1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 5)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under 1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 5
201. James Taylor – Sweet Baby James (1970)
El más genuino representante de la hornada de cantautores de introspectiva lírica, aguda sensibilidad, reposados ritmos de procedencia acústica y templada vocalidad que surgieron en los años 70 es James Taylor, un talentoso compositor cuyos temas empapados de reflexión personal y afectivas revisitaciones de canciones ajenas, cosecharían de forma regular un apreciable éxito comercial, con su oferta de piezas de enfoque adulto y basamento folk, country, blues, soul y soft-rock de sencillas estructuras y fácil asimilación.
James Taylor abandonó Apple y junto a él se fue Peter Asher, quien confiaba totalmente en la lucidez compositiva de su artista. Posteriormente Asher también produciría a su hermana Kate, entre otros muchos artistas.
Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron "Sweet Baby James" (1970), un disco en el cual colaboró Carole King y que lo convertiría en estrella, gracias a singles como "Fire and rain", "Country road" o el homónimo "Sweet Baby James", embebidos de tintes autobiográficos. El album llegaría al número 1.
Aprovechando el éxito, se reeditó el sencillo "Carolina in my mind" y el EP publicado con The Flying Machine.
Su triunfo social fue enorme, apareciendo en la portada de la revista "Time" como abanderado del estilo de cantautor (entre los que se encontraba gente como Cat Stevens, Joni Mitchell, Carly Simon, Laura Nyro o Carole King) y protagonizando como actor principal la película de Monte Hellman "Carretera asfaltada en dos direcciones" (1971), título en el cual aparecía también Dennis Wilson, el batería de los Beach Boys.
01. Sweet Baby James
02. Lo And Behold
03. Sunny Skies
04. Steamroller
05. Country Road
06. Oh Susannah
07. Fire And Rain
08. Blossom
09. Anywhere Like Heaven
10. Oh Baby Don't You Loose Your Lip On Me
11. Suite For 20 G
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202. Paul McCartney – McCartney (1970)
"McCartney" es el primer álbum de la carrera en solitario de Paul McCartney. Macca comenzó la grabación del disco a finales de 1969, inmerso en plena disolución de The Beatles y ultimando los últimos detalles de la publicación de "Let It Be". Grabado entre su casa de Londres y los estudios Morgan y Abbey Road, en este disco Paul toca todos los instrumentos (bajo, guitarras, batería, piano, melotrón, órgano y xilófono), y únicamente se acompaña de su entonces esposa Linda en los coros. Por aquellas fechas, Paul aún seguía luchando por mantener con vida a los Beatles, aunque John ya había iniciado un proyecto con su Plastic Ono Band y George y Ringo ya habían grabado sus primeros álbumes en solitario. Con la certeza de que aquella situación ya no tendría más vuelta de hoja, en otoño de 1969 Paul se enfrascó en la vida familiar con Linda, su esposa, y Mary, su hija recién nacida, al tiempo que comenzaba a componer y grabar nuevos temas en su propio estudio portátil de cuatro pistas. Tan entusiasmado estaba con los resultados, que al poco tiempo ya tuvo listo un buen repertorio de nuevos temas. El álbum estaba preparado para su edición en Marzo de 1970. No obstante, debido a las cuestiones legales aún abiertas con el grupo, no pudo ser lanzado hasta casi un mes y medio después. El 10 de Abril de 1969 Paul anuncia la disolución de The Beatles. Una semana después, "McCartney" era publicado en todo el mundo junto a una nota de prensa en la que manifestaba sus impresiones sobre la desaparición del cuarteto y hablaba sobre su futuro más próximo.
El álbum alcanzó el primer puesto en las listas americanas, manteniéndose en lo más alto durante tres semanas y consiguiendo dos discos de platino. En el Reino Unido el disco se vio eclipsado por el lanzamiento de "Bridge Over Troubled Waters", de Simon & Garfunkel, que ostentó el número 1 durante cuarenta y una semanas no consecutivas. Aún así, "McCartney" estuvo tres semanas en el segundo puesto.
