1001 discos que hay que escuchar antes de morir (parte1)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under
Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.
Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuales son y en que momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes
Por mi parte inicio con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa, todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.
Que de inicio la lista
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001. Frank Sinatra – In the Wee Small Hours (1955)
Este fue el primer LP publicado por Frank Sinatra. Hasta la fecha todo habían sido singles y fue Sinatra quien empezó a popularizar este formato. Es un disco lleno de melancolía y tristeza por un amor perdido (se dice que el de de Ava Gadner). Tanto la portada como el contenido del disco se considera un clásico de clásicos y la crítica reconoce este trabajo como uno de los discos más importantes de la história.
Y no hay que engañarse creyendo que para disfrutar de este disco hace falta un imposible esfuerzo de adaptación, o que esta música es un gusto adquirido, imposible para un oyente habitual de pop o de rock o de menos de sesenta años. Esta es música adulta, sin duda, y que también se puede encontrar aquí en cantidades ingentes: emoción inabarcable y delicada belleza servidas con mucha sofisticación y algo de melodramatismo saludablemente excesivo.
Sólo que aquí está mejor hecho que en ningún otro disco. Esta es la obra de un gigante y de un genio. Y aunque toda la vida hayas creído, equivocadamente otra cosa, se dice rectificar es de sabios. Este es el álbum más importante de la música popular del Siglo XX.
1. In the Wee Small Hours of the Morning
2. Mood Indigo
3. Glad to Be Unhappy
4. I Get Along Without You Very Well
5. Deep in a Dream
6. I See Your Face Before Me
7. Can't We Be Friends?
8. When Your Lover Has Gone
9. What Is This Thing Called Love?
10. Last Night When We Were Young
11. I'll Be Around
12. Ill Wind
13. It Never Entered My Mind
14. Dancing on the Ceiling
15. I'll Never Be the Same
16. This Love of Mine
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002. Elvis Presley – Elvis Presley (1956)
Elvis Presley es el álbum debut de Elvis Presley en RCA Records, con número de catálogo LPM 1254, que apareció en marzo de 1956. Fue grabado en los estudios de Sun Records en Memphis, en los estudios de Nashville de RCA a mediados de enero y en los estudios de Nueva York de RCA a finales de enero. Permaneció diez semanas en el número 1 de la lista Billboard Top Pop álbumes ese año.
El 21 de noviembre de 1955, RCA Records compró el contrato de Elvis Presley a Sun Records por la cantidad de 35.000 dólares, gracias al ejecutivo de la RCA Steve Sholes. Presley y el rock'n'roll todavía no habían sido puestos a prueba en el negocio de la música, pero este álbum, junto con el número 1 que obtuvo el single "Heartbreak Hotel", demostraron el poder de ventas de ambos: fue el primer álbum de rock en llegar al número 1, y el primer álbum pop de RCA que llegó a ventas millonarias. En 2003, la revista Rolling Stone lo catapultó a la posición 55 de su lista de 500 mejores discos de toda la historia.
Presley había realizado tres apariciones en el show televisivo de los hermanos Dorsey ("The Dorsey Brothers Stage Show"
el 28 de enero, 4 de febrero y 11 de febrero de ese mismo año, por lo que RCA quiso en aquel momento lanzar un álbum para poder rentabilizar sus apariciones en la televisión nacional y el éxito de su primer single en las listas pop, "Heartbreak Hotel". Al mismo tiempo, Elvis sólo había realizado dos sesiones de grabación para RCA. Esas dos sesiones sumaban 11 temas, algo insuficiente para poder vender un LP completo, dado que algunas canciones tenían potencial. En los años 50, era una práctica general que las canciones con gran potencial comercial fueran lanzadas como singles, mientras que el resto se dedicaban a completar LP's. La solución fue incluir cinco canciones inéditas contenidas en las cintas que Sun Records había entregado a RCA con el contrato de Elvis: "I Love You Because", "Just Because", "Trying to Get to You", "I'll Never Let You Go" y "Blue Moon". Estos temas fueron añadidos a otros siete de las sesiones realizadas para RCA con objeto de dotar al álbum de una duración aceptable.Como los temas de Sun eran la mayoría de estilo country, Elvis y RCA decidieron incluir los cortes con canciones recientes de rhythm and blues. Dos de ellas, "Money Honey" de Jesse Stone, que Elvis conocía por la versión de Clyde McPhatter, y el éxito de 1955 de Ray Charles "I Got A Woman", llevaban tocándose más de un año en los conciertos de Elvis. La tercera fue el anuncio frenético al mundo de la existencia de Little Richard en 1955, "Tutti Frutti". También se incluyó Un número rockabilly, "Blue Suede Shoes", que no salió inicialmente como single por la promesa que Steve Sholes hizo a Sam Phillips, propietario de Sun Records, de proteger la carrera de otro artista del sello, Carl Perkins, el autor de la canción. El 31 de agosto de 1955, RCA tomó la inusual decisión de lanzar el álbum completo en singles, junto con el nuevo sencillo de Elvis, "Shake, Rattle & Roll / Lawdy Miss Clawdy". El nuevo single no entró en lista, pero "Blue Suede Shoes", lanzado como single después de que la carrera de Perkins se hundiera debido a un accidente automovilístico, llegó al número 20 de las listas de singles.
La portada está posicionada en el número 40 de la lista de Rolling Stone de las 100 mejores portadas de discos. La fotografía fue tomada en Tampa, Florida, el 31 de Enero de 1955. El diseño fue homenajeado por The Clash en la portada de su álbum "London Calling" (que se encuentra en el número 39 de la lista); otros homenajes incluyen "Rain Dogs" (1985) de Tom Wait, y "Reintamation" (2006) de k. d. lang.
El álbum fue lanzado en compact disc en una edición extendida el 18 de mayo de 1999, y de nuevo el 11 de enero de 2005. Para la edición de 1999, el disco comenzaba con el single "Heartbreak Hotel" y su correspondiente cara B, seguida por el propio álbum, y finalizaba con cuatro bonus tracks tomados de otros sencillos de la época. La edición de 2005 situaba los bonus tracks al final del disco. El sello Follow That Dream, dedicado a los coleccionistas de la música de Elvis, lanzó el 15 de agosto de 2006 un doble compacto con el álbum, los bonus tracks y numerosas tomas adicionales.
1. Blue Suede Shoes
2. I’m Counting on You
3. I Got A Woman
4. One-Sided Love Affair
5. I Love You Because
6. Just Because
7. Tutti Frutti
8. Trying to Get to You
9. I’m Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)
10. I’ll Never Let You Go (Lil’ Darlin’)
11. Blue Moon
12. Money Honey
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003. Louvin Brothers – Tragic Songs of Life (1956)
The Louvin Brothers (Ira y Charlie Louvin) se dieron a conocer en los años 40 y se sumaron al tradicional sonido country, siguiendo los pasos de The Delmore Brothers y allanando el camino a The Everly Brothers. Tragic Songs Of Life, su primer álbum, es una obra canónica del country. La voz de barítono de Charlie y el tono agudo de Ira se van intercalando y se fusionan con un estilo chispeante y una gracilidad embelesadora. La portada del disco, que muestra a Ira y Charlie superpuestos sobre una rubia que sostiene una carta arrugada entre sus dedos parece la portada de una novela barata. Y la verdad es que, para los hermanos Louvin, estas canciones marcadas por el pecado, la tragedia y la tentación eran todas muy reales. No había nada pretencioso o kistch en ellas, y las pulsiones autodestructivas de Ira le dieron al cancionero el filo cortante de los mejores cuchillos.
1. Kentucky
2. I'll Be All Smiles Tonight
3. Let Her Go, God Bless Her
4. What Is Home Without Love
5. Tiny Broken Heart
6. In the Pines
7. Alabama
8. Katie Dear
9. My Brother's Will
10. Knoxville Girl
11. Take the News to Mother
12. Mary of the Wild Moor
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004. Louis Prima – Wildest (1957)
“Célebre cantante y trompetista de clubes nocturnos en los años 30 y 40, primero en Nueva Orleans y después en Nueva York, Prima se vio sin muchas oportunidades de trabajo en 1954. Con una nueva esposa, que también le acompañaba en el escenario -él tenía 43 años mal llevados y ella unos cándidos 22-, consiguió que le dieran una noche en el lounge del Sahara, en Las Vegas. Para completar la banda contrató a Sam Butera, un joven saxofonista de Nueva Orleans. Ell éxito fue inmediato y esta deslumbrante media hora, grabada en directo en el estudio en abril de 1956, fue la guinda del pastel.
Los puristas del jazz a menudo desprecian a Prima, a quien consideran un Louis Armstrong a la italiana. Y quizá lo hacen por los tres hits de Satchmo que incluye el disco: “You Rascal You” y un meddley con la contenida “Basin Street Blues” más una versión de “When It’s Sleepy Time Down South” que no suena soporífera. Las críticas, de todos modos, no deben despistarnos: en este disco solo hay canciones irresistibles que están a la altura de la gloriosa portada. Prima suena de forma optimista, alborotada e irresistible y hace que la banda se recree en “Oh Marie”. Smith, además, embellece sistemáticamente las intervenciones del cantante. Butera y compañía, por su parte, les acompañan con el jump-jive más chispeante que se ha grabado nunca. Este sonido se ha imitado en muchas ocasiones. Brian Setzer hizo una versión calcada de “Jump, Jive, An’Wail” que fue utilizada en un anuncio de Gap. Butera, autor de los arreglos originales, dijo que fue remunerado con unos cuantos pantalones por el privilegio. Prima murió en 1978, pero su legado ha perdurado a través de su hija Lena, quien ha tocado recientemente en el Sahara, y del orangurán parlanchín de “El Libro de la Selva”, al que puso su voz. Sin duda algunam fue el rey de los swingers.” Will Fulford-Jones
1. Medley: Just a Gigolo/It Ain't Got Nobody
2. (Nothing's too Good) For My Baby
3. The Lip
4. Body and Soul
5. Oh, Marie
6. Medley : Basin Street Blues/When It's Sleepy Time Down South
7. Jump,Jive An' Wail
8. Buona Sera
9. Night Train
10. I'll be Glad When You're Dead, You Rascal You
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005. Fats Domino – This is Fats (1957)
Antoine «Fats» Domino nació en Nueva Orleans en 1928. Consumado pianista, toda su música está empapada de una alegría vital el sello propio de su ciudad natal.
Muchos creen que el primer rock and roll de la historia fué su sencillo de 1949 «The fat man»,desde ese momento hasta finales de los 50, sus canciones llegaban fácilmente a los primeros puestos de las listas de «race records» (así se catalogaba a la música negra en aquellos años).
Destacan especialmente «I´m walking», «Ain´t that a shame» o su versión definitiva del standard «Blueberry hill». Muchos de sus temas conocieron el éxito masivo al ser versioneados por artistas blancos como Pat Boone o Ricky Nelson, de la misma manera que le pasaba a Little Richard también.
