de fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock \'n\' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.
Los Flamin\' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.
“Teenage Head”, publicado en 1971, sería a la postre el último disco con Jordan y Loney, las diferencias musicales entre ambos terminaron por imponerse, diferencias que se aprecian con claridad en este disco, como también se aprecia el tremendo efecto que producía la conjunción de sus egos, en magníficos temas como “Have You Seen My Baby?”, “Yesterday Numbers” o “Whiskey Woman” donde se combinan de una forma magistral las afiladas y rugosas guitarras de Loney con las acertadísimas melodías de Jordan, en este disco es muy acusada la infuencia de los Rolling Stones y de los primeros Beatles, dotando al álbum de una coherencia superior a la de sus anteriores trabajos.
En este “Teenage Head” aparece claramente reflejada toda la actitud y la energía de la banda gracias a una producción (a cargo de Richard Robinson) que por fin les hizo justicia, resaltando su inigualable capacidad compositiva e interpretativa, su versatilidad a la hora de abordar temas rock clásicos (las versiones de “Doctor Boogie” y de “32-20”), temas blues o estupendas canciones pop.
Tras este álbum, con la salida de Roy Loney de la banda, The Flamin’ Groovies se decantaron definitivamente por el lado melódico de Jordan, ya con el control exclusivo de la banda, y aunque aún fueron capaces de entregar muy meritorios trabajos nunca volverían a sonar como lo hicieron en este disco, un auténtico clásico que nadie debería dejar de escuchar.

1.High Flyin\' Baby
2.City Lights
3.Have You Seen My Baby?
4.Yesterday\'s Numbers
5.Teenage Head
6.32-20
7.Evil Hearted Ada
8.Doctor Boogie
9.Whiskey Woman
10Shakin\' All Over
11.That\'ll Be The Day
12.Louie Louie
13.Walkin\' The Dog
14.Scratch My Back
15.Carol
16.Going Out Theme

Download

__________________________________________________

236. Gene Clark – White Light (1971)

Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron \"White Light\" (1971) y \"No Other\"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras \"No Other\" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, \"White Light\" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.
Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.
Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.
En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.
En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de \"intoxicaciones\" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de \"One in a hundred\", mi favorita del disco junto a \"1975\". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de \"One in a hundred\" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. \"For a spanish guitar\" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada \"1975\", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en \"Harvest\" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico \"Stand by me\" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al \"Tears of rage\" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de \"Because of you\" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.

1.- The Virgin
2.- With Tomorrow
3.- White Light
4.- Because of You
5.- One In A Hundred
6.- For a Spanish Guitar
7.- Where My Love Lies Asleep
8.- Tears of Rage
9.- 1975
10.- Because Of You
11.- Stand By Me
12.- Ship Of The Lord
13.- Opening Night
14.- Winter In

Download

__________________________________________________

237. John Prine – John Prine (1st Album) (1971)

John Prine es un cantautor de country y folk estadounidense con un amplio éxito, tanto de crítica como de público, desde la década de 1970. Su primer disco, titulado sencillamente John Prine, fue un gran éxito. El álbum incluye temas característicos de Prine como \"Illegal Smile\", \"Sam Stone\" y el clásico del newgrass \"Paradise\", así como \"Hello In There,\" una canción sobre el envejecimiento que después ha sido interpretada por numerosos artistas. El éxito del disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como \"el nuevo Bob Dylan\". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones de Prine en Nueva York.

1. Illegal Smile
2. Spanish Pipedream
3. Hello in There
4. Sam Stone
5. Paradise
6. Pretty Good
7. Your Flag Decal Won\'t Get You into Heaven Anymore
8. Far from Me
9. Angel from Montgomery
10. Quiet Man
11. Donald and Lydia
12. Six O\'Clock News
13. Flashback Blues

Download

__________________________________________________

238. Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)

Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco \"Nilsson Schmilsson\" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema \"Without You\" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue \"Coconut\" que también tuvo éxito en ventas.

1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I\'ll Never Leave You

Download

__________________________________________________

239. T.Rex – Electric Warrior (1971)

El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex, al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock \'n\' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos.
\"Electric Warrior\" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.
Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como \"Mambo Sun\", \"Cosmic Dancer\", el número 1 británico \"Get it on\", la primorosa balada \"Girl\", la clase y elegancia destilada por \"The Motivator\", \"Life\'s a gas\" o la colérica \"Rip-Off\". La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.

01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life\'s A Gas
11. Rip Off

Download

__________________________________________________

240. David Bowie – Hunky Dory (1971)

Uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.
Al margen de su propia carrera como intérprete y compositor, Bowie se convirtió en pieza clave para relanzar en los años 70 las carreras de nombres esenciales del rock, como Lou Reed e Iggy Pop y los Stooges, dos de sus principales referencias como músico.
El álbum que encumbró definitivamente a David Bowie como una superestrella a nivel mundial y uno de los mejores trabajos de un artista esencial (a pesar de su bajón artístico a partir de los años 80), \"Hunky Dory\" desarrolla desde perspectivas netamente acústicas pasajes repletos de gran imaginería lírica.
Reminiscencias de Lou Reed, Neil Young y Bob Dylan para un mundo de ambiguas identidades sexuales, retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales (\"Kooks\" está escrita para su hijo Zowie) con repiques cabareteros en una global sonoridad pop que no esconde magistrales destellos folk.
Glamour estelar para el venidero Ziggy, que contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, por no hablar de la guitarra y arreglos de su amigo y gran instrumentista Mick Ronson.

1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers
12. Bombers
13. The Supermen
14. Quicksand
15. The Bewlay Brothers
16. The Shadowman
17. How Lucky You Are

Download

__________________________________________________

241. Randy Newman – Sail Away (1972)

Randy Newman, compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). En 1972 publicó su disco \"Sail Away\" que alcanzó el puesto #163 en la lista Billboard. En este disco aparecían canciones como la que da nombre al disco \"Sail Away\" (y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles), \"Burn On\" en la que hablaba de la contaminación del río Cuyahoga en Ohio, o quizás la más conocida \"You Can Leave Your Hat On\", que fue posteriormente interpretada por Joe Cocker, Keb Mo, Tom Jones o Etta James. Nunca fue superventas, pero consolidó su reputación de compositor inteligente e incluso es ganador de un Oscar.

1. Sail Away
2. Lonely at the Top
3. He Gives Us All His Love
4. Last Night I Had a Dream
5. Simon Smith and the Amazing Dancing Bear
6. Old Man
7. Political Science -2:00
8. Burn On
9. Memo to My Son
10. Dayton, Ohio - 1903
11. You Can Leave Your Hat On
12. God\'s Song (That\'s Why I Love Mankind)
13. Let It Shine
14. Maybe I\'m Doing It Wrong (studio version)
15. Dayton, Ohio - 1903 (early version)
16. You Can Leave Your Hat On (demo version)
17. Sail Away (early version)

Download

__________________________________________________

242. Deep Purple – Machine Head (1972)

Después de haber demostrado todo su talento con el lp \"In Rock\" en 1970 Y su consolidación comercial con el album \"Fireball\" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al número cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda.
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con \"Highway Star\", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con \"Maybe I\'m a Leo\", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue \"Pictures of Home\", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de \"Never Before\", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
\"Smoke On The Water\" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue \"Lazy\", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con \"Space Truckin\'\", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema \"Smoke on the Water\", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.

1. Highway Star
2. Maybe I\'m a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water\"
6. Lazy
7. Space Truckin\'

Download

__________________________________________________

243. Big Star – # 1 Record (1972)

En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes. Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.
El álbum abre con \"Feel\", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion. Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda. En la gema \"Watch the Sunrise\", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. \"Give me Another Chance\" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. \"The India Song\" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.
Pero el tema que hace de este disco un clásico es \"Thirteen\". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído. Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la época, y logrado tanto.