El contenido es de lo más variopinto, empezando por una intro de lo más ñoño titulada "The Lovely Linda" (La-la-la-la-la... the lovely Linda). "That Would Be Something" representa una vuelta a las raíces del Rock & Roll que inspiraron a un jovencísimo Paul allá por los años 50, raíces que quedan reflejadas en la grandísima "Valentine Day", donde alterna buenos acordes blueseros con una suave batería de acompañamiento. No es el único tema instrumental que incluye el álbum, que alterna maravillosas melodías con excelentes interpretaciones vocales. El primer clásico vocal que encontramos es "Every Night", que durante buena parte de su carrera se convirtió en tema fijo del repertorio de directo de Macca. "Hot As Sun" es una de las primeras composiciones de Paul con The Quarrymen (pre-Beatles), allá por 1959. Ensambla esta pegadiza instrumental con un psicodélico fragmento titulado "Glasses". La dulce "Junk", compuesta en 1968 durante la estancia de The Beatles en India, ya fue descartada del "Álbum Blanco" y de "Abbey Road", por lo que éste era su momento de ver la luz. Habéis podido escucharla en el tercer volumen de la serie "Anthology". El sonido y la esencia beatle son perfectamente reconocibles en la infantil "Man We Was Lonely", con Linda a los coros. "Oo You" muy posiblemente sea una de las mejores canciones del álbum, un rock'n'roll de esos que a veces Sir Paul saca de la chistera, con unas guitarras rasgadas con maestría. "Momma Miss America" es otra instrumental, aunque en este caso bastante más elaborada que las anteriores. Una base rítmica de batería sustenta la melodía creada por el piano y guitarra principales, creando un conjunto musical muy emocionante. El tema fue incluido en la banda sonora del peliculón "Jerry Maguire" de Cameron Crowe. Como si el álbum estuviera grabado sobre un guión preestablecido, a continuación toca un tema bastante tonto como "Teddy Boy", también compuesto en la India en 1968; otro descarte de las sesiones del "White Album" y que también salió en su versión demo en el "Anthology". "Singalong Junk" no es otra que la versión instrumental de "Junk", y también se incluyó en "Jerry Maguire". Preciosa melodía creada a partir de un piano y una guitarra acústica que acompañaba a la perfección la escena en la que Jerry (Tom Cruise) se despide de Dorothy (Reneé Zellweger) en el portal de la casa de ésta. Y, señores, quítense el sombrero, porque a continuación viene la mejor canción jamás escrita por Paul en toda su carrera solista: "Maybe I'm Amazed". Escondida tras su apariencia de balada, tiene el mismo puntito punk que "Oh, Darling", incluída en "Abbey Road". Fue incluída entre las 500 Mejores Canciones de la Historia por la publicación Rolling Stone. "Kreen-Akrore" cierra el álbum con un collage de sonidos y ritmos.
01. The Lovely Linda
02. That Would Be Something
03. Valentine Day
04. Every Night
05. Hot as Sun/Glasses
06. Junk
07. Man We Was Lonely
08. Oo You
09. Momma Miss America
10. Teddy Boy
11. Singalong Junk
12. Maybe I'm Amazed
13. Kreen-Akrore
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203. Santana – Abraxas (1970)
Un año después de aparecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, la obra maestra de Carlos Santana y apenas su segundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahí está, muy presente, la huella de Miles Davis) y ritmos afro antillanos. La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbre discográfica de los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si “Santana”, el larga duración anterior, contenía tres futuros temas clásicos (”Souls Sacrifice”, “Evil Ways” y “Jingo”), este opus número 2 ofrecía exactamente lo mismo con “Black Magic Woman” (composición de Peter Green, líder del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba gran rock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda “Gypsy Queen”, “Oye cómo va” (original del enorme timbalista Tito Puente) y “Samba pa ti” ( una de las piezas más bellas jamás escritas por Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en la calidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas. Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandes rasgos jazzísticos, como “Incident at Neshabur” o “Singing Winds, Crying Beasts”, no dejan lugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera “Hope You’re Felling Better”. Por supuesto que más allá del alto nivel de los diversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, sus licks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, pero sobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquí interpreta.
Con "Abraxas", Santana obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas consecutivas y consiguió vender más de un millón de copias; algo extraño por entonces en un trabajo discográfico fundamentalmente instrumental. En definitiva, un excelente disco que no pasará de moda.