A partir de los años 60 se fue retirando de manera discreta del primer plano y sin encándalos, al contrario que muchos de sus contemporáneos.
Siempre ha estado entre los favoritos de muchos músicos, como The Beatles sin ir más lejos.
1. Blueberry Hill
2. Honey Chile
3. What's the Reason (I'm Not Pleasing You) - Fats Domino, Hatch, Carl
4. Blue Monday
5. So Long
6. La-La
7. Troubles of My Own
8. You Done Me Wrong
9. Reeling and Rocking
10. The Fat Man's Hop
11. Poor, Poor Me
12. Trust in Me
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006. Duke Ellington – At Newport (1956)
Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.
En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"
1. Star Spangled Banner
2. Father Norman O'Connor Introduces Duke & The Orchestra / Duke Introduces Tune & Anderson, Jackson...
3. Black And Tan Fantasy
4. Duke Introduces Cook & Tune
5. Tea For Two
6. Duke & Band Leave Stage / Father Norman O'Connor Talks About Festival
7. Take The A Train
8. Duke Announces Strayhorn's A Train & Nance / Duke Introduces Festival Suite, Part I & Hamilton
9. Part 1: Festival Junction
10. Duke Announces Soloists; Introduces Part II - (live)
11. Part II: Blues To Be There (Live)
12. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III - (live)
13. Part III: Newport Up
14. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Duke Introduces Cook & Tune - (live)
15. Sophisticated Lady - (live)
16. Duke Announces Grissom & Tune - (live)
17. Day In, Day Out (Live)
18. Duke Introduces Tune (s) And Paul Gonsalves Interludes - (live)
19. Diminuendo In Blue And Crescendo In Blue - (live)
20. Announcements, Pandemonium - (live)
21. Pause Track
Disc 2
1. Duke Introduces Johnny Hodges
2. I Got It Bad (And That Ain't Good) - (previously unreleased, live)
3. Jeep's Blues - (live)
4. Duke Calms Crowd; Introduces Nance & Tune
5. Tulip Or Turnip - (previously unreleased)
6. Riot Prevention
7. Skin Deep
8. Mood Indigo - (previously unreleased)
9. Studio Concert - (excerpts)
10. Father Norman O'Connor Introduces Duke Ellington / Duke Introduces New Work, Part I, & Hamilton
11. Festival Junction
12. Duke Announces Soloists; Introduces Part II
13. Blues To Be There
14. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III
15. Newport Up
16. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Pause / Duke Introduces Johnny Hodges 17. I Got It Bad (And That Ain't Good)
18. Jeep's Blues - (previously unreleased)
19. Pause Track
CD1Download
CD2Download
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007. Frank Sinatra – Songs for Swingin’ Lovers! (1956)
El disco Songs for swingin’ lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Este álbum contiene canciones tan maravillosas como You Make me Feel so Young, How About You?, Love is Here to Stay o I've Got You Under My Skin ideales para un atardecer de verano, y suenan tan frescas que nadie diría que tienen ya 50 años. Swing por los cuatro costados y canciones cortitas y alegres, con orquestación pomposa, con trompetas estridentes, pero también con momentos jazz de lo más sosegados.
1. You Make Me Feel So Young
2. It Happened in Monterey
3. You're Getting to Be a Habit with Me
4. You Brought a New Kind of Love to Me
5. Too Marvelous for Words
6. Old Devil Moon
7. Pennies from Heaven
8. Love Is Here to Stay
9. I've Got You Under My Skin
10. I Thought About You
11. We'll Be Together Again
12. Makin' Whoopee
13. Swingin' Down the Lane
14. Anything Goes
15. How About You?
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008. The Crickets – Chirping… (1957)
Primer álbum de Buddy Holly, en compañía de los Crickets (Niki Sullivan a la guitarra rítmica, Joe B. Mauldin al contrabajo y Jerry Allison a la batería), en edición remasterizada del año 2004, conmemorando el 50 Aniversario del nacimiento del Rock 'N' Roll. Esta reedición incluye los 12 temas del LP original de 1957 + 4 Bonus Tracks. Entre los temas originales, algunos de los más clásicos de Holly: "Oh Boy!" y su exitosa Cara B "Not Fade Away" (versionada en su día por los Rolling Stones), "Maybe Baby", o el grandioso "That'll Be The Day" (que en su día supuso la primera grabación que registraron The Beatles, con "In Spite Of All The Dangers" en su Cara B). Buddy Holly sacó el título de esta canción de una frase que repite constantemente el personaje interpretado por John Wayne en el famoso western "Centauros del Desierto". Entre los detalles del disco, destacan un par de composiciones de Roy Orbison, "You've Got Love" y "An Empty Cup (And A Broken Date)", o el tema "I'm Looking For Someone To Love" (cara B del single "That'll Be The Day"
. No faltan tampoco las baladas como "It's Too Late" o "Last Night". El listado de Bonus Tracks lo integran "Think It Over", "Fool's Paradise", la genial "Lonesome Tears" e "It's So Easy", que popularizaría veinte años más tarde la cantante Linda Ronstadt.Entre los créditos del disco, destaca la presencia del excelente guitarrista Tommy Allsup o la primera aparición de The Picks, el grupo vocal que acompañaría a Holly durante gran parte de su carrera en solitario. Un disco imprescindible para entender su leyenda.
01 - Oh, Boy!
02 - Not Fade Away
03 - You've Got Love
04 - Maybe Baby
05 - It's Too Late
06 - Tell Me How
07 - That'll Be The Day
08 - I'm Looking For Someone To Love
09 - An Empty Cup (And A Broken Date)
10 - Send Me Some Lovin'
11 - Last Night
12 - Rock Me My Baby
13 - Think It Over
14 - Fool's Paradise
15 - Lonesome Tears
16 - It's So Easy
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009. Count Basie – Atomic Mr Basie (1957)
William Basie (Red Bank, 21 de agosto de 1904 - Hollywood, 26 de abril de 1984), conocido como Count Basie, fue un director de big band y pianista estadounidense de jazz.
Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia, vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional.
Count Basie tardó más que ninguno en elegir su lema -"Sixteen men swinging", grabado en 1954-, y es la definición más precisa de la convivencia musical que hizo de la orquesta una institución a la que el jazz nunca dejó de mirar en busca de inspiración y como modelo de unidad y espíritu de cuerpo.
Existen centenares de grabaciones de arreglos de Buck Clayton, Benny Carter, Quincy Jones, Neal Hefti, Oliver Nelson o Thad Jones que certifican la espontánea precisión del conjunto guiado desde el piano por el director, que casi siempre se limitaba a una frase de apertura y las clásicas tres notas de cierre, pero también era capaz de sorprender con un miniconcierto como "The Kid from Red Bank", incluido en "The Atomic Mr. Basie", el álbum cumbre de la banda.
1.Kid From Red Bank, The
2. Duet
3. After Supper
4. Flight Of The Foo Birds
5. Double-O
6. Teddy The Toad
7. Whirly-Bird
8. Midnite Blue
9. Splanky
10. Fantail
11. Li'l Darlin'
12. Silks And Satins - (bonus track)
13. Sleepwalker's Serenade-(alternate take)
14. Sleepwalker's Serenade - (bonus track)
15. Late Late Show, The - (bonus track)
16. Late Late Show, The - (vocal version)
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010. Thelonious Monk – Brilliant Corners (1957)
Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y de la música modal. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del repertorio jazzístico, destacando "'Round Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk".
1. Brilliant Corners
2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-are
3. Pannonica
4. I Surrender, Dear
5. Bemsha Swing
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011. Sabú – Palo Congo (1957)
Sabú Martinez, nacido en Spanish Harlem de Nueva York, tocó a los 17 años con la orquesta de los "Lecuona Cuban Boys", y a los 18 con "Dizzy Gillespie's last Big Band". Fué el mismo Gillespie quien le dió el mote de "Sabú".
De 1949 a 1958 colaboró con Art Blakey con quien grabó varios discos.
En 1957 forma su propio quinteto con el cuál graba éste disco, además de Jazz Espagnole en 1960, su disco más conocido. "Palo Congo"
1.- El Combanchero
2.- Billumba (Palo Congo)
3.- Choferito (Plena)
4.- Asabache
5.- Simba
6.- Rhapsodia del Maravilloso
7.- Aggo Elegua
8.- Tribilin Cantore
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012. Miles Davis – Birth of the Cool (1957)
Los temas de este "Birth of Cool" se grabaron entre 1949 y 1950, aunque no seria hasta 1957 donde no saldrían definitivamente para empaparnos de un bebop lleno de improvisación, llenando la trompeta de Miles Davis cada surco, y dando comienzo la carrera más fructifera que jamás ha dado el jazz.
Las doce piezas de este disco estan llenas de emoción, y la compañía de músicos de Charles Parker junto a los arrreglos de Gil Evans o John Lewis, crean un clima que une tanto la musica clásica junto al ragtime. Un verdadero tour de force.
Desde temas como el inicial "Move" que marca los tiempos del lp, con el solo de trompeta de Miles, hasta "Jeru" (aquí el saxo de Lee Konitz habla de tu a tu al gran Davis), se ve la inmensa capacidad de unos musicos que serán un punto y aparte en el mundo del jazz de todos los tiempos.
Con solo ver la portada de "Birth of cool", en blanco y negro y con el arma entre las manos, el gran trompetista te reclama, te dice que te sientes con tranquilidad para oir algo atemporal, algo que oído hoy, después de tantos años, sigue siendo una verdadera obra de arte.
Quizás "Kind of Blue" sea el referente más impactante.
Pero es este "Birth of Cool" el lugar para comenzar la travesía por el universo tan cambiante y mágico de un ser que convirtió a su instrumento en parte de la divinidad del jazz.
1. Move
2. Jeru
3. Moon Dreams
4. Venus de Milo
5. Budo
6. Deception
7. Godchild
8. Boplicity
9. Rocker
10. Israel
11. Rouge
12. Darn That Dream
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013. Machito - Kenya (1957)
Machito: el padre del jazz latino y la salsa. Frank Grillo, Machito casi desconocido en su propio país, es el músico cubano que más ha influido en diversas corrientes de la música popular en los Estados Unidos, y su influencia supera en profundidad y permanencia la de figuras tan connotadas como Chano Pozo, Dámaso Pérez Prado, Arsenio Rodríguez o Ernesto Lecuona.
Verdadero ídolo en Nueva York, sobre todo entre les minorías de afro-norteamericanos e hispanoparlantes, y entre los músicos y amantes del jazz, la fama de Machito se extendió a Francia, Inglaterra, Finlandia, Japón y otros muchos países.
Durante los años cincuenta Machito obtuvo aún más reconocimiento con números como Christopher Colombus, Consternation, Mambo infierno, Dragnet Mambo, Don't Tease Me y Relax Mambo. En 1957 salió su álbum Kenya, luego reeditado con el título de Latin Soul Plus Jazz. Los solistas fueron Cannombal Adderley (saxo alto), Joe Newman y Doc Cheatham (trompetas), Johnny Griffin y Ray Santos (saxos tenores), Eddie Bert y Santo Russo (trombones), Cándido Camero y Patato Valdés (tumbadoras) y José Mangual (bongoes). Los arreglos eran de René Hernández y A.K. Salim. Un año después salió el LD Machito with Flute to Boot (reeditado luego como Afro-Jazziac), con arreglos y solos de flauta de Herbie Mann, y con Johnny Griffin (saxo tenor) y Curtis Fuller (trombón).
1. Wild Jungle
2. Congo Mulence
3. Kenya
4. Oyeme
5. Holiday
6. Cannonology
7. Frenzy
8. Blues a la Machito
9. Conversation
10. Tin Tin Deo
11. Minor Rama
12. Tururato
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014. Little Richard – Here's Little Richard (1957)
Little Richard (Macon, Georgia, 1932) era un escándalo viviente en los conservadores años 50. Predicador adventista que considera la homosexualidad "una aberración" y "pecado", Little Richard es un escándalo viviente en los tiempos actuales, más progresistas o al menos políticamente correctos. Comenzó su carrera musical desde muy chico cantando gospel en la iglesia, lo cual más tarde le trajo problemas porque cuando empezó a desarrollar su enérgico estilo de boogie woogie al piano y cantar a los gritos, la gente lo acusó de tener dentro suyo al Diablo. Little Richard fue el primer artista negro que los chicos blancos empezaron a escuchar, por lo tanto fue muy odiado por los padres, igual que el rock & roll.
1. Tutti Frutti
2. True, Fine Mama
3. Can't Believe You Wanna' Leave
4. Ready Teddy
5. Baby
6. Slippin' and Slidin'
7. Long Tall Sally
8. Miss Ann
9. Oh Why?
10. Rip It Up
11. Jenny Jenny
12. She's Got It
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015. Tito Puente - Dance Mania (1957)
Dance Mania es un disco que refleja uno de los mejores momentos de la carrera de Tito Puente, y en buena medida explica el desarrollo posterior de la música latina de Nueva York. A la vez, es una de las grabaciones que muestra más gráficamente la influencia de las grandes orquestas cubanas de los cincuenta amalgamada con la de las bandas de jazz norteamericanas, haciendo palpable el sonido "neoyorquino" en la música bailable que tanta influencia y desarrollo tuvo en las décadas sucesivas, desde los experimentos de los sesenta con el desarrollo de la charanga hasta la más perfilada salsa de finales de los sesenta y setenta.
A pesar de la fecha de grabación -finales de 1957- el sonido logrado en este CD (remasterizado en 1991) no desmerece para nada la calidad de los intérpretes. Lo mejor de las doradas noches del Palladium se instalan en el salón de casa de principios del siglo XXI y la edición permite deleitarse con la alineación de la banda (aparecen los créditos de los músicos) que aparte de Puente incluye a Ray Barreto, Julito Collazo y Ray Rodríguez en los cueros, el pianista y arreglista Ray Coen (Raymond Concepción) y Bobby Rodríguez en el bajo, sosteniendo una sección de metales de 11 personas entre trompetas y saxos. Santos Colón, que aparece como cantante de Puente por primera vez en este disco, hace un trabajo que a él mismo le sirvió de techo en sus futuras grabaciones. Temas como Cuando te vea o Agua limpia todo, con unos impecables y avanzados arreglos, están vocalizados con ese sentimiento y sabor que ya en esa época comenzaban a mostrar los cantantes puertorriqueños.
Tito Puente, además, aliña el disco con uno de su pocos solos de marimba en la pieza Hong Kong Mambo.
Dance Mania, es, sin lugar a dudas, un disco imprescindible para entender la evolución de la carrera de Puente y de la música latina de Nueva York.
1. El Cayuco
2. Complicación
3. 3-D Mambo
4. Llego Mijan
5. Cuando te Vea
6. Hong Kong Mambo
7. Mambo Gozon
8. Mi Chiquita Quiere Bembe
9. Varsity Drag
10. Estoy Siempre Junto A Ti
11. Agua Limpia Todo
12. Saca Tu Mujer
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016. Billie Holiday – Lady in Satin (1958)
Se puede afirmar que Billie volvía a componer las canciones interpretándolas, con la fuerza creativa y todas las reservas de oficio que puede tener un gran solista improvisador. Pero la improvisación en Billie no es evidente: está en el particular modo de acentuar, en la emoción puesta en el timbre al servicio de cada palabra dicha, de cada idea expuesta. Billie es también famosa por haber dado profundidad a canciones superficiales.
Ese tan particular modo suyo de elaborar las frases, evitando las soluciones obvias y los lugares comunes, experimentó una evolución notable con el pasar de los años, volviéndose cada vez más complejo, a veces excéntrico, pero siempre rico y sorprendente. A esta evolución debemos sumar los cambios en la calidad tímbrica de su voz, que en los inicios de su carrera era punzante y límpida, volviéndose, hacia el final de su vida, amarga y casi ronroneante.
En estas grabaciones, conmovedoras y de una extraordinaria belleza, Billie fuerza los límites de su extensión vocal, sobre todo en el registro bajo, donde se vuelve más insinuante que explícita. Su fraseo se convierte, entonces, en algo más tortuoso, doloroso y dramático. Algunos han captado en estas grabaciones una estética expresionista que antes le había sido ajena.
Ray Ellis escribió los arreglos y dirigió la orquesta, que no es una orquesta de cuerdas, sino una banda con el agregado de cuerdas (muy del gusto de Billie y de otros cantantes), para estas tomas realizadas entre el 18 y el 20 de enero de 1958, en Nueva York. Allí había grandes personalidades del jazz, como el pianista Hank Jones, los trombonistas J.J. Johnson y Urbie Green y el pianista Mal Waldron.
Billie Holiday murió al año siguiente de realizar este trabajo en Nueva York el 17 de julio de 1959. Tenía 44 años.
1. I'm a Fool to Want You
2. For Heaven's Sake
3. You Don't Know What Love Is
4. I Get Along Without You Very Well
5. For All We Know
6. Violets For Your Furs
7. You've Changed
8. It's Easy to Remember
9. But Beautiful
10. Glad to Be Unhappy
11. I'll Be Around
12. The End of a Love Affair (Mono)
13. I'm a Fool to Want You (take 3)
14. I'm a Fool to Want You (take 2)
15. The End of a Love Affair (stereo)
16. Pause Track
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017. Ramblin' Jack Elliott - Jack Takes the Floor(1958)
Bob Dylan le llamaba su "padre mucho tiempo perdido". Estuvo vinculado a Woody Guthrie, Brownie McGhee, y los poetas musicales.
Mick Jagger, Lou Reed, Van Morrison, Paul McCartney, Kris Kristoffersen, Bruce Springsteen, and Beck lo citan como su fuente de inspiracion. Este álbum de 1958 fue un extraordinario estandarte que muchos artistas siguen tomando como guia. Estimulante, inspirador y francamente excelente opción para escuchar. Si usted ya es un fanatico de Ramblin' Jack Elliott y si no lo es, con este álbum, pronto lo será. Al escucharle entenderá porque a tantos grandes artistas buscan a Ramblin' Jack Elliott
1. San Francisco Bay Blues - Ramblin' Jack Elliott, Fuller, Jesse
2. Ol' Riley
3. The Boll Weevil - Ramblin' Jack Elliott, Traditional
4. Bed Bug Blues
5. New York Town - Ramblin' Jack Elliott, Guthrie, Woody
6. Old Blue - Ramblin' Jack Elliott, Public Domain
7. Grey Goose
8. Mule Skinner Blues - Ramblin' Jack Elliott, Rodgers, Jimmie [1]
9. East Texas Talking Blues
10. Cocaine
11. Dink's Song
12. Black Baby
13. Salty Dog
14. Brother Won't You Join in the Line?
15. There Are Better Things to Do
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018. Sarah Vaughan - Sarah Vaughan At Mister Kelly's (1958)
Este disco es una grabación en directo de la "Divina" Sarah Vaughan, acompañada de su trío, en un local de Chicago llamado Mister Kelly's, es el resultado de una serie de actuaciones que comprendieron los días 6, 7 y 8 de agosto de 1957. El disco da comienzo con una voz masculina que se encarga de preparar a los espectadores, explica por qué hay tantos micrófonos en el escenario y les aconseja cómo deben actuar ante una grabación en directo, van a ser grabados, por lo que han de comportarse con naturalidad; instantes más tarde Sarah Vaughan es presentada y casi podemos verla aparecer en el escenario. El poder evocador de este disco es tal que durante más de una hora sentiremos que somos nosotros los que estamos tomando una copa en el Mister Kelly's disfrutando de la actuación de la "Divina", casi podemos respirar el ambiente cargado de humo y sufrir los rigores del caluroso mes de agosto en Chicago.
Esta grabación muestra a una artista en un momento dulce de su carrera, Sarah Vaughan tenía 33 años cuando grabó ese disco y es evidente cómo disfruta con lo que hace, se muestra cercana, bromea con el público, a veces deja entrever su sensualidad y otras veces es capaz de helarnos la sangre con una voz que se encuentra entre las mejores voces femeninas de la historia de la música. Interpreta standards, algunos de ellos muy conocidos ("Willow Weep For Me", "Just One Of Those Things", "How High The Moon", "Just A Gigolo", "Embraceable You", entre otros), pero con una intensidad especial que, en la mayoría de los casos, supera en calidad al tema original. A lo largo de este disco, Sarah Vaughan navega entre la ternura y la melancolía, entre la serenidad y el esparcimiento, haciendo gala de un vibrato privilegiado y de una amplitud de registros asombrosa, a veces coquetea con el bebop utilizando sus cuerdas vocales como un instrumento más, sin duda el mejor de cuantos había en aquel escenario del Mister Kelly's. Cuando uno escucha este disco se siente obligado a dejar todo aquello cuanto está haciendo para poder disfrutar al máximo de la voz de Sarah Vaughan, es un disco cautivador que nos atrapa durante 73 minutos para transportarnos a un ambiente plácido y sereno.
1. September in the Rain
2. Willow Weep For Me
3. Just One of Those Things
4. Be Anything But Darling Be Mine
5. Thou Swell
6. Stairway to the Stars
7. Honeysuckle Rose
8. Just a Gigolo
9. How High the Moon
10. Dream - (bonus track)
11. I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter
12. It's Got to Be Love
13. Alone
14. If This Isn't Love
15. Embraceable You
16. Luckiy in Love
17. Dancing in the Dark
18. Poor Butterfly
19. Sometime's I'm Happy
20. I Cover the Waterfront
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019. Ella Fitzgerald - Sings The Gershwin Songbook (1959)
En este genial recopilatorio, se recogen los temas más representativos del hito de 1959 "Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Songbook", creado por Lady Ella.
En esta edición editada en 2007 por UCJ Records, aparecen los temas de aquel mítico álbum que con el paso del tiempo se han asentado como temas standar en el repertorio de Ella. Estos temas fueron grabados junto a la Nelson Riddle Orquesta, y son todos parte de la extensa obra de los hermanos Ira y George Gershwin; dos de los grandes compositores americanos del siglo XX, con musicales en su haber como "Porgy & Bess", "Lady be good", "Girl Crazy", "Funny face", "Oh kay!"... Riddle arregló 59 de las composiciones de Gershwin especialmente para Ella, incluyendo una introducción y un cierre instrumentales. Cuando se realizó este proyecto sólo estaba vivo Ira Gershwin, el cual participó en la creación de esta maravilla, aportando nuevas letras. Fue tal el agrado de Ira Gershwin que pronunció la mítica frase: "No me pareció buena ninguna de nuestras canciones hasta que no las grabó Ella". Ella tenía 41 años cuando grabó el álbum, estando en el máximo esplendor de su voz, y configurando este álbum como uno de los más importantes en su carrera.
CD 1
1. Sam And Delilah
2. But Not For Me
3. My One And Only
4. Let’s Call The Whole Thing Of
5. Beginner’s Luck
6. Oh, Lady Be Good
7. Nice Work If You Can Get It
8. Things Are Looking Up
9. Just Another Rhumba
10. How Long Has This Been Going
11. ‘S Wonderful
12. The Man I Love
13. That Certain Feeling
14. By Strauss
15. Someone To Watch Over Me
16. The Real American Folk Song
17. Who Cares_
CD 2
18. Looking For A Boy
19. They All Laughed
20. My Cousin In Milwaukee
21. Somebody From Somewhere
22. A Foggy Day
23. Clap Yo’ Hands
24. For You, For Me, For Evermore
25. Stiff Upper Lip
26. Boy Wanted
27. Strike Up The Band
28. Soon
29. I’ve Got A Crush On You
30. Bidin’ My Time
31. Aren’t You Kind Of Glad We Di
32. Of Thee I Sing (Baby)
33. _The Half Of It, Dearie_ Blue
34. I Was Doing All Right
35. He Loves And She Loves
CD 3
36. Love Is Sweeping The Country
37. Treat Me Rough
38. Love Is Here To Stay
39. Slap That Bass
40. Isn’t It A Pity_
41. Shall We Dance
42. Love Walked In
43. You’ve Got What Gets Me
44. They Can’t Take That Away Fro
45. Embraceable You
46. I Can’t Be Bothered Now
47. Boy! What Love Has Done To Me
48. Fascinatin’ Rhythm
49. Funny Face
50. Lorelei
51. Oh, So Nice
52. Let’s Kiss And Make Up
53. I Got Rhythm
54. Somebody Loves Me
55. Cheerful Little Earful
Cd 1Download
Cd 2Download
Cd 3Download
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020. Ray Charles - The Genius of Ray Charles (1959)
El genio de Ray Charles es un álbum realizado en 1959. En 2003, el álbum ocupó el número 263 de la revista Rolling Stone en la lista de las 500 más grandes álbumes de todos los tiempos. Hermoso disco de un tipo totalmente adelantado a su época, Ray Charles le da vida al soul por aquellos años y lo mezcla con un poco de blues y jazz, como resultado nos deja excelentes temas como: "Let the good times roll", "It had to be you", "Deed i do" y "Come rain or come shine", que realmente lo considero incomparable.
1. Let The Good Times Roll
2. It Had To Be You
3. Alexander's Ragtime Band
4. Two Years Of Torture
5. When Your Lover Has Gone
6. Deed I Do
7. Just For A Thrill
8. You Won't Let Me Go
9. Tell Me You'll Wait For Me
10. Don't Let The Sun Catch You Crying
11. Am I Blue
12. Come Rain Or Come Shine
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021. Miles Davis – Kind of Blue (1959)
Hace mas de medio siglo, Miles Davis cambió la historia de la música con "Kind of blue",
Ha sido considerado el disco más importante del jazz, una de las grandes obras de la música de todos los tiempos y un gran éxito comercial, con más de cuatro millones de copias vendidas desde su publicación en 1959.
Miles Davis (1926-1991) apenas tenía un esbozo de las canciones que pretendía grabar, pero para crear su obra maestra le bastaron diez horas, repartidas en dos sesiones celebradas el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959.
El trompetista norteamericano estuvo acompañado por un grupo excepcional de músicos en aquellas sesiones que se celebraron en el estudio de Columbia en la Calle 30 de Nueva York.
El estudio, ya desaparecido, había sido construido sobre una antigua iglesia armenia y sus salas de madera ofrecían una acústica extraordinaria.
Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, dos miembros del famoso quinteto que el trompetista había puesto en marcha a mediados de los cincuenta y con el que firmó una serie memorable de discos, iniciada con "'Round about midnight" (1955).
El equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxo alto; Jimmy Cobb -el único miembro del grupo que vive aún-, a la batería; y Bill Evans -el único blanco de la banda-, al piano.
El pianista Wynton Kelly colaboró en uno de los seis temas del álbum, el chispeante "Freddie Freeloader".
La destreza de aquellos músicos y su inspiración en esas sesiones les permitió grabar en una sola toma cada una de las cinco piezas incluidas en el disco, algo que ya era inusual en aquella época.
Los temas surgieron de la improvisación y de la experimentación con la música modal -basada en escalas-, técnicas que Miles ya había practicado en 1957 en la banda sonora de "Ascensor para el cadalso", de Louis Malle, y en el álbum "Milestones", un año después.
El resultado de "Kind of blue", una obra creada de principio a fin en el estudio de grabación, fue tan impactante que medio siglo después es aún objeto de debate entre aficionados y especialistas.
Aquel álbum no proponía una simple sucesión de canciones, sino un proyecto artístico completo: un viaje sonoro que comenzaba con el célebre "So what" y concluía con "Flamenco sketches", un tema de influencias españolas.
El álbum conquistó las mentes inquietas de las clases medias de la época y dio una nueva dimensión al jazz.
Pero su influencia alcanzó a otros géneros y se adelantó a los discos conceptuales publicados en los años sesenta, como el emblemático "Sgt. Pepper's" de los Beatles.
El impacto de "Kind of blue" ha llegado a músicos de las últimas hornadas, quienes proclaman que este álbum es "como la Biblia".
1. So What
2. Freddie Freeloader
3. Blue In Green
4. All Blues
5. Flamenco Sketches
6. Flamenco Sketches (alternate take)
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022. Marty Robbins – Gunfighter Ballads & Trail Songs (1959)
Marty Robbins no fue simplemente una estrella country. Durante los 30 años de su carrera, constantemente sorprendió a sus fans haciendo álbumes con pop, rock & roll, calypso y gospel. Conocido por "Gunfighter Ballads and Trail Songs", que incluia su popular single de 1959 "El Paso", Robbins habia comenzado su carrera haciendo tear-jerkers a inicios de los 50's, como "Crying 'Cause I Love You" y "I'll Go On Alone". En 1956 "Singing the Blues" fue su hit country y en 1957 "A White Sportcoat (and a Pink Carnation)” fue número dos. Comenzó a trabajar como actor en los 60's en TV, en "The Drifter".
1. Big Iron
2. Hundred and Sixty Acres
3. They're Hanging Me Tonight
4. Cool Water
5. Billy the Kid
6. Utah Carol
7. Strawberry Roan
8. Master's Call
9. Running Gun
10. Paso
11. In the Valley
12. Little Green Valley
13. Hanging Tree
14. Saddle Tramp
15. Paso [Full-Length Version]
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023. Dave Brubeck Quartet – Time Out (1959)
Grabado en tres sesiones el 25 de Junio, el 1 de Julio y el 18 de Agosto de 1959; fue publicado ese mismo año por el Dave Brubeck Quartet a través de Columbia Records. El álbum fue pensado como un experimento en el que se utilizaban distintos ritmos infrecuentes en la música Jazz.
En un principio, el disco recibió críticas negativas por el uso de estos ritmos inauditos en el Jazz; pero se ha convertido en uno de los discos de este estilo musical más conocidos de la historia. El titulo “Time Out” ya nos tendría que haber puesto al menos en aviso, pero si quedaban dudas arrancan los fuertes matices clásicos del tema “Blue Rondo à la Turk”. Y es ciertamente un toque blusero que toma como primeriza base a la conocida “Marcha Alla Turca” del virtuoso compositor clásico Wolfgang Amadeus Mozart. Bello y experimental tema sin ningún minimo desperdicio. Le sigue la colorida balada con aires a vals llamada “Strange Meadow Lark”. No dejar pasar de largo al estupendo y cálido solo del saxofonista Paul Desmond. Sinceramente una delicia. Sale a nuestro encuentro el ya standard “Take Five”, compuesto por Paul Desmond. Sin lugar a dudas una de las piezas más populares de la obra.
Sin embargo hacer notar el extenso e imperecedero solo del baterista Joe Morello.
“Three to Get Ready” sigue en la linea clásica y del vals, donde todo es tan ajustado que parece no poder haber sido mejor concebido. Por cierto, aquí hay rienda suelta al amplio y magnifico imaginario de Dave Brubeck. Pegadito viene el tema llamado “Kathy’s Waltz”, parecido a simple oída al anterior, aunque ya sabemos todos que eso no es cierto y así es que nos dejamos llevar sin más por estos virtuosos. Dulce, grande y a su vez pequeña, pero nunca subestimada. Continúa con “Everybody’s Jumpin’”, donde se derrocha swing a desparpajo y para todos los gustos. Clara muestra de la maestría del cuarteto a pleno.
Ya en el final nos encontramos con el tema titulado “Pick Up Sticks“, del cual podría remarcar la maravillosa labor de Eugene Wright en el contrabajo, dándole un cierto aire “smooth” del todo irresistible.
1. Blue Rondo a La Turk
2. Strange Meadow Lark
3. Take Five
4. Three to Get Ready
5. Kathy's Waltz
6. Everybody's Jumpin'
7. Pick Up Sticks
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024. Joan Baez – Joan Baez (1960)
Hija de un físico mexicano y de una profesora de literatura, segunda hermana del físico John Baez, su carrera comienza en Boston, donde consiguió una gran repercusión con su actuación en el Newport Folk Festival de 1959, a los 18 años. Disco debut de Joan Baez, compuesto enteramente por canciones tradicionales del folk. Incluye "House of the rising sun", reversionada por Dylan dos años más tarde y de ahí llegó a oídos de los ingleses Animals, que grabaron la versión más conocida del tema en 1964. Baez fue el rostro más popular de la música folk y de protesta, siendo la estrella de festivales y giras y cantando en actos político. Cantó en prisiones y como los afroamericanos no podían ir a los teatros de los blancos, Joan fue a cantar a sus teatros. Vivió con Bob Dylan entre 1963 y 1965 y juntos se ganaron el título del Rey y la Reina de la Canción protesta. Luchó en contra de la guerra de Vietnam y a favor de los derechos civiles. Por negarse a pagar los impuestos que ella consideraba se usaban en Vietnam, fue encarcelada varias veces y vigilada por la CIA. También usaba una gran parte de lo que ganaba en apoyar a organizaciones por los derechos civiles y la no-violencia.
Seguidora de Ghandi y de su ideología no-violenta, creó en Palo Alto el Instituto de Estudios para la No-Violencia. Como otros intérpretes de folk, Baez se vio influenciada por la aparición de los Beatles en Estados Unidos y por el folk rock de Dylan.
1. Silver dagger
2. East Virginia
3. Fare thee well
4. House of the rising sun
5. All my trials
6. Wildwood flower
7. Donna Donna
8. John Riley
9. Rake and rambling boy
10. Little moses
11. Mary Hamilton
12. Henry Martin
13. El preso numero nueve
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025. Elvis Presley – Elvis is Back!(1960)
Después de salir del ejército en 1960, su sonido y su estilo cambiaron. Su primer álbum de regreso a la vida civil, Elvis is back reflejaba una nueva voz con un gran control, que había madurado en esos dos años durante su servicio militar. Esto, combinado con técnicas de grabación improvisadas, hicieron que sonara mejor que nunca. Lanzó al mercado su nuevo álbum en dos años, con un repertorio con música más madura que incluía no sólo Rock& Roll, sino Rhythm & Blues, Pop y Gospel.
Además de su pasión por la música, tenía un enorme deseo de convertirse en actor serio. Su manager, el Coronel Parker, le fomentó esa aspiración como un mecanismo para tenerlo más expuesto, había Elvis en todas partes.
1. Make Me Know It
2. Fever
3. Girl of My Best Friend
4. I Will Be Home Again
5. Dirty, Dirty Feeling
6. Thrill of Your Love
7. Soldier Boy
8. Such a Night
9. It Feels So Right
10. Girl Next Door Went A'walking
11. Like a Baby
12. Reconsider Baby
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026. Miriam Makeba – Miriam Makeba (1960)
Primer álbum de Miriam Makeba, la acompañan The Belafonte Folk Singers y Perry López a la guitarra.
Su verdadero nombre es Zensile Makeba y fue la primera cantante surafricana que obtuvo reconocimiento internacional.
Nació en Johannesburgo y comenzó a cantar en el coro del colegio metodista Kilmerton Training School de Pretoria, capital de Suráfrica. Más tarde, entre 1954 y 1957, realizó giras con los Black Manhattan Brothers. En 1957, víctima del apartheid, abandonó su país y se estableció en Londres y Nueva York. Con la ayuda de Harry Belafonte, Makeba comenzó a actuar en conciertos, mezclando canciones tradicionales de folk con temas de jazz y pop. En 1964 se manifestó resueltamente contra el apartheid en la Asamblea General de las Naciones Unidas. Después de un primer matrimonio fracasado, se casó con el líder radical negro estadounidense Stokeley Carmichael. La pareja fue expulsada de Estados Unidos y Europa, y en 1969 tuvo que instalarse en Guinea. Finalmente, y después de más de 30 años de exilio, Makeba pudo volver a Suráfrica en la década de la década de 1990. En 2002 fue galardonada con el Premio Polar, el equivalente al Nobel en el ámbito de la música.
01. Retreat Song
02. Suliram
03. The Click Song
04. Umhome
05. Olilili
06. Lakutshn, Ilanga
07. Mbube
08. Naughty Little Flea
09. Where Does It Lead
10. Nomeva
11. House Of The Rising Sun
12. Saduva
13. One More Dance
14. Iya Guduza
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027. Everly Brothers - A Date With the Everly Brothers (1960)
Los Hermanos Everly representan muchas cosas diferentes musicalmente. Ellos son los antepasados espirituales y literales del rock country, los precursores del canto en armonía, el antecedente de las bandas histéricas de hoy, y la encarnación de cada relación tumnultuosa en la música pop, de los Hermanos Louvin a los hermanos Gallagher (Oasis). Phil y Don Everly comenzaron como la parte de un número de familia que canta de la radio en Iowa, y tarde o temprano registraron material de country que no fue en ninguna parte.
Cuando ellos engancharon con la escritura de canciones estilo marido y mujer el equipo de Boudleaux y Felice Bryant, ellos fueron directamente a la cima de las listas. La carrera de los hermanos se terminó antes de principios de los años 1960 - al menos en los Estados Unidos. La tensión de una vida juntos cobró su peaje y se deshicieron en 1973. Ellos volvieron en los años 1980 y dejaron una atracción de concierto sumamente popular en casa y en el extranjero. El grupo fue enormemente influyente sobre grupos incluyendo los Beatles, los Rolling Stones y los Hollies.
1. Made to Love
2. That's Just Too Much
3. Stick With Me Baby
4. Baby, What You Want Me to Do
5. Sigh, Cry, Almost Die
6. Always It's You
7. Love Hurts
8. Lucille
9. So How Come (No One Loves Me)
10. Donna, Donna
11. Change of Heart
12. Cathy's Clown
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028. Jimmy Smith – Back at the Chicken Shack (1960)
Jimmy Smith es uno de los grandes clásicos del jazz-soul y uno de los principales culpables del auge y esplendor que el órgano hammond obtuvo, a finales de los 50 y primeros 60, como instrumento musical dentro de la música moderna.
Back & The Chicken Shack donde Smith es acompañado por Stanley Turrentine en la trompeta tenor y Kenny Burrell a la guitarra, es un disco donde el soul y el blues discurren majestuosos por todos los surcos del disco. Desde el tema inicial, Back & The Chicken Shack ,que da título al disco, nos sumergimos en una noctámbula atmósfera de oscuro tugurio, donde en clave de blues-soul y a medio tiempo se van sucediendo intensos pasajes musicales, donde la trompeta, la guitarra y el hammond van sucediendo su protagonismo en maravillosos solos, perfectamente ensamblados a lo largo de extensos temas, que nos atrapan y envuelven casi siempre con esa dulzura agridulce tan propia del blues soul como en temas tan increíbles, como Messie Bessie o When I Grow Too Old To Dream, 12 y 9 minutos de intensidad sonora donde los tremendos solos de Stanley Turrentine y Kenny Burrel dan una dimensión estratosférica al hammond de Smith.
1. Back at the Chicken Shack
2. When I Grow Too Old to Dream
3. Minor Chant
4. Messy Bessie
5. On the Sunny Side of the Street
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029. Muddy Waters – At Newport (1960)
Uno de los mejores discos de uno de los mejores bluesman de todos los tiempos. Hasta para B.B. King era el rey, electrifico el blues rural, dándole una fuerza y un carácter que no tenia. Muddy Waters fue el hombre que llevó el blues del Delta a la gran ciudad. Esta fue su primera grabación en directo, acompañado por una colosal banda: Otis Span, James Cotton y Pat Hare. Han pasado más de cuarenta años y este disco sigue siendo una obra imprescindible e impactante. Entre otras delicias contiene una desgarradora versión de "Got My Mojo Working" y una apabullante interpretación de "Hoochie Coochie Man". Un magnífico momento de la historia del blues preservado en este álbum para la posteridad.
Grabado el 3 de Julio de 1960 en el Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island. Esta reedición contiene 4 bonus tracks grabados en estudio unos días antes de este festival.
1. I Got My Brand on You
2. I'm Your Hoochie Coochie Man
3. Baby Please Don't Go
4. Soon Forgotten
5. Tiger in Your Tank
6. I Feel So Good
7. I've Got My Mojo Working
8. I've Got My Mojo Working, Part 2
9. Goodbye Newport Blues
10. I Got My Brand on You - (bonus track)
11. Soon Forgotten - (bonus track)
12. Tiger in Your Tank - (bonus track)
13. Meanest Woman - (bonus track)
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030. Bill Evans - Sunday at the Village Vanguard (1961)
El 25 de junio de 1961 Bill Evans (piano), Scott LaFaro (bajo) y Paul Mostian (batería) tocaron en el Village Vanguard de New York. La actuación fue histórica, como histórico es este álbum indispensable para los amantes del jazz. Paul Motian y Scott LaFaro ponen la base rítmica para que Mr. Evans nos lleve a un viaje increíble por la pureza y la fragilidad de la música sin tiempo. Diez día después del concierto, LaFaro fallecía trágicamente de un accidente de coche y este es su último legado. De ahí que como homenaje Bill Evans decidiera titular el disco "Bill Evans Trio, Sunday at the Village Vanguard, Featuring Scott LaFaro."
01. Gloria's step.
02.My man's gone now.
03.Solar.
04.Alice in wonderland.
05.All of you.
06.Jade visions.
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031. Ray Charles - Modern Sounds In Country & Western Music (1962)
Modern Sounds in Country and Western Music es un álbum de estudio del músico estadounidense de rhythm and blues y soul Ray Charles lanzado en 1962. Fue grabado a mediados de febrero de 1962 en los Capitol Studios de la ciudad de Nueva York y los United Recording Studios de Hollywood, California, y editado un par de meses después por la ABC-Paramount Records en un formato mono y stereo, ABC-410 y ABCS-410. Durante la grabación Ray se convirtió en el primer músico afroamericano en tener un completo control artístico sobre sus composiciones y su carrera. El álbum tiene versiones de canciones clásicas de la música country, folk y western regrabadas por Charles y mezcladas con el estilo popular en aquellos tiempos: jazz y R&B. El material fue producido por él mismo y por el director de orquesta Sid Feller.
Escaló rápidamente en las listas de popularidad impulsado por la popularidad de sus sencillos, su primer gran éxito desde su separación de la Atlantic Records, y ayudó a Charles a poner en circulación constante canciones de R&B y country en las estaciones radiofónicas de su tiempo. Del material discográfico se desprendieron los sencillos "I Can't Stop Loving You", "Born to Lose," "You Don't Know Me" y "Careless Love," teniendo más éxito este primero. Considerado por especialistas y críticos como el mejor trabajo del cantante y una de las obras maestras de la música norteamericana, Modern Sounds in Country and Western Music ha sido incluido en diversas publicaciones que enlistas los mejores álbumes de todos los tiempos así como en listas de los mejores discos de R&B y country. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 104 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Bye bye love
2. You don't know me
3. Half as much
4. I love you do much it hurts
5. Just a little lovin' (will go a long way)
6. Born to lose
7. It makes no difference now
8. You win again
9. Careless love
10. I can't stop loving you
11. Hey, good lookin'
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032. Booker T & The MG's - Green Onions (1962)
Lo de Booker T & the MG’s fue llegar y besar el cielo. En octubre de 1962 aparecía su primer sencillo: “Green Onions”/”Behave Yourself”. Editado primero en Volt e inmediatamente después en Stax, el disco arrasó en las listas de Rhythm & Blues, alcanzando la primera posición y manteniéndose ahí arriba durante 15 semanas. En las listas de música pop también funcionaría de fábula, con un excelente Top 3. Nadie se había podido resistir al pegadizo ritmo de esta atmosférica pieza nacida en una improvisación en el estudio. En este estándar del R&B están presentes todos los elementos que hicieron grandes a los MG’s: los económicos riffs de Cropper, el sincopado ritmo de Jackson y, sobre todo, la genial melodía de órgano de Booker T.
En Stax no tenían un pelo de tontos, así que después de este gran éxito publicaron rápidamente un LP titulado, evidentemente, Green Onions. Imprescindible en cualquier discoteca, el disco incluía algún original excelente (“Mo’Onions”) y muchas versiones en el inconfundible estilo MG’s de hits de la época: “Twist and Shout”, “I Got a Woman”, “Comin’ Home Baby”, “One Who Really Loves You”…
1. Green Onions
2. A Woman, A Lover, A Friend
3. You Can't Sit Down
4. One Who Really Loves You
5. Lonely Avenue
6. Stranger On The Shore
7. Behave Yourself
8. Twist And Shout
9. Mo' Onions
10. I Got A Woman
11. Rinky-Dink
12. Comin' Home Baby
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033. Stan Getz & Charlie Byrd - Jazz Samba (1962)
Considerado como uno de los más importantes tenores del jazz, fue conocido por el sobrenombre de The Sound "El Sonido" debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su versión de "La Chica de Ipanema". La primera influencia de Getz fue el ligero y suave tono de Lester Young. Este disco es el que le vuelve a colocar en la popularidad, Jazz Samba su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de Jazz en 1963 por el tema "Desafinado".
1. Desafinado
2. Samba Dees Days
3. O Pato
4. Samba Triste
5. Samba de Uma Nota Só
6. E Luxo Só
7. Bahía (aka "Baía"
8. Desafinado - 45 rpm issue
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034. Ray Price – Night Life (1962)
Es una pena que el paso del tiempo a veces no haga justicia con un artista, hoy en día Ray Price no es muy recordado por los fans de nuestro estilo preferido, pero hubo un tiempo en el que fué una estrella indiscutible, haya en los 50´s fué precursor de un particular Honky Tonk que ha llegado hasta nuestros días.
Nacido un 12 de Enero de 1926 en Perryville (Texas), tiene una infancia marcada por la separación de sus padres que hace que viva a caballo entre Dallas con su madre y la granja de su padre en Perryville.Después de estudiar veterinaria en Abilene se enrola en los Marines en el año 1942, donde permanece hasta el final de la contienda, para volver a Texas al terminar la guerra.Estamos en 1946 y comienza a actuar en clubes locales y Honky Tonks de Dallas, además de actuar regularmente en la emisora KRBC local, donde es apodado Cherokee Cowboy.
Su calidad la ve pronto el sello "Columbia" que lo ficha no sin antes un pequeño litigio con el competidor "Decca" que también lo quería entre sus filas.
La asociación rápidamente da sus frutos y el obtiene el primer hit en 1952 con "Talk to Your Heart" que coloca en el número 3 de las listas. Además tiene la fortuna de intimar con la leyenda Hank Williams, lo que hace que se le habran puertas hasta entonces cerradas, incluso Williams le cede canciones como "Weary Blues" además de ayudarle a entrar a formar parte del show del Grand Ole Opry. Mas aún, a la muerte de Hank Williams en 1953, Ray Price hereda la banda de la megaestrella, los Drifting Cowboys y aunque sus estilos particulares difieran enormemente, la industria y el público entiende este hecho como un testigo a recoger por parte de Ray Price para con la estrella e ídolo musical muerto.
En la introducción hablada del disco, Price describe lo que seguirá como canciones de "alegría, tristeza y corazones rotos, o sea, mucho de lo último y casi nada de lo primero. No nos dejemos engañar por los compases bailables marca de la casa. Night Life es la respuesta desde Nashville al In The Wee Small hours de Sinatra y el arquetipo del dolor de amores a la hora de partir.
1. Introduction And Theme/Night Life
2. Lonely Street
3. The Wild Side Of Life
4. Sittin’ And Thinkin’
5. The Twenty-Forth Hour
6. A Girl In The Night
7. Pride
8. There’s No Fool Like A Young Fool
9. If She Could See Me Now
10. Bright Lights And Blonde Haired Women
11. Are You Sure
12. Let Me Talk To You
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035. The Beatles – With the Beatles (1963)
With the Beatles fue el segundo álbum de The Beatles, grabado sólo cuatro meses después de Please Please Me, su primer disco, y lanzado a fines de 1963.
El álbum presenta ocho composiciones originales (incluyendo la primera de George Harrison: "Don't Bother Me"
y seis versiones, la mayoría de éxitos de R&B y de la Motown. La mayor parte de las canciones de este álbum fueron lanzadas en los Estados Unidos en un álbum llamado Meet the Beatles! el 20 de enero de 1964.With the Beatles ya había vendido medio millón de copias por encargo antes de salir al mercado y vendió otro medio para septiembre de 1965, lo que le convirtió en el segundo álbum en vender un millón de copias en el Reino Unido (el primero había sido la banda sonora de la película South Pacific). Se mantuvo en la cima de las listas durante 21 semanas, desplazando a Please Please Me, de manera que los Beatles ocuparon el primer puesto durante 51 semanas consecutivas. Incluso llegó a alcanzar el número 11 en las listas de singles (en aquella época dichas listas también reflejaban los LPs más vendidos). La leyenda se empezaba a forjar…
1. It Won't Be Long
2. All I've Got To Do
3. All My Loving
4. Don't Bother Me
5. Little Child
6. Till There Was You
7. Please Mister Postman
8. Roll Over Beethoven
9. Hold Me Tifht
10. You Really Got A Hold On Me
11. I Wanna Be Your Man
12. Devil In Her Heart
13. Not A Second Time
14. Money
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036. Bob Dylan – The Freewheelin' Bob Dylan (1963)
The Freewheelin' Bob Dylan es el segundo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1963.
A diferencia de su álbum debut, Bob Dylan, en el cual se ofrecían dos únicas composiciones originales, The Freewheelin' contiene dos versiones de temas tradicionales, "Corrina, Corrina" y "Honey, Just Allow Me One More Chance". "Blowin' in the Wind", una de las composiciones más conocidas de la carrera musical de Dylan, es el tema elegido para abrir el álbum.
The Freewheelin' Bob Dylan alcanzó el puesto #22 en las listas de Billboard, siendo certificado como disco de platino, y el primer puesto en las listas británicas al publicarse el álbum en 1965. Fue uno de los 50 álbumes seleccionados en 2002 por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para ser añadido al National Recording Registry.
1. Blowin' in the Wind
2. Girl from the North Country
3. Masters of War
4. Down the Highway
5. Bob Dylan's Blues
6. A Hard Rain's a-Gonna Fall
7. Don't Think Twice, It's All Right
8. Bob Dylan's Dream
9. Oxford Town
10. Talkin' World War III Blues
11. Corrina, Corrina (Tradicional)
12. Honey, Just Allow Me One More Chance (Dylan/Henry Thomas)
13. I Shall Be Free
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037. Phil Spector & Various Artists – A Christmas Gift for You (1963)
Corría el año 1963 cuando el productor norteamericano Phil Spector tuvo la genial idea de contagiar a una serie de trece villancicos anglosajones su orquestación favorita: el wall of sound (muro de sonido). Beatles y Beach Boys fueron de las primeras bandas que solicitaron sus servicios, pero siempre se le recordará por haber creado esos grupos de chicas de los 60 que guardaban en su soul fresco y de angustia juvenil no sólo toda la esencia de una década sino también un sentimiento y una música pop muy particular.
Spector escogió la voz de varias de estas vocalistas para elaborar el (quizás) mejor disco navideño de la historia del pop y el soul. Un clásico que alterna a Darlene Love, The Ronettes, Bob B. Soxx and The Blue Jane y The Crystals.
Cursilería y calor de pascua con múltiples pistas de acompañamiento superpuestas para abrumar al oyente, el genuino wall of sound spectoriano. Darlene Love sobresale del resto, aunque sólo sea por ese hit navideño que resulta ser Christmas (Baby please come home), el más cercano al espíritu de las girl goups por su vitamínica porción de zumo de sincera declaración de amor y por su fresca y pegadiza melodía: no es de extrañar que Joe Dante la utilizará para abrir los títulos de crédito de Gremlins, más de veinte años después, con todo el sentido del mundo.
Además, el Santa Claus is coming to town de The Crystals aúna animados gorgoritos con frenesí bebop femenino, un dato que sólo es capaz de excepcionar la más exclusiva sección masculina: Bob B. Soxx y la inapreciable finalización del álbum por parte del propio Phil Spector en Silent Night; así como es de destacar la selecta y profesional orquesta que acompaña a las chicas, formada por: Jack Nitsche, Sonny Bono y Frank Capp en la percusión, Louis Blackburn con el cuerno, Leon Russell con el piano, Steve Douglas y Jay Migliori con el saxo, Barney Kessel, Irv Rubbins, Tommy Tedesco, Nino Tempo y Bill Pitman con la guitarra, Ray Pohlman con el bajo y Johnny Vidor con las cadenas.
En A Christmas gift for you hay lugar tanto para la imaginación infantil con Frosty the snowman o Rudolph the red-nosed reindeer como para la macabra coincidencia de que el LP fuera realizado el mismo día en el que asesinaron a John F. Kennedy (22 de noviembre de 1963). Un disco eterno de apenas media hora que casi inauguraba una década decisiva en muchos aspectos culturales y sociales, y en la que Phil Spector y sus grupos de chicas sellaron su impronta a través de sonido mono, abrumadoras y cálidas melodias y voces llegadas desde el impulso latente. Un clásico en toda regla, y no sólo como modernizador del popular villancico.
1. White Christmas - Darlene Love
2. Frosty The Snowman - The Ronettes
3. The Bells of St. Mary - Bob B. Soxx and The Blue Jeans
4. Santa Claus is Comin’ to Town - The Crystals
5. Sleigh Ride - The Ronettes
6. Marshmallow World - Darlene Love
7. I Saw Mommy Kissing Santa Claus - The Ronettes
8. Rudolph The Red-Nosed Reindeer - The Crystals
9. Winter Wonderland - Darlene Love
10. Parade Of The Wooden Soldiers - The Crystals
11. Christmas (Baby Please Come Home) - Darlene Love
12. Here Comes Santa Claus - Bob B. Soxx and The Blue Jeans
13. Silent Night - Phil Spector and Artists
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038. Sam Cooke – Live at the Harlem Square (1963)
Soul es la palabra. Y una auténtica explosión de soul en su estado más puro y primigenio, es lo que se produjo aquella noche de 1963 en el Harlem Square Club de Florida en 1963. Una apoteosis total de poderío vocal e interpretativo a cargo del que posiblemente sea el vocalista más grande que nos ha dejado la música soul, Sam Cooke, acompañado para la ocasión por una banda completamente entregada.
Al margen de la calidad de los temas y su maestría vocal, lo fascinante este disco es la energía, la emoción y el desgarro con el que Cooke desgrana cada uno de los temas, todos interpretados con un punto más de agresividad, y ritmo que el que presentan sus exitosas y fantásticas versiones de estudio. Los fraseos casi gospel con los que enlaza los temas, y con los que capta la atención de los presentes. Su complicidad y comunión con el público. La delicadeza y sensibilidad con la que abre ese tremendo medley que incluye It's All Right y For Sentimental Reasons, y la intensidad con la que lo interpreta. El desparrame vocal que impregna a ese fantástico Somebody Have Mercy, y el increíble comienzo y desarrollo de Bring It On Home to Me. Realmente glorioso.
Curiosamente esta joya, aunque fue grabada para publicarse en el mismo 63, como un disco en directo que se titularía One Night Stand, finalmente tardó 22 años en publicarse, ya que RCA, lo acabó editando en 1985, tras el éxito de la reedición del single Wonderful worl.
Es la mejor prueba de que Sam Cooke invento el soul... o por lo menos fue uno de los principales causantes de ello. Escúchalo, después te pregunto si no te gusta el soul.
01. Feel It
02. Chain Gang
03. Cupid
04. Medley: It's All Right / For Sentimental Reasons
05. Twisting the Night Away
06. Somebody Have Mercy
07. Bring It On Home to Me
08. Nothing Can Change This Love
09. Having a Party
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039. Charles Mingus – Black Saint & the Sinner Lady (1963)
A este disco se le considera como uno de loes mejores discos de jazz que se han hecho en cuanto a sus arreglos orquestales, es una obra maestra mingusiana, imagen virtual de Ellington, y contiene todas las esencias de la música de Mingus. Obra que parece haber sido pensada para la danza, es también una síntesis de toda su obra anterior y sorprende por su estructura, muy similar a la sinfónica.
En las aportaciones de los músicos llama la atención, por un lado, el empleo "español" de la guitarra, que recuerda, en parte, el pasado "chicano" de Mingus, y, sobre todo, el papel solista del saxo alto de Charlie Mariano.
La música presenta constantes cruces entre la tradición europea y el bop, tejido todo ello con el entusiasmo y vigor de la interpretación. Es una verdadera música romántica, escrita de modo exhuberante para la orquesta, en la que destaca sobre todo el trabajo armónico muy cercano a lo modal. Es, sin duda, el disco favorito de muchos seguidores de la obra de Mingus y del jazz en general.
Está concebida como una suite de 6 partes:
Track A. Solo Dancer
Track B. Duet Solo Dancers
Track C. Group Dancers
Mode D. Trio and Group Dancers
Mode E. Single Solos and Group Dance
Mode F. Group and Solo Dance.
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040. James Brown – Live at the Apollo (1963)
James Brown tiene más superlativos asociados a su nombre que ningún otro artista en la historia de la música pop o soul. “El Hermano Soul Número Uno”, “El Padrino del Soul”, “James ‘Papa Soul’ Brown”, “El Hombre Más Trabajador del Mundo del Espectáculo”, “Sr. Dinamita” y “El Hombre Disco Original”. Todo esto es cierto, porque lo que se llamó soul en los sesentas, funk en los setentas y rap en los ochentas, viene directo del estilo musical de James Brown.
A través de la furia del gospel que hay en su voz y la complejidad rítmica de sus tonadas, James Brown, fue en elemento más importante en las tres revoluciones de la música negra en los Estados Unidos. La espectacularidad de sus presentaciones combinadas con una coreografía trabajada al segundo definieron la dirección que tomaría la música Rythm and Blues.
La audiencia ya sabía de la existencia de Brown y de la intensidad de su espectáculo, pero él se convirtió en un fenómeno con el lanzamiento del disco “Live at the Apollo” de 1963. El LP era un retrato sonoro de la intensidad y potencia de sus presentaciones, lo que eventualmente empujó al disco a ser el número dos en la lista de álbumes más vendidos. Algo sin precedentes en la historia del R&B.
“Live at the Apollo” fue una muestra del carácter de Brown a la hora de buscar nuevas oportunidades: El LP se grabó contra los deseos de la disquera. Su música es ahora más influyente que nunca, dado que su voz y sus ritmos aparecen recortados en una gran cantidad de temas rap y hip-hop, al tiempo que los críticos reconocen que sus innovaciones a la música soul y rock están entre las más importantes.
Lo que Elvis Presley fue para el rock and roll, es lo que James Brown fue para el R&B. Al igual que Elvis produjo más de una centena de canciones que entraron a la lista Billboard de R&B (114) y 94 entraron a la lista del top 100.
1. Introduction by Fats Gonder/Opening Fanfare - James Brown,
2. I'll Go Crazy
3. Try Me
4. Think - James Brown, Pauling, Lowman
5. Lost Someone
6. Lost Someone
7. Medley: Please Please Please/You've Got the Power/I Found Someone (AKA
8. Night Train - James Brown, Forrest, Jimmy
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041. Stan Getz & João Gilberto – Getz/Gilberto (1963)
Alrededor de 1962 la Bossa Nova ya había sido adoptada por músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz. Este último invitó a João Gilberto y Tom Jobim para que colaboraran en lo que acabó convirtiéndose en uno de los discos de jazz más vendidos de la historia, Getz/Gilberto. El álbum Getz/Gilberto, ganó dos premios Grammy en 1965, el de mejor álbum y el de mejor single, superando a Los Beatles con su tema “A Hard Day’s Night”. Esto fue sin duda una victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación de esta música entre millones de personas, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz.De este trabajo destaca la composición de Jobim/de Moraes "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema; en su versión inglesa, The Girl from Ipanema), que se convirtió en una canción clásica del pop internacional y llevó a la fama a Astrud Gilberto, mujer en aquel entonces de João Gilberto y cantante en esta pieza.
1. Girl From Ipanema
2. Doralice
3. Para Machuchar Meu Coracao
4. Desafinado
5. Corcovado (Quiet Nights Of Quiet Stars)
6. So Danco Samba
7. O Grande Amor
8. Vivo Sonhando (Dreamer)
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042. The Beatles – A Hard Day’s Night (1963)
A Hard Day's Night fue el tercer álbum de The Beatles y salió al mercado en el Reino Unido el 10 de julio de 1964 como banda sonora de su primera película, también con el mismo nombre.
El álbum, mientras muestra el desarrollo de los talentos de los compositores del grupo, mantiene la estructura de canciones e instrumentación del rock and roll básico. Entre las canciones más notables del álbum se pueden destacar la que le da título (con su distintivo y reconocible acorde de apertura) y la pegadiza "Can't Buy Me Love". También es destacable "And I Love Her", balada que escribió McCartney.
El título del álbum (y de la película) fue una creación accidental del baterista Ringo Starr. El grupo empezó a rodar la película sin tener aún ningún título definitivo, aunque se barajaba Beatlemania. Después de una jornada de rodaje particularmente accidentada, Starr salió del estudio creyendo que aún era de día y dijo "It's been a hard day..." ("Ha sido un día duro"
, y entonces, dándose cuenta de que ya estaba oscuro, corrigió "...day's night" ("...la noche de un día duro"La cara A del álbum contiene las canciones de la banda sonora de la película. La cara B incluye temas que fueron grabados para la película pero no incluidos en ella, aunque una reedición de la misma hecha en los 80 incluye un prólogo antes de los títulos de crédito con "I'll Cry Instead" en la banda sonora. Éste fue el primer álbum de los Beatles compuesto íntegramente por composiciones originales, lo que no se volvería a dar hasta el lanzamiento de Rubber Soul en 1965.
En el 2003, la revista Rolling Stone lo califico como el número 388, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos
1. Hard Day's Night
2. I Should Have Known Better
3. If I Fell
4. I'm Happy Just to Dance With You
5. And I Love Her
6. Tell Me Why
7. Can't Buy Me Love
8. Any Time at All
9. I'll Cry Instead
10. Things We Said Today
11. When I Get Home
12. You Can't Do That
13. I'll Be Back
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043. Jacques Brel – Olympia 64 (1964)
La Canción francófona tiene sus héroes: Jacques Brel, nacido el 8 de abril de 1929 en el suburbio de Bruselas a Schaerbeek, es uno de ellos. Jacques Brel, fue un cantante belga francófono y, al mismo tiempo, actor y cineasta. Sus canciones son famosas por la poesía y honestidad de sus letras. Su primer disco sale en 1953 en Bélgica; pero la fuerza de los textos y la violencia de la interpretación cimbran en las bases de muchos. David Bowie, Sting, Frank Sinatra y Nina Simone han interpretado sus canciones.
1. Amsterdam
2. Les Timides (The Timid People)
3. Le Dernier Repas (The Last Supper)
4. Les Jardins De Casino (The Casino Gardens)
5. Les Vieux (The Old People)
6. Les Toros (The Bulls)
7. Le Tango Funebre (The Funeral Tango)
8. Le Plat Pays (The Flat Lands)
9. Les Bonbons (Candies)
10. Mathilde
11. Les Bigotes (The Bigoted Church Ladies)
12. Les Bourgeois (Middle Class People)
13. Jef
14. Au Suirvant (Next)
15. Madeleine
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044. Solomon Burke – Rock ‘n’ Soul (1964)
Solomon Burke es una de las voces más importantes de la historia del soul. Calificado como “El Rey del Rock’n’Soul”, se convirtió inmediatamente en uno de los pilares del sello Atlantic, el que más estrellas del soul ha tenido en su nómina. Acompañado en la actualidad por una sólida banda, sus conciertos tienen un tremendo impacto, con un potencial sonoro difícil de imaginar hasta verlos en escena. Solomon Burke es un miembro destacado del Hall Of Fame, donde se entroniza a los mejores de cada especialidad, y ha ganado el premio Grammy en varias ocasiones. Solomon Burke se consolido definitivamente como uno de los mejores y más intensos cantantes de los años sesenta, junto a nombres de la talla de Don Covay, Joe Tex, Otis Redding, Arthur Conley, Ben E. King y Wilson Pickett con los que casi llegó a formar un auténtico clan. Burke es ese tipo de cantante nacido del gospel y que por evolución llega al soul en unos años donde el floreciente nacimiento de dicho estilo se entreveía ya como uno de los más influyentes en las músicas venideras
1. Goodbye Baby (Baby Goodbye)
2. Cry To Me (Single/LP Version)
3. Won't You Give Him (One More Chance)
4. Solomon Burke - If You Need Me
5. Hard, Ain't It Hard
6. Can't Nobody Love You
7. Just Out Of Reach (Of My Two Empty Arms)
8. You're Good For Me
9. You Can't Love 'Em All
10. Someone To Love Me
11. Beautiful Brown Eyes
12. He'll Have To Go
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045. Dusty Springfield - A Girl Called Dusty (1963)
(Londres, 1939 - 1999) Cantante británica, más conocida como Dusty Springfield. Grabó por primera vez a finales de los cincuenta con The Lane Sisters, antes de formar en el año 1960, junto con su hermano Tom y Tim Field, los famosos Springfields, de orientación folk y country. Con esta formación consiguió unos cuantos singles de éxito, y tres años más tarde comenzó su trabajo en solitario con el sello Phillips (el mismo con el que grababan The Springfields).
Tras la separación de The Springfields, Dusty iniciaría su carrera en solitario en 1963 con el single "I only want to be with you", canción con claras influencias de los grupos femeninos de soul de la Motown producidos por Phil Spector. En este tema, además de cantar, Dusty se involucró en la producción y los arreglos, algo que a partir de entonces sería una constante a lo largo de su carrera. El sencillo logró un destacado éxito, llevándola a ser la cantante más conocida en su país y una referencia para muchas jóvenes británicas, quienes imitaban su peinado y su maquillaje.
Un año más tarde, en 1964, editó I Only Wanna Be With You, que llegó hasta el número cuatro en las listas inglesas y que le lanzó a la fama de manera inmediata. El LP asociado, su álbum de debut llamado A Girl Called Dusty, se editó ese mismo año y también entró en el top diez británico.
De ese mismo álbum se extrae Wishin´ And Hopin´ como single para los Estados Unidos, en donde alcanzó la misma posición que su single de estreno en el Reino Unido. En ese año se hizo con el público en ambos lados del Atlántico.
1.: Mama Said
2.: You Don't Own Me
3.: Do Re Mi
4.: When The Lovelight Starts Shining Through His Eyes
5.: My Colouring Book
6.: Mockingbird
8.: Nothing
7.: Twenty Four Hours From Tulsa
9.: Anyone Who Had A Heart
10.: Will You Love Me Tomorrow
11.: Wishin' And Hopin'
12.: Don't You Know
13.: I Only Want To Be With You (alternate mix)
14.: He's Got Something
15.: Every Day I Have To Cry (bonus track)
16.: Can I Get A Witness (bonus track)
17.: All Cried Out (bonus track)
18.: I Wish I'd Never Loved You (bonus track)
19.: Once Upon A Time (bonus track)
20.: Summer Is Over (bonus track)
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046. Rolling Stones – England's Newest Hit Makers (1964)
The Rolling Stones es el álbum debut de los Rolling Stones y fue lanzado en Reino Unido en Abril de 1964, siguiéndole un mes después su versión para los Estados Unidos, denominada England's Newest Hit Makers. En ella se sustituía la canción I Need You Baby (Mona) por Not Fade Away.Contenido [ocultar]
Fue grabado en cinco días repartidos entre enero y febrero de 1964. El álbum fue producido por los mánagers del grupo, Andrew Loog Oldham y Eric Easton. El disco fue editado tras la aparición de los dos primeros sencillos de la banda en 1963, Come On y I Wanna Be Your Man, éste último una versión de los Beatles. Su tercer sencillo, Not Fade Away fue un corte del England's Newest Hitmakers, que sustituía al tema I Need You Baby (Mona) de la versión inglesa del álbum. El disco fue distribuido por la Decca Records en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos el England's Newest Hitmakers apareció bajo el sello de London Records.
Mick Jagger y Keith Richard (quien no usaría la "s" en su apellido hasta 1978), principales compositores del grupo, sólo contribuyeron con una canción original, aunque en el álbum aparecen un par de pistas acreditadas a "Nanker Phelge" (un seudónimo usado para las composiciones del grupo). En el disco se muestra el amor de la banda por el rhythm & blues, el género al que se orienta la mayor parte de él.
Después de su lanzamiento, los Rolling Stones se convirtieron en uno de los más grandes vendedores de de discos en el Reino Unido en 1964, permaneciendo en el número uno por 12 semanas, mientras que ocuparon el puesto undécimo Estados Unidos con England's Newest Hitmakers, que se convirtió en disco de oro.
En agosto de 2002, la edición estadounidense del álbum fue reeditada y remasterizada para CD y SACD digipak por ABKCO Records.
01. The Rolling Stones - (Get Your Kicks On) Route 66
02.I Just Want to Make Love to You
03.Honest I Do
04. The Rolling Stones - Mona (I Need You Baby)
05. The Rolling Stones - Now I've Got A Witness
06.Little by Little
07..I'm a King Bee
08.Carol
09.Tell Me (You're Coming Back)
10.Can I Get a Witness
11.You Can Make It if You Try
12.Walking the Dog
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047. Buck Owens – I’ve Got a Tiger by the Tail (1964)
Representante de una generación de músicos que le dieron un sonido propio a la música country (“Bakersfield Sound”), Buck Owens fue el generador de un estilo con sello propio que tuvo con el correr de los años muchos adeptos (Dwight Yoakam por ejemplo) y que en su momento representó una refrescante alternativa al “Nashville Sound” imperante en los ’60 y ’70. La vigencia musical de este nuevo estilo hizo que lo catalpultara al sitial de privilegio entre los más grandes exponentes que ha dado la música country a lo largo de su historia..
En 1965 arraso las listas con hits como "I've Got a Tiger by the Tail" o "Before You Go", no fue de extrañar por ello que ese año recibiera el prestigioso premio de “Mejor Vocalista del Año”, distinción otorgada por la Academia de Country Music. Para entonces su estilo musical estaba claramente definido, alejado del sonido Texano, claramente Honky Tonk y Western Swing el Bakersfield Sound ahonda mayormente en los sonidos eléctricos y es la guitarra con sondio brillante y claro, a veces con semi eco la que manda en la grabación, no es de extrañar que fuera su sonido el que mas tarde influyese enormemente en la creación del Country Rock por jovenes como Gram Parsons y demás cachorros de una California por aquellos años efervescente en cuanto a creación artística.
1. I've Got a Tiger by the Tail
2. Trouble and Me
3. Let the Sad Times Roll On
4. Wham Bam
5. If You Fall Out of Love With Me
6. Fallin' for You
7. We're Gonna Let the Good Times Roll
8. Band Keeps Playin' On
9. Streets of Laredo
10. Cryin' Time
11. Maiden's Prayer
12. Memphis
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048. Jerry Lee Lewis – Live At The Star Club Hamburg (1964)
Jerry Lee Lewis, “The Killer”, ha sido el músico más salvaje que ha dado el rock ´n´ roll, un animal de escenario que incendiaba, literalmente, su piano y que llevaba al paroxismo a su audiencia en sus actuaciones, cuentan que después de uno de sus conciertos, en los que compartía cartel con otras estrellas de relumbrón, el gran Chuck Berry se negó a subir al escenario después del Killer, pues era imposible superar aquel huracán que acababa de asolar el escenario.
Por eso la mejor manera de conocerlo es con este espectacular disco donde realiza interpretaciones notables de varios clásicos del rock & roll como “Great balls of fire”, “high school confidential”, “What’d I say” de Ray Charles, “Long tall Sally” de Little Richard, “Good golly miss molly”, “Matchbox”, etc.
Un disco en vivo suficientemente bueno, tanto que a más de uno le encantaría haber estado presente al momento de la grabación. Un disco que está entre los mejores registros en vivo que he escuchado. Para algunos el primer disco Punk. Para mí, la primera vez que noté que a un piano se le puede tratar como a una guitarra.
1. Mean Woman Blues
2. High School Confidential
3. Money (That's What I Want)
4. Matchbox
5. What'd I Say, Pt. 1 & What'd I Say, Pt. 2
6. Great Balls of Fire
7. Good Golly Miss Molly
8. Lewis Boogie
9. Hound Dog
10. Long Tall Sally
11. Whole Lotta Shakin' Goin' On
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049. Sonics – Here Are the Sonics (1965)
Debut de la gran banda de garaje proto-punk The Sonics, una de las formaciones más crudas, directas y agresivas de la historia de la música rock.
El disco incluye quince temas con ocho versiones de clásicos de la música de finales de los 50 y principios de los 60... ¡pero qué versiones! Repletas de fuerza, potencia y visceralidad, no sólo derivada de su atronadora ejecución instrumental con los hermanos Parypa al frente y el saxo de Rob Lind, sino también de la esencial y berreante voz de Gerry Rosley, compositor asimismo de los excelentes temas propios del conjunto.
Las enérgicas adaptaciones de grandes canciones como, "Roll Over Beethoven" de Chuck Berry, "Walking the Dog" de Rufus Thomas, "Good Golly Miss Molly" de Little Richard, o la sensacional "Have Love Will Travel", escrita por Richard Berry (el creador de "Louie, Louie"
son complementados por las verdaderas joyas del LP, las canciones escritas por el citado Rosley, todo un panorama de chicas poco recomendables, coches deslumbrantes, amantes enloquecidos, y loas a la estricnina en temas de excitante ritmo como "The Witch", "Boss Hoss","Psycho" y "Strychnine".1. The Witch
2. Roll Over Beethoven 3.
3. Boss Hoss
4. Dirty Robber
5. Have Love Will Travel
6. Keep A Knockin'
7. Don't Believe In Christmas
8. Psycho
9. Money
10. Walkin' The Dog
11. Night Time Is The Right Time
12. Strychnine
13. Good Golly Miss Molly
14. Santa Claus
15. The Village Idiot
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050. Bob Dylan – Bringing it All Back Home (1963)
En la evolución de Bob Dylan el Eslabón Perdido es "Bringing It All Back Home", y es casi simétricamente mitad rock y mitad folk. Bringing It All Back Home es el quinto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965.
El álbum se divide en dos caras, una de ellas eléctrica y la segunda, acústica. En la cara A del original álbum de vinilo, Dylan se hace acompañar de una banda de rock'n'roll, movimiento que sería mal visto por algunos compañeros de la comunidad folk. En la cara B del álbum, se distancia de las canciones protesta con las que había sido identificado desde un principio, encontrando una nueva tendencia en letras más abstractas y personales.
Bringing It All Back Home es a menudo citado como el nacimiento del folk-rock, así como uno de los mejores álbumes de la carrera musical de Dylan.
El álbum alcanzó el puesto #6 en las listas de Billboard, siendo el primer álbum de Dylan que entra en los diez primeros puestos de las listas estadounidensas. En el Reino Unido, el álbum se alzaría hasta el puesto más alto. El primer single extraído del álbum, "Subterranean Homesick Blues", sería el primer single en entrar en las listas americanas, alcanzando el puesto #20.
01. Subterranean Homesick Blues
02. She Belongs to Me
03. Maggie's Farm
04. Love Minus Zero/No Limit
05. Outlaw Blues
06. On the Road Again
07. Bob Dylan's 115th Dream
08. Mr. Tambourine Man
09. Gates of Eden
10. It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)
11. It's All Over Now, Baby Blue
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