1. Feel
2. The Ballad Of El Goodo
3. In The Street
4. Thirteen
5. Don\'t Lie To Me
6. The India Song
7. When My Baby\'s Beside Me
8. My Life Is Right
9. Give Me Another Chance
10. Try Again
11. Watch The Sunrise
12. St 110/6

Download

__________________________________________________

244. Black Sabbath – Vol 4 (1972)

Después de apisonar la entonces temprana escena con los rocosos riffs de su Master Of Reality, los ingleses Black Sabbath retornaron sobre el mismo cauce de sus hondas huellas en Septiembre de 1972, desatando otra reptante manada de subacordes de obscura rúbrica, que arropando esta vez tesituras de un folklore rockero más bucólico, dieron vida al ’volumen 4’ de su discografía, uno de los álbumes más exquisitos de su primera y mítica era.
Y aquella era fue la de Ozzy Osbourne, esa cara de la moneda que brilló sobre la cruz de aquella negra instrumentación con pasmosa simbiosis, una voz más carismática que virtuosa que en este álbum desgarraba y masculinizaba más su tonalidad para hacer más justicia al nuevo repertorio guitarrístico que presentaba el zurdo Iommi, ostentador este último de la ‘fórmula diabólica’, aquella fúnebre afinación que nació de las secuelas de un accidente, y que en este álbum que nos ocupa fue perpetuada para proyectar las futuras tinieblas y el alto tonelaje y octanaje del Metal, justo como hoy lo conocemos.
Esos ingredientes históricos que dan cuerpo y alma al fenómeno Black Sabbath se forjaron a fuego lento para que décadas después, grupos como Pantera o Machine Head vieran en este Vol. 4 una de sus principales influencias para crear su propio sonido, según declaraciones suyas en entrevistas, sin olvidar ese gran proyecto que fue Down, a cargo de Phil Anselmo y la créme de la créme del Metal noventista de Nueva Orleans y Los Angeles, siendo este álbum que nos ocupa notorio influjo para que esa apuesta naciera. Como experimentando una naturaleza campestre y a ratos cósmica, es apasionante sumergirse en esta cuarta obra de los de Birmingham, que recobraban el paisajismo musical de su disco debut, el de la dama, la casa y el árbol que se erguían fantasmagóricos en ese pantanoso campo, volviendo a nuestra mente tan enigmáticas figuras sumadas al eco tardío de un ’Verano del Amor’ que los ’70 sepultaron, vibrando en la voz de Ozzy el espíritu residual de aquel Woodstock del ’68, esta vez blindado por los leñosos riffs del zurdo del bigote y las pegadas de un Bill Ward que, como por arte de magia, lograba expandir las posibilidades que le brindaba tan minimalista kit (como Mary Poppins con su bolso - ¡¿?!), parches y platillos sobre los que el expresionismo al bajo de Geezer Butler pincelaba densos sus propios argumentos, paralelos al trabajo de Iommi, pero altamente compatibles.
En menos de un mes de vida, ’Volume 4’ consiguió el Disco de Oro, siendo una obra más arriesgada y progresiva que sus antecesoras, y en la que el negro clan británico resucitó a aquel ‘Verano del Amor’ que ellos mismos dieron muerte con su goecia eléctrica, reviviéndolo con el galvanismo de sus seis cuerdas pero convirtiéndolo así en un monstruo más pesado, no exento de una efervescencia que más palpable se iría haciendo en sus siguientes trabajos, proyectándonos su ‘sueño del mañana’, un sueño profético, un sueño muy real, muy fiel al Hoy más inmediato del Metal.

1. Wheels of Confusion/The Straightener
2. Tomorrow\'s Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes

Download

__________________________________________________

245. Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)

Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can\'t Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías.
El disco cuenta con Reelin\' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas, aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.

1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin\' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again

Download

__________________________________________________

246. Neil Young – Harvest (1972)

El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense.
Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, \"Harvest\", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como \"Heart of gold\", \"Are you ready for the country?\", \"Old man\", \"Alabama\", \"The needle and the damage done\" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima \"Harvest\".
Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.

1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There\'s a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)

Download

__________________________________________________

247. Curtis Mayfield – Superfly: Original Motion Picture Soundtrack (1972)

Curtis Mayfield, cantante, compositor y guitarrista de soul y funk nacido en Chicago en 1942.
El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.
Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.
Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.
Curtis Mayfield, en 1970, emprendió su carrera en solitario. Sus primeros sencillos tenían un aire muy funk, como \"(Don\'t Worry) If There\'s a Hell Below, We\'re All Gonna Go\", en el que muchos creían excesiva la forma tan cruda con que se hablaba sobre hechos de la comunidad negra urbana. En solitario no cosechó tanto éxito como anteriormente, hasta que en 1972 llegó la banda sonora de \"Superfly\" y con ella el éxito, dando lugar al movimeinto blaxploitation. La banda sonora tuvo mucha más relevancia que la película por sí misma.
En aquel momento, Curtis Mayfield era, junto a Stevie Wonder y Marvin Gaye, el icono de un nuevo soul. Tras el éxito abrumador de \"Superfly\" cosechó éxitos menores como \"Kung Fu\", \"So in Love\" y \"Only You Babe\".

1. Litte Child Runnin\' Wild
2. Pusherman
3. Freddie\'s Dead
4. Junkie Chase (instrumental)
5. Give Me Your Love
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think (instrumental)
9. Superfly

Download

__________________________________________________

248. Slade – Slayed? (1972)

El mejor álbum de los exitosos Slade, un conjunto esencial del glam británico surgido a comienzos de los años 70. Tomando como cimiento el rock\'n\'roll de los 50, enfatizando los ritmos y estribillos, endureciendo el aspecto sonoro y vistiendo excéntricos atuendos, que jugaban notablemente con la ambigüedad sexual, Slade, con su vigorizante, bulliciosa y divertida música, arrasaron en las listas británicas con estupendos discos y exuberantes singles, algunos de ellos incluidos en este álbum como \"Mama weer all crazee now\" o \"Gudbuy T\'Jane\".
Producido por Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, \'Slayed?\" es una plétora de latigazos de guitarras, musculosas bases rítmicas y agresividad vocal de elevada excitación en sus grandilocuentes estribillos, que brilla además de los sencillos en sensacionales piezas como \"Look at last night\", \"I won\'t let it \'appen agen\" o la obra maestra \"Gudbuy Gudbuy\".
Las muy conseguidas versiones revisitan a Janis Joplin con \"Move over\" y a Shirley & Lee con sus clásicas piezas de R&B \"Let the good times roll\" y \"Feel so fine\".

1.- How D\'you Ride
2.- The Whole World\'s Goin\' Crazee
3.- Look At Last Nite
4.- I Won\'t Let It \'Appen Agen
5.- Move Over
6.- Gudbuy T\'Jane
7.- Gudbuy Gudbuy
8.- Mama Weer All Crazee Now
9.- I Don\' Mind
10.- Let The Good Times Roll / Feel So Fine
11.- My Life Is Natural
12.- Candidate
13.- Wonderin\' Y
14.- Man Who Speeks Evil
15.- Slade Talk To \'Melanie\' Readers

Download

__________________________________________________

249. Deep Purple – Made in Japan (1972)

Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple.
Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero.
La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time.
Smoke on the water. Qué decir. Un clásico entre los clásicos. El riff que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin.
Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción.
Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos.
Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.

01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin\'

Download

__________________________________________________

250. Yes – Close to the Edge (1972)

Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción \"épica\" mucho más larga que las otras en el disco. Esto volvió a repetirse en los álbums Relayer (que incluyó \"The Gates of Delirium\" y Going for the One\' (que incluyó \"Awaken\".
Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción \"Close to the Edge\" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y \"Siberian Khatru\" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el #4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el #3 en Estados Unidos.

1. Close to the Edge: The Solid Time of Change/Total Mass Retain/I Get Up
2. And You and I/Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse
3. Siberian Khatru

Download

1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 5)

2010-04-30T00:30:00.001-04:00

201. James Taylor – Sweet Baby James (1970)

El más genuino representante de la hornada de cantautores de introspectiva lírica, aguda sensibilidad, reposados ritmos de procedencia acústica y templada vocalidad que surgieron en los años 70 es James Taylor, un talentoso compositor cuyos temas empapados de reflexión personal y afectivas revisitaciones de canciones ajenas, cosecharían de forma regular un apreciable éxito comercial, con su oferta de piezas de enfoque adulto y basamento folk, country, blues, soul y soft-rock de sencillas estructuras y fácil asimilación.
James Taylor abandonó Apple y junto a él se fue Peter Asher, quien confiaba totalmente en la lucidez compositiva de su artista. Posteriormente Asher también produciría a su hermana Kate, entre otros muchos artistas.
Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron "Sweet Baby James" (1970), un disco en el cual colaboró Carole King y que lo convertiría en estrella, gracias a singles como "Fire and rain", "Country road" o el homónimo "Sweet Baby James", embebidos de tintes autobiográficos. El album llegaría al número 1.
Aprovechando el éxito, se reeditó el sencillo "Carolina in my mind" y el EP publicado con The Flying Machine.
Su triunfo social fue enorme, apareciendo en la portada de la revista "Time" como abanderado del estilo de cantautor (entre los que se encontraba gente como Cat Stevens, Joni Mitchell, Carly Simon, Laura Nyro o Carole King) y protagonizando como actor principal la película de Monte Hellman "Carretera asfaltada en dos direcciones" (1971), título en el cual aparecía también Dennis Wilson, el batería de los Beach Boys.

01. Sweet Baby James
02. Lo And Behold
03. Sunny Skies
04. Steamroller
05. Country Road
06. Oh Susannah
07. Fire And Rain
08. Blossom
09. Anywhere Like Heaven
10. Oh Baby Don't You Loose Your Lip On Me
11. Suite For 20 G

Download

__________________________________________________

202. Paul McCartney – McCartney (1970)

"McCartney" es el primer álbum de la carrera en solitario de Paul McCartney. Macca comenzó la grabación del disco a finales de 1969, inmerso en plena disolución de The Beatles y ultimando los últimos detalles de la publicación de "Let It Be". Grabado entre su casa de Londres y los estudios Morgan y Abbey Road, en este disco Paul toca todos los instrumentos (bajo, guitarras, batería, piano, melotrón, órgano y xilófono), y únicamente se acompaña de su entonces esposa Linda en los coros. Por aquellas fechas, Paul aún seguía luchando por mantener con vida a los Beatles, aunque John ya había iniciado un proyecto con su Plastic Ono Band y George y Ringo ya habían grabado sus primeros álbumes en solitario. Con la certeza de que aquella situación ya no tendría más vuelta de hoja, en otoño de 1969 Paul se enfrascó en la vida familiar con Linda, su esposa, y Mary, su hija recién nacida, al tiempo que comenzaba a componer y grabar nuevos temas en su propio estudio portátil de cuatro pistas. Tan entusiasmado estaba con los resultados, que al poco tiempo ya tuvo listo un buen repertorio de nuevos temas. El álbum estaba preparado para su edición en Marzo de 1970. No obstante, debido a las cuestiones legales aún abiertas con el grupo, no pudo ser lanzado hasta casi un mes y medio después. El 10 de Abril de 1969 Paul anuncia la disolución de The Beatles. Una semana después, "McCartney" era publicado en todo el mundo junto a una nota de prensa en la que manifestaba sus impresiones sobre la desaparición del cuarteto y hablaba sobre su futuro más próximo.
El álbum alcanzó el primer puesto en las listas americanas, manteniéndose en lo más alto durante tres semanas y consiguiendo dos discos de platino. En el Reino Unido el disco se vio eclipsado por el lanzamiento de "Bridge Over Troubled Waters", de Simon & Garfunkel, que ostentó el número 1 durante cuarenta y una semanas no consecutivas. Aún así, "McCartney" estuvo tres semanas en el segundo puesto.
El contenido es de lo más variopinto, empezando por una intro de lo más ñoño titulada "The Lovely Linda" (La-la-la-la-la... the lovely Linda). "That Would Be Something" representa una vuelta a las raíces del Rock & Roll que inspiraron a un jovencísimo Paul allá por los años 50, raíces que quedan reflejadas en la grandísima "Valentine Day", donde alterna buenos acordes blueseros con una suave batería de acompañamiento. No es el único tema instrumental que incluye el álbum, que alterna maravillosas melodías con excelentes interpretaciones vocales. El primer clásico vocal que encontramos es "Every Night", que durante buena parte de su carrera se convirtió en tema fijo del repertorio de directo de Macca. "Hot As Sun" es una de las primeras composiciones de Paul con The Quarrymen (pre-Beatles), allá por 1959. Ensambla esta pegadiza instrumental con un psicodélico fragmento titulado "Glasses". La dulce "Junk", compuesta en 1968 durante la estancia de The Beatles en India, ya fue descartada del "Álbum Blanco" y de "Abbey Road", por lo que éste era su momento de ver la luz. Habéis podido escucharla en el tercer volumen de la serie "Anthology". El sonido y la esencia beatle son perfectamente reconocibles en la infantil "Man We Was Lonely", con Linda a los coros. "Oo You" muy posiblemente sea una de las mejores canciones del álbum, un rock'n'roll de esos que a veces Sir Paul saca de la chistera, con unas guitarras rasgadas con maestría. "Momma Miss America" es otra instrumental, aunque en este caso bastante más elaborada que las anteriores. Una base rítmica de batería sustenta la melodía creada por el piano y guitarra principales, creando un conjunto musical muy emocionante. El tema fue incluido en la banda sonora del peliculón "Jerry Maguire" de Cameron Crowe. Como si el álbum estuviera grabado sobre un guión preestablecido, a continuación toca un tema bastante tonto como "Teddy Boy", también compuesto en la India en 1968; otro descarte de las sesiones del "White Album" y que también salió en su versión demo en el "Anthology". "Singalong Junk" no es otra que la versión instrumental de "Junk", y también se incluyó en "Jerry Maguire". Preciosa melodía creada a partir de un piano y una guitarra acústica que acompañaba a la perfección la escena en la que Jerry (Tom Cruise) se despide de Dorothy (Reneé Zellweger) en el portal de la casa de ésta. Y, señores, quítense el sombrero, porque a continuación viene la mejor canción jamás escrita por Paul en toda su carrera solista: "Maybe I'm Amazed". Escondida tras su apariencia de balada, tiene el mismo puntito punk que "Oh, Darling", incluída en "Abbey Road". Fue incluída entre las 500 Mejores Canciones de la Historia por la publicación Rolling Stone. "Kreen-Akrore" cierra el álbum con un collage de sonidos y ritmos.

01. The Lovely Linda
02. That Would Be Something
03. Valentine Day
04. Every Night
05. Hot as Sun/Glasses
06. Junk
07. Man We Was Lonely
08. Oo You
09. Momma Miss America
10. Teddy Boy
11. Singalong Junk
12. Maybe I'm Amazed
13. Kreen-Akrore

Download

__________________________________________________

203. Santana – Abraxas (1970)

Un año después de aparecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, la obra maestra de Carlos Santana y apenas su segundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahí está, muy presente, la huella de Miles Davis) y ritmos afro antillanos. La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbre discográfica de los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si “Santana”, el larga duración anterior, contenía tres futuros temas clásicos (”Souls Sacrifice”, “Evil Ways” y “Jingo”), este opus número 2 ofrecía exactamente lo mismo con “Black Magic Woman” (composición de Peter Green, líder del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba gran rock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda “Gypsy Queen”, “Oye cómo va” (original del enorme timbalista Tito Puente) y “Samba pa ti” ( una de las piezas más bellas jamás escritas por Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en la calidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas. Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandes rasgos jazzísticos, como “Incident at Neshabur” o “Singing Winds, Crying Beasts”, no dejan lugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera “Hope You’re Felling Better”. Por supuesto que más allá del alto nivel de los diversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, sus licks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, pero sobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquí interpreta.
Con "Abraxas", Santana obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas consecutivas y consiguió vender más de un millón de copias; algo extraño por entonces en un trabajo discográfico fundamentalmente instrumental. En definitiva, un excelente disco que no pasará de moda.

1. Singing Winds, Crying Beasts
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye Como Va
4. Incident at Neshabur
5. Se A Cabo
6. Mother's Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You're Feeling Better
9. El Nicoya
10. Se A Cabo (1998 Edition)
11. Toussaint L'Ouverture (1998 Edition)
12. Black Magic Woman/Gypsy Queen (1998 Edition)

Download

__________________________________________________

204. Syd Barrett – Madcap Laughs (1970)

Roger Keith Barrett fue el gran baluarte del éxito inicial de los Pink Floyd y uno de los pioneros en el sonido de la psicodelia británica. Syd (nacido el 6 de enero de 1946 en Cambridge) sufrió como nadie los efectos de las drogas alucinógenas tan de moda a finales de los años 60, el consumo abusivo privó a la música de un compositor genial y arriesgado que tras comenzar en grupos como Geoff Mutt and the Mottoes y The Hollering Blues pasó a ser el lider absoluto de Pink Floyd, artífice principal de su primer disco psicodélico-surreal "The piper at the gates of dawn" (1967)
The Madcap Laughs es el primer álbum como solista de Syd Barrett después de abandonar Pink Floyd. Producido por Roger Waters, David Gilmour, Malcolm Jones y Peter Jenner, grabado en 1969 y editado en enero de 1970. La mayoría de sus canciones reflejan el estado mental de Barrett en ese tiempo. Fue un álbum con sesiones difíciles, ya que al ser una persona inestable los músicos difícilmente podían acompañarlo en cuanto a métrica y ejecución de sus piezas.
Es un disco distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho: caótico, depresivo, incoherente, psicodelico, brillante, carente de mayores arreglos. Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto, por ello en la mayoría de las canciones se escucha tan solo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" (el mejor tema del Lp para muchos), "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Sus letras exploran distintas atmósferas, consiguiendo en cada canción un mundo. Muchos artistas fueron influenciados por esta obra, algunos de ellos son John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), Damon Albarn (Blur), David Bowie.

1. Terrapin
2. No Good Trying
3. Love You
4. No Man's Land
5. Dark Globe
6. Here I Go
7. Octopus
8. Golden Hair (Barrett/Joyce)
9. Long Gone
10. She Took a Long Cold Look
11. Feel
12. If it's In You
13. Late Night

Download

__________________________________________________

205. Jethro Tull – Aqualung (1971)

Uno de los disco más populares y conseguidos del grupo británico liderado por el cantante, guitarrista y flautista Ian Anderson, Jethro Tull, quienes desarrollan una amalgama de rock, folk y blues con retazos progresivos para conformar un Lp de poso conceptual, acometiendo temas como la transgresión institucional del verdadero mensaje del cristianismo y de la ejecución del mismo en un sistema corruptamente organizado, o el desarrollo de historias de notable imaginería y condición crítica en su miramiento social.
"Aqualung" se inicia con el tema homónimo, uno de los mejores cortes del álbum, significado por el riff legendario de Martin Barre, desplegando en su conjunto un esmerado trabajo melódico y un gran trabajo vocal de Anderson, pasando de registros de aviesa apostura a tonadas de dulce vocalidad y elaborando piezas de variado disfrute, desde exiguas y exquisitas canciones acústicas como "Cheap Day Return", "Wondering Aloud" o "Slipstream" a temas extensos de diferentes ritmos y texturas como "My God" o el citado "Aqualung" y cortes de diáfano cimiento rock como la magnífica "Cross-Eyed Mary" o folkies como "Mother Goose", todo ello sin practicamente decaer en su calidad compositiva, que mixtura notablemente los sonidos acústicos con los eléctricos, sabiendo como ensanchar o acentuar los momentos más emocionales de un Lp imprescindible para los amantes del rock progresivo.

01 Aqualung
02 Cross-Eyed Mary
03 Cheap Day Return
04 Mother Goose
05 Wond'ring Aloud
06 Up to Me
07 My God
08 Hymn 43
09 Slipstream
10 Locomotive Breath
11 Wind Up
12 Lick Your Fingers Clean
13 Wind Up Quad Version
14 Excerpts from the Ian Anderson Interview / John Bungey
15 Songs for Jeffrey
16 Fat Man
17 Bouree

Download

__________________________________________________

206. David Crosby – If Only I Could Remember My Name (1971)

David Crosby inicia en los años 60 su andadura musical fundando thr Byrds, grupo esencial en la música pop americana. Despues con Nash y Sitlls formará Crosby, Stills and Nash, grupo al que después se reincorpora Neil Young. Colaborador de lujo por sus armonías vocales de múltiples artistas, continua actualmente grabando y es considerado artista de culto. David
Esta grabación es de las que te atrapa, de ésas que cuanto más las escuchas más se convierten en parte de tí. Sumergido en la más auténtica tradición folk-rock americana, el señor Crosby nos lleva de la mano a través de un viaje flipante por el arte de componer música, donde cada engranaje de la máquina funciona a la perfección, todo en beneficio del oyente, para su disfrute, porque aquí no se atisba ni un átomo de autocomplacencia, sólo la más completa entrega.
Con su increíble facilidad para escribir canciones redondas, y su sentido de la melodía realmente envidiable.La dosis perfecta de talento, inspiración, improvisación y generosidad, en medio de una época dorada para discos así.

1. Music Is Love
2. Cowboy Movie
3. Tamalpais High
4. Laughing
5. What Are Their Names
6. Traction in the Rain
7. Song With No Words
8. Orleans
9. I'd Swear There Was Somebody Here

Download

__________________________________________________

207. Sly & The Family Stone – There’s a Riot Goin’ On (1971)

La fiesta se había terminado y el sueño se había roto. Y algo dentro de Sylvester Stewart, alias Sly Stone, también. La esperanza de integración racial que representaba la Family Stone, la festiva vitalidad que transmitían sus maravillosos y rompedores discos, donde el funk, el soul, el rock se hermanaban (como los músicos sin importar el color de su piel, masculinos y femeninos de su formación) sin complejos y valientemente, para llevar a todos estos géneros hacia delante. Sly era un innovador que te lo hacía pasar bien con sus experimentos, que te empujaba a la pista de baile. Pero tal vez él mismo se lo había pasado demasiado bien y llegaba el momento de sufrir. Demasiada droga, por si alguien no está entendiendo todo esto.
"There´s A Riot Goin´ On" se convirtió en otra obra maestra, quizá la mayor. Pero su nacimiento fue terriblemente accidentado: toda la banda estaba destrozada por los excesos y por las desavenencias internas, el disco fue grabado de un modo caótico, con gente entrando y saliendo de un estudio que era una fiesta de color blanco: las cintas que se perdían y nadie sabía dónde estaban. Esto llevó a Sly a grabar él mismo mucho del material. Ejerciendo su faceta de multiinstrumentista, y también introduciendo una extraña mezcla de percusión orgánica y las primeras cajas de ritmos en el mercado, lo que otorga al disco una fascinante y bizarra sonoridad.
Para comprender la diferencia entre este disco y sus precedentes basta comparar la versión incluida de "Thank You", en este caso una mezcla oscura, obsesiva, con un bajo que agobia en vez de incitar a bailar, y compararla con el exultante single que se había publicado antes. Y ese es el tono generalizado en el disco. Una obra en la que la jams instrumentales se dejan ir, pero sobre todo se arrastran, como la voz de Sly, que suena dolida, confusa y desesperada. En las letras se mezclan el desquiciado estado mental de Sly (Runnin´Away relata de un modo festivo su adicción a la coca, en un ejercicio de ironía devastador) con comentarios políticos que están lejos del optimismo (Thank You For For Talkin´ To Me Africa). Y aún así resulta una obra poliédrica, repleta de genialidades. Sly siempre se había auto producido, y de este modo se dio una libertad absoluta para hacer lo que le vino en gana, para expresarse, ya que como afirma en "Poet" "mi única arma es mi pluma, soy un escritor de canciones, soy un poeta".Hacer este disco era su única salida del pozo. Y para conseguirlo siguió utilizando las voces, las percusiones, los vientos, los bajos y los teclados de un modo diferente a todos los demás. Sólo que esta vez las baladas sonaban dolidas (Time), y los tiempos rápidos también (Family Affair), si no resultaban completamente desquiciados (Spaced Cowboy)
Siempre se ha dicho que Sly fue uno de los mayores innovadores de la música afroamericana. Tal vez nunca más que en esta ocasión: el primer disco de música de baile que expresa el dolor y no la alegría de vivir.

1.Luv N' Haight
2.Just Like a Baby
3.Poet
4.Family Affair
5.Africa Talks to You ' the Asphalt Jungle'
6.There's a Riot Goin' On
7.Brave & Strong
8.(You Caught Me) Smilin'
9.Time
10.Spaced Cowboy
11.Runnin' Away
12.Thank You For Talkin' to Me Africa
13.Runnin' Away
14.My Gorilla Is My Butle
15.Do You Know What?
16.That's Pretty Clean

Download

__________________________________________________

208. Marvin Gaye – What’s Going On (1971)

Un álbum fundamental para entender la música y que además está considerado por la crítica como uno de los mejores que se han grabado jamás. What's Going On es un álbum grabado por cantante de soul norteamericano Marvin Gaye. Lanzado el 21 de mayo de 1971 What's Going On significó el inicio de una nueva tendencia en la música soul. Con letras intimistas acerca del abuso de drogas, la pobreza y la guerra de Vietnam, el álbum fue una sensación inmediata y ha permanecido como un clásico del soul. Constantemente es nombrado en encuestas como una de las grabaciones fundamentales en la historia de la música pop y es considerado una de los más grandes grabaciones de todos los tiempos. Por ejemplo ocupó el sexto lugar en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y en 1999 una encuesta de críticos conducida por el diario británico Guardian/Observer lo nombró como "El más grande álbum del siglo XX".
El productor fue el propio Marvin Gaye. What's Going On es una álbum concepto que consiste de nueve canciones (todas las cuales excepto la primera están ligadas) vistas desde el punto de vista de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a Estados Unidos, el país por el cual ha estado peleando y no ve más que injusticia, sufrimiento y odio. Gaye parece haberse inspirado en la experiancia de su hermano que pasó tres años en el ejército durante la guerra de Vietnam.

1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love (Album Version)
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Single Version)
11. Sad Tomorrows

Download

__________________________________________________

209. Yes – Yes Album (1971)

Yes fue una de la bandas más importantes de rock progresivo surgido en la Gran Bretaña de finales de los años 60. Su capacidad virtuosa y su temática con trazos mítico-místicos ayudaron a fundamentar varias de las bases del mejor sonido progresivo. Comenzaron su andadura en 1968, año en el que actuaron de teloneros en la gira de despedida del mítico trío Cream. Sucesivas actuaciones en diferentes clubs británicos lograron que Atlantic se fijara en ellos para editarles sus primeras grabaciones.
El título es de lo menos original que pueda tener un disco, pero la música que contiene es maravillosa. Acá están los primeros éxitos de la más exitosa de las bandas progresivas: Yours Is No Disgrace, Your Move, I've Seen All Good People, todas con un trabajo de voces impresionante, con Jon Anderson a la cabeza, y el bajista Chris Squire, que es un superdotado tanto en las 4 cuerdas como en su garganta... juntos fueron los creadores de ciertas armonías vocales que son marca registrada de Yes. La formación la completaban Tony Kaye (posteriormente reemplazado por Rick Wakeman) y el maestro de maestros Bill Bruford (también integrante de King Crimson y Genesis), una eminencia de la batería y la percusión en general. Párrafo aparte para la increible The Clap (en vivo), que es una interpretación de guitarra acústica que demuestra porque Steve Howe tiene tanto peso en la historia de las 6 cuerdas. Yes logra en este disco definir su estilo que... si, probablemente, lo desarrollen mejor en álbumes posteriores como "Fragile" y "Close To The Edge", pero este es en mi opinion el más accesible.
Convengamos que el Rock Progresivo, se excedió demasiado en complejidad y terminó quedando como un recuerdo lindo de una época en la que esta música, super compleja, llenaba estadios.

01. Yours Is No Disgrace
02. Clap
03. Starship Trooper
04. I've Seen All Good People
05. A Venture
06. Perpetual Change

Download

__________________________________________________

210. Bee Gees – Trafalgar (1971)

Coronados comercialmente en la fiebre discotequera de la década de los 70, los Bee Gees habían mostrado mucho antes un extraordinario talento para la creación pop, a veces barroca, otras psicodélica, siempre melódica, en canciones ensalzadas por sus armonías a tres voces y una elevada sensibibilidad en el concepto compositivo. Este talento les permitió con el paso de las décadas redifinir sus sonidos, aclimatarse a diferentes estilos y alcanzar un espectacular éxito a nivel mundial, que convirtió al terceto en toda una institución dentro de la música popular. Trafalgar es el séptimo álbum de estudio de The Bee Gees, lanzado en septiembre de 1971. El álbum fue relativamente un hit en los Estados Unidos al alcanzar la posición #34. El single principal "How Can You Mend a Broken Heart?" fue el primero en alcanzar la posición #1 en las listas del país americano.

01. How Can You Mend A Broken Heart
02. Israël
03. The Greatest Man In The World
04. It's Just The Way
05. Remembering
06. Somebody Stop The Music
07. Trafalgar
08. Don't Wanna Live Inside Myself
09. When Do I
10. Dearest
11. Lion In Winter
12. Walking Back To Waterloo

Download

__________________________________________________

211. The Who – Who’s Next (1971)

Monumental obra del cuarteto británico The Who, que tras abandonar un brillante ciclo de lucidez artística durante los años 60 se abría paso en el siguiente decenio con este apabullante álbum de naturaleza agridulce, irónica y combativa, tonalidades creadas por Pete Townshend y enfatizadas por la agresiva vocalidad de Roger Daltrey, la fibrosa guitarra de su citado autor principal, y la impetuosa sección rítmica de John Entwistle y Keith Moon.

El disco, que estaba proyectado en principio como una ópera-rock denominada "Lifehouse", muestra la capacidad imaginativa de Pete Townshend en la construcción piezas de rock clásico, con un espléndido y novedoso empleo de sintetizadores que acentúan la fortaleza instrumental de la banda en uno de sus momentos más álgidos.
Desde el himno "Baba O'Riley", pieza dedicada al mentor espiritual de Pete Townshend que expone a la perfección el esquema musical de los Who en este album, con ese hipnótico sintetizador horadando una canción concluida por el violín de Dave Arbus, hasta el orgiástico final de "Won't get fooled again", canción de incisivo comentario político, el álbum es un tratado magistral de inmortal rock con variada expresión emocional y arrebatante disposición sonora.
En medio de estos dos cortes hallamos clásicos temas de aguerrida textura como "Bargain", calmadas piezas de sentida ejecución como "Song is over" y "Getting in tune" (ambas con el piano del omnipresente músico de sesión Nicky Hopkins), poderío acústico en "Love ain't for keeping" o "Goin' mobile", la bellísima y triste balada "Behind blue eyes", pieza con guitarra acústica y armonías vocales que alcanza un acerado clímax eléctrico antes de templar de nuevo su tempo y retomar las pautas sónicas iniciales, o la gloriosa composición del bajista Entwistle "My wife", todo un miramiento sarcástico a las infidelidades matrimoniales.
Considerado por muchos como el mejor álbum del grupo, Who's Next fue nombrado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto #13, y por la revista musical Rolling Stone, alcanzando la posición #28. Tras su publicación, fue considerado como el mejor álbum del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice.
El álbum aparece en el puesto 15 de la lista de los 100 mejores álbumes de los años 70, elaborada por Pitchfork Media. En 2006, Who's Next fue elegido por la revista TIME como uno de los cien mejores álbumes de todos los tiempos.

1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife (Entwistle)
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Pure and Easy
11. Baby Don't You Do It (Holland-Dozier-Holland)
12. Naked Eye
13. Water
14. Too Much of Anything
15. I Don't Even Know Myself
16. Behind Blue Eyes

Download

__________________________________________________

212. Carole King – Tapestry (1971)

"Tapestry" es sin duda la obra maestra de Carole King: 4 premios grammy y 15 semanas en el número uno lo avalan. Dominado por la calidez de su piano, "Tapestry" pasará a la historia por ser uno de las mejores creaciones femeninas de la música moderna. La protagonista no podía ser otra que la talentosa Carole King, responsable de multitud de reputados temas pop en los años 60 como "The locomotion" o "Chains", por decir un par de ellos.
Su trasvase de compositora a cantautora se realizó en los 70 y este trabajo muestra su enorme habilidad en la tarea de ejecución y escritura.
Desde la rítmica "I feel the earth move" hasta la soulera "(You make me feel like) A natural woman", canción que Carole había escrito para Aretha Franklin, el disco es un auténtico catálogo de clásicos y un recorrido de anclaje mayoritariamente romántico.
Las extraordinarias "So far away", "It's too late", "Beatiful" o las nuevas versiones de sus temas "You've got a friend", que había compuesto para James Taylor (cantautor que colabora en el disco con su guitarra acústica), "Will you love me tomorrow", presentado en formato balada como contrapunto a la original de las Shirelles o la citada "(You make me feel like) a natural woman", producidas por Lou Adler, el artífice de discos de gente como Mamas & The Papas, Scott McKenzie o Spirit, son elementos básicos de un álbum ineludible para los amantes de las composiciones pop de espíritu soul bien construídas y elaboradas desde un maduro punto de vista.

01 I Feel The Earth Move
02 So Far Away
03 It's Too Late
04 Home Again
05 Beautiful
06 Way Over Yonder
07 You've Got A Friend
08 Where You Lead
09 Will You Love Me Tomorrow?
10 Smackwater Jack
11 Tapestry
12 (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
13 Out In The Cold
14 Smackwater Jack [Live]

Download

__________________________________________________

213. Isaac Hayes – Shaft: Music from the Soundtrack (1971)

Isaac Hayes (Covington, Tennessee, 20 de agosto de 1942 - Memphis, Tennessee, 10 de agosto de 2008) fue un compositor, cantante, actor y productor estadounidense.

Su voz clara y potente le hizo catalizador de la explosión Stax en los 60; autor de himnos como Soul Man , inventor del soul sinfónico con Hot Buttered Soul (1969) y primer afroamericano en recibir un Oscar a la mejor banda sonora por la película Shaft (1971), que inauguraba el subgénero de la Blaxploitation.
Seguidor de la escuela del sonido Memphis, allá por los años 70, y uno de los primeros en adentrarse en el mundo del rap.Isaac Hayes participó en el famoso festival de Wattstax en 1972, gran concierto de música de los artistas afroamericanos más destacados en aquella época, concierto realizado en el Coliseo de Los Ángeles, en agosto de 1972.
Ese festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de la música soul, ya que estuvieron presentes otros destacados para aquella época como Rufus Thomas, entre otros. El festival fue considerado como el Woodstock de los afroamericanos.
Isaac Hayes interpretó con su banda el tema de la película Shaft y la ovación fue grande.El orgullo de ser negro ; aquello significó mucho porque Isaac Hayes una leyenda viva con ese tema tan celebrado. Eran tiempos de tensión, de segregación racial en EE. UU., por todo lo que había pasado: el asesinato de Martin Luther King, el movimiento por los derechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir y luchaba por su reivindicación.

1. Shaft
2. Bumpy's Lament
3. Walk From Regio's
4. Ellie's Love Theme
5. Shaft's Cab Ride
6. Cafe Regio's
7. Early Sunday Morning
8. Be Yourself
9. Friend's Place
10. Soulsville
11. No Name Bar
12. Bumpy's Blues
13. Shaft Strikes Again
14. Do Your Thing
15. End Theme

Download

__________________________________________________

214. Allman Brothers – At Fillmore East (1971)

Legendaria formación estadounidense de los años 70, epítome del rock sureño por su apasionante mezcolanza de estilos anclados en las raíces de la música americana. Rock, blues, soul y country predominantemente pero sin dejar de lado otros sonidos como el jazz, el gospel o la música clásica, son la base de esta esencial banda, cuya mayor característica son sus arrebatadoras y nada autocomplacientes jams en directo. En 1971 publicaron su trabajo más popular y uno de sus cimas como grupo, el doble álbum en directo grabado en Nueva York "At The Fillmore East" (1971).
Sus excitantes conciertos, plagados de largas pero nada pesadas jams, pueden ser paladeados en este gigantesco disco de blues rock con querencia jazz que cuenta con temas de la talla de "Statesboro blues" o "Whipping post". Este trabajo consolidó a los Allman Brothers como una de las mejores formaciones de los Estados Unidos en su época y logró unos estupendos resultados comerciales. At Fillmore East es sin dudas uno de los mejores discos en vivo de la historia del rock
Esta situación feliz duró poco para la banda, pues unas semanas después de la publicación de "At the Filmore East", Duane Allman uno de los mejores guitarristas de la historia ,fallecía a causa de un accidente de moto el 29 de octubre de 1971.

Disc one
1.Statesboro Blues
2.Trouble No More
3.Don't Keep Me Wonderin'
4.Done Somebody Wrong
5.Stormy Monday
6.One Way Out
7.In Memory of Elizabeth Reed
8.You Don't Love Me
9.Midnight Rider

Disc two
1.Hot 'Lanta
2.Whipping Post
3.Mountain Jam
4.Drunken Hearted Boy

Download

__________________________________________________

215. Rolling Stones – Sticky Fingers (1971)

Sensacional álbum de sus majestades stonianas con portada del artista neoyorquino Andy Warhol.
Es un disco esencial de rock con trazos blues y country revistiendo materias alucinógenas y avidez sexual con cimbreantes ritmos de naturaleza negra.
"Sticky Fingers" es un impresionante viaje sonoro que nos machaca con apabullantes riffs eléctricos, apasionadas travesías acústicas, extraordinarias baladas emocionales y alguna pieza de ejecución narcótica. La interactuación instrumental es magnífica entre unos excelentes músicos a los que se les une el saxo de Bobby Keyes, los pianos de Ian Stewart, Jack Nitzsche, Jim Price y Nicky Hopkins, la guitarra de Ry Cooder, las cuerdas de Paul Buckmaster o la percusión del mismísimo productor, Jimmy Miller.
El álbum es una obra maestra de principio a fin, con piezas indelebles como "Brown Sugar", "Sway", "Sister Morphine" (compuesta junto a Marianne Faithfull), "Wild Horses", "Bitch", "Dead Flowers" o "Can't you hear me knocking"... pasajes clásicos de una banda inmortal.
Debutó en el número 1 de las listas de los álbumes más vendidos de Billboard y se convirtió posteriormente en una gran éxito comercial. El disco recibió muy buenas críticas, llegando a ser considerado por la crítica musical como uno de los mejores materiales de la banda.

1. Brown Sugar
2. Sway
3. Wild Horses
4. Can't You Hear Me Knocking
5. You Gotta Move
6. Bitch
7. I Got The Blues
8. Sister Morphine
9. Dead Flowers
10. Moonlight Mile

Download

__________________________________________________

216. John Lennon – Imagine (1971)

Con "Imagine" John Lennon obtuvo el mayor éxito crítico y comercial de su andadura en solitario. Lo cierto es que si juntamos este disco y "Plastic Ono Band" obtendremos lo mejor del repertorio del genio de Liverpool en su etapa post-Beatle.
Lennon siempre fue un gran admirador del legendario productor y compositor Phil Spector y de nuevo, tras haber colaborado con él en "Plastic Ono Band" volvió a solicitar sus servicios para la producción de "Imagine".
La inmortal obra maestra que titula el álbum representa claramente en su brillante texto el idealismo de su autor, la deliciosa "Crippled inside" flirtea con el music-hall, "Jealous Guy" (que John en un principio había escrito para el álbum blanco de los Beatles), "Oh my love" y "How?" son impresionantes baladas de base pianística que justifican su supremacía en ese campo (sólo comparable a la de su colega Paul McCartney); su sentimiento rockero aflora en las excelentes "It's so hard", "Give me some truth" y en la hipnótica "I don't want to be a soldier".
Paul McCartney es objeto de un severo ataque en "How do you sleep?", tema que pone de manifiesto la poca cordial relación existente entre ambos por aquella época, y para despedir el disco Lennon escoge un sensacional corte donde una vez más rinde su perpetuo homenaje a su esposa, "Oh Yoko".
Indispensable álbum para entender la carrera en solitario de un hombre irrepetible. En sus créditos aparecen nombres com Klaus Voorman, Nicky Hopkins, Alan White o George Harrison, entre otros.
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon. En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It's So Hard
5. I Don't Wanna Be A Soldier Mama
6. Give Me Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!

Download

__________________________________________________

217. The Beach Boys – Surf’s Up (1971)

Con Brian Wilson a la cabeza, uno de los grandes genios de la composición y producción del siglo XX, los Beach Boys se convirtieron en la formación pop más importante de los EEUU y en uno de los conjuntos más influyentes, innovadores y admirados de la historia de la música moderna gracias a sus maravillosas y embelesadoras melodías y armonías. En un período de su carrera en el que Brian Wilson por problemas físicos y sobre todo psíquicos, achacables a su adicción a las drogas, había delegado el liderazgo creativo en el resto de sus compañeros , los Beach Boys no se resintieron en absoluto de esta circunstancia y continuaron editando notables álbumes plagados de sensacionales y placenteros momentos.
Es el caso de este trabajo de engañoso título, que nos abre sus puertas con la sublime delicadeza de la encantadora "Don't Go Near the Water", firmada por Mike Love y Al Jardine. Jardine también participa en otros dos temas de características totalmente opuestas, como la desenfadada "Take a load off your feet", y el estupendo corte de rasgos menos jubilosos titulado "Looking at tomorrow".
Bruce Johnston toma las riendas en la melosa "Disney girls", mientras que Carl Wilson saca a relucir lo mejor de sí mismo en glorias (compuestas junto a Jack Rieley) que bien podrían llevar la rúbrica de su hermano mayor como "Long promised road" y "Feel Flows" (uno de los momentos cumbres del disco).
Incluso en "Student demonstration time" (un remiendo de un viejo tema de los compositores Leiber/Stoller titulado "Riot in the cell block number nine" al que Mike añadió nuevo texto) se atreven y con excelentes resultados con el blues, un estilo alejado de los cimientos musicales de los míticos chicos playeros.
La recta final del álbum es cosa de Brian Wilson, quien vuelve a demostrar por qué es uno de los más grandes genios de la música moderna al brindarnos tres insuperables dosis de inspiración iniciadas con "A day in the life of a tree", una canción dotada de una atmósfera oscura y tétrica de escaso acompañamiento musical, todo lo contrario que "Till I die", maravilla donde vuelven a hacer virguerías con su dotadas e imitadas voces.
La canción homónima del LP, recuperada de sus grabaciones de "Smile", es la guinda perfecta de este apetitoso pastel sónico que querrás degustar una y otra vez.

01 - Don't go near the water
02 - Long promised road
03 - Take A Load Off Your Feet
04 - Disney Girls (1957)
05 - Student demonstration time
06 - Feel flows
07 - Lookin' at tomorrow (a welfare song)
08 - A day in the life of a tree
09 - 'Til I die
10 - Surf's up

Download

__________________________________________________

218. Yes – Fragile (1971)

Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. Se le conoce principalmente por la canción "Roundabout", que fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en una versión editada. Este fue el primer álbum de Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento de la banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos lados del Atlántico.
Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971. Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovechar el aun creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album.
A diferencia de los primeros lanzamientos de Yes, este álbum pone en primer plano los talentos de cada miembro de la banda como solista. "Cans and Brahms" es una pieza de Johannes Brahms con un arreglo de Rick Wakeman; "We Have Heaven" es un solo de Jon Anderson, en el que el vocalista interpreta múltiples partes vocales sobrepuestas (una técnica que después usaría en su primer disco como solista Olias of Sunhillow); por otro lado, "Five Per Cent For Nothing", "The Fish" y "Mood For A Day" son los solos de Bill Bruford, Chris Squire y Steve Howe, respectivamente. El resto de las canciones contienen la participación de todo el grupo.

1. Roundabout
2. Cans And Brahms
3. We Have Heaven
4. South Side Of The Sky
5. Five Per Cent For Nothing
6. Long Distance Runaround
7. The Fish (Schindleria Praematurus)
8. Mood For A Day
9. Heart Of The Sunrise

Download

__________________________________________________

219. Doors – LA Woman (1971)

L.A. Woman es la última pieza de la discografía de The Doors en la cual participa Jim Morrison, quien supuestamente moriría en París tres meses después de la grabación. Después de este disco habrían algunos intentos de los demás integrantes por continuar con la banda (grabando música encima de unas cintas de poemas recitados por Morrison). Obviamente que también salieron al mercado todo tipo de recopilaciones, ediciones de recitales y demás.
La grabación de L.A. Woman fue bastante complicada. El nerviosismo de Jim, sumado al descontento y abandono de la producción por parte de Paul A. Rothchild (productor de todos sus discos anteriores) provocaron que las canciones tuvieran que ser registradas en una especie de estudio improvisado en el lugar donde ensayaba la banda. Este álbum se aleja mucho del estilo que venían haciendo y se vuelca en el blues y rhythm & blues. La idea que tenían por ese entonces era volver a esas raíces musicales.
A pesar del abrupto cambio, este trabajo tuvo muchísimo éxito (muchos lo consideran el mejor en toda su carrera). Como temas más representativos pueden citarse Love Her Madly, L.A. Woman y Riders On The Storm.

1 - The Changeling
2 - Love Her Madly
3 - Been Down So Long
4 - Cars Hiss By My Window
5 - L.A. Woman
6 - L'America
7- Hyacinth House
8 - Crawling King Snake
9 - The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)
10 - Riders On The Storm

Download

__________________________________________________

220. Can – Tago Mago (1971)

Tago Mago es el tercer álbum de estudio de Can (banda alemana del movimiento Kraut Rock), editado en 1971. Originalmente era un álbum doble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentemente considerado su álbum más importante, ya que es su álbum más experimental y arriesgado y el más influyente. Tago Mago incluye tracks como "Aumgn", un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupa toda una cara del vinilo); y "Peking O", otra pieza de avantgarde donde el vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene con vocalista, y el primero que lo tiene como el único) es gran protagonista. También se destaca "Halleluwah", un jam de 18 minutos (que también ocupaba toda un lado) con influencia de funk, basado en la repetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se ha convertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y ha recibido muy buenas críticas. No es un clásico porque es y fue totalmente anacrónico, ajeno e imbuido al mismo tiempo del espíritu de los adorados 60s. Y finalmente, no es un clásico porque, al ser totalmente anacrónico, no le ha quedado otra que ser eternamente actual. Hoy yo puedo hablar de él como de un disco que apenas salió ayer en los listados de cualquier pagina web especializada en buena música. Quizás Can haya creado con este disco lo más parecido a un anti-clásico. "Tago Mago" no es una influencia y a veces ni siquiera es un disco; es una variación compositiva que debe implicar de por sí otra creación bajo otros nombre de grupo o artista.

1. Paperhouse
2. Mushroom
3. Oh Yeah
4. Halleluwah
5. Aumgn
6. Peking O
7. Bring Me Coffee Or Tea

Download

__________________________________________________

221. Elton John – Madman Across the Water (1971)

Sin duda alguna, uno de los artistas de pop-rock de más éxito de las últimas tres décadas es Reginal Kenneth Dwight, alias Elton John -por sus colegas de Bluesology Elton Dean y John Baldry- (nacido el 25 de marzo de 1947 en Middlesex), un músico de mucho talento (comenzó a tocar desde muy niño el piano) y con gran capacidad de versatilidad que inició su carrera como componente de Bluesology a principios de los años 60, grupo de acompañamiento de estrellas de la época como Doris Troy.
Madman Across the Water, cuarto álbum de Elton John, una joya del año 1971, Incluye el hit "Tiny Dancer" (que Cameron Crowe rescató para Casi Famosos) y ocho temas más, todos impecables. Desbordantes de belleza en las melodías y bien cantadas por Elton.
Lo acompañan aquí algunos de sus músicos habituales (Nigel Olsson, por ejemplo) y otras grandes, como Rick Wakeman (otrora tecladista de Yes). Las letras están todas escritas en colaboración con el ya mítico Bernie Taupin. Este album alcanzo en Gran Bretaña el lugar #41 de las listas, siendo en Estados Unidos donde obtuvo más éxito, llegando hasta el #8 del Billboard 200.

1. Tiny Dancer
2. Levon
3. Razor Face
4. Madman Across the Water
5. Indian Sunset
6. Holiday Inn
7. Rotten Peaches
8. All the Nasties
9. Goodbye

Download

__________________________________________________

222. Dolly Parton – Coat of Many Colors (1971)

Excelente cantante, compositora y actriz, Dolly Parton ha representado una bocanada de renovación entre las cantantes country aparecidas a fines de los años ‘60, con un aire y estilo desenfadado y una simpatía sin igual, lo que le ha permitido posicionarse como una de las seis referentes femeninas más influyentes de estilo musical. Dolly fue la cuarta hija de un total de 12 hermanos nacida del matrimonio compuesto por Robert Lee Parton (granjero y obrero de la construcción) y Avie Lee Owens. Junto a sus hermanos Stella, Floyd y Randy, fueron los únicos integrantes de la familia que se dedicaron de lleno a la música (Stella y Randy como cantantes y Floyd como compositor).
Coat of Many Colors de 1971 es un ejemplo perfecto de la brillante labor que Parton estaba grabando durante estos últimos años. La canción que da título al álbum es prueba de la brillantez de Parton como compositor, la captura de la agitación emocional de su infancia a través del descubrimiento de la memoria de un adulto nostálgico. Parton posee tanto la voz de una niña confundida y de una mujer conocedora, subrayado por la guitarra acústica, una luz, ritmo suave, y toques de de órganos y armonías gospel de fondo. El resto de las canciones del álbum, dicen las historias humanas en un idioma sencillo.

1. Coat of Many Colors
2. Traveling Man
3. My Blue Tears
4. If I Lose My Mind
5. Mystery of the Mystery
6. She Never Met a Man (She Didn't Like)
7. Early Morning Breeze
8. Way I See You
9. Here I Am
10. Better Place to Live

Download

__________________________________________________

223. Don McLean – American Pie (1971)

"American Pie" es un influyente álbum donde se desprende la canción del mismo nombre, al más puro estilo folk rock y escrita por el cantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el día que murió la música". En el año 1971 fue grabada y lanzada. El sencillo se mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad de Estados Unidos durante dos semanas en 1972.
La canción hace referencia a la historia del rock and roll, comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 hasta el año 1970.
La letra de la canción causa mucha curiosidad. Aunque McLean dedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos que viajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por su nombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "American Pie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez". Posteriormente, declaró de forma más seria: "Encontrarán muchas 'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamento dejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que los compositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo un silencio digno".
La importancia de "American Pie" para el patrimonio musical y cultural fue reconocida por el proyecto educativo "Songs of the Century" (Canciones del Siglo) que la posicionó en el número cinco de las canciones del Siglo XX.

1. American Pie
2. Till Tomorrow
3. Vincent (Starry, Starry Night)
4. Crossroads
5. Winterwood
6. Empty Chairs
7. Everybody Loves Me, Baby
8. Sister Fatima
9. The Grave
10. Babylon

Download

__________________________________________________

224. Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (1971)

Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del virtuoso estilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásica que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (nacido el 1 de noviembre de 1944 en Lancashire), que había pasado por diversos grupos, entre ellos The Nice; el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (nacido el 10 de noviembre de 1948 en Dorset), quien fue parte integrante de King Crimson; y el batería Carl Palmer (nacido el 20 de marzo de 1951 en Birmingham), que había dejado el grupo Atomic Rooster.
"Tarkus" (1971), el segundo disco del supergrupo, alcanzó en el Reino Unido el número 1 y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, con una primera cara dominada por una extensa suite. El álbum era un trabajo conceptual basado en Tarkus, una mixtura entre tanque y armadillo enfrentado a un personaje mitológico denominado Manticore, monstruo con cabeza de hombre, cuerpo de león y cola de escorpión.

1. Tarkus Medley: Eruption/Stones of Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battlefield/Aquatarkus
2. Jeremy Bender
3. Bitches Crystal
4. The Only Way (Hymn)
5. Infinite Space (Conclusion)
6. A Time and a Place
7. Are You Ready Eddy?

Download

__________________________________________________

225. Led Zeppelin – IV (1971)

El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.
Extraordinario disco de una banda extraordinaria, epítome de su habilidad para entresacar sudorosas composiciones de inspirada y rocosa arquitectura sonora y elevarlas a inmortales himnos rock de punzante ejercicio rítmico y exaltada escritura.
Tres inmejorables instrumentistas que habían aprendido todo sobre el negocio en sus largos años como músicos de sesión y uno de los grandes frontman de la historia del rock nos regalan un soberbio trabajo impregnado de rock, blues y folk, no en vano la utilización de Sandy Denny como apoyo vocal de Robert Plant en la medievalista y tolkieniana "The battle of evermore".
"Rock and roll", un homenaje al rock de los 50; "When the leeve breaks" , canción de poso blues con una rotunda batería de Bonham; "Misty Mountain Hop", festiva composición donde satirizan el mundo hippie, "Black Dog", un poderoso tema hard-rock con una atronadora guitarra de Page ; el folk acústico a lo Neil Young o Joni Mitchell de "Going to California" o la monumental, épica y críptica "Stairway to heaven" son otros temas esenciales de un álbum demoledor de penetrantes e imaginativas texturas, clave en la evolución del rock. Con éste disco, me atrevo a decir que definieron el hard-rock de los '70, con un Jimmy Page conduciendo a la banda a base de riffs monolíticos como nunca antes se había visto en una banda.
Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin. Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Este álbum, fue el LP más vendido de la banda y actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).

1. Black Dog
2. Rock and Roll
3. The Battle of Evermore
4. Stairway To Heaven
5. Misty Mountain Hop
6. Four Sticks
7. Going to California
8. When the Levee Breaks

Download