1. Singing Winds, Crying Beasts
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye Como Va
4. Incident at Neshabur
5. Se A Cabo
6. Mother's Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You're Feeling Better
9. El Nicoya
10. Se A Cabo (1998 Edition)
11. Toussaint L'Ouverture (1998 Edition)
12. Black Magic Woman/Gypsy Queen (1998 Edition)
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204. Syd Barrett – Madcap Laughs (1970)
Roger Keith Barrett fue el gran baluarte del éxito inicial de los Pink Floyd y uno de los pioneros en el sonido de la psicodelia británica. Syd (nacido el 6 de enero de 1946 en Cambridge) sufrió como nadie los efectos de las drogas alucinógenas tan de moda a finales de los años 60, el consumo abusivo privó a la música de un compositor genial y arriesgado que tras comenzar en grupos como Geoff Mutt and the Mottoes y The Hollering Blues pasó a ser el lider absoluto de Pink Floyd, artífice principal de su primer disco psicodélico-surreal "The piper at the gates of dawn" (1967)
The Madcap Laughs es el primer álbum como solista de Syd Barrett después de abandonar Pink Floyd. Producido por Roger Waters, David Gilmour, Malcolm Jones y Peter Jenner, grabado en 1969 y editado en enero de 1970. La mayoría de sus canciones reflejan el estado mental de Barrett en ese tiempo. Fue un álbum con sesiones difíciles, ya que al ser una persona inestable los músicos difícilmente podían acompañarlo en cuanto a métrica y ejecución de sus piezas.
Es un disco distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho: caótico, depresivo, incoherente, psicodelico, brillante, carente de mayores arreglos. Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto, por ello en la mayoría de las canciones se escucha tan solo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" (el mejor tema del Lp para muchos), "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Sus letras exploran distintas atmósferas, consiguiendo en cada canción un mundo. Muchos artistas fueron influenciados por esta obra, algunos de ellos son John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), Damon Albarn (Blur), David Bowie.
1. Terrapin
2. No Good Trying
3. Love You
4. No Man's Land
5. Dark Globe
6. Here I Go
7. Octopus
8. Golden Hair (Barrett/Joyce)
9. Long Gone
10. She Took a Long Cold Look
11. Feel
12. If it's In You
13. Late Night
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205. Jethro Tull – Aqualung (1971)
Uno de los disco más populares y conseguidos del grupo británico liderado por el cantante, guitarrista y flautista Ian Anderson, Jethro Tull, quienes desarrollan una amalgama de rock, folk y blues con retazos progresivos para conformar un Lp de poso conceptual, acometiendo temas como la transgresión institucional del verdadero mensaje del cristianismo y de la ejecución del mismo en un sistema corruptamente organizado, o el desarrollo de historias de notable imaginería y condición crítica en su miramiento social.
"Aqualung" se inicia con el tema homónimo, uno de los mejores cortes del álbum, significado por el riff legendario de Martin Barre, desplegando en su conjunto un esmerado trabajo melódico y un gran trabajo vocal de Anderson, pasando de registros de aviesa apostura a tonadas de dulce vocalidad y elaborando piezas de variado disfrute, desde exiguas y exquisitas canciones acústicas como "Cheap Day Return", "Wondering Aloud" o "Slipstream" a temas extensos de diferentes ritmos y texturas como "My God" o el citado "Aqualung" y cortes de diáfano cimiento rock como la magnífica "Cross-Eyed Mary" o folkies como "Mother Goose", todo ello sin practicamente decaer en su calidad compositiva, que mixtura notablemente los sonidos acústicos con los eléctricos, sabiendo como ensanchar o acentuar los momentos más emocionales de un Lp imprescindible para los amantes del rock progresivo.
01 Aqualung
02 Cross-Eyed Mary
03 Cheap Day Return
04 Mother Goose
05 Wond'ring Aloud
06 Up to Me
07 My God
08 Hymn 43
09 Slipstream
10 Locomotive Breath
11 Wind Up
12 Lick Your Fingers Clean
13 Wind Up Quad Version
14 Excerpts from the Ian Anderson Interview / John Bungey
15 Songs for Jeffrey
16 Fat Man
17 Bouree
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206. David Crosby – If Only I Could Remember My Name (1971)
David Crosby inicia en los años 60 su andadura musical fundando thr Byrds, grupo esencial en la música pop americana. Despues con Nash y Sitlls formará Crosby, Stills and Nash, grupo al que después se reincorpora Neil Young. Colaborador de lujo por sus armonías vocales de múltiples artistas, continua actualmente grabando y es considerado artista de culto. David
Esta grabación es de las que te atrapa, de ésas que cuanto más las escuchas más se convierten en parte de tí. Sumergido en la más auténtica tradición folk-rock americana, el señor Crosby nos lleva de la mano a través de un viaje flipante por el arte de componer música, donde cada engranaje de la máquina funciona a la perfección, todo en beneficio del oyente, para su disfrute, porque aquí no se atisba ni un átomo de autocomplacencia, sólo la más completa entrega.
Con su increíble facilidad para escribir canciones redondas, y su sentido de la melodía realmente envidiable.La dosis perfecta de talento, inspiración, improvisación y generosidad, en medio de una época dorada para discos así.
1. Music Is Love
2. Cowboy Movie
3. Tamalpais High
4. Laughing
5. What Are Their Names
6. Traction in the Rain
7. Song With No Words
8. Orleans
9. I'd Swear There Was Somebody Here
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207. Sly & The Family Stone – There’s a Riot Goin’ On (1971)
La fiesta se había terminado y el sueño se había roto. Y algo dentro de Sylvester Stewart, alias Sly Stone, también. La esperanza de integración racial que representaba la Family Stone, la festiva vitalidad que transmitían sus maravillosos y rompedores discos, donde el funk, el soul, el rock se hermanaban (como los músicos sin importar el color de su piel, masculinos y femeninos de su formación) sin complejos y valientemente, para llevar a todos estos géneros hacia delante. Sly era un innovador que te lo hacía pasar bien con sus experimentos, que te empujaba a la pista de baile. Pero tal vez él mismo se lo había pasado demasiado bien y llegaba el momento de sufrir. Demasiada droga, por si alguien no está entendiendo todo esto.
"There´s A Riot Goin´ On" se convirtió en otra obra maestra, quizá la mayor. Pero su nacimiento fue terriblemente accidentado: toda la banda estaba destrozada por los excesos y por las desavenencias internas, el disco fue grabado de un modo caótico, con gente entrando y saliendo de un estudio que era una fiesta de color blanco: las cintas que se perdían y nadie sabía dónde estaban. Esto llevó a Sly a grabar él mismo mucho del material. Ejerciendo su faceta de multiinstrumentista, y también introduciendo una extraña mezcla de percusión orgánica y las primeras cajas de ritmos en el mercado, lo que otorga al disco una fascinante y bizarra sonoridad.
Para comprender la diferencia entre este disco y sus precedentes basta comparar la versión incluida de "Thank You", en este caso una mezcla oscura, obsesiva, con un bajo que agobia en vez de incitar a bailar, y compararla con el exultante single que se había publicado antes. Y ese es el tono generalizado en el disco. Una obra en la que la jams instrumentales se dejan ir, pero sobre todo se arrastran, como la voz de Sly, que suena dolida, confusa y desesperada. En las letras se mezclan el desquiciado estado mental de Sly (Runnin´Away relata de un modo festivo su adicción a la coca, en un ejercicio de ironía devastador) con comentarios políticos que están lejos del optimismo (Thank You For For Talkin´ To Me Africa). Y aún así resulta una obra poliédrica, repleta de genialidades. Sly siempre se había auto producido, y de este modo se dio una libertad absoluta para hacer lo que le vino en gana, para expresarse, ya que como afirma en "Poet" "mi única arma es mi pluma, soy un escritor de canciones, soy un poeta".Hacer este disco era su única salida del pozo. Y para conseguirlo siguió utilizando las voces, las percusiones, los vientos, los bajos y los teclados de un modo diferente a todos los demás. Sólo que esta vez las baladas sonaban dolidas (Time), y los tiempos rápidos también (Family Affair), si no resultaban completamente desquiciados (Spaced Cowboy)
Siempre se ha dicho que Sly fue uno de los mayores innovadores de la música afroamericana. Tal vez nunca más que en esta ocasión: el primer disco de música de baile que expresa el dolor y no la alegría de vivir.
1.Luv N' Haight
2.Just Like a Baby
3.Poet
4.Family Affair
5.Africa Talks to You ' the Asphalt Jungle'
6.There's a Riot Goin' On
7.Brave & Strong
8.(You Caught Me) Smilin'
9.Time
10.Spaced Cowboy
11.Runnin' Away
12.Thank You For Talkin' to Me Africa
13.Runnin' Away
14.My Gorilla Is My Butle
15.Do You Know What?
16.That's Pretty Clean
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208. Marvin Gaye – What’s Going On (1971)
Un álbum fundamental para entender la música y que además está considerado por la crítica como uno de los mejores que se han grabado jamás. What's Going On es un álbum grabado por cantante de soul norteamericano Marvin Gaye. Lanzado el 21 de mayo de 1971 What's Going On significó el inicio de una nueva tendencia en la música soul. Con letras intimistas acerca del abuso de drogas, la pobreza y la guerra de Vietnam, el álbum fue una sensación inmediata y ha permanecido como un clásico del soul. Constantemente es nombrado en encuestas como una de las grabaciones fundamentales en la historia de la música pop y es considerado una de los más grandes grabaciones de todos los tiempos. Por ejemplo ocupó el sexto lugar en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y en 1999 una encuesta de críticos conducida por el diario británico Guardian/Observer lo nombró como "El más grande álbum del siglo XX".
El productor fue el propio Marvin Gaye. What's Going On es una álbum concepto que consiste de nueve canciones (todas las cuales excepto la primera están ligadas) vistas desde el punto de vista de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a Estados Unidos, el país por el cual ha estado peleando y no ve más que injusticia, sufrimiento y odio. Gaye parece haberse inspirado en la experiancia de su hermano que pasó tres años en el ejército durante la guerra de Vietnam.
1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love (Album Version)
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Single Version)
11. Sad Tomorrows
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209. Yes – Yes Album (1971)
Yes fue una de la bandas más importantes de rock progresivo surgido en la Gran Bretaña de finales de los años 60. Su capacidad virtuosa y su temática con trazos mítico-místicos ayudaron a fundamentar varias de las bases del mejor sonido progresivo. Comenzaron su andadura en 1968, año en el que actuaron de teloneros en la gira de despedida del mítico trío Cream. Sucesivas actuaciones en diferentes clubs británicos lograron que Atlantic se fijara en ellos para editarles sus primeras grabaciones.
El título es de lo menos original que pueda tener un disco, pero la música que contiene es maravillosa. Acá están los primeros éxitos de la más exitosa de las bandas progresivas: Yours Is No Disgrace, Your Move, I've Seen All Good People, todas con un trabajo de voces impresionante, con Jon Anderson a la cabeza, y el bajista Chris Squire, que es un superdotado tanto en las 4 cuerdas como en su garganta... juntos fueron los creadores de ciertas armonías vocales que son marca registrada de Yes. La formación la completaban Tony Kaye (posteriormente reemplazado por Rick Wakeman) y el maestro de maestros Bill Bruford (también integrante de King Crimson y Genesis), una eminencia de la batería y la percusión en general. Párrafo aparte para la increible The Clap (en vivo), que es una interpretación de guitarra acústica que demuestra porque Steve Howe tiene tanto peso en la historia de las 6 cuerdas. Yes logra en este disco definir su estilo que... si, probablemente, lo desarrollen mejor en álbumes posteriores como "Fragile" y "Close To The Edge", pero este es en mi opinion el más accesible.
Convengamos que el Rock Progresivo, se excedió demasiado en complejidad y terminó quedando como un recuerdo lindo de una época en la que esta música, super compleja, llenaba estadios.
01. Yours Is No Disgrace
02. Clap
03. Starship Trooper
04. I've Seen All Good People
05. A Venture
06. Perpetual Change
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210. Bee Gees – Trafalgar (1971)
Coronados comercialmente en la fiebre discotequera de la década de los 70, los Bee Gees habían mostrado mucho antes un extraordinario talento para la creación pop, a veces barroca, otras psicodélica, siempre melódica, en canciones ensalzadas por sus armonías a tres voces y una elevada sensibibilidad en el concepto compositivo. Este talento les permitió con el paso de las décadas redifinir sus sonidos, aclimatarse a diferentes estilos y alcanzar un espectacular éxito a nivel mundial, que convirtió al terceto en toda una institución dentro de la música popular. Trafalgar es el séptimo álbum de estudio de The Bee Gees, lanzado en septiembre de 1971. El álbum fue relativamente un hit en los Estados Unidos al alcanzar la posición #34. El single principal "How Can You Mend a Broken Heart?" fue el primero en alcanzar la posición #1 en las listas del país americano.
01. How Can You Mend A Broken Heart
02. Israël
03. The Greatest Man In The World
04. It's Just The Way
05. Remembering
06. Somebody Stop The Music
07. Trafalgar
08. Don't Wanna Live Inside Myself
09. When Do I
10. Dearest
11. Lion In Winter
12. Walking Back To Waterloo
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211. The Who – Who’s Next (1971)
Monumental obra del cuarteto británico The Who, que tras abandonar un brillante ciclo de lucidez artística durante los años 60 se abría paso en el siguiente decenio con este apabullante álbum de naturaleza agridulce, irónica y combativa, tonalidades creadas por Pete Townshend y enfatizadas por la agresiva vocalidad de Roger Daltrey, la fibrosa guitarra de su citado autor principal, y la impetuosa sección rítmica de John Entwistle y Keith Moon.
El disco, que estaba proyectado en principio como una ópera-rock denominada "Lifehouse", muestra la capacidad imaginativa de Pete Townshend en la construcción piezas de rock clásico, con un espléndido y novedoso empleo de sintetizadores que acentúan la fortaleza instrumental de la banda en uno de sus momentos más álgidos.
Desde el himno "Baba O'Riley", pieza dedicada al mentor espiritual de Pete Townshend que expone a la perfección el esquema musical de los Who en este album, con ese hipnótico sintetizador horadando una canción concluida por el violín de Dave Arbus, hasta el orgiástico final de "Won't get fooled again", canción de incisivo comentario político, el álbum es un tratado magistral de inmortal rock con variada expresión emocional y arrebatante disposición sonora.
En medio de estos dos cortes hallamos clásicos temas de aguerrida textura como "Bargain", calmadas piezas de sentida ejecución como "Song is over" y "Getting in tune" (ambas con el piano del omnipresente músico de sesión Nicky Hopkins), poderío acústico en "Love ain't for keeping" o "Goin' mobile", la bellísima y triste balada "Behind blue eyes", pieza con guitarra acústica y armonías vocales que alcanza un acerado clímax eléctrico antes de templar de nuevo su tempo y retomar las pautas sónicas iniciales, o la gloriosa composición del bajista Entwistle "My wife", todo un miramiento sarcástico a las infidelidades matrimoniales.
Considerado por muchos como el mejor álbum del grupo, Who's Next fue nombrado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto #13, y por la revista musical Rolling Stone, alcanzando la posición #28. Tras su publicación, fue considerado como el mejor álbum del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice.
El álbum aparece en el puesto 15 de la lista de los 100 mejores álbumes de los años 70, elaborada por Pitchfork Media. En 2006, Who's Next fue elegido por la revista TIME como uno de los cien mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife (Entwistle)
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Pure and Easy
11. Baby Don't You Do It (Holland-Dozier-Holland)
12. Naked Eye
13. Water
14. Too Much of Anything
15. I Don't Even Know Myself
16. Behind Blue Eyes
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212. Carole King – Tapestry (1971)
"Tapestry" es sin duda la obra maestra de Carole King: 4 premios grammy y 15 semanas en el número uno lo avalan. Dominado por la calidez de su piano, "Tapestry" pasará a la historia por ser uno de las mejores creaciones femeninas de la música moderna. La protagonista no podía ser otra que la talentosa Carole King, responsable de multitud de reputados temas pop en los años 60 como "The locomotion" o "Chains", por decir un par de ellos.
Su trasvase de compositora a cantautora se realizó en los 70 y este trabajo muestra su enorme habilidad en la tarea de ejecución y escritura.
Desde la rítmica "I feel the earth move" hasta la soulera "(You make me feel like) A natural woman", canción que Carole había escrito para Aretha Franklin, el disco es un auténtico catálogo de clásicos y un recorrido de anclaje mayoritariamente romántico.
Las extraordinarias "So far away", "It's too late", "Beatiful" o las nuevas versiones de sus temas "You've got a friend", que había compuesto para James Taylor (cantautor que colabora en el disco con su guitarra acústica), "Will you love me tomorrow", presentado en formato balada como contrapunto a la original de las Shirelles o la citada "(You make me feel like) a natural woman", producidas por Lou Adler, el artífice de discos de gente como Mamas & The Papas, Scott McKenzie o Spirit, son elementos básicos de un álbum ineludible para los amantes de las composiciones pop de espíritu soul bien construídas y elaboradas desde un maduro punto de vista.
01 I Feel The Earth Move
02 So Far Away
03 It's Too Late
04 Home Again
05 Beautiful
06 Way Over Yonder
07 You've Got A Friend
08 Where You Lead
09 Will You Love Me Tomorrow?
10 Smackwater Jack
11 Tapestry
12 (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
13 Out In The Cold
14 Smackwater Jack [Live]
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213. Isaac Hayes – Shaft: Music from the Soundtrack (1971)
Isaac Hayes (Covington, Tennessee, 20 de agosto de 1942 - Memphis, Tennessee, 10 de agosto de 2008) fue un compositor, cantante, actor y productor estadounidense.
Su voz clara y potente le hizo catalizador de la explosión Stax en los 60; autor de himnos como Soul Man , inventor del soul sinfónico con Hot Buttered Soul (1969) y primer afroamericano en recibir un Oscar a la mejor banda sonora por la película Shaft (1971), que inauguraba el subgénero de la Blaxploitation.
Seguidor de la escuela del sonido Memphis, allá por los años 70, y uno de los primeros en adentrarse en el mundo del rap.Isaac Hayes participó en el famoso festival de Wattstax en 1972, gran concierto de música de los artistas afroamericanos más destacados en aquella época, concierto realizado en el Coliseo de Los Ángeles, en agosto de 1972.
Ese festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de la música soul, ya que estuvieron presentes otros destacados para aquella época como Rufus Thomas, entre otros. El festival fue considerado como el Woodstock de los afroamericanos.
Isaac Hayes interpretó con su banda el tema de la película Shaft y la ovación fue grande.El orgullo de ser negro ; aquello significó mucho porque Isaac Hayes una leyenda viva con ese tema tan celebrado. Eran tiempos de tensión, de segregación racial en EE. UU., por todo lo que había pasado: el asesinato de Martin Luther King, el movimiento por los derechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir y luchaba por su reivindicación.
1. Shaft
2. Bumpy's Lament
3. Walk From Regio's
4. Ellie's Love Theme
5. Shaft's Cab Ride
6. Cafe Regio's
7. Early Sunday Morning
8. Be Yourself
9. Friend's Place
10. Soulsville
11. No Name Bar
12. Bumpy's Blues
13. Shaft Strikes Again
14. Do Your Thing
15. End Theme
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214. Allman Brothers – At Fillmore East (1971)
Legendaria formación estadounidense de los años 70, epítome del rock sureño por su apasionante mezcolanza de estilos anclados en las raíces de la música americana. Rock, blues, soul y country predominantemente pero sin dejar de lado otros sonidos como el jazz, el gospel o la música clásica, son la base de esta esencial banda, cuya mayor característica son sus arrebatadoras y nada autocomplacientes jams en directo. En 1971 publicaron su trabajo más popular y uno de sus cimas como grupo, el doble álbum en directo grabado en Nueva York "At The Fillmore East" (1971).
Sus excitantes conciertos, plagados de largas pero nada pesadas jams, pueden ser paladeados en este gigantesco disco de blues rock con querencia jazz que cuenta con temas de la talla de "Statesboro blues" o "Whipping post". Este trabajo consolidó a los Allman Brothers como una de las mejores formaciones de los Estados Unidos en su época y logró unos estupendos resultados comerciales. At Fillmore East es sin dudas uno de los mejores discos en vivo de la historia del rock
Esta situación feliz duró poco para la banda, pues unas semanas después de la publicación de "At the Filmore East", Duane Allman uno de los mejores guitarristas de la historia ,fallecía a causa de un accidente de moto el 29 de octubre de 1971.
Disc one
1.Statesboro Blues
2.Trouble No More
3.Don't Keep Me Wonderin'
4.Done Somebody Wrong
5.Stormy Monday
6.One Way Out
7.In Memory of Elizabeth Reