1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 6)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under
226. Serge Gainsbourg - Histoire de Melody Nelson (1971)
Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.
Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña \"Historia de Melody Nelson\", cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el \"violero\" es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.
Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos.
1. Melody
2. Ballade De Melody Nelson
3. Valse De Melody
4. Ah! Melody
5. L’Hôtel Particulier
6. En Melody
7. Cargo Culte
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227. Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)
Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces.
Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales.
El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín.
La mejor canción del álbum es \"Maggy Mae\". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental.
En la romántica y bella \"Mandolin Wind\", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental.
Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en \"Seems like a long time\", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell.
También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en \"That\'s all right\", triunfa en la revisitación de \"Tomorrow is a long time\" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations \"(I know) I\'m losing you\".
El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin \"(Find a) Reason To Believe\" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.
1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That\'s All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I\'m Losing You
8. (Find A) Reason To Believe
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228. Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1971)
\"Pictures at an Exhibition\" es un álbum de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer lanzado en 1972 con música adaptada de la obra de Modest Mussorgsky. Es uno de los documentos más significativos de la era del rock progresivo. Anteriormente, este trabajo fue la pieza central del repertorio de la banda en el Festival de la Isla de Wight en 1970.
Hay cuatro canciones que no pertenecen a la obra original de Mussorgsky: \"The Sage\" (una balada acústica), \"Blues Variation\" (un blues instrumental), \"The Curse of Baba Yaga\" (una canción rockera) y \"Nutrocker\" (una adaptación de \"El Cascanueces\" de Tchaikovsky, hecha por Kim Fowley. El resto son las originales, adaptadas al estilo progresivo.
Carl Palmer hizo el arreglo en \"The Gnome\". La balada \"The Sage\", de Greg Lake es una de las mejores composiciones hechas por él. La adaptación blues de \"The Old Castle\" es seguida en cadena por la \"Blues Variation\". \"The Curse of Baba Yaga\" es una de las más conocidas de este disco. Con respecto a las demás, están dos interpretaciones de \"The Hut of Baba Yaga\", la adaptación incluyendo letra de \"The Great Gates of Kiev\", y \"Nutrocker\".
Keith Emerson es la estrella aquí, pero Lake y Palmer intervienen lo suficiente para evitar que sea una presentación de sólo teclados. El disco volvió a cosechar triunfales ventas, llegando al puesto 3 en Gran Bretaña y al 10 en los Estados Unidos.
1.- Promenade
2.- The Gnome
3.- Promenade
4. Sage
5.- The Old Castle
6. Blues Variations
7.- Promenade
8.- The Hut of Baba Yaga
9.- The Curse of Baba Yaga
10.- The Hut of Baba Yaga
11.- The Great Gates of Kiev
12. Nutrocker
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229. Leonard Cohen – Songs of Love & Hate (1971)
En Songs of Love and Hate la voz de Leonard Cohen suena más segura y convencida. La producción de Bob Johnston (Dylan, Johnny Cash, Willie Nelson) subraya el proceso y el canadiense encuentra soltura en un trabajo donde el acabado instrumental está cada vez más presente. Johnston crea la atmósfera perfecta para que, a pesar de la austeridad, estas canciones suenen clásicas, hundidas y enormes. El tercer disco de Cohen es un golpe emocional difícil de contestar y es –discutiblemente- uno de sus trabajos más personales a la fecha.
Cada canción en este registro es un abismo distinto y cada una termina estancándose en la soledad, la inseguridad y la amargura. Las relaciones se presentan bajo diferentes prismas y el amor, el odio, lo espiritual y lo físico construyen un disco visceral y sombrío desde su portada, donde Cohen no deja espacio para el té y las naranjas extranjeras y tampoco para la instrumentación brillante de New Skin for the Old Ceremony (1974). Éste es un disco opaco por necesidad. Cohen reflexiona respecto al paso de los años en un trabajo triste y resentido que no encuentra en el paso del tiempo razón para celebrar o tranquilidad para sobrellevar tanta decepción. Cohen se vuelve viejo y a pesar de ser tratado como un tipo exitoso, intelectual y mujeriego se da cuenta de que se ha convertido en una leyenda con tan sólo tres discos bajo la manga y que ahora le cuelgan carteles sin que él logre entender o asimilar cada una de las características que han decidido otorgarle. Songs of love and hate, en oposición a su disco siguiente y a sus dos anteriores, es terrenal y obsesivo en hacerse entender. Las imágenes son nítidas y explícitas.
Cohen resume el amor y el odio en ocho composiciones cerebrales y, aún así, espontáneas y conmovedoras. Un disco emocionante que abre con el resentimiento de ‘Avalanche’ y cierra con la sublime ‘Joan of Arc’, para dejar en medio canciones del porte de ‘Famous blue raincoat’, ‘Diamonds in the mind’ o ‘Last year’s man’ y expone, en menos de cuarenta y cinco minutos, emociones tan propias como universales. Los tópicos más recurrentes son, nuevamente, rescatados de las manos de la mediocridad por un hombre que se debate entre la música y la literatura de una forma que hasta el día de hoy resulta inusual, enigmática y sobrecogedora. Cohen sabe que sus canciones han envejecido y se han vuelto amargas y él lo anuncia entre el orgullo y la rabia en ‘Sing another song, boys’, quizás, el mejor ejemplo de lo que este disco realmente simboliza.
1. Avalanche
2. Last Year\'s Man
3. Dress Rehearsal Rag
4. Diamonds in the Mine
5. Love Calls You by Your Name
6. Famous Blue Raincoat
7. Sing Another Song, Boys
8. Joan of Arc
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230. Joni Mitchell – Blue (1971)
Joni Mitchell es una de las grandes divas de la composición surgidas a finales de los años 60, al igual que Carole King o Laura Nyro, espejo de incontables cantautoras como Jewell, Tori Amos, Liz Phair, Natalie Merchant o Fiona Apple, sus incursiones en el folk o el jazz con textos de elevada carga emocional son algunos de los mejores legados femeninos de la historia de la música, equivalentes a los trabajos más importantes del Neil Young más folk, Van Morrison, Leonard Cohen o James Taylor.
“Blue” es una de sus cumbres, un disco folk muy desnudo, intimista, sensitivo, personal y autobiográfico, que dibuja escenarios de desolación pero también de esperanza, de encuentros y desencuentros amorosos con textos maduros y sinceros en clave poética. Sea con una simple guitarra acústica, un piano o un dulcimer, junto a su voz y melodías sencillas pero que atrapan el sentido emocional del asunto narrado, Joni expresa sus epopeyas románticas y sus evocaciones líricas con percepción y sensibilidad sobre el hogar, el amor, la felicidad y la tristeza en un viaje interior y externo realmente admirable.
Algunas destacadas piezas del álbum, dentro de un Lp prácticamente redondo, son “My old man”, precioso tema pivotado en el contrapunto entre la felicidad otorgada por la presencia del ser querido y el desconsuelo por su ausencia; “River”, una canción iniciada con un piano que interpreta las notas del “jingle bells” y que se centra en la evasión personal en un ideal escenario navideño, o “Little green”, sentido tema de bonita melodía dedicado a la hija que la cantautora canadiense tuvo que dar en adopción cuando todavía no había iniciado su carrera musical. En su madurez ambas terminarían encontrándose.
Como colaboradores suenan en el disco y de manera puntual la guitarra de James Taylor y el bajo y la guitarra de Stephen Stills.
1. All I Want
2. My Old Man
3. Little Green
4. Carey
5. Blue
6. California
7. This Flight Tonight
8. River
9. A Case Of You
10. The Last Time I Saw Richard
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231. Funkadelic – Maggot Brain (1971)
Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.
Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como \"rock negro\"
Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.
Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.
Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de \"Can You Get to That\" y el irresistible groove de \"Super Stupid\", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.
En cuanto a las épicas, \"Wars of Armageddon\" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.
\"Maggot Brain\", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.
Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.
1. Maggot Brain
2. Can You Get To That
3. Hit It And Quit It
4. You And Your Folks,Me And My Folks
6. Back in our Minds
7. Wars Of Amargeddon
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232. Janis Joplin – Pearl (1971)
La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.
La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.
A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera \"Move over\"; la irónica \"Mercedes Benz\", cantada a capella; el número 1 \"Me & Bobby McGee\", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de \"Half Moon\", la balada soul \"Trust me\" y el sensacional instrumental \"Buried alive in the blues\" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).
Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.
1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can
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233. Fela Kuti - With Ginger Baker: Live! (1971)
Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat, que en síntesis es la fusión entre el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.
Este genial documento histórico que supone poder apreciar con un muy buen sonido una de las primeras grabaciones en directo del genial artista-estrella-rey de africa-gran seductor-mito-ente político conocido por todos como Fela Kuti, nace de una odisea sobre cuatro ruedas a lo Kerouac: El viaje que realizaron a principio de los 70 el que fuera batería de Cream, Ginger Baker y nuestro hombre a bordo de un Land Rover... captando ritmos y sonidos de todita África.
Explicaciones complices y reídas entre corte y corte sirven como perfecto prologo para la bacanal de funky con guerra de percusiones, teclado groovey, coros sexuales y movimientos de cadera dislocantes que se pueden disfrutar en este lp que se reeditó en 2006 con un tema extra grabado en 1978 en el festival de jazz de Berlin: Tony Allen (padre del este invento llamado afrobeat) y Ginger Baker a muerte en uno de los solos de batería más bestias que se recuerdan.
El resto de canciones, \"Let´s Start\", \"Black man´s cry\", \"Ye ye de smell\" y \"Egbe mi o (carry me i want to die)\" son variantes de una misma pulsión, de un mismo sonido, del rugido del tercer mundo. Fela nunca grabó ni tocó el mismo tema dos veces. Siempre en esa busqueda incesante de la perfección musical, eso sí con agitación de mentes a lo socio-político más que obligatoria.
Este álbum es lo suficientemente accesible como para poder despertar la curiosidad del neófito por su falta de experimentaciones futuras y su ritmo incesante, y es una joyita inmarchitable para el conocedor de la música más excitante (en el sentido más literal de la palabra) que nos vino del continente negro. Es interesante reflexionar sobre la epóca, ya que en todo el apogeo funk en los 70 en USA, esto ocurría paralelamente en Africa, extraño pero cierto. La música nunca nos dejará de sorprender. Ginger Baker apareció en este disco y Fela le correspondió participando en el disco de Ginger “Stratavarious” (1972).
1. Let\'s Start
2. Black Man\'s Cry - Ginger Baker, Fela Kuti & Africa 70, Fela Kuti & Africa 70
3. Ye Ye de Smell
4. Egbe Mi O (Carry Me I Want to Die)
5. Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo [Live]
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234. Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)
The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces.
El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman.
Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need.
El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.
1. Miss Judy\'s Farm
2. You\'re So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That\'s All You Need
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235. Flamin’ Groovies – Teenage Head (1971)
Espléndida formación americana, poco conocida entre la masa pero de fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock \'n\' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.
Los Flamin\' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.
“Teenage Head”, publicado en 1971, sería a la postre el último disco con Jordan y Loney, las diferencias musicales entre ambos terminaron por imponerse, diferencias que se aprecian con claridad en este disco, como también se aprecia el tremendo efecto que producía la conjunción de sus egos, en magníficos temas como “Have You Seen My Baby?”, “Yesterday Numbers” o “Whiskey Woman” donde se combinan de una forma magistral las afiladas y rugosas guitarras de Loney con las acertadísimas melodías de Jordan, en este disco es muy acusada la infuencia de los Rolling Stones y de los primeros Beatles, dotando al álbum de una coherencia superior a la de sus anteriores trabajos.
En este “Teenage Head” aparece claramente reflejada toda la actitud y la energía de la banda gracias a una producción (a cargo de Richard Robinson) que por fin les hizo justicia, resaltando su inigualable capacidad compositiva e interpretativa, su versatilidad a la hora de abordar temas rock clásicos (las versiones de “Doctor Boogie” y de “32-20”), temas blues o estupendas canciones pop.
Tras este álbum, con la salida de Roy Loney de la banda, The Flamin’ Groovies se decantaron definitivamente por el lado melódico de Jordan, ya con el control exclusivo de la banda, y aunque aún fueron capaces de entregar muy meritorios trabajos nunca volverían a sonar como lo hicieron en este disco, un auténtico clásico que nadie debería dejar de escuchar.
1.High Flyin\' Baby
2.City Lights
3.Have You Seen My Baby?
4.Yesterday\'s Numbers
5.Teenage Head
6.32-20
7.Evil Hearted Ada
8.Doctor Boogie
9.Whiskey Woman
10Shakin\' All Over
11.That\'ll Be The Day
12.Louie Louie
13.Walkin\' The Dog
14.Scratch My Back
15.Carol
16.Going Out Theme
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236. Gene Clark – White Light (1971)
Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron \"White Light\" (1971) y \"No Other\"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras \"No Other\" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, \"White Light\" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.
Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.
Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.
En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.
En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de \"intoxicaciones\" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de \"One in a hundred\", mi favorita del disco junto a \"1975\". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de \"One in a hundred\" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. \"For a spanish guitar\" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada \"1975\", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en \"Harvest\" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico \"Stand by me\" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al \"Tears of rage\" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de \"Because of you\" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.
1.- The Virgin
2.- With Tomorrow
3.- White Light
4.- Because of You
5.- One In A Hundred
6.- For a Spanish Guitar
7.- Where My Love Lies Asleep
8.- Tears of Rage
9.- 1975
10.- Because Of You
11.- Stand By Me
12.- Ship Of The Lord
13.- Opening Night
14.- Winter In
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237. John Prine – John Prine (1st Album) (1971)
John Prine es un cantautor de country y folk estadounidense con un amplio éxito, tanto de crítica como de público, desde la década de 1970. Su primer disco, titulado sencillamente John Prine, fue un gran éxito. El álbum incluye temas característicos de Prine como \"Illegal Smile\", \"Sam Stone\" y el clásico del newgrass \"Paradise\", así como \"Hello In There,\" una canción sobre el envejecimiento que después ha sido interpretada por numerosos artistas. El éxito del disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como \"el nuevo Bob Dylan\". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones de Prine en Nueva York.
1. Illegal Smile
2. Spanish Pipedream
3. Hello in There
4. Sam Stone
5. Paradise
6. Pretty Good
7. Your Flag Decal Won\'t Get You into Heaven Anymore
8. Far from Me
9. Angel from Montgomery
10. Quiet Man
11. Donald and Lydia
12. Six O\'Clock News
13. Flashback Blues
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238. Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)
Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco \"Nilsson Schmilsson\" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema \"Without You\" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue \"Coconut\" que también tuvo éxito en ventas.
1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I\'ll Never Leave You
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239. T.Rex – Electric Warrior (1971)
El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex, al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock \'n\' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos.
\"Electric Warrior\" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.
Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como \"Mambo Sun\", \"Cosmic Dancer\", el número 1 británico \"Get it on\", la primorosa balada \"Girl\", la clase y elegancia destilada por \"The Motivator\", \"Life\'s a gas\" o la colérica \"Rip-Off\". La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.
01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life\'s A Gas
11. Rip Off
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240. David Bowie – Hunky Dory (1971)
Uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.
Al margen de su propia carrera como intérprete y compositor, Bowie se convirtió en pieza clave para relanzar en los años 70 las carreras de nombres esenciales del rock, como Lou Reed e Iggy Pop y los Stooges, dos de sus principales referencias como músico.
El álbum que encumbró definitivamente a David Bowie como una superestrella a nivel mundial y uno de los mejores trabajos de un artista esencial (a pesar de su bajón artístico a partir de los años 80), \"Hunky Dory\" desarrolla desde perspectivas netamente acústicas pasajes repletos de gran imaginería lírica.
Reminiscencias de Lou Reed, Neil Young y Bob Dylan para un mundo de ambiguas identidades sexuales, retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales (\"Kooks\" está escrita para su hijo Zowie) con repiques cabareteros en una global sonoridad pop que no esconde magistrales destellos folk.
Glamour estelar para el venidero Ziggy, que contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, por no hablar de la guitarra y arreglos de su amigo y gran instrumentista Mick Ronson.
1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers
12. Bombers
13. The Supermen
14. Quicksand
15. The Bewlay Brothers
16. The Shadowman
17. How Lucky You Are
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241. Randy Newman – Sail Away (1972)
Randy Newman, compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). En 1972 publicó su disco \"Sail Away\" que alcanzó el puesto #163 en la lista Billboard. En este disco aparecían canciones como la que da nombre al disco \"Sail Away\" (y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles), \"Burn On\" en la que hablaba de la contaminación del río Cuyahoga en Ohio, o quizás la más conocida \"You Can Leave Your Hat On\", que fue posteriormente interpretada por Joe Cocker, Keb Mo, Tom Jones o Etta James. Nunca fue superventas, pero consolidó su reputación de compositor inteligente e incluso es ganador de un Oscar.
1. Sail Away
2. Lonely at the Top
3. He Gives Us All His Love
4. Last Night I Had a Dream
5. Simon Smith and the Amazing Dancing Bear
6. Old Man
7. Political Science -2:00
8. Burn On
9. Memo to My Son
10. Dayton, Ohio - 1903
11. You Can Leave Your Hat On
12. God\'s Song (That\'s Why I Love Mankind)
13. Let It Shine
14. Maybe I\'m Doing It Wrong (studio version)
15. Dayton, Ohio - 1903 (early version)
16. You Can Leave Your Hat On (demo version)
17. Sail Away (early version)
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242. Deep Purple – Machine Head (1972)
Después de haber demostrado todo su talento con el lp \"In Rock\" en 1970 Y su consolidación comercial con el album \"Fireball\" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al número cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda.
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con \"Highway Star\", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con \"Maybe I\'m a Leo\", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue \"Pictures of Home\", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de \"Never Before\", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
\"Smoke On The Water\" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue \"Lazy\", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con \"Space Truckin\'\", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema \"Smoke on the Water\", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.
1. Highway Star
2. Maybe I\'m a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water\"
6. Lazy
7. Space Truckin\'
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243. Big Star – # 1 Record (1972)
En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes. Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.
El álbum abre con \"Feel\", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion. Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda. En la gema \"Watch the Sunrise\", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. \"Give me Another Chance\" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. \"The India Song\" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.
Pero el tema que hace de este disco un clásico es \"Thirteen\". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído. Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la época, y logrado tanto.
1. Feel
2. The Ballad Of El Goodo
3. In The Street
4. Thirteen
5. Don\'t Lie To Me
6. The India Song
7. When My Baby\'s Beside Me
8. My Life Is Right
9. Give Me Another Chance
10. Try Again
11. Watch The Sunrise
12. St 110/6
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244. Black Sabbath – Vol 4 (1972)
Después de apisonar la entonces temprana escena con los rocosos riffs de su Master Of Reality, los ingleses Black Sabbath retornaron sobre el mismo cauce de sus hondas huellas en Septiembre de 1972, desatando otra reptante manada de subacordes de obscura rúbrica, que arropando esta vez tesituras de un folklore rockero más bucólico, dieron vida al ’volumen 4’ de su discografía, uno de los álbumes más exquisitos de su primera y mítica era.
Y aquella era fue la de Ozzy Osbourne, esa cara de la moneda que brilló sobre la cruz de aquella negra instrumentación con pasmosa simbiosis, una voz más carismática que virtuosa que en este álbum desgarraba y masculinizaba más su tonalidad para hacer más justicia al nuevo repertorio guitarrístico que presentaba el zurdo Iommi, ostentador este último de la ‘fórmula diabólica’, aquella fúnebre afinación que nació de las secuelas de un accidente, y que en este álbum que nos ocupa fue perpetuada para proyectar las futuras tinieblas y el alto tonelaje y octanaje del Metal, justo como hoy lo conocemos.
Esos ingredientes históricos que dan cuerpo y alma al fenómeno Black Sabbath se forjaron a fuego lento para que décadas después, grupos como Pantera o Machine Head vieran en este Vol. 4 una de sus principales influencias para crear su propio sonido, según declaraciones suyas en entrevistas, sin olvidar ese gran proyecto que fue Down, a cargo de Phil Anselmo y la créme de la créme del Metal noventista de Nueva Orleans y Los Angeles, siendo este álbum que nos ocupa notorio influjo para que esa apuesta naciera. Como experimentando una naturaleza campestre y a ratos cósmica, es apasionante sumergirse en esta cuarta obra de los de Birmingham, que recobraban el paisajismo musical de su disco debut, el de la dama, la casa y el árbol que se erguían fantasmagóricos en ese pantanoso campo, volviendo a nuestra mente tan enigmáticas figuras sumadas al eco tardío de un ’Verano del Amor’ que los ’70 sepultaron, vibrando en la voz de Ozzy el espíritu residual de aquel Woodstock del ’68, esta vez blindado por los leñosos riffs del zurdo del bigote y las pegadas de un Bill Ward que, como por arte de magia, lograba expandir las posibilidades que le brindaba tan minimalista kit (como Mary Poppins con su bolso - ¡¿?!), parches y platillos sobre los que el expresionismo al bajo de Geezer Butler pincelaba densos sus propios argumentos, paralelos al trabajo de Iommi, pero altamente compatibles.
En menos de un mes de vida, ’Volume 4’ consiguió el Disco de Oro, siendo una obra más arriesgada y progresiva que sus antecesoras, y en la que el negro clan británico resucitó a aquel ‘Verano del Amor’ que ellos mismos dieron muerte con su goecia eléctrica, reviviéndolo con el galvanismo de sus seis cuerdas pero convirtiéndolo así en un monstruo más pesado, no exento de una efervescencia que más palpable se iría haciendo en sus siguientes trabajos, proyectándonos su ‘sueño del mañana’, un sueño profético, un sueño muy real, muy fiel al Hoy más inmediato del Metal.
1. Wheels of Confusion/The Straightener
2. Tomorrow\'s Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes
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245. Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)
Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can\'t Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías.
El disco cuenta con Reelin\' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas, aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.
1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin\' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again
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246. Neil Young – Harvest (1972)
El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense.
Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, \"Harvest\", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como \"Heart of gold\", \"Are you ready for the country?\", \"Old man\", \"Alabama\", \"The needle and the damage done\" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima \"Harvest\".
Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.
1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There\'s a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)
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247. Curtis Mayfield – Superfly: Original Motion Picture Soundtrack (1972)
Curtis Mayfield, cantante, compositor y guitarrista de soul y funk nacido en Chicago en 1942.
El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.
Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.
Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.
Curtis Mayfield, en 1970, emprendió su carrera en solitario. Sus primeros sencillos tenían un aire muy funk, como \"(Don\'t Worry) If There\'s a Hell Below, We\'re All Gonna Go\", en el que muchos creían excesiva la forma tan cruda con que se hablaba sobre hechos de la comunidad negra urbana. En solitario no cosechó tanto éxito como anteriormente, hasta que en 1972 llegó la banda sonora de \"Superfly\" y con ella el éxito, dando lugar al movimeinto blaxploitation. La banda sonora tuvo mucha más relevancia que la película por sí misma.
En aquel momento, Curtis Mayfield era, junto a Stevie Wonder y Marvin Gaye, el icono de un nuevo soul. Tras el éxito abrumador de \"Superfly\" cosechó éxitos menores como \"Kung Fu\", \"So in Love\" y \"Only You Babe\".
1. Litte Child Runnin\' Wild
2. Pusherman
3. Freddie\'s Dead
4. Junkie Chase (instrumental)
5. Give Me Your Love
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think (instrumental)
9. Superfly
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248. Slade – Slayed? (1972)
El mejor álbum de los exitosos Slade, un conjunto esencial del glam británico surgido a comienzos de los años 70. Tomando como cimiento el rock\'n\'roll de los 50, enfatizando los ritmos y estribillos, endureciendo el aspecto sonoro y vistiendo excéntricos atuendos, que jugaban notablemente con la ambigüedad sexual, Slade, con su vigorizante, bulliciosa y divertida música, arrasaron en las listas británicas con estupendos discos y exuberantes singles, algunos de ellos incluidos en este álbum como \"Mama weer all crazee now\" o \"Gudbuy T\'Jane\".
Producido por Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, \'Slayed?\" es una plétora de latigazos de guitarras, musculosas bases rítmicas y agresividad vocal de elevada excitación en sus grandilocuentes estribillos, que brilla además de los sencillos en sensacionales piezas como \"Look at last night\", \"I won\'t let it \'appen agen\" o la obra maestra \"Gudbuy Gudbuy\".
Las muy conseguidas versiones revisitan a Janis Joplin con \"Move over\" y a Shirley & Lee con sus clásicas piezas de R&B \"Let the good times roll\" y \"Feel so fine\".
1.- How D\'you Ride
2.- The Whole World\'s Goin\' Crazee
3.- Look At Last Nite
4.- I Won\'t Let It \'Appen Agen
5.- Move Over
6.- Gudbuy T\'Jane
7.- Gudbuy Gudbuy
8.- Mama Weer All Crazee Now
9.- I Don\' Mind
10.- Let The Good Times Roll / Feel So Fine
11.- My Life Is Natural
12.- Candidate
13.- Wonderin\' Y
14.- Man Who Speeks Evil
15.- Slade Talk To \'Melanie\' Readers
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249. Deep Purple – Made in Japan (1972)
Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple.
Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero.
La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time.
Smoke on the water. Qué decir. Un clásico entre los clásicos. El riff que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin.
Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción.
Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos.
Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.
01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin\'
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250. Yes – Close to the Edge (1972)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción \"épica\" mucho más larga que las otras en el disco. Esto volvió a repetirse en los álbums Relayer (que incluyó \"The Gates of Delirium\"
y Going for the One\' (que incluyó \"Awaken\".
Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción \"Close to the Edge\" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y \"Siberian Khatru\" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el #4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el #3 en Estados Unidos.
1. Close to the Edge: The Solid Time of Change/Total Mass Retain/I Get Up
2. And You and I/Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse
3. Siberian Khatru
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Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.
Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña \"Historia de Melody Nelson\", cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el \"violero\" es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.
Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos.
1. Melody
2. Ballade De Melody Nelson
3. Valse De Melody
4. Ah! Melody
5. L’Hôtel Particulier
6. En Melody
7. Cargo Culte
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227. Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)
Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces.
Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales.
El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín.
La mejor canción del álbum es \"Maggy Mae\". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental.
En la romántica y bella \"Mandolin Wind\", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental.
Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en \"Seems like a long time\", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell.
También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en \"That\'s all right\", triunfa en la revisitación de \"Tomorrow is a long time\" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations \"(I know) I\'m losing you\".
El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin \"(Find a) Reason To Believe\" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.
1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That\'s All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I\'m Losing You
8. (Find A) Reason To Believe
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228. Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1971)
\"Pictures at an Exhibition\" es un álbum de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer lanzado en 1972 con música adaptada de la obra de Modest Mussorgsky. Es uno de los documentos más significativos de la era del rock progresivo. Anteriormente, este trabajo fue la pieza central del repertorio de la banda en el Festival de la Isla de Wight en 1970.
Hay cuatro canciones que no pertenecen a la obra original de Mussorgsky: \"The Sage\" (una balada acústica), \"Blues Variation\" (un blues instrumental), \"The Curse of Baba Yaga\" (una canción rockera) y \"Nutrocker\" (una adaptación de \"El Cascanueces\" de Tchaikovsky, hecha por Kim Fowley. El resto son las originales, adaptadas al estilo progresivo.
Carl Palmer hizo el arreglo en \"The Gnome\". La balada \"The Sage\", de Greg Lake es una de las mejores composiciones hechas por él. La adaptación blues de \"The Old Castle\" es seguida en cadena por la \"Blues Variation\". \"The Curse of Baba Yaga\" es una de las más conocidas de este disco. Con respecto a las demás, están dos interpretaciones de \"The Hut of Baba Yaga\", la adaptación incluyendo letra de \"The Great Gates of Kiev\", y \"Nutrocker\".
Keith Emerson es la estrella aquí, pero Lake y Palmer intervienen lo suficiente para evitar que sea una presentación de sólo teclados. El disco volvió a cosechar triunfales ventas, llegando al puesto 3 en Gran Bretaña y al 10 en los Estados Unidos.
1.- Promenade
2.- The Gnome
3.- Promenade
4. Sage
5.- The Old Castle
6. Blues Variations
7.- Promenade
8.- The Hut of Baba Yaga
9.- The Curse of Baba Yaga
10.- The Hut of Baba Yaga
11.- The Great Gates of Kiev
12. Nutrocker
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229. Leonard Cohen – Songs of Love & Hate (1971)
En Songs of Love and Hate la voz de Leonard Cohen suena más segura y convencida. La producción de Bob Johnston (Dylan, Johnny Cash, Willie Nelson) subraya el proceso y el canadiense encuentra soltura en un trabajo donde el acabado instrumental está cada vez más presente. Johnston crea la atmósfera perfecta para que, a pesar de la austeridad, estas canciones suenen clásicas, hundidas y enormes. El tercer disco de Cohen es un golpe emocional difícil de contestar y es –discutiblemente- uno de sus trabajos más personales a la fecha.
Cada canción en este registro es un abismo distinto y cada una termina estancándose en la soledad, la inseguridad y la amargura. Las relaciones se presentan bajo diferentes prismas y el amor, el odio, lo espiritual y lo físico construyen un disco visceral y sombrío desde su portada, donde Cohen no deja espacio para el té y las naranjas extranjeras y tampoco para la instrumentación brillante de New Skin for the Old Ceremony (1974). Éste es un disco opaco por necesidad. Cohen reflexiona respecto al paso de los años en un trabajo triste y resentido que no encuentra en el paso del tiempo razón para celebrar o tranquilidad para sobrellevar tanta decepción. Cohen se vuelve viejo y a pesar de ser tratado como un tipo exitoso, intelectual y mujeriego se da cuenta de que se ha convertido en una leyenda con tan sólo tres discos bajo la manga y que ahora le cuelgan carteles sin que él logre entender o asimilar cada una de las características que han decidido otorgarle. Songs of love and hate, en oposición a su disco siguiente y a sus dos anteriores, es terrenal y obsesivo en hacerse entender. Las imágenes son nítidas y explícitas.
Cohen resume el amor y el odio en ocho composiciones cerebrales y, aún así, espontáneas y conmovedoras. Un disco emocionante que abre con el resentimiento de ‘Avalanche’ y cierra con la sublime ‘Joan of Arc’, para dejar en medio canciones del porte de ‘Famous blue raincoat’, ‘Diamonds in the mind’ o ‘Last year’s man’ y expone, en menos de cuarenta y cinco minutos, emociones tan propias como universales. Los tópicos más recurrentes son, nuevamente, rescatados de las manos de la mediocridad por un hombre que se debate entre la música y la literatura de una forma que hasta el día de hoy resulta inusual, enigmática y sobrecogedora. Cohen sabe que sus canciones han envejecido y se han vuelto amargas y él lo anuncia entre el orgullo y la rabia en ‘Sing another song, boys’, quizás, el mejor ejemplo de lo que este disco realmente simboliza.
1. Avalanche
2. Last Year\'s Man
3. Dress Rehearsal Rag
4. Diamonds in the Mine
5. Love Calls You by Your Name
6. Famous Blue Raincoat
7. Sing Another Song, Boys
8. Joan of Arc
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230. Joni Mitchell – Blue (1971)
Joni Mitchell es una de las grandes divas de la composición surgidas a finales de los años 60, al igual que Carole King o Laura Nyro, espejo de incontables cantautoras como Jewell, Tori Amos, Liz Phair, Natalie Merchant o Fiona Apple, sus incursiones en el folk o el jazz con textos de elevada carga emocional son algunos de los mejores legados femeninos de la historia de la música, equivalentes a los trabajos más importantes del Neil Young más folk, Van Morrison, Leonard Cohen o James Taylor.
“Blue” es una de sus cumbres, un disco folk muy desnudo, intimista, sensitivo, personal y autobiográfico, que dibuja escenarios de desolación pero también de esperanza, de encuentros y desencuentros amorosos con textos maduros y sinceros en clave poética. Sea con una simple guitarra acústica, un piano o un dulcimer, junto a su voz y melodías sencillas pero que atrapan el sentido emocional del asunto narrado, Joni expresa sus epopeyas románticas y sus evocaciones líricas con percepción y sensibilidad sobre el hogar, el amor, la felicidad y la tristeza en un viaje interior y externo realmente admirable.
Algunas destacadas piezas del álbum, dentro de un Lp prácticamente redondo, son “My old man”, precioso tema pivotado en el contrapunto entre la felicidad otorgada por la presencia del ser querido y el desconsuelo por su ausencia; “River”, una canción iniciada con un piano que interpreta las notas del “jingle bells” y que se centra en la evasión personal en un ideal escenario navideño, o “Little green”, sentido tema de bonita melodía dedicado a la hija que la cantautora canadiense tuvo que dar en adopción cuando todavía no había iniciado su carrera musical. En su madurez ambas terminarían encontrándose.
Como colaboradores suenan en el disco y de manera puntual la guitarra de James Taylor y el bajo y la guitarra de Stephen Stills.
1. All I Want
2. My Old Man
3. Little Green
4. Carey
5. Blue
6. California
7. This Flight Tonight
8. River
9. A Case Of You
10. The Last Time I Saw Richard
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231. Funkadelic – Maggot Brain (1971)
Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.
Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como \"rock negro\"
Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.
Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.
Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de \"Can You Get to That\" y el irresistible groove de \"Super Stupid\", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.
En cuanto a las épicas, \"Wars of Armageddon\" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.
\"Maggot Brain\", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.
Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.
1. Maggot Brain
2. Can You Get To That
3. Hit It And Quit It
4. You And Your Folks,Me And My Folks
6. Back in our Minds
7. Wars Of Amargeddon
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232. Janis Joplin – Pearl (1971)
La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.
La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.
A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera \"Move over\"; la irónica \"Mercedes Benz\", cantada a capella; el número 1 \"Me & Bobby McGee\", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de \"Half Moon\", la balada soul \"Trust me\" y el sensacional instrumental \"Buried alive in the blues\" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).
Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.
1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can
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233. Fela Kuti - With Ginger Baker: Live! (1971)
Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat, que en síntesis es la fusión entre el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.
Este genial documento histórico que supone poder apreciar con un muy buen sonido una de las primeras grabaciones en directo del genial artista-estrella-rey de africa-gran seductor-mito-ente político conocido por todos como Fela Kuti, nace de una odisea sobre cuatro ruedas a lo Kerouac: El viaje que realizaron a principio de los 70 el que fuera batería de Cream, Ginger Baker y nuestro hombre a bordo de un Land Rover... captando ritmos y sonidos de todita África.
Explicaciones complices y reídas entre corte y corte sirven como perfecto prologo para la bacanal de funky con guerra de percusiones, teclado groovey, coros sexuales y movimientos de cadera dislocantes que se pueden disfrutar en este lp que se reeditó en 2006 con un tema extra grabado en 1978 en el festival de jazz de Berlin: Tony Allen (padre del este invento llamado afrobeat) y Ginger Baker a muerte en uno de los solos de batería más bestias que se recuerdan.
El resto de canciones, \"Let´s Start\", \"Black man´s cry\", \"Ye ye de smell\" y \"Egbe mi o (carry me i want to die)\" son variantes de una misma pulsión, de un mismo sonido, del rugido del tercer mundo. Fela nunca grabó ni tocó el mismo tema dos veces. Siempre en esa busqueda incesante de la perfección musical, eso sí con agitación de mentes a lo socio-político más que obligatoria.
Este álbum es lo suficientemente accesible como para poder despertar la curiosidad del neófito por su falta de experimentaciones futuras y su ritmo incesante, y es una joyita inmarchitable para el conocedor de la música más excitante (en el sentido más literal de la palabra) que nos vino del continente negro. Es interesante reflexionar sobre la epóca, ya que en todo el apogeo funk en los 70 en USA, esto ocurría paralelamente en Africa, extraño pero cierto. La música nunca nos dejará de sorprender. Ginger Baker apareció en este disco y Fela le correspondió participando en el disco de Ginger “Stratavarious” (1972).
1. Let\'s Start
2. Black Man\'s Cry - Ginger Baker, Fela Kuti & Africa 70, Fela Kuti & Africa 70
3. Ye Ye de Smell
4. Egbe Mi O (Carry Me I Want to Die)
5. Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo [Live]
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234. Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)
The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces.
El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman.
Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need.
El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.
1. Miss Judy\'s Farm
2. You\'re So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That\'s All You Need
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235. Flamin’ Groovies – Teenage Head (1971)
Espléndida formación americana, poco conocida entre la masa pero de fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock \'n\' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.
Los Flamin\' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.
“Teenage Head”, publicado en 1971, sería a la postre el último disco con Jordan y Loney, las diferencias musicales entre ambos terminaron por imponerse, diferencias que se aprecian con claridad en este disco, como también se aprecia el tremendo efecto que producía la conjunción de sus egos, en magníficos temas como “Have You Seen My Baby?”, “Yesterday Numbers” o “Whiskey Woman” donde se combinan de una forma magistral las afiladas y rugosas guitarras de Loney con las acertadísimas melodías de Jordan, en este disco es muy acusada la infuencia de los Rolling Stones y de los primeros Beatles, dotando al álbum de una coherencia superior a la de sus anteriores trabajos.
En este “Teenage Head” aparece claramente reflejada toda la actitud y la energía de la banda gracias a una producción (a cargo de Richard Robinson) que por fin les hizo justicia, resaltando su inigualable capacidad compositiva e interpretativa, su versatilidad a la hora de abordar temas rock clásicos (las versiones de “Doctor Boogie” y de “32-20”), temas blues o estupendas canciones pop.
Tras este álbum, con la salida de Roy Loney de la banda, The Flamin’ Groovies se decantaron definitivamente por el lado melódico de Jordan, ya con el control exclusivo de la banda, y aunque aún fueron capaces de entregar muy meritorios trabajos nunca volverían a sonar como lo hicieron en este disco, un auténtico clásico que nadie debería dejar de escuchar.
1.High Flyin\' Baby
2.City Lights
3.Have You Seen My Baby?
4.Yesterday\'s Numbers
5.Teenage Head
6.32-20
7.Evil Hearted Ada
8.Doctor Boogie
9.Whiskey Woman
10Shakin\' All Over
11.That\'ll Be The Day
12.Louie Louie
13.Walkin\' The Dog
14.Scratch My Back
15.Carol
16.Going Out Theme
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236. Gene Clark – White Light (1971)
Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron \"White Light\" (1971) y \"No Other\"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras \"No Other\" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, \"White Light\" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.
Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.
Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.
En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.
En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de \"intoxicaciones\" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de \"One in a hundred\", mi favorita del disco junto a \"1975\". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de \"One in a hundred\" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. \"For a spanish guitar\" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada \"1975\", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en \"Harvest\" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico \"Stand by me\" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al \"Tears of rage\" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de \"Because of you\" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.
1.- The Virgin
2.- With Tomorrow
3.- White Light
4.- Because of You
5.- One In A Hundred
6.- For a Spanish Guitar
7.- Where My Love Lies Asleep
8.- Tears of Rage
9.- 1975
10.- Because Of You
11.- Stand By Me
12.- Ship Of The Lord
13.- Opening Night
14.- Winter In
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237. John Prine – John Prine (1st Album) (1971)
John Prine es un cantautor de country y folk estadounidense con un amplio éxito, tanto de crítica como de público, desde la década de 1970. Su primer disco, titulado sencillamente John Prine, fue un gran éxito. El álbum incluye temas característicos de Prine como \"Illegal Smile\", \"Sam Stone\" y el clásico del newgrass \"Paradise\", así como \"Hello In There,\" una canción sobre el envejecimiento que después ha sido interpretada por numerosos artistas. El éxito del disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como \"el nuevo Bob Dylan\". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones de Prine en Nueva York.
1. Illegal Smile
2. Spanish Pipedream
3. Hello in There
4. Sam Stone
5. Paradise
6. Pretty Good
7. Your Flag Decal Won\'t Get You into Heaven Anymore
8. Far from Me
9. Angel from Montgomery
10. Quiet Man
11. Donald and Lydia
12. Six O\'Clock News
13. Flashback Blues
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238. Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)
Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco \"Nilsson Schmilsson\" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema \"Without You\" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue \"Coconut\" que también tuvo éxito en ventas.
1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I\'ll Never Leave You
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239. T.Rex – Electric Warrior (1971)
El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex, al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock \'n\' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos.
\"Electric Warrior\" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.
Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como \"Mambo Sun\", \"Cosmic Dancer\", el número 1 británico \"Get it on\", la primorosa balada \"Girl\", la clase y elegancia destilada por \"The Motivator\", \"Life\'s a gas\" o la colérica \"Rip-Off\". La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.
01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life\'s A Gas
11. Rip Off
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240. David Bowie – Hunky Dory (1971)
Uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.
Al margen de su propia carrera como intérprete y compositor, Bowie se convirtió en pieza clave para relanzar en los años 70 las carreras de nombres esenciales del rock, como Lou Reed e Iggy Pop y los Stooges, dos de sus principales referencias como músico.
El álbum que encumbró definitivamente a David Bowie como una superestrella a nivel mundial y uno de los mejores trabajos de un artista esencial (a pesar de su bajón artístico a partir de los años 80), \"Hunky Dory\" desarrolla desde perspectivas netamente acústicas pasajes repletos de gran imaginería lírica.
Reminiscencias de Lou Reed, Neil Young y Bob Dylan para un mundo de ambiguas identidades sexuales, retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales (\"Kooks\" está escrita para su hijo Zowie) con repiques cabareteros en una global sonoridad pop que no esconde magistrales destellos folk.
Glamour estelar para el venidero Ziggy, que contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, por no hablar de la guitarra y arreglos de su amigo y gran instrumentista Mick Ronson.
1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers
12. Bombers
13. The Supermen
14. Quicksand
15. The Bewlay Brothers
16. The Shadowman
17. How Lucky You Are
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241. Randy Newman – Sail Away (1972)
Randy Newman, compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). En 1972 publicó su disco \"Sail Away\" que alcanzó el puesto #163 en la lista Billboard. En este disco aparecían canciones como la que da nombre al disco \"Sail Away\" (y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles), \"Burn On\" en la que hablaba de la contaminación del río Cuyahoga en Ohio, o quizás la más conocida \"You Can Leave Your Hat On\", que fue posteriormente interpretada por Joe Cocker, Keb Mo, Tom Jones o Etta James. Nunca fue superventas, pero consolidó su reputación de compositor inteligente e incluso es ganador de un Oscar.
1. Sail Away
2. Lonely at the Top
3. He Gives Us All His Love
4. Last Night I Had a Dream
5. Simon Smith and the Amazing Dancing Bear
6. Old Man
7. Political Science -2:00
8. Burn On
9. Memo to My Son
10. Dayton, Ohio - 1903
11. You Can Leave Your Hat On
12. God\'s Song (That\'s Why I Love Mankind)
13. Let It Shine
14. Maybe I\'m Doing It Wrong (studio version)
15. Dayton, Ohio - 1903 (early version)
16. You Can Leave Your Hat On (demo version)
17. Sail Away (early version)
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242. Deep Purple – Machine Head (1972)
Después de haber demostrado todo su talento con el lp \"In Rock\" en 1970 Y su consolidación comercial con el album \"Fireball\" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al número cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda.
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con \"Highway Star\", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con \"Maybe I\'m a Leo\", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue \"Pictures of Home\", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de \"Never Before\", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
\"Smoke On The Water\" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue \"Lazy\", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con \"Space Truckin\'\", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema \"Smoke on the Water\", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.
1. Highway Star
2. Maybe I\'m a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water\"
6. Lazy
7. Space Truckin\'
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243. Big Star – # 1 Record (1972)
En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes. Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.
El álbum abre con \"Feel\", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion. Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda. En la gema \"Watch the Sunrise\", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. \"Give me Another Chance\" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. \"The India Song\" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.
Pero el tema que hace de este disco un clásico es \"Thirteen\". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído. Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la época, y logrado tanto.
1. Feel
2. The Ballad Of El Goodo
3. In The Street
4. Thirteen
5. Don\'t Lie To Me
6. The India Song
7. When My Baby\'s Beside Me
8. My Life Is Right
9. Give Me Another Chance
10. Try Again
11. Watch The Sunrise
12. St 110/6
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244. Black Sabbath – Vol 4 (1972)
Después de apisonar la entonces temprana escena con los rocosos riffs de su Master Of Reality, los ingleses Black Sabbath retornaron sobre el mismo cauce de sus hondas huellas en Septiembre de 1972, desatando otra reptante manada de subacordes de obscura rúbrica, que arropando esta vez tesituras de un folklore rockero más bucólico, dieron vida al ’volumen 4’ de su discografía, uno de los álbumes más exquisitos de su primera y mítica era.
Y aquella era fue la de Ozzy Osbourne, esa cara de la moneda que brilló sobre la cruz de aquella negra instrumentación con pasmosa simbiosis, una voz más carismática que virtuosa que en este álbum desgarraba y masculinizaba más su tonalidad para hacer más justicia al nuevo repertorio guitarrístico que presentaba el zurdo Iommi, ostentador este último de la ‘fórmula diabólica’, aquella fúnebre afinación que nació de las secuelas de un accidente, y que en este álbum que nos ocupa fue perpetuada para proyectar las futuras tinieblas y el alto tonelaje y octanaje del Metal, justo como hoy lo conocemos.
Esos ingredientes históricos que dan cuerpo y alma al fenómeno Black Sabbath se forjaron a fuego lento para que décadas después, grupos como Pantera o Machine Head vieran en este Vol. 4 una de sus principales influencias para crear su propio sonido, según declaraciones suyas en entrevistas, sin olvidar ese gran proyecto que fue Down, a cargo de Phil Anselmo y la créme de la créme del Metal noventista de Nueva Orleans y Los Angeles, siendo este álbum que nos ocupa notorio influjo para que esa apuesta naciera. Como experimentando una naturaleza campestre y a ratos cósmica, es apasionante sumergirse en esta cuarta obra de los de Birmingham, que recobraban el paisajismo musical de su disco debut, el de la dama, la casa y el árbol que se erguían fantasmagóricos en ese pantanoso campo, volviendo a nuestra mente tan enigmáticas figuras sumadas al eco tardío de un ’Verano del Amor’ que los ’70 sepultaron, vibrando en la voz de Ozzy el espíritu residual de aquel Woodstock del ’68, esta vez blindado por los leñosos riffs del zurdo del bigote y las pegadas de un Bill Ward que, como por arte de magia, lograba expandir las posibilidades que le brindaba tan minimalista kit (como Mary Poppins con su bolso - ¡¿?!), parches y platillos sobre los que el expresionismo al bajo de Geezer Butler pincelaba densos sus propios argumentos, paralelos al trabajo de Iommi, pero altamente compatibles.
En menos de un mes de vida, ’Volume 4’ consiguió el Disco de Oro, siendo una obra más arriesgada y progresiva que sus antecesoras, y en la que el negro clan británico resucitó a aquel ‘Verano del Amor’ que ellos mismos dieron muerte con su goecia eléctrica, reviviéndolo con el galvanismo de sus seis cuerdas pero convirtiéndolo así en un monstruo más pesado, no exento de una efervescencia que más palpable se iría haciendo en sus siguientes trabajos, proyectándonos su ‘sueño del mañana’, un sueño profético, un sueño muy real, muy fiel al Hoy más inmediato del Metal.
1. Wheels of Confusion/The Straightener
2. Tomorrow\'s Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes
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245. Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)
Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can\'t Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías.
El disco cuenta con Reelin\' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas, aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.
1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin\' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again
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246. Neil Young – Harvest (1972)
El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense.
Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, \"Harvest\", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como \"Heart of gold\", \"Are you ready for the country?\", \"Old man\", \"Alabama\", \"The needle and the damage done\" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima \"Harvest\".
Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.
1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There\'s a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)
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247. Curtis Mayfield – Superfly: Original Motion Picture Soundtrack (1972)
Curtis Mayfield, cantante, compositor y guitarrista de soul y funk nacido en Chicago en 1942.
El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.
Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.
Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.
Curtis Mayfield, en 1970, emprendió su carrera en solitario. Sus primeros sencillos tenían un aire muy funk, como \"(Don\'t Worry) If There\'s a Hell Below, We\'re All Gonna Go\", en el que muchos creían excesiva la forma tan cruda con que se hablaba sobre hechos de la comunidad negra urbana. En solitario no cosechó tanto éxito como anteriormente, hasta que en 1972 llegó la banda sonora de \"Superfly\" y con ella el éxito, dando lugar al movimeinto blaxploitation. La banda sonora tuvo mucha más relevancia que la película por sí misma.
En aquel momento, Curtis Mayfield era, junto a Stevie Wonder y Marvin Gaye, el icono de un nuevo soul. Tras el éxito abrumador de \"Superfly\" cosechó éxitos menores como \"Kung Fu\", \"So in Love\" y \"Only You Babe\".
1. Litte Child Runnin\' Wild
2. Pusherman
3. Freddie\'s Dead
4. Junkie Chase (instrumental)
5. Give Me Your Love
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think (instrumental)
9. Superfly
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248. Slade – Slayed? (1972)
El mejor álbum de los exitosos Slade, un conjunto esencial del glam británico surgido a comienzos de los años 70. Tomando como cimiento el rock\'n\'roll de los 50, enfatizando los ritmos y estribillos, endureciendo el aspecto sonoro y vistiendo excéntricos atuendos, que jugaban notablemente con la ambigüedad sexual, Slade, con su vigorizante, bulliciosa y divertida música, arrasaron en las listas británicas con estupendos discos y exuberantes singles, algunos de ellos incluidos en este álbum como \"Mama weer all crazee now\" o \"Gudbuy T\'Jane\".
Producido por Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, \'Slayed?\" es una plétora de latigazos de guitarras, musculosas bases rítmicas y agresividad vocal de elevada excitación en sus grandilocuentes estribillos, que brilla además de los sencillos en sensacionales piezas como \"Look at last night\", \"I won\'t let it \'appen agen\" o la obra maestra \"Gudbuy Gudbuy\".
Las muy conseguidas versiones revisitan a Janis Joplin con \"Move over\" y a Shirley & Lee con sus clásicas piezas de R&B \"Let the good times roll\" y \"Feel so fine\".
1.- How D\'you Ride
2.- The Whole World\'s Goin\' Crazee
3.- Look At Last Nite
4.- I Won\'t Let It \'Appen Agen
5.- Move Over
6.- Gudbuy T\'Jane
7.- Gudbuy Gudbuy
8.- Mama Weer All Crazee Now
9.- I Don\' Mind
10.- Let The Good Times Roll / Feel So Fine
11.- My Life Is Natural
12.- Candidate
13.- Wonderin\' Y
14.- Man Who Speeks Evil
15.- Slade Talk To \'Melanie\' Readers
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249. Deep Purple – Made in Japan (1972)
Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple.
Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero.
La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time.
Smoke on the water. Qué decir. Un clásico entre los clásicos. El riff que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin.
Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción.
Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos.
Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.
01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin\'
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250. Yes – Close to the Edge (1972)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción \"épica\" mucho más larga que las otras en el disco. Esto volvió a repetirse en los álbums Relayer (que incluyó \"The Gates of Delirium\"
y Going for the One\' (que incluyó \"Awaken\".Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción \"Close to the Edge\" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y \"Siberian Khatru\" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el #4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el #3 en Estados Unidos.
1. Close to the Edge: The Solid Time of Change/Total Mass Retain/I Get Up
2. And You and I/Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse
3. Siberian Khatru
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1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 5)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under 1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 5
201. James Taylor – Sweet Baby James (1970)
El más genuino representante de la hornada de cantautores de introspectiva lírica, aguda sensibilidad, reposados ritmos de procedencia acústica y templada vocalidad que surgieron en los años 70 es James Taylor, un talentoso compositor cuyos temas empapados de reflexión personal y afectivas revisitaciones de canciones ajenas, cosecharían de forma regular un apreciable éxito comercial, con su oferta de piezas de enfoque adulto y basamento folk, country, blues, soul y soft-rock de sencillas estructuras y fácil asimilación.
James Taylor abandonó Apple y junto a él se fue Peter Asher, quien confiaba totalmente en la lucidez compositiva de su artista. Posteriormente Asher también produciría a su hermana Kate, entre otros muchos artistas.
Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron "Sweet Baby James" (1970), un disco en el cual colaboró Carole King y que lo convertiría en estrella, gracias a singles como "Fire and rain", "Country road" o el homónimo "Sweet Baby James", embebidos de tintes autobiográficos. El album llegaría al número 1.
Aprovechando el éxito, se reeditó el sencillo "Carolina in my mind" y el EP publicado con The Flying Machine.
Su triunfo social fue enorme, apareciendo en la portada de la revista "Time" como abanderado del estilo de cantautor (entre los que se encontraba gente como Cat Stevens, Joni Mitchell, Carly Simon, Laura Nyro o Carole King) y protagonizando como actor principal la película de Monte Hellman "Carretera asfaltada en dos direcciones" (1971), título en el cual aparecía también Dennis Wilson, el batería de los Beach Boys.
01. Sweet Baby James
02. Lo And Behold
03. Sunny Skies
04. Steamroller
05. Country Road
06. Oh Susannah
07. Fire And Rain
08. Blossom
09. Anywhere Like Heaven
10. Oh Baby Don't You Loose Your Lip On Me
11. Suite For 20 G
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202. Paul McCartney – McCartney (1970)
"McCartney" es el primer álbum de la carrera en solitario de Paul McCartney. Macca comenzó la grabación del disco a finales de 1969, inmerso en plena disolución de The Beatles y ultimando los últimos detalles de la publicación de "Let It Be". Grabado entre su casa de Londres y los estudios Morgan y Abbey Road, en este disco Paul toca todos los instrumentos (bajo, guitarras, batería, piano, melotrón, órgano y xilófono), y únicamente se acompaña de su entonces esposa Linda en los coros. Por aquellas fechas, Paul aún seguía luchando por mantener con vida a los Beatles, aunque John ya había iniciado un proyecto con su Plastic Ono Band y George y Ringo ya habían grabado sus primeros álbumes en solitario. Con la certeza de que aquella situación ya no tendría más vuelta de hoja, en otoño de 1969 Paul se enfrascó en la vida familiar con Linda, su esposa, y Mary, su hija recién nacida, al tiempo que comenzaba a componer y grabar nuevos temas en su propio estudio portátil de cuatro pistas. Tan entusiasmado estaba con los resultados, que al poco tiempo ya tuvo listo un buen repertorio de nuevos temas. El álbum estaba preparado para su edición en Marzo de 1970. No obstante, debido a las cuestiones legales aún abiertas con el grupo, no pudo ser lanzado hasta casi un mes y medio después. El 10 de Abril de 1969 Paul anuncia la disolución de The Beatles. Una semana después, "McCartney" era publicado en todo el mundo junto a una nota de prensa en la que manifestaba sus impresiones sobre la desaparición del cuarteto y hablaba sobre su futuro más próximo.
El álbum alcanzó el primer puesto en las listas americanas, manteniéndose en lo más alto durante tres semanas y consiguiendo dos discos de platino. En el Reino Unido el disco se vio eclipsado por el lanzamiento de "Bridge Over Troubled Waters", de Simon & Garfunkel, que ostentó el número 1 durante cuarenta y una semanas no consecutivas. Aún así, "McCartney" estuvo tres semanas en el segundo puesto.
El contenido es de lo más variopinto, empezando por una intro de lo más ñoño titulada "The Lovely Linda" (La-la-la-la-la... the lovely Linda). "That Would Be Something" representa una vuelta a las raíces del Rock & Roll que inspiraron a un jovencísimo Paul allá por los años 50, raíces que quedan reflejadas en la grandísima "Valentine Day", donde alterna buenos acordes blueseros con una suave batería de acompañamiento. No es el único tema instrumental que incluye el álbum, que alterna maravillosas melodías con excelentes interpretaciones vocales. El primer clásico vocal que encontramos es "Every Night", que durante buena parte de su carrera se convirtió en tema fijo del repertorio de directo de Macca. "Hot As Sun" es una de las primeras composiciones de Paul con The Quarrymen (pre-Beatles), allá por 1959. Ensambla esta pegadiza instrumental con un psicodélico fragmento titulado "Glasses". La dulce "Junk", compuesta en 1968 durante la estancia de The Beatles en India, ya fue descartada del "Álbum Blanco" y de "Abbey Road", por lo que éste era su momento de ver la luz. Habéis podido escucharla en el tercer volumen de la serie "Anthology". El sonido y la esencia beatle son perfectamente reconocibles en la infantil "Man We Was Lonely", con Linda a los coros. "Oo You" muy posiblemente sea una de las mejores canciones del álbum, un rock'n'roll de esos que a veces Sir Paul saca de la chistera, con unas guitarras rasgadas con maestría. "Momma Miss America" es otra instrumental, aunque en este caso bastante más elaborada que las anteriores. Una base rítmica de batería sustenta la melodía creada por el piano y guitarra principales, creando un conjunto musical muy emocionante. El tema fue incluido en la banda sonora del peliculón "Jerry Maguire" de Cameron Crowe. Como si el álbum estuviera grabado sobre un guión preestablecido, a continuación toca un tema bastante tonto como "Teddy Boy", también compuesto en la India en 1968; otro descarte de las sesiones del "White Album" y que también salió en su versión demo en el "Anthology". "Singalong Junk" no es otra que la versión instrumental de "Junk", y también se incluyó en "Jerry Maguire". Preciosa melodía creada a partir de un piano y una guitarra acústica que acompañaba a la perfección la escena en la que Jerry (Tom Cruise) se despide de Dorothy (Reneé Zellweger) en el portal de la casa de ésta. Y, señores, quítense el sombrero, porque a continuación viene la mejor canción jamás escrita por Paul en toda su carrera solista: "Maybe I'm Amazed". Escondida tras su apariencia de balada, tiene el mismo puntito punk que "Oh, Darling", incluída en "Abbey Road". Fue incluída entre las 500 Mejores Canciones de la Historia por la publicación Rolling Stone. "Kreen-Akrore" cierra el álbum con un collage de sonidos y ritmos.
01. The Lovely Linda
02. That Would Be Something
03. Valentine Day
04. Every Night
05. Hot as Sun/Glasses
06. Junk
07. Man We Was Lonely
08. Oo You
09. Momma Miss America
10. Teddy Boy
11. Singalong Junk
12. Maybe I'm Amazed
13. Kreen-Akrore
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203. Santana – Abraxas (1970)
Un año después de aparecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, la obra maestra de Carlos Santana y apenas su segundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahí está, muy presente, la huella de Miles Davis) y ritmos afro antillanos. La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbre discográfica de los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si “Santana”, el larga duración anterior, contenía tres futuros temas clásicos (”Souls Sacrifice”, “Evil Ways” y “Jingo”), este opus número 2 ofrecía exactamente lo mismo con “Black Magic Woman” (composición de Peter Green, líder del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba gran rock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda “Gypsy Queen”, “Oye cómo va” (original del enorme timbalista Tito Puente) y “Samba pa ti” ( una de las piezas más bellas jamás escritas por Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en la calidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas. Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandes rasgos jazzísticos, como “Incident at Neshabur” o “Singing Winds, Crying Beasts”, no dejan lugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera “Hope You’re Felling Better”. Por supuesto que más allá del alto nivel de los diversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, sus licks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, pero sobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquí interpreta.
Con "Abraxas", Santana obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas consecutivas y consiguió vender más de un millón de copias; algo extraño por entonces en un trabajo discográfico fundamentalmente instrumental. En definitiva, un excelente disco que no pasará de moda.
1. Singing Winds, Crying Beasts
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye Como Va
4. Incident at Neshabur
5. Se A Cabo
6. Mother's Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You're Feeling Better
9. El Nicoya
10. Se A Cabo (1998 Edition)
11. Toussaint L'Ouverture (1998 Edition)
12. Black Magic Woman/Gypsy Queen (1998 Edition)
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204. Syd Barrett – Madcap Laughs (1970)
Roger Keith Barrett fue el gran baluarte del éxito inicial de los Pink Floyd y uno de los pioneros en el sonido de la psicodelia británica. Syd (nacido el 6 de enero de 1946 en Cambridge) sufrió como nadie los efectos de las drogas alucinógenas tan de moda a finales de los años 60, el consumo abusivo privó a la música de un compositor genial y arriesgado que tras comenzar en grupos como Geoff Mutt and the Mottoes y The Hollering Blues pasó a ser el lider absoluto de Pink Floyd, artífice principal de su primer disco psicodélico-surreal "The piper at the gates of dawn" (1967)
The Madcap Laughs es el primer álbum como solista de Syd Barrett después de abandonar Pink Floyd. Producido por Roger Waters, David Gilmour, Malcolm Jones y Peter Jenner, grabado en 1969 y editado en enero de 1970. La mayoría de sus canciones reflejan el estado mental de Barrett en ese tiempo. Fue un álbum con sesiones difíciles, ya que al ser una persona inestable los músicos difícilmente podían acompañarlo en cuanto a métrica y ejecución de sus piezas.
Es un disco distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho: caótico, depresivo, incoherente, psicodelico, brillante, carente de mayores arreglos. Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto, por ello en la mayoría de las canciones se escucha tan solo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" (el mejor tema del Lp para muchos), "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Sus letras exploran distintas atmósferas, consiguiendo en cada canción un mundo. Muchos artistas fueron influenciados por esta obra, algunos de ellos son John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), Damon Albarn (Blur), David Bowie.
1. Terrapin
2. No Good Trying
3. Love You
4. No Man's Land
5. Dark Globe
6. Here I Go
7. Octopus
8. Golden Hair (Barrett/Joyce)
9. Long Gone
10. She Took a Long Cold Look
11. Feel
12. If it's In You
13. Late Night
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205. Jethro Tull – Aqualung (1971)
Uno de los disco más populares y conseguidos del grupo británico liderado por el cantante, guitarrista y flautista Ian Anderson, Jethro Tull, quienes desarrollan una amalgama de rock, folk y blues con retazos progresivos para conformar un Lp de poso conceptual, acometiendo temas como la transgresión institucional del verdadero mensaje del cristianismo y de la ejecución del mismo en un sistema corruptamente organizado, o el desarrollo de historias de notable imaginería y condición crítica en su miramiento social.
"Aqualung" se inicia con el tema homónimo, uno de los mejores cortes del álbum, significado por el riff legendario de Martin Barre, desplegando en su conjunto un esmerado trabajo melódico y un gran trabajo vocal de Anderson, pasando de registros de aviesa apostura a tonadas de dulce vocalidad y elaborando piezas de variado disfrute, desde exiguas y exquisitas canciones acústicas como "Cheap Day Return", "Wondering Aloud" o "Slipstream" a temas extensos de diferentes ritmos y texturas como "My God" o el citado "Aqualung" y cortes de diáfano cimiento rock como la magnífica "Cross-Eyed Mary" o folkies como "Mother Goose", todo ello sin practicamente decaer en su calidad compositiva, que mixtura notablemente los sonidos acústicos con los eléctricos, sabiendo como ensanchar o acentuar los momentos más emocionales de un Lp imprescindible para los amantes del rock progresivo.
01 Aqualung
02 Cross-Eyed Mary
03 Cheap Day Return
04 Mother Goose
05 Wond'ring Aloud
06 Up to Me
07 My God
08 Hymn 43
09 Slipstream
10 Locomotive Breath
11 Wind Up
12 Lick Your Fingers Clean
13 Wind Up Quad Version
14 Excerpts from the Ian Anderson Interview / John Bungey
15 Songs for Jeffrey
16 Fat Man
17 Bouree
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206. David Crosby – If Only I Could Remember My Name (1971)
David Crosby inicia en los años 60 su andadura musical fundando thr Byrds, grupo esencial en la música pop americana. Despues con Nash y Sitlls formará Crosby, Stills and Nash, grupo al que después se reincorpora Neil Young. Colaborador de lujo por sus armonías vocales de múltiples artistas, continua actualmente grabando y es considerado artista de culto. David
Esta grabación es de las que te atrapa, de ésas que cuanto más las escuchas más se convierten en parte de tí. Sumergido en la más auténtica tradición folk-rock americana, el señor Crosby nos lleva de la mano a través de un viaje flipante por el arte de componer música, donde cada engranaje de la máquina funciona a la perfección, todo en beneficio del oyente, para su disfrute, porque aquí no se atisba ni un átomo de autocomplacencia, sólo la más completa entrega.
Con su increíble facilidad para escribir canciones redondas, y su sentido de la melodía realmente envidiable.La dosis perfecta de talento, inspiración, improvisación y generosidad, en medio de una época dorada para discos así.
1. Music Is Love
2. Cowboy Movie
3. Tamalpais High
4. Laughing
5. What Are Their Names
6. Traction in the Rain
7. Song With No Words
8. Orleans
9. I'd Swear There Was Somebody Here
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207. Sly & The Family Stone – There’s a Riot Goin’ On (1971)
La fiesta se había terminado y el sueño se había roto. Y algo dentro de Sylvester Stewart, alias Sly Stone, también. La esperanza de integración racial que representaba la Family Stone, la festiva vitalidad que transmitían sus maravillosos y rompedores discos, donde el funk, el soul, el rock se hermanaban (como los músicos sin importar el color de su piel, masculinos y femeninos de su formación) sin complejos y valientemente, para llevar a todos estos géneros hacia delante. Sly era un innovador que te lo hacía pasar bien con sus experimentos, que te empujaba a la pista de baile. Pero tal vez él mismo se lo había pasado demasiado bien y llegaba el momento de sufrir. Demasiada droga, por si alguien no está entendiendo todo esto.
"There´s A Riot Goin´ On" se convirtió en otra obra maestra, quizá la mayor. Pero su nacimiento fue terriblemente accidentado: toda la banda estaba destrozada por los excesos y por las desavenencias internas, el disco fue grabado de un modo caótico, con gente entrando y saliendo de un estudio que era una fiesta de color blanco: las cintas que se perdían y nadie sabía dónde estaban. Esto llevó a Sly a grabar él mismo mucho del material. Ejerciendo su faceta de multiinstrumentista, y también introduciendo una extraña mezcla de percusión orgánica y las primeras cajas de ritmos en el mercado, lo que otorga al disco una fascinante y bizarra sonoridad.
Para comprender la diferencia entre este disco y sus precedentes basta comparar la versión incluida de "Thank You", en este caso una mezcla oscura, obsesiva, con un bajo que agobia en vez de incitar a bailar, y compararla con el exultante single que se había publicado antes. Y ese es el tono generalizado en el disco. Una obra en la que la jams instrumentales se dejan ir, pero sobre todo se arrastran, como la voz de Sly, que suena dolida, confusa y desesperada. En las letras se mezclan el desquiciado estado mental de Sly (Runnin´Away relata de un modo festivo su adicción a la coca, en un ejercicio de ironía devastador) con comentarios políticos que están lejos del optimismo (Thank You For For Talkin´ To Me Africa). Y aún así resulta una obra poliédrica, repleta de genialidades. Sly siempre se había auto producido, y de este modo se dio una libertad absoluta para hacer lo que le vino en gana, para expresarse, ya que como afirma en "Poet" "mi única arma es mi pluma, soy un escritor de canciones, soy un poeta".Hacer este disco era su única salida del pozo. Y para conseguirlo siguió utilizando las voces, las percusiones, los vientos, los bajos y los teclados de un modo diferente a todos los demás. Sólo que esta vez las baladas sonaban dolidas (Time), y los tiempos rápidos también (Family Affair), si no resultaban completamente desquiciados (Spaced Cowboy)
Siempre se ha dicho que Sly fue uno de los mayores innovadores de la música afroamericana. Tal vez nunca más que en esta ocasión: el primer disco de música de baile que expresa el dolor y no la alegría de vivir.
1.Luv N' Haight
2.Just Like a Baby
3.Poet
4.Family Affair
5.Africa Talks to You ' the Asphalt Jungle'
6.There's a Riot Goin' On
7.Brave & Strong
8.(You Caught Me) Smilin'
9.Time
10.Spaced Cowboy
11.Runnin' Away
12.Thank You For Talkin' to Me Africa
13.Runnin' Away
14.My Gorilla Is My Butle
15.Do You Know What?
16.That's Pretty Clean
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208. Marvin Gaye – What’s Going On (1971)
Un álbum fundamental para entender la música y que además está considerado por la crítica como uno de los mejores que se han grabado jamás. What's Going On es un álbum grabado por cantante de soul norteamericano Marvin Gaye. Lanzado el 21 de mayo de 1971 What's Going On significó el inicio de una nueva tendencia en la música soul. Con letras intimistas acerca del abuso de drogas, la pobreza y la guerra de Vietnam, el álbum fue una sensación inmediata y ha permanecido como un clásico del soul. Constantemente es nombrado en encuestas como una de las grabaciones fundamentales en la historia de la música pop y es considerado una de los más grandes grabaciones de todos los tiempos. Por ejemplo ocupó el sexto lugar en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y en 1999 una encuesta de críticos conducida por el diario británico Guardian/Observer lo nombró como "El más grande álbum del siglo XX".
El productor fue el propio Marvin Gaye. What's Going On es una álbum concepto que consiste de nueve canciones (todas las cuales excepto la primera están ligadas) vistas desde el punto de vista de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a Estados Unidos, el país por el cual ha estado peleando y no ve más que injusticia, sufrimiento y odio. Gaye parece haberse inspirado en la experiancia de su hermano que pasó tres años en el ejército durante la guerra de Vietnam.
1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love (Album Version)
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Single Version)
11. Sad Tomorrows
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209. Yes – Yes Album (1971)
Yes fue una de la bandas más importantes de rock progresivo surgido en la Gran Bretaña de finales de los años 60. Su capacidad virtuosa y su temática con trazos mítico-místicos ayudaron a fundamentar varias de las bases del mejor sonido progresivo. Comenzaron su andadura en 1968, año en el que actuaron de teloneros en la gira de despedida del mítico trío Cream. Sucesivas actuaciones en diferentes clubs británicos lograron que Atlantic se fijara en ellos para editarles sus primeras grabaciones.
El título es de lo menos original que pueda tener un disco, pero la música que contiene es maravillosa. Acá están los primeros éxitos de la más exitosa de las bandas progresivas: Yours Is No Disgrace, Your Move, I've Seen All Good People, todas con un trabajo de voces impresionante, con Jon Anderson a la cabeza, y el bajista Chris Squire, que es un superdotado tanto en las 4 cuerdas como en su garganta... juntos fueron los creadores de ciertas armonías vocales que son marca registrada de Yes. La formación la completaban Tony Kaye (posteriormente reemplazado por Rick Wakeman) y el maestro de maestros Bill Bruford (también integrante de King Crimson y Genesis), una eminencia de la batería y la percusión en general. Párrafo aparte para la increible The Clap (en vivo), que es una interpretación de guitarra acústica que demuestra porque Steve Howe tiene tanto peso en la historia de las 6 cuerdas. Yes logra en este disco definir su estilo que... si, probablemente, lo desarrollen mejor en álbumes posteriores como "Fragile" y "Close To The Edge", pero este es en mi opinion el más accesible.
Convengamos que el Rock Progresivo, se excedió demasiado en complejidad y terminó quedando como un recuerdo lindo de una época en la que esta música, super compleja, llenaba estadios.
01. Yours Is No Disgrace
02. Clap
03. Starship Trooper
04. I've Seen All Good People
05. A Venture
06. Perpetual Change
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210. Bee Gees – Trafalgar (1971)
Coronados comercialmente en la fiebre discotequera de la década de los 70, los Bee Gees habían mostrado mucho antes un extraordinario talento para la creación pop, a veces barroca, otras psicodélica, siempre melódica, en canciones ensalzadas por sus armonías a tres voces y una elevada sensibibilidad en el concepto compositivo. Este talento les permitió con el paso de las décadas redifinir sus sonidos, aclimatarse a diferentes estilos y alcanzar un espectacular éxito a nivel mundial, que convirtió al terceto en toda una institución dentro de la música popular. Trafalgar es el séptimo álbum de estudio de The Bee Gees, lanzado en septiembre de 1971. El álbum fue relativamente un hit en los Estados Unidos al alcanzar la posición #34. El single principal "How Can You Mend a Broken Heart?" fue el primero en alcanzar la posición #1 en las listas del país americano.
01. How Can You Mend A Broken Heart
02. Israël
03. The Greatest Man In The World
04. It's Just The Way
05. Remembering
06. Somebody Stop The Music
07. Trafalgar
08. Don't Wanna Live Inside Myself
09. When Do I
10. Dearest
11. Lion In Winter
12. Walking Back To Waterloo
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211. The Who – Who’s Next (1971)
Monumental obra del cuarteto británico The Who, que tras abandonar un brillante ciclo de lucidez artística durante los años 60 se abría paso en el siguiente decenio con este apabullante álbum de naturaleza agridulce, irónica y combativa, tonalidades creadas por Pete Townshend y enfatizadas por la agresiva vocalidad de Roger Daltrey, la fibrosa guitarra de su citado autor principal, y la impetuosa sección rítmica de John Entwistle y Keith Moon.
El disco, que estaba proyectado en principio como una ópera-rock denominada "Lifehouse", muestra la capacidad imaginativa de Pete Townshend en la construcción piezas de rock clásico, con un espléndido y novedoso empleo de sintetizadores que acentúan la fortaleza instrumental de la banda en uno de sus momentos más álgidos.
Desde el himno "Baba O'Riley", pieza dedicada al mentor espiritual de Pete Townshend que expone a la perfección el esquema musical de los Who en este album, con ese hipnótico sintetizador horadando una canción concluida por el violín de Dave Arbus, hasta el orgiástico final de "Won't get fooled again", canción de incisivo comentario político, el álbum es un tratado magistral de inmortal rock con variada expresión emocional y arrebatante disposición sonora.
En medio de estos dos cortes hallamos clásicos temas de aguerrida textura como "Bargain", calmadas piezas de sentida ejecución como "Song is over" y "Getting in tune" (ambas con el piano del omnipresente músico de sesión Nicky Hopkins), poderío acústico en "Love ain't for keeping" o "Goin' mobile", la bellísima y triste balada "Behind blue eyes", pieza con guitarra acústica y armonías vocales que alcanza un acerado clímax eléctrico antes de templar de nuevo su tempo y retomar las pautas sónicas iniciales, o la gloriosa composición del bajista Entwistle "My wife", todo un miramiento sarcástico a las infidelidades matrimoniales.
Considerado por muchos como el mejor álbum del grupo, Who's Next fue nombrado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto #13, y por la revista musical Rolling Stone, alcanzando la posición #28. Tras su publicación, fue considerado como el mejor álbum del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice.
El álbum aparece en el puesto 15 de la lista de los 100 mejores álbumes de los años 70, elaborada por Pitchfork Media. En 2006, Who's Next fue elegido por la revista TIME como uno de los cien mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife (Entwistle)
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Pure and Easy
11. Baby Don't You Do It (Holland-Dozier-Holland)
12. Naked Eye
13. Water
14. Too Much of Anything
15. I Don't Even Know Myself
16. Behind Blue Eyes
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212. Carole King – Tapestry (1971)
"Tapestry" es sin duda la obra maestra de Carole King: 4 premios grammy y 15 semanas en el número uno lo avalan. Dominado por la calidez de su piano, "Tapestry" pasará a la historia por ser uno de las mejores creaciones femeninas de la música moderna. La protagonista no podía ser otra que la talentosa Carole King, responsable de multitud de reputados temas pop en los años 60 como "The locomotion" o "Chains", por decir un par de ellos.
Su trasvase de compositora a cantautora se realizó en los 70 y este trabajo muestra su enorme habilidad en la tarea de ejecución y escritura.
Desde la rítmica "I feel the earth move" hasta la soulera "(You make me feel like) A natural woman", canción que Carole había escrito para Aretha Franklin, el disco es un auténtico catálogo de clásicos y un recorrido de anclaje mayoritariamente romántico.
Las extraordinarias "So far away", "It's too late", "Beatiful" o las nuevas versiones de sus temas "You've got a friend", que había compuesto para James Taylor (cantautor que colabora en el disco con su guitarra acústica), "Will you love me tomorrow", presentado en formato balada como contrapunto a la original de las Shirelles o la citada "(You make me feel like) a natural woman", producidas por Lou Adler, el artífice de discos de gente como Mamas & The Papas, Scott McKenzie o Spirit, son elementos básicos de un álbum ineludible para los amantes de las composiciones pop de espíritu soul bien construídas y elaboradas desde un maduro punto de vista.
01 I Feel The Earth Move
02 So Far Away
03 It's Too Late
04 Home Again
05 Beautiful
06 Way Over Yonder
07 You've Got A Friend
08 Where You Lead
09 Will You Love Me Tomorrow?
10 Smackwater Jack
11 Tapestry
12 (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
13 Out In The Cold
14 Smackwater Jack [Live]
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213. Isaac Hayes – Shaft: Music from the Soundtrack (1971)
Isaac Hayes (Covington, Tennessee, 20 de agosto de 1942 - Memphis, Tennessee, 10 de agosto de 2008) fue un compositor, cantante, actor y productor estadounidense.
Su voz clara y potente le hizo catalizador de la explosión Stax en los 60; autor de himnos como Soul Man , inventor del soul sinfónico con Hot Buttered Soul (1969) y primer afroamericano en recibir un Oscar a la mejor banda sonora por la película Shaft (1971), que inauguraba el subgénero de la Blaxploitation.
Seguidor de la escuela del sonido Memphis, allá por los años 70, y uno de los primeros en adentrarse en el mundo del rap.Isaac Hayes participó en el famoso festival de Wattstax en 1972, gran concierto de música de los artistas afroamericanos más destacados en aquella época, concierto realizado en el Coliseo de Los Ángeles, en agosto de 1972.
Ese festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de la música soul, ya que estuvieron presentes otros destacados para aquella época como Rufus Thomas, entre otros. El festival fue considerado como el Woodstock de los afroamericanos.
Isaac Hayes interpretó con su banda el tema de la película Shaft y la ovación fue grande.El orgullo de ser negro ; aquello significó mucho porque Isaac Hayes una leyenda viva con ese tema tan celebrado. Eran tiempos de tensión, de segregación racial en EE. UU., por todo lo que había pasado: el asesinato de Martin Luther King, el movimiento por los derechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir y luchaba por su reivindicación.
1. Shaft
2. Bumpy's Lament
3. Walk From Regio's
4. Ellie's Love Theme
5. Shaft's Cab Ride
6. Cafe Regio's
7. Early Sunday Morning
8. Be Yourself
9. Friend's Place
10. Soulsville
11. No Name Bar
12. Bumpy's Blues
13. Shaft Strikes Again
14. Do Your Thing
15. End Theme
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214. Allman Brothers – At Fillmore East (1971)
Legendaria formación estadounidense de los años 70, epítome del rock sureño por su apasionante mezcolanza de estilos anclados en las raíces de la música americana. Rock, blues, soul y country predominantemente pero sin dejar de lado otros sonidos como el jazz, el gospel o la música clásica, son la base de esta esencial banda, cuya mayor característica son sus arrebatadoras y nada autocomplacientes jams en directo. En 1971 publicaron su trabajo más popular y uno de sus cimas como grupo, el doble álbum en directo grabado en Nueva York "At The Fillmore East" (1971).
Sus excitantes conciertos, plagados de largas pero nada pesadas jams, pueden ser paladeados en este gigantesco disco de blues rock con querencia jazz que cuenta con temas de la talla de "Statesboro blues" o "Whipping post". Este trabajo consolidó a los Allman Brothers como una de las mejores formaciones de los Estados Unidos en su época y logró unos estupendos resultados comerciales. At Fillmore East es sin dudas uno de los mejores discos en vivo de la historia del rock
Esta situación feliz duró poco para la banda, pues unas semanas después de la publicación de "At the Filmore East", Duane Allman uno de los mejores guitarristas de la historia ,fallecía a causa de un accidente de moto el 29 de octubre de 1971.
Disc one
1.Statesboro Blues
2.Trouble No More
3.Don't Keep Me Wonderin'
4.Done Somebody Wrong
5.Stormy Monday
6.One Way Out
7.In Memory of Elizabeth Reed
8.You Don't Love Me
9.Midnight Rider
Disc two
1.Hot 'Lanta
2.Whipping Post
3.Mountain Jam
4.Drunken Hearted Boy
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215. Rolling Stones – Sticky Fingers (1971)
Sensacional álbum de sus majestades stonianas con portada del artista neoyorquino Andy Warhol.
Es un disco esencial de rock con trazos blues y country revistiendo materias alucinógenas y avidez sexual con cimbreantes ritmos de naturaleza negra.
"Sticky Fingers" es un impresionante viaje sonoro que nos machaca con apabullantes riffs eléctricos, apasionadas travesías acústicas, extraordinarias baladas emocionales y alguna pieza de ejecución narcótica. La interactuación instrumental es magnífica entre unos excelentes músicos a los que se les une el saxo de Bobby Keyes, los pianos de Ian Stewart, Jack Nitzsche, Jim Price y Nicky Hopkins, la guitarra de Ry Cooder, las cuerdas de Paul Buckmaster o la percusión del mismísimo productor, Jimmy Miller.
El álbum es una obra maestra de principio a fin, con piezas indelebles como "Brown Sugar", "Sway", "Sister Morphine" (compuesta junto a Marianne Faithfull), "Wild Horses", "Bitch", "Dead Flowers" o "Can't you hear me knocking"... pasajes clásicos de una banda inmortal.
Debutó en el número 1 de las listas de los álbumes más vendidos de Billboard y se convirtió posteriormente en una gran éxito comercial. El disco recibió muy buenas críticas, llegando a ser considerado por la crítica musical como uno de los mejores materiales de la banda.
1. Brown Sugar
2. Sway
3. Wild Horses
4. Can't You Hear Me Knocking
5. You Gotta Move
6. Bitch
7. I Got The Blues
8. Sister Morphine
9. Dead Flowers
10. Moonlight Mile
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216. John Lennon – Imagine (1971)
Con "Imagine" John Lennon obtuvo el mayor éxito crítico y comercial de su andadura en solitario. Lo cierto es que si juntamos este disco y "Plastic Ono Band" obtendremos lo mejor del repertorio del genio de Liverpool en su etapa post-Beatle.
Lennon siempre fue un gran admirador del legendario productor y compositor Phil Spector y de nuevo, tras haber colaborado con él en "Plastic Ono Band" volvió a solicitar sus servicios para la producción de "Imagine".
La inmortal obra maestra que titula el álbum representa claramente en su brillante texto el idealismo de su autor, la deliciosa "Crippled inside" flirtea con el music-hall, "Jealous Guy" (que John en un principio había escrito para el álbum blanco de los Beatles), "Oh my love" y "How?" son impresionantes baladas de base pianística que justifican su supremacía en ese campo (sólo comparable a la de su colega Paul McCartney); su sentimiento rockero aflora en las excelentes "It's so hard", "Give me some truth" y en la hipnótica "I don't want to be a soldier".
Paul McCartney es objeto de un severo ataque en "How do you sleep?", tema que pone de manifiesto la poca cordial relación existente entre ambos por aquella época, y para despedir el disco Lennon escoge un sensacional corte donde una vez más rinde su perpetuo homenaje a su esposa, "Oh Yoko".
Indispensable álbum para entender la carrera en solitario de un hombre irrepetible. En sus créditos aparecen nombres com Klaus Voorman, Nicky Hopkins, Alan White o George Harrison, entre otros.
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon. En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It's So Hard
5. I Don't Wanna Be A Soldier Mama
6. Give Me Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
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217. The Beach Boys – Surf’s Up (1971)
Con Brian Wilson a la cabeza, uno de los grandes genios de la composición y producción del siglo XX, los Beach Boys se convirtieron en la formación pop más importante de los EEUU y en uno de los conjuntos más influyentes, innovadores y admirados de la historia de la música moderna gracias a sus maravillosas y embelesadoras melodías y armonías. En un período de su carrera en el que Brian Wilson por problemas físicos y sobre todo psíquicos, achacables a su adicción a las drogas, había delegado el liderazgo creativo en el resto de sus compañeros , los Beach Boys no se resintieron en absoluto de esta circunstancia y continuaron editando notables álbumes plagados de sensacionales y placenteros momentos.
Es el caso de este trabajo de engañoso título, que nos abre sus puertas con la sublime delicadeza de la encantadora "Don't Go Near the Water", firmada por Mike Love y Al Jardine. Jardine también participa en otros dos temas de características totalmente opuestas, como la desenfadada "Take a load off your feet", y el estupendo corte de rasgos menos jubilosos titulado "Looking at tomorrow".
Bruce Johnston toma las riendas en la melosa "Disney girls", mientras que Carl Wilson saca a relucir lo mejor de sí mismo en glorias (compuestas junto a Jack Rieley) que bien podrían llevar la rúbrica de su hermano mayor como "Long promised road" y "Feel Flows" (uno de los momentos cumbres del disco).
Incluso en "Student demonstration time" (un remiendo de un viejo tema de los compositores Leiber/Stoller titulado "Riot in the cell block number nine" al que Mike añadió nuevo texto) se atreven y con excelentes resultados con el blues, un estilo alejado de los cimientos musicales de los míticos chicos playeros.
La recta final del álbum es cosa de Brian Wilson, quien vuelve a demostrar por qué es uno de los más grandes genios de la música moderna al brindarnos tres insuperables dosis de inspiración iniciadas con "A day in the life of a tree", una canción dotada de una atmósfera oscura y tétrica de escaso acompañamiento musical, todo lo contrario que "Till I die", maravilla donde vuelven a hacer virguerías con su dotadas e imitadas voces.
La canción homónima del LP, recuperada de sus grabaciones de "Smile", es la guinda perfecta de este apetitoso pastel sónico que querrás degustar una y otra vez.
01 - Don't go near the water
02 - Long promised road
03 - Take A Load Off Your Feet
04 - Disney Girls (1957)
05 - Student demonstration time
06 - Feel flows
07 - Lookin' at tomorrow (a welfare song)
08 - A day in the life of a tree
09 - 'Til I die
10 - Surf's up
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218. Yes – Fragile (1971)
Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. Se le conoce principalmente por la canción "Roundabout", que fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en una versión editada. Este fue el primer álbum de Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento de la banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos lados del Atlántico.
Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971. Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovechar el aun creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album.
A diferencia de los primeros lanzamientos de Yes, este álbum pone en primer plano los talentos de cada miembro de la banda como solista. "Cans and Brahms" es una pieza de Johannes Brahms con un arreglo de Rick Wakeman; "We Have Heaven" es un solo de Jon Anderson, en el que el vocalista interpreta múltiples partes vocales sobrepuestas (una técnica que después usaría en su primer disco como solista Olias of Sunhillow); por otro lado, "Five Per Cent For Nothing", "The Fish" y "Mood For A Day" son los solos de Bill Bruford, Chris Squire y Steve Howe, respectivamente. El resto de las canciones contienen la participación de todo el grupo.
1. Roundabout
2. Cans And Brahms
3. We Have Heaven
4. South Side Of The Sky
5. Five Per Cent For Nothing
6. Long Distance Runaround
7. The Fish (Schindleria Praematurus)
8. Mood For A Day
9. Heart Of The Sunrise
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219. Doors – LA Woman (1971)
L.A. Woman es la última pieza de la discografía de The Doors en la cual participa Jim Morrison, quien supuestamente moriría en París tres meses después de la grabación. Después de este disco habrían algunos intentos de los demás integrantes por continuar con la banda (grabando música encima de unas cintas de poemas recitados por Morrison). Obviamente que también salieron al mercado todo tipo de recopilaciones, ediciones de recitales y demás.
La grabación de L.A. Woman fue bastante complicada. El nerviosismo de Jim, sumado al descontento y abandono de la producción por parte de Paul A. Rothchild (productor de todos sus discos anteriores) provocaron que las canciones tuvieran que ser registradas en una especie de estudio improvisado en el lugar donde ensayaba la banda. Este álbum se aleja mucho del estilo que venían haciendo y se vuelca en el blues y rhythm & blues. La idea que tenían por ese entonces era volver a esas raíces musicales.
A pesar del abrupto cambio, este trabajo tuvo muchísimo éxito (muchos lo consideran el mejor en toda su carrera). Como temas más representativos pueden citarse Love Her Madly, L.A. Woman y Riders On The Storm.
1 - The Changeling
2 - Love Her Madly
3 - Been Down So Long
4 - Cars Hiss By My Window
5 - L.A. Woman
6 - L'America
7- Hyacinth House
8 - Crawling King Snake
9 - The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)
10 - Riders On The Storm
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220. Can – Tago Mago (1971)
Tago Mago es el tercer álbum de estudio de Can (banda alemana del movimiento Kraut Rock), editado en 1971. Originalmente era un álbum doble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentemente considerado su álbum más importante, ya que es su álbum más experimental y arriesgado y el más influyente. Tago Mago incluye tracks como "Aumgn", un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupa toda una cara del vinilo); y "Peking O", otra pieza de avantgarde donde el vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene con vocalista, y el primero que lo tiene como el único) es gran protagonista. También se destaca "Halleluwah", un jam de 18 minutos (que también ocupaba toda un lado) con influencia de funk, basado en la repetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se ha convertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y ha recibido muy buenas críticas. No es un clásico porque es y fue totalmente anacrónico, ajeno e imbuido al mismo tiempo del espíritu de los adorados 60s. Y finalmente, no es un clásico porque, al ser totalmente anacrónico, no le ha quedado otra que ser eternamente actual. Hoy yo puedo hablar de él como de un disco que apenas salió ayer en los listados de cualquier pagina web especializada en buena música. Quizás Can haya creado con este disco lo más parecido a un anti-clásico. "Tago Mago" no es una influencia y a veces ni siquiera es un disco; es una variación compositiva que debe implicar de por sí otra creación bajo otros nombre de grupo o artista.
1. Paperhouse
2. Mushroom
3. Oh Yeah
4. Halleluwah
5. Aumgn
6. Peking O
7. Bring Me Coffee Or Tea
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221. Elton John – Madman Across the Water (1971)
Sin duda alguna, uno de los artistas de pop-rock de más éxito de las últimas tres décadas es Reginal Kenneth Dwight, alias Elton John -por sus colegas de Bluesology Elton Dean y John Baldry- (nacido el 25 de marzo de 1947 en Middlesex), un músico de mucho talento (comenzó a tocar desde muy niño el piano) y con gran capacidad de versatilidad que inició su carrera como componente de Bluesology a principios de los años 60, grupo de acompañamiento de estrellas de la época como Doris Troy.
Madman Across the Water, cuarto álbum de Elton John, una joya del año 1971, Incluye el hit "Tiny Dancer" (que Cameron Crowe rescató para Casi Famosos) y ocho temas más, todos impecables. Desbordantes de belleza en las melodías y bien cantadas por Elton.
Lo acompañan aquí algunos de sus músicos habituales (Nigel Olsson, por ejemplo) y otras grandes, como Rick Wakeman (otrora tecladista de Yes). Las letras están todas escritas en colaboración con el ya mítico Bernie Taupin. Este album alcanzo en Gran Bretaña el lugar #41 de las listas, siendo en Estados Unidos donde obtuvo más éxito, llegando hasta el #8 del Billboard 200.
1. Tiny Dancer
2. Levon
3. Razor Face
4. Madman Across the Water
5. Indian Sunset
6. Holiday Inn
7. Rotten Peaches
8. All the Nasties
9. Goodbye
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222. Dolly Parton – Coat of Many Colors (1971)
Excelente cantante, compositora y actriz, Dolly Parton ha representado una bocanada de renovación entre las cantantes country aparecidas a fines de los años ‘60, con un aire y estilo desenfadado y una simpatía sin igual, lo que le ha permitido posicionarse como una de las seis referentes femeninas más influyentes de estilo musical. Dolly fue la cuarta hija de un total de 12 hermanos nacida del matrimonio compuesto por Robert Lee Parton (granjero y obrero de la construcción) y Avie Lee Owens. Junto a sus hermanos Stella, Floyd y Randy, fueron los únicos integrantes de la familia que se dedicaron de lleno a la música (Stella y Randy como cantantes y Floyd como compositor).
Coat of Many Colors de 1971 es un ejemplo perfecto de la brillante labor que Parton estaba grabando durante estos últimos años. La canción que da título al álbum es prueba de la brillantez de Parton como compositor, la captura de la agitación emocional de su infancia a través del descubrimiento de la memoria de un adulto nostálgico. Parton posee tanto la voz de una niña confundida y de una mujer conocedora, subrayado por la guitarra acústica, una luz, ritmo suave, y toques de de órganos y armonías gospel de fondo. El resto de las canciones del álbum, dicen las historias humanas en un idioma sencillo.
1. Coat of Many Colors
2. Traveling Man
3. My Blue Tears
4. If I Lose My Mind
5. Mystery of the Mystery
6. She Never Met a Man (She Didn't Like)
7. Early Morning Breeze
8. Way I See You
9. Here I Am
10. Better Place to Live
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223. Don McLean – American Pie (1971)
"American Pie" es un influyente álbum donde se desprende la canción del mismo nombre, al más puro estilo folk rock y escrita por el cantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el día que murió la música". En el año 1971 fue grabada y lanzada. El sencillo se mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad de Estados Unidos durante dos semanas en 1972.
La canción hace referencia a la historia del rock and roll, comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 hasta el año 1970.
La letra de la canción causa mucha curiosidad. Aunque McLean dedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos que viajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por su nombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "American Pie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez". Posteriormente, declaró de forma más seria: "Encontrarán muchas 'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamento dejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que los compositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo un silencio digno".
La importancia de "American Pie" para el patrimonio musical y cultural fue reconocida por el proyecto educativo "Songs of the Century" (Canciones del Siglo) que la posicionó en el número cinco de las canciones del Siglo XX.
1. American Pie
2. Till Tomorrow
3. Vincent (Starry, Starry Night)
4. Crossroads
5. Winterwood
6. Empty Chairs
7. Everybody Loves Me, Baby
8. Sister Fatima
9. The Grave
10. Babylon
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224. Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (1971)
Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del virtuoso estilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásica que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (nacido el 1 de noviembre de 1944 en Lancashire), que había pasado por diversos grupos, entre ellos The Nice; el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (nacido el 10 de noviembre de 1948 en Dorset), quien fue parte integrante de King Crimson; y el batería Carl Palmer (nacido el 20 de marzo de 1951 en Birmingham), que había dejado el grupo Atomic Rooster.
"Tarkus" (1971), el segundo disco del supergrupo, alcanzó en el Reino Unido el número 1 y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, con una primera cara dominada por una extensa suite. El álbum era un trabajo conceptual basado en Tarkus, una mixtura entre tanque y armadillo enfrentado a un personaje mitológico denominado Manticore, monstruo con cabeza de hombre, cuerpo de león y cola de escorpión.
1. Tarkus Medley: Eruption/Stones of Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battlefield/Aquatarkus
2. Jeremy Bender
3. Bitches Crystal
4. The Only Way (Hymn)
5. Infinite Space (Conclusion)
6. A Time and a Place
7. Are You Ready Eddy?
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225. Led Zeppelin – IV (1971)
El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.
Extraordinario disco de una banda extraordinaria, epítome de su habilidad para entresacar sudorosas composiciones de inspirada y rocosa arquitectura sonora y elevarlas a inmortales himnos rock de punzante ejercicio rítmico y exaltada escritura.
Tres inmejorables instrumentistas que habían aprendido todo sobre el negocio en sus largos años como músicos de sesión y uno de los grandes frontman de la historia del rock nos regalan un soberbio trabajo impregnado de rock, blues y folk, no en vano la utilización de Sandy Denny como apoyo vocal de Robert Plant en la medievalista y tolkieniana "The battle of evermore".
"Rock and roll", un homenaje al rock de los 50; "When the leeve breaks" , canción de poso blues con una rotunda batería de Bonham; "Misty Mountain Hop", festiva composición donde satirizan el mundo hippie, "Black Dog", un poderoso tema hard-rock con una atronadora guitarra de Page ; el folk acústico a lo Neil Young o Joni Mitchell de "Going to California" o la monumental, épica y críptica "Stairway to heaven" son otros temas esenciales de un álbum demoledor de penetrantes e imaginativas texturas, clave en la evolución del rock. Con éste disco, me atrevo a decir que definieron el hard-rock de los '70, con un Jimmy Page conduciendo a la banda a base de riffs monolíticos como nunca antes se había visto en una banda.
Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin. Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Este álbum, fue el LP más vendido de la banda y actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).
1. Black Dog
2. Rock and Roll
3. The Battle of Evermore
4. Stairway To Heaven
5. Misty Mountain Hop
6. Four Sticks
7. Going to California
8. When the Levee Breaks
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El más genuino representante de la hornada de cantautores de introspectiva lírica, aguda sensibilidad, reposados ritmos de procedencia acústica y templada vocalidad que surgieron en los años 70 es James Taylor, un talentoso compositor cuyos temas empapados de reflexión personal y afectivas revisitaciones de canciones ajenas, cosecharían de forma regular un apreciable éxito comercial, con su oferta de piezas de enfoque adulto y basamento folk, country, blues, soul y soft-rock de sencillas estructuras y fácil asimilación.
James Taylor abandonó Apple y junto a él se fue Peter Asher, quien confiaba totalmente en la lucidez compositiva de su artista. Posteriormente Asher también produciría a su hermana Kate, entre otros muchos artistas.
Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron "Sweet Baby James" (1970), un disco en el cual colaboró Carole King y que lo convertiría en estrella, gracias a singles como "Fire and rain", "Country road" o el homónimo "Sweet Baby James", embebidos de tintes autobiográficos. El album llegaría al número 1.
Aprovechando el éxito, se reeditó el sencillo "Carolina in my mind" y el EP publicado con The Flying Machine.
Su triunfo social fue enorme, apareciendo en la portada de la revista "Time" como abanderado del estilo de cantautor (entre los que se encontraba gente como Cat Stevens, Joni Mitchell, Carly Simon, Laura Nyro o Carole King) y protagonizando como actor principal la película de Monte Hellman "Carretera asfaltada en dos direcciones" (1971), título en el cual aparecía también Dennis Wilson, el batería de los Beach Boys.
01. Sweet Baby James
02. Lo And Behold
03. Sunny Skies
04. Steamroller
05. Country Road
06. Oh Susannah
07. Fire And Rain
08. Blossom
09. Anywhere Like Heaven
10. Oh Baby Don't You Loose Your Lip On Me
11. Suite For 20 G
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202. Paul McCartney – McCartney (1970)
"McCartney" es el primer álbum de la carrera en solitario de Paul McCartney. Macca comenzó la grabación del disco a finales de 1969, inmerso en plena disolución de The Beatles y ultimando los últimos detalles de la publicación de "Let It Be". Grabado entre su casa de Londres y los estudios Morgan y Abbey Road, en este disco Paul toca todos los instrumentos (bajo, guitarras, batería, piano, melotrón, órgano y xilófono), y únicamente se acompaña de su entonces esposa Linda en los coros. Por aquellas fechas, Paul aún seguía luchando por mantener con vida a los Beatles, aunque John ya había iniciado un proyecto con su Plastic Ono Band y George y Ringo ya habían grabado sus primeros álbumes en solitario. Con la certeza de que aquella situación ya no tendría más vuelta de hoja, en otoño de 1969 Paul se enfrascó en la vida familiar con Linda, su esposa, y Mary, su hija recién nacida, al tiempo que comenzaba a componer y grabar nuevos temas en su propio estudio portátil de cuatro pistas. Tan entusiasmado estaba con los resultados, que al poco tiempo ya tuvo listo un buen repertorio de nuevos temas. El álbum estaba preparado para su edición en Marzo de 1970. No obstante, debido a las cuestiones legales aún abiertas con el grupo, no pudo ser lanzado hasta casi un mes y medio después. El 10 de Abril de 1969 Paul anuncia la disolución de The Beatles. Una semana después, "McCartney" era publicado en todo el mundo junto a una nota de prensa en la que manifestaba sus impresiones sobre la desaparición del cuarteto y hablaba sobre su futuro más próximo.
El álbum alcanzó el primer puesto en las listas americanas, manteniéndose en lo más alto durante tres semanas y consiguiendo dos discos de platino. En el Reino Unido el disco se vio eclipsado por el lanzamiento de "Bridge Over Troubled Waters", de Simon & Garfunkel, que ostentó el número 1 durante cuarenta y una semanas no consecutivas. Aún así, "McCartney" estuvo tres semanas en el segundo puesto.
El contenido es de lo más variopinto, empezando por una intro de lo más ñoño titulada "The Lovely Linda" (La-la-la-la-la... the lovely Linda). "That Would Be Something" representa una vuelta a las raíces del Rock & Roll que inspiraron a un jovencísimo Paul allá por los años 50, raíces que quedan reflejadas en la grandísima "Valentine Day", donde alterna buenos acordes blueseros con una suave batería de acompañamiento. No es el único tema instrumental que incluye el álbum, que alterna maravillosas melodías con excelentes interpretaciones vocales. El primer clásico vocal que encontramos es "Every Night", que durante buena parte de su carrera se convirtió en tema fijo del repertorio de directo de Macca. "Hot As Sun" es una de las primeras composiciones de Paul con The Quarrymen (pre-Beatles), allá por 1959. Ensambla esta pegadiza instrumental con un psicodélico fragmento titulado "Glasses". La dulce "Junk", compuesta en 1968 durante la estancia de The Beatles en India, ya fue descartada del "Álbum Blanco" y de "Abbey Road", por lo que éste era su momento de ver la luz. Habéis podido escucharla en el tercer volumen de la serie "Anthology". El sonido y la esencia beatle son perfectamente reconocibles en la infantil "Man We Was Lonely", con Linda a los coros. "Oo You" muy posiblemente sea una de las mejores canciones del álbum, un rock'n'roll de esos que a veces Sir Paul saca de la chistera, con unas guitarras rasgadas con maestría. "Momma Miss America" es otra instrumental, aunque en este caso bastante más elaborada que las anteriores. Una base rítmica de batería sustenta la melodía creada por el piano y guitarra principales, creando un conjunto musical muy emocionante. El tema fue incluido en la banda sonora del peliculón "Jerry Maguire" de Cameron Crowe. Como si el álbum estuviera grabado sobre un guión preestablecido, a continuación toca un tema bastante tonto como "Teddy Boy", también compuesto en la India en 1968; otro descarte de las sesiones del "White Album" y que también salió en su versión demo en el "Anthology". "Singalong Junk" no es otra que la versión instrumental de "Junk", y también se incluyó en "Jerry Maguire". Preciosa melodía creada a partir de un piano y una guitarra acústica que acompañaba a la perfección la escena en la que Jerry (Tom Cruise) se despide de Dorothy (Reneé Zellweger) en el portal de la casa de ésta. Y, señores, quítense el sombrero, porque a continuación viene la mejor canción jamás escrita por Paul en toda su carrera solista: "Maybe I'm Amazed". Escondida tras su apariencia de balada, tiene el mismo puntito punk que "Oh, Darling", incluída en "Abbey Road". Fue incluída entre las 500 Mejores Canciones de la Historia por la publicación Rolling Stone. "Kreen-Akrore" cierra el álbum con un collage de sonidos y ritmos.
01. The Lovely Linda
02. That Would Be Something
03. Valentine Day
04. Every Night
05. Hot as Sun/Glasses
06. Junk
07. Man We Was Lonely
08. Oo You
09. Momma Miss America
10. Teddy Boy
11. Singalong Junk
12. Maybe I'm Amazed
13. Kreen-Akrore
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203. Santana – Abraxas (1970)
Un año después de aparecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, la obra maestra de Carlos Santana y apenas su segundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahí está, muy presente, la huella de Miles Davis) y ritmos afro antillanos. La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbre discográfica de los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si “Santana”, el larga duración anterior, contenía tres futuros temas clásicos (”Souls Sacrifice”, “Evil Ways” y “Jingo”), este opus número 2 ofrecía exactamente lo mismo con “Black Magic Woman” (composición de Peter Green, líder del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba gran rock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda “Gypsy Queen”, “Oye cómo va” (original del enorme timbalista Tito Puente) y “Samba pa ti” ( una de las piezas más bellas jamás escritas por Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en la calidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas. Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandes rasgos jazzísticos, como “Incident at Neshabur” o “Singing Winds, Crying Beasts”, no dejan lugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera “Hope You’re Felling Better”. Por supuesto que más allá del alto nivel de los diversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, sus licks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, pero sobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquí interpreta.
Con "Abraxas", Santana obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas consecutivas y consiguió vender más de un millón de copias; algo extraño por entonces en un trabajo discográfico fundamentalmente instrumental. En definitiva, un excelente disco que no pasará de moda.
1. Singing Winds, Crying Beasts
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye Como Va
4. Incident at Neshabur
5. Se A Cabo
6. Mother's Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You're Feeling Better
9. El Nicoya
10. Se A Cabo (1998 Edition)
11. Toussaint L'Ouverture (1998 Edition)
12. Black Magic Woman/Gypsy Queen (1998 Edition)
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204. Syd Barrett – Madcap Laughs (1970)
Roger Keith Barrett fue el gran baluarte del éxito inicial de los Pink Floyd y uno de los pioneros en el sonido de la psicodelia británica. Syd (nacido el 6 de enero de 1946 en Cambridge) sufrió como nadie los efectos de las drogas alucinógenas tan de moda a finales de los años 60, el consumo abusivo privó a la música de un compositor genial y arriesgado que tras comenzar en grupos como Geoff Mutt and the Mottoes y The Hollering Blues pasó a ser el lider absoluto de Pink Floyd, artífice principal de su primer disco psicodélico-surreal "The piper at the gates of dawn" (1967)
The Madcap Laughs es el primer álbum como solista de Syd Barrett después de abandonar Pink Floyd. Producido por Roger Waters, David Gilmour, Malcolm Jones y Peter Jenner, grabado en 1969 y editado en enero de 1970. La mayoría de sus canciones reflejan el estado mental de Barrett en ese tiempo. Fue un álbum con sesiones difíciles, ya que al ser una persona inestable los músicos difícilmente podían acompañarlo en cuanto a métrica y ejecución de sus piezas.
Es un disco distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho: caótico, depresivo, incoherente, psicodelico, brillante, carente de mayores arreglos. Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto, por ello en la mayoría de las canciones se escucha tan solo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" (el mejor tema del Lp para muchos), "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Sus letras exploran distintas atmósferas, consiguiendo en cada canción un mundo. Muchos artistas fueron influenciados por esta obra, algunos de ellos son John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), Damon Albarn (Blur), David Bowie.
1. Terrapin
2. No Good Trying
3. Love You
4. No Man's Land
5. Dark Globe
6. Here I Go
7. Octopus
8. Golden Hair (Barrett/Joyce)
9. Long Gone
10. She Took a Long Cold Look
11. Feel
12. If it's In You
13. Late Night
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205. Jethro Tull – Aqualung (1971)
Uno de los disco más populares y conseguidos del grupo británico liderado por el cantante, guitarrista y flautista Ian Anderson, Jethro Tull, quienes desarrollan una amalgama de rock, folk y blues con retazos progresivos para conformar un Lp de poso conceptual, acometiendo temas como la transgresión institucional del verdadero mensaje del cristianismo y de la ejecución del mismo en un sistema corruptamente organizado, o el desarrollo de historias de notable imaginería y condición crítica en su miramiento social.
"Aqualung" se inicia con el tema homónimo, uno de los mejores cortes del álbum, significado por el riff legendario de Martin Barre, desplegando en su conjunto un esmerado trabajo melódico y un gran trabajo vocal de Anderson, pasando de registros de aviesa apostura a tonadas de dulce vocalidad y elaborando piezas de variado disfrute, desde exiguas y exquisitas canciones acústicas como "Cheap Day Return", "Wondering Aloud" o "Slipstream" a temas extensos de diferentes ritmos y texturas como "My God" o el citado "Aqualung" y cortes de diáfano cimiento rock como la magnífica "Cross-Eyed Mary" o folkies como "Mother Goose", todo ello sin practicamente decaer en su calidad compositiva, que mixtura notablemente los sonidos acústicos con los eléctricos, sabiendo como ensanchar o acentuar los momentos más emocionales de un Lp imprescindible para los amantes del rock progresivo.
01 Aqualung
02 Cross-Eyed Mary
03 Cheap Day Return
04 Mother Goose
05 Wond'ring Aloud
06 Up to Me
07 My God
08 Hymn 43
09 Slipstream
10 Locomotive Breath
11 Wind Up
12 Lick Your Fingers Clean
13 Wind Up Quad Version
14 Excerpts from the Ian Anderson Interview / John Bungey
15 Songs for Jeffrey
16 Fat Man
17 Bouree
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206. David Crosby – If Only I Could Remember My Name (1971)
David Crosby inicia en los años 60 su andadura musical fundando thr Byrds, grupo esencial en la música pop americana. Despues con Nash y Sitlls formará Crosby, Stills and Nash, grupo al que después se reincorpora Neil Young. Colaborador de lujo por sus armonías vocales de múltiples artistas, continua actualmente grabando y es considerado artista de culto. David
Esta grabación es de las que te atrapa, de ésas que cuanto más las escuchas más se convierten en parte de tí. Sumergido en la más auténtica tradición folk-rock americana, el señor Crosby nos lleva de la mano a través de un viaje flipante por el arte de componer música, donde cada engranaje de la máquina funciona a la perfección, todo en beneficio del oyente, para su disfrute, porque aquí no se atisba ni un átomo de autocomplacencia, sólo la más completa entrega.
Con su increíble facilidad para escribir canciones redondas, y su sentido de la melodía realmente envidiable.La dosis perfecta de talento, inspiración, improvisación y generosidad, en medio de una época dorada para discos así.
1. Music Is Love
2. Cowboy Movie
3. Tamalpais High
4. Laughing
5. What Are Their Names
6. Traction in the Rain
7. Song With No Words
8. Orleans
9. I'd Swear There Was Somebody Here
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207. Sly & The Family Stone – There’s a Riot Goin’ On (1971)
La fiesta se había terminado y el sueño se había roto. Y algo dentro de Sylvester Stewart, alias Sly Stone, también. La esperanza de integración racial que representaba la Family Stone, la festiva vitalidad que transmitían sus maravillosos y rompedores discos, donde el funk, el soul, el rock se hermanaban (como los músicos sin importar el color de su piel, masculinos y femeninos de su formación) sin complejos y valientemente, para llevar a todos estos géneros hacia delante. Sly era un innovador que te lo hacía pasar bien con sus experimentos, que te empujaba a la pista de baile. Pero tal vez él mismo se lo había pasado demasiado bien y llegaba el momento de sufrir. Demasiada droga, por si alguien no está entendiendo todo esto.
"There´s A Riot Goin´ On" se convirtió en otra obra maestra, quizá la mayor. Pero su nacimiento fue terriblemente accidentado: toda la banda estaba destrozada por los excesos y por las desavenencias internas, el disco fue grabado de un modo caótico, con gente entrando y saliendo de un estudio que era una fiesta de color blanco: las cintas que se perdían y nadie sabía dónde estaban. Esto llevó a Sly a grabar él mismo mucho del material. Ejerciendo su faceta de multiinstrumentista, y también introduciendo una extraña mezcla de percusión orgánica y las primeras cajas de ritmos en el mercado, lo que otorga al disco una fascinante y bizarra sonoridad.
Para comprender la diferencia entre este disco y sus precedentes basta comparar la versión incluida de "Thank You", en este caso una mezcla oscura, obsesiva, con un bajo que agobia en vez de incitar a bailar, y compararla con el exultante single que se había publicado antes. Y ese es el tono generalizado en el disco. Una obra en la que la jams instrumentales se dejan ir, pero sobre todo se arrastran, como la voz de Sly, que suena dolida, confusa y desesperada. En las letras se mezclan el desquiciado estado mental de Sly (Runnin´Away relata de un modo festivo su adicción a la coca, en un ejercicio de ironía devastador) con comentarios políticos que están lejos del optimismo (Thank You For For Talkin´ To Me Africa). Y aún así resulta una obra poliédrica, repleta de genialidades. Sly siempre se había auto producido, y de este modo se dio una libertad absoluta para hacer lo que le vino en gana, para expresarse, ya que como afirma en "Poet" "mi única arma es mi pluma, soy un escritor de canciones, soy un poeta".Hacer este disco era su única salida del pozo. Y para conseguirlo siguió utilizando las voces, las percusiones, los vientos, los bajos y los teclados de un modo diferente a todos los demás. Sólo que esta vez las baladas sonaban dolidas (Time), y los tiempos rápidos también (Family Affair), si no resultaban completamente desquiciados (Spaced Cowboy)
Siempre se ha dicho que Sly fue uno de los mayores innovadores de la música afroamericana. Tal vez nunca más que en esta ocasión: el primer disco de música de baile que expresa el dolor y no la alegría de vivir.
1.Luv N' Haight
2.Just Like a Baby
3.Poet
4.Family Affair
5.Africa Talks to You ' the Asphalt Jungle'
6.There's a Riot Goin' On
7.Brave & Strong
8.(You Caught Me) Smilin'
9.Time
10.Spaced Cowboy
11.Runnin' Away
12.Thank You For Talkin' to Me Africa
13.Runnin' Away
14.My Gorilla Is My Butle
15.Do You Know What?
16.That's Pretty Clean
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208. Marvin Gaye – What’s Going On (1971)
Un álbum fundamental para entender la música y que además está considerado por la crítica como uno de los mejores que se han grabado jamás. What's Going On es un álbum grabado por cantante de soul norteamericano Marvin Gaye. Lanzado el 21 de mayo de 1971 What's Going On significó el inicio de una nueva tendencia en la música soul. Con letras intimistas acerca del abuso de drogas, la pobreza y la guerra de Vietnam, el álbum fue una sensación inmediata y ha permanecido como un clásico del soul. Constantemente es nombrado en encuestas como una de las grabaciones fundamentales en la historia de la música pop y es considerado una de los más grandes grabaciones de todos los tiempos. Por ejemplo ocupó el sexto lugar en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y en 1999 una encuesta de críticos conducida por el diario británico Guardian/Observer lo nombró como "El más grande álbum del siglo XX".
El productor fue el propio Marvin Gaye. What's Going On es una álbum concepto que consiste de nueve canciones (todas las cuales excepto la primera están ligadas) vistas desde el punto de vista de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a Estados Unidos, el país por el cual ha estado peleando y no ve más que injusticia, sufrimiento y odio. Gaye parece haberse inspirado en la experiancia de su hermano que pasó tres años en el ejército durante la guerra de Vietnam.
1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love (Album Version)
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Single Version)
11. Sad Tomorrows
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209. Yes – Yes Album (1971)
Yes fue una de la bandas más importantes de rock progresivo surgido en la Gran Bretaña de finales de los años 60. Su capacidad virtuosa y su temática con trazos mítico-místicos ayudaron a fundamentar varias de las bases del mejor sonido progresivo. Comenzaron su andadura en 1968, año en el que actuaron de teloneros en la gira de despedida del mítico trío Cream. Sucesivas actuaciones en diferentes clubs británicos lograron que Atlantic se fijara en ellos para editarles sus primeras grabaciones.
El título es de lo menos original que pueda tener un disco, pero la música que contiene es maravillosa. Acá están los primeros éxitos de la más exitosa de las bandas progresivas: Yours Is No Disgrace, Your Move, I've Seen All Good People, todas con un trabajo de voces impresionante, con Jon Anderson a la cabeza, y el bajista Chris Squire, que es un superdotado tanto en las 4 cuerdas como en su garganta... juntos fueron los creadores de ciertas armonías vocales que son marca registrada de Yes. La formación la completaban Tony Kaye (posteriormente reemplazado por Rick Wakeman) y el maestro de maestros Bill Bruford (también integrante de King Crimson y Genesis), una eminencia de la batería y la percusión en general. Párrafo aparte para la increible The Clap (en vivo), que es una interpretación de guitarra acústica que demuestra porque Steve Howe tiene tanto peso en la historia de las 6 cuerdas. Yes logra en este disco definir su estilo que... si, probablemente, lo desarrollen mejor en álbumes posteriores como "Fragile" y "Close To The Edge", pero este es en mi opinion el más accesible.
Convengamos que el Rock Progresivo, se excedió demasiado en complejidad y terminó quedando como un recuerdo lindo de una época en la que esta música, super compleja, llenaba estadios.
01. Yours Is No Disgrace
02. Clap
03. Starship Trooper
04. I've Seen All Good People
05. A Venture
06. Perpetual Change
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210. Bee Gees – Trafalgar (1971)
Coronados comercialmente en la fiebre discotequera de la década de los 70, los Bee Gees habían mostrado mucho antes un extraordinario talento para la creación pop, a veces barroca, otras psicodélica, siempre melódica, en canciones ensalzadas por sus armonías a tres voces y una elevada sensibibilidad en el concepto compositivo. Este talento les permitió con el paso de las décadas redifinir sus sonidos, aclimatarse a diferentes estilos y alcanzar un espectacular éxito a nivel mundial, que convirtió al terceto en toda una institución dentro de la música popular. Trafalgar es el séptimo álbum de estudio de The Bee Gees, lanzado en septiembre de 1971. El álbum fue relativamente un hit en los Estados Unidos al alcanzar la posición #34. El single principal "How Can You Mend a Broken Heart?" fue el primero en alcanzar la posición #1 en las listas del país americano.
01. How Can You Mend A Broken Heart
02. Israël
03. The Greatest Man In The World
04. It's Just The Way
05. Remembering
06. Somebody Stop The Music
07. Trafalgar
08. Don't Wanna Live Inside Myself
09. When Do I
10. Dearest
11. Lion In Winter
12. Walking Back To Waterloo
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211. The Who – Who’s Next (1971)
Monumental obra del cuarteto británico The Who, que tras abandonar un brillante ciclo de lucidez artística durante los años 60 se abría paso en el siguiente decenio con este apabullante álbum de naturaleza agridulce, irónica y combativa, tonalidades creadas por Pete Townshend y enfatizadas por la agresiva vocalidad de Roger Daltrey, la fibrosa guitarra de su citado autor principal, y la impetuosa sección rítmica de John Entwistle y Keith Moon.
El disco, que estaba proyectado en principio como una ópera-rock denominada "Lifehouse", muestra la capacidad imaginativa de Pete Townshend en la construcción piezas de rock clásico, con un espléndido y novedoso empleo de sintetizadores que acentúan la fortaleza instrumental de la banda en uno de sus momentos más álgidos.
Desde el himno "Baba O'Riley", pieza dedicada al mentor espiritual de Pete Townshend que expone a la perfección el esquema musical de los Who en este album, con ese hipnótico sintetizador horadando una canción concluida por el violín de Dave Arbus, hasta el orgiástico final de "Won't get fooled again", canción de incisivo comentario político, el álbum es un tratado magistral de inmortal rock con variada expresión emocional y arrebatante disposición sonora.
En medio de estos dos cortes hallamos clásicos temas de aguerrida textura como "Bargain", calmadas piezas de sentida ejecución como "Song is over" y "Getting in tune" (ambas con el piano del omnipresente músico de sesión Nicky Hopkins), poderío acústico en "Love ain't for keeping" o "Goin' mobile", la bellísima y triste balada "Behind blue eyes", pieza con guitarra acústica y armonías vocales que alcanza un acerado clímax eléctrico antes de templar de nuevo su tempo y retomar las pautas sónicas iniciales, o la gloriosa composición del bajista Entwistle "My wife", todo un miramiento sarcástico a las infidelidades matrimoniales.
Considerado por muchos como el mejor álbum del grupo, Who's Next fue nombrado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto #13, y por la revista musical Rolling Stone, alcanzando la posición #28. Tras su publicación, fue considerado como el mejor álbum del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice.
El álbum aparece en el puesto 15 de la lista de los 100 mejores álbumes de los años 70, elaborada por Pitchfork Media. En 2006, Who's Next fue elegido por la revista TIME como uno de los cien mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife (Entwistle)
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Pure and Easy
11. Baby Don't You Do It (Holland-Dozier-Holland)
12. Naked Eye
13. Water
14. Too Much of Anything
15. I Don't Even Know Myself
16. Behind Blue Eyes
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212. Carole King – Tapestry (1971)
"Tapestry" es sin duda la obra maestra de Carole King: 4 premios grammy y 15 semanas en el número uno lo avalan. Dominado por la calidez de su piano, "Tapestry" pasará a la historia por ser uno de las mejores creaciones femeninas de la música moderna. La protagonista no podía ser otra que la talentosa Carole King, responsable de multitud de reputados temas pop en los años 60 como "The locomotion" o "Chains", por decir un par de ellos.
Su trasvase de compositora a cantautora se realizó en los 70 y este trabajo muestra su enorme habilidad en la tarea de ejecución y escritura.
Desde la rítmica "I feel the earth move" hasta la soulera "(You make me feel like) A natural woman", canción que Carole había escrito para Aretha Franklin, el disco es un auténtico catálogo de clásicos y un recorrido de anclaje mayoritariamente romántico.
Las extraordinarias "So far away", "It's too late", "Beatiful" o las nuevas versiones de sus temas "You've got a friend", que había compuesto para James Taylor (cantautor que colabora en el disco con su guitarra acústica), "Will you love me tomorrow", presentado en formato balada como contrapunto a la original de las Shirelles o la citada "(You make me feel like) a natural woman", producidas por Lou Adler, el artífice de discos de gente como Mamas & The Papas, Scott McKenzie o Spirit, son elementos básicos de un álbum ineludible para los amantes de las composiciones pop de espíritu soul bien construídas y elaboradas desde un maduro punto de vista.
01 I Feel The Earth Move
02 So Far Away
03 It's Too Late
04 Home Again
05 Beautiful
06 Way Over Yonder
07 You've Got A Friend
08 Where You Lead
09 Will You Love Me Tomorrow?
10 Smackwater Jack
11 Tapestry
12 (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
13 Out In The Cold
14 Smackwater Jack [Live]
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213. Isaac Hayes – Shaft: Music from the Soundtrack (1971)
Isaac Hayes (Covington, Tennessee, 20 de agosto de 1942 - Memphis, Tennessee, 10 de agosto de 2008) fue un compositor, cantante, actor y productor estadounidense.
Su voz clara y potente le hizo catalizador de la explosión Stax en los 60; autor de himnos como Soul Man , inventor del soul sinfónico con Hot Buttered Soul (1969) y primer afroamericano en recibir un Oscar a la mejor banda sonora por la película Shaft (1971), que inauguraba el subgénero de la Blaxploitation.
Seguidor de la escuela del sonido Memphis, allá por los años 70, y uno de los primeros en adentrarse en el mundo del rap.Isaac Hayes participó en el famoso festival de Wattstax en 1972, gran concierto de música de los artistas afroamericanos más destacados en aquella época, concierto realizado en el Coliseo de Los Ángeles, en agosto de 1972.
Ese festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de la música soul, ya que estuvieron presentes otros destacados para aquella época como Rufus Thomas, entre otros. El festival fue considerado como el Woodstock de los afroamericanos.
Isaac Hayes interpretó con su banda el tema de la película Shaft y la ovación fue grande.El orgullo de ser negro ; aquello significó mucho porque Isaac Hayes una leyenda viva con ese tema tan celebrado. Eran tiempos de tensión, de segregación racial en EE. UU., por todo lo que había pasado: el asesinato de Martin Luther King, el movimiento por los derechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir y luchaba por su reivindicación.
1. Shaft
2. Bumpy's Lament
3. Walk From Regio's
4. Ellie's Love Theme
5. Shaft's Cab Ride
6. Cafe Regio's
7. Early Sunday Morning
8. Be Yourself
9. Friend's Place
10. Soulsville
11. No Name Bar
12. Bumpy's Blues
13. Shaft Strikes Again
14. Do Your Thing
15. End Theme
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214. Allman Brothers – At Fillmore East (1971)
Legendaria formación estadounidense de los años 70, epítome del rock sureño por su apasionante mezcolanza de estilos anclados en las raíces de la música americana. Rock, blues, soul y country predominantemente pero sin dejar de lado otros sonidos como el jazz, el gospel o la música clásica, son la base de esta esencial banda, cuya mayor característica son sus arrebatadoras y nada autocomplacientes jams en directo. En 1971 publicaron su trabajo más popular y uno de sus cimas como grupo, el doble álbum en directo grabado en Nueva York "At The Fillmore East" (1971).
Sus excitantes conciertos, plagados de largas pero nada pesadas jams, pueden ser paladeados en este gigantesco disco de blues rock con querencia jazz que cuenta con temas de la talla de "Statesboro blues" o "Whipping post". Este trabajo consolidó a los Allman Brothers como una de las mejores formaciones de los Estados Unidos en su época y logró unos estupendos resultados comerciales. At Fillmore East es sin dudas uno de los mejores discos en vivo de la historia del rock
Esta situación feliz duró poco para la banda, pues unas semanas después de la publicación de "At the Filmore East", Duane Allman uno de los mejores guitarristas de la historia ,fallecía a causa de un accidente de moto el 29 de octubre de 1971.
Disc one
1.Statesboro Blues
2.Trouble No More
3.Don't Keep Me Wonderin'
4.Done Somebody Wrong
5.Stormy Monday
6.One Way Out
7.In Memory of Elizabeth Reed
8.You Don't Love Me
9.Midnight Rider
Disc two
1.Hot 'Lanta
2.Whipping Post
3.Mountain Jam
4.Drunken Hearted Boy
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215. Rolling Stones – Sticky Fingers (1971)
Sensacional álbum de sus majestades stonianas con portada del artista neoyorquino Andy Warhol.
Es un disco esencial de rock con trazos blues y country revistiendo materias alucinógenas y avidez sexual con cimbreantes ritmos de naturaleza negra.
"Sticky Fingers" es un impresionante viaje sonoro que nos machaca con apabullantes riffs eléctricos, apasionadas travesías acústicas, extraordinarias baladas emocionales y alguna pieza de ejecución narcótica. La interactuación instrumental es magnífica entre unos excelentes músicos a los que se les une el saxo de Bobby Keyes, los pianos de Ian Stewart, Jack Nitzsche, Jim Price y Nicky Hopkins, la guitarra de Ry Cooder, las cuerdas de Paul Buckmaster o la percusión del mismísimo productor, Jimmy Miller.
El álbum es una obra maestra de principio a fin, con piezas indelebles como "Brown Sugar", "Sway", "Sister Morphine" (compuesta junto a Marianne Faithfull), "Wild Horses", "Bitch", "Dead Flowers" o "Can't you hear me knocking"... pasajes clásicos de una banda inmortal.
Debutó en el número 1 de las listas de los álbumes más vendidos de Billboard y se convirtió posteriormente en una gran éxito comercial. El disco recibió muy buenas críticas, llegando a ser considerado por la crítica musical como uno de los mejores materiales de la banda.
1. Brown Sugar
2. Sway
3. Wild Horses
4. Can't You Hear Me Knocking
5. You Gotta Move
6. Bitch
7. I Got The Blues
8. Sister Morphine
9. Dead Flowers
10. Moonlight Mile
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216. John Lennon – Imagine (1971)
Con "Imagine" John Lennon obtuvo el mayor éxito crítico y comercial de su andadura en solitario. Lo cierto es que si juntamos este disco y "Plastic Ono Band" obtendremos lo mejor del repertorio del genio de Liverpool en su etapa post-Beatle.
Lennon siempre fue un gran admirador del legendario productor y compositor Phil Spector y de nuevo, tras haber colaborado con él en "Plastic Ono Band" volvió a solicitar sus servicios para la producción de "Imagine".
La inmortal obra maestra que titula el álbum representa claramente en su brillante texto el idealismo de su autor, la deliciosa "Crippled inside" flirtea con el music-hall, "Jealous Guy" (que John en un principio había escrito para el álbum blanco de los Beatles), "Oh my love" y "How?" son impresionantes baladas de base pianística que justifican su supremacía en ese campo (sólo comparable a la de su colega Paul McCartney); su sentimiento rockero aflora en las excelentes "It's so hard", "Give me some truth" y en la hipnótica "I don't want to be a soldier".
Paul McCartney es objeto de un severo ataque en "How do you sleep?", tema que pone de manifiesto la poca cordial relación existente entre ambos por aquella época, y para despedir el disco Lennon escoge un sensacional corte donde una vez más rinde su perpetuo homenaje a su esposa, "Oh Yoko".
Indispensable álbum para entender la carrera en solitario de un hombre irrepetible. En sus créditos aparecen nombres com Klaus Voorman, Nicky Hopkins, Alan White o George Harrison, entre otros.
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon. En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It's So Hard
5. I Don't Wanna Be A Soldier Mama
6. Give Me Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
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217. The Beach Boys – Surf’s Up (1971)
Con Brian Wilson a la cabeza, uno de los grandes genios de la composición y producción del siglo XX, los Beach Boys se convirtieron en la formación pop más importante de los EEUU y en uno de los conjuntos más influyentes, innovadores y admirados de la historia de la música moderna gracias a sus maravillosas y embelesadoras melodías y armonías. En un período de su carrera en el que Brian Wilson por problemas físicos y sobre todo psíquicos, achacables a su adicción a las drogas, había delegado el liderazgo creativo en el resto de sus compañeros , los Beach Boys no se resintieron en absoluto de esta circunstancia y continuaron editando notables álbumes plagados de sensacionales y placenteros momentos.
Es el caso de este trabajo de engañoso título, que nos abre sus puertas con la sublime delicadeza de la encantadora "Don't Go Near the Water", firmada por Mike Love y Al Jardine. Jardine también participa en otros dos temas de características totalmente opuestas, como la desenfadada "Take a load off your feet", y el estupendo corte de rasgos menos jubilosos titulado "Looking at tomorrow".
Bruce Johnston toma las riendas en la melosa "Disney girls", mientras que Carl Wilson saca a relucir lo mejor de sí mismo en glorias (compuestas junto a Jack Rieley) que bien podrían llevar la rúbrica de su hermano mayor como "Long promised road" y "Feel Flows" (uno de los momentos cumbres del disco).
Incluso en "Student demonstration time" (un remiendo de un viejo tema de los compositores Leiber/Stoller titulado "Riot in the cell block number nine" al que Mike añadió nuevo texto) se atreven y con excelentes resultados con el blues, un estilo alejado de los cimientos musicales de los míticos chicos playeros.
La recta final del álbum es cosa de Brian Wilson, quien vuelve a demostrar por qué es uno de los más grandes genios de la música moderna al brindarnos tres insuperables dosis de inspiración iniciadas con "A day in the life of a tree", una canción dotada de una atmósfera oscura y tétrica de escaso acompañamiento musical, todo lo contrario que "Till I die", maravilla donde vuelven a hacer virguerías con su dotadas e imitadas voces.
La canción homónima del LP, recuperada de sus grabaciones de "Smile", es la guinda perfecta de este apetitoso pastel sónico que querrás degustar una y otra vez.
01 - Don't go near the water
02 - Long promised road
03 - Take A Load Off Your Feet
04 - Disney Girls (1957)
05 - Student demonstration time
06 - Feel flows
07 - Lookin' at tomorrow (a welfare song)
08 - A day in the life of a tree
09 - 'Til I die
10 - Surf's up
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218. Yes – Fragile (1971)
Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. Se le conoce principalmente por la canción "Roundabout", que fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en una versión editada. Este fue el primer álbum de Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento de la banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos lados del Atlántico.
Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971. Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovechar el aun creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album.
A diferencia de los primeros lanzamientos de Yes, este álbum pone en primer plano los talentos de cada miembro de la banda como solista. "Cans and Brahms" es una pieza de Johannes Brahms con un arreglo de Rick Wakeman; "We Have Heaven" es un solo de Jon Anderson, en el que el vocalista interpreta múltiples partes vocales sobrepuestas (una técnica que después usaría en su primer disco como solista Olias of Sunhillow); por otro lado, "Five Per Cent For Nothing", "The Fish" y "Mood For A Day" son los solos de Bill Bruford, Chris Squire y Steve Howe, respectivamente. El resto de las canciones contienen la participación de todo el grupo.
1. Roundabout
2. Cans And Brahms
3. We Have Heaven
4. South Side Of The Sky
5. Five Per Cent For Nothing
6. Long Distance Runaround
7. The Fish (Schindleria Praematurus)
8. Mood For A Day
9. Heart Of The Sunrise
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219. Doors – LA Woman (1971)
L.A. Woman es la última pieza de la discografía de The Doors en la cual participa Jim Morrison, quien supuestamente moriría en París tres meses después de la grabación. Después de este disco habrían algunos intentos de los demás integrantes por continuar con la banda (grabando música encima de unas cintas de poemas recitados por Morrison). Obviamente que también salieron al mercado todo tipo de recopilaciones, ediciones de recitales y demás.
La grabación de L.A. Woman fue bastante complicada. El nerviosismo de Jim, sumado al descontento y abandono de la producción por parte de Paul A. Rothchild (productor de todos sus discos anteriores) provocaron que las canciones tuvieran que ser registradas en una especie de estudio improvisado en el lugar donde ensayaba la banda. Este álbum se aleja mucho del estilo que venían haciendo y se vuelca en el blues y rhythm & blues. La idea que tenían por ese entonces era volver a esas raíces musicales.
A pesar del abrupto cambio, este trabajo tuvo muchísimo éxito (muchos lo consideran el mejor en toda su carrera). Como temas más representativos pueden citarse Love Her Madly, L.A. Woman y Riders On The Storm.
1 - The Changeling
2 - Love Her Madly
3 - Been Down So Long
4 - Cars Hiss By My Window
5 - L.A. Woman
6 - L'America
7- Hyacinth House
8 - Crawling King Snake
9 - The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)
10 - Riders On The Storm
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220. Can – Tago Mago (1971)
Tago Mago es el tercer álbum de estudio de Can (banda alemana del movimiento Kraut Rock), editado en 1971. Originalmente era un álbum doble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentemente considerado su álbum más importante, ya que es su álbum más experimental y arriesgado y el más influyente. Tago Mago incluye tracks como "Aumgn", un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupa toda una cara del vinilo); y "Peking O", otra pieza de avantgarde donde el vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene con vocalista, y el primero que lo tiene como el único) es gran protagonista. También se destaca "Halleluwah", un jam de 18 minutos (que también ocupaba toda un lado) con influencia de funk, basado en la repetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se ha convertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y ha recibido muy buenas críticas. No es un clásico porque es y fue totalmente anacrónico, ajeno e imbuido al mismo tiempo del espíritu de los adorados 60s. Y finalmente, no es un clásico porque, al ser totalmente anacrónico, no le ha quedado otra que ser eternamente actual. Hoy yo puedo hablar de él como de un disco que apenas salió ayer en los listados de cualquier pagina web especializada en buena música. Quizás Can haya creado con este disco lo más parecido a un anti-clásico. "Tago Mago" no es una influencia y a veces ni siquiera es un disco; es una variación compositiva que debe implicar de por sí otra creación bajo otros nombre de grupo o artista.
1. Paperhouse
2. Mushroom
3. Oh Yeah
4. Halleluwah
5. Aumgn
6. Peking O
7. Bring Me Coffee Or Tea
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221. Elton John – Madman Across the Water (1971)
Sin duda alguna, uno de los artistas de pop-rock de más éxito de las últimas tres décadas es Reginal Kenneth Dwight, alias Elton John -por sus colegas de Bluesology Elton Dean y John Baldry- (nacido el 25 de marzo de 1947 en Middlesex), un músico de mucho talento (comenzó a tocar desde muy niño el piano) y con gran capacidad de versatilidad que inició su carrera como componente de Bluesology a principios de los años 60, grupo de acompañamiento de estrellas de la época como Doris Troy.
Madman Across the Water, cuarto álbum de Elton John, una joya del año 1971, Incluye el hit "Tiny Dancer" (que Cameron Crowe rescató para Casi Famosos) y ocho temas más, todos impecables. Desbordantes de belleza en las melodías y bien cantadas por Elton.
Lo acompañan aquí algunos de sus músicos habituales (Nigel Olsson, por ejemplo) y otras grandes, como Rick Wakeman (otrora tecladista de Yes). Las letras están todas escritas en colaboración con el ya mítico Bernie Taupin. Este album alcanzo en Gran Bretaña el lugar #41 de las listas, siendo en Estados Unidos donde obtuvo más éxito, llegando hasta el #8 del Billboard 200.
1. Tiny Dancer
2. Levon
3. Razor Face
4. Madman Across the Water
5. Indian Sunset
6. Holiday Inn
7. Rotten Peaches
8. All the Nasties
9. Goodbye
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222. Dolly Parton – Coat of Many Colors (1971)
Excelente cantante, compositora y actriz, Dolly Parton ha representado una bocanada de renovación entre las cantantes country aparecidas a fines de los años ‘60, con un aire y estilo desenfadado y una simpatía sin igual, lo que le ha permitido posicionarse como una de las seis referentes femeninas más influyentes de estilo musical. Dolly fue la cuarta hija de un total de 12 hermanos nacida del matrimonio compuesto por Robert Lee Parton (granjero y obrero de la construcción) y Avie Lee Owens. Junto a sus hermanos Stella, Floyd y Randy, fueron los únicos integrantes de la familia que se dedicaron de lleno a la música (Stella y Randy como cantantes y Floyd como compositor).
Coat of Many Colors de 1971 es un ejemplo perfecto de la brillante labor que Parton estaba grabando durante estos últimos años. La canción que da título al álbum es prueba de la brillantez de Parton como compositor, la captura de la agitación emocional de su infancia a través del descubrimiento de la memoria de un adulto nostálgico. Parton posee tanto la voz de una niña confundida y de una mujer conocedora, subrayado por la guitarra acústica, una luz, ritmo suave, y toques de de órganos y armonías gospel de fondo. El resto de las canciones del álbum, dicen las historias humanas en un idioma sencillo.
1. Coat of Many Colors
2. Traveling Man
3. My Blue Tears
4. If I Lose My Mind
5. Mystery of the Mystery
6. She Never Met a Man (She Didn't Like)
7. Early Morning Breeze
8. Way I See You
9. Here I Am
10. Better Place to Live
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223. Don McLean – American Pie (1971)
"American Pie" es un influyente álbum donde se desprende la canción del mismo nombre, al más puro estilo folk rock y escrita por el cantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el día que murió la música". En el año 1971 fue grabada y lanzada. El sencillo se mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad de Estados Unidos durante dos semanas en 1972.
La canción hace referencia a la historia del rock and roll, comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 hasta el año 1970.
La letra de la canción causa mucha curiosidad. Aunque McLean dedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos que viajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por su nombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "American Pie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez". Posteriormente, declaró de forma más seria: "Encontrarán muchas 'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamento dejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que los compositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo un silencio digno".
La importancia de "American Pie" para el patrimonio musical y cultural fue reconocida por el proyecto educativo "Songs of the Century" (Canciones del Siglo) que la posicionó en el número cinco de las canciones del Siglo XX.
1. American Pie
2. Till Tomorrow
3. Vincent (Starry, Starry Night)
4. Crossroads
5. Winterwood
6. Empty Chairs
7. Everybody Loves Me, Baby
8. Sister Fatima
9. The Grave
10. Babylon
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224. Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (1971)
Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del virtuoso estilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásica que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (nacido el 1 de noviembre de 1944 en Lancashire), que había pasado por diversos grupos, entre ellos The Nice; el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (nacido el 10 de noviembre de 1948 en Dorset), quien fue parte integrante de King Crimson; y el batería Carl Palmer (nacido el 20 de marzo de 1951 en Birmingham), que había dejado el grupo Atomic Rooster.
"Tarkus" (1971), el segundo disco del supergrupo, alcanzó en el Reino Unido el número 1 y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, con una primera cara dominada por una extensa suite. El álbum era un trabajo conceptual basado en Tarkus, una mixtura entre tanque y armadillo enfrentado a un personaje mitológico denominado Manticore, monstruo con cabeza de hombre, cuerpo de león y cola de escorpión.
1. Tarkus Medley: Eruption/Stones of Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battlefield/Aquatarkus
2. Jeremy Bender
3. Bitches Crystal
4. The Only Way (Hymn)
5. Infinite Space (Conclusion)
6. A Time and a Place
7. Are You Ready Eddy?
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225. Led Zeppelin – IV (1971)
El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.
Extraordinario disco de una banda extraordinaria, epítome de su habilidad para entresacar sudorosas composiciones de inspirada y rocosa arquitectura sonora y elevarlas a inmortales himnos rock de punzante ejercicio rítmico y exaltada escritura.
Tres inmejorables instrumentistas que habían aprendido todo sobre el negocio en sus largos años como músicos de sesión y uno de los grandes frontman de la historia del rock nos regalan un soberbio trabajo impregnado de rock, blues y folk, no en vano la utilización de Sandy Denny como apoyo vocal de Robert Plant en la medievalista y tolkieniana "The battle of evermore".
"Rock and roll", un homenaje al rock de los 50; "When the leeve breaks" , canción de poso blues con una rotunda batería de Bonham; "Misty Mountain Hop", festiva composición donde satirizan el mundo hippie, "Black Dog", un poderoso tema hard-rock con una atronadora guitarra de Page ; el folk acústico a lo Neil Young o Joni Mitchell de "Going to California" o la monumental, épica y críptica "Stairway to heaven" son otros temas esenciales de un álbum demoledor de penetrantes e imaginativas texturas, clave en la evolución del rock. Con éste disco, me atrevo a decir que definieron el hard-rock de los '70, con un Jimmy Page conduciendo a la banda a base de riffs monolíticos como nunca antes se había visto en una banda.
Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin. Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Este álbum, fue el LP más vendido de la banda y actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).
1. Black Dog
2. Rock and Roll
3. The Battle of Evermore
4. Stairway To Heaven
5. Misty Mountain Hop
6. Four Sticks
7. Going to California
8. When the Levee Breaks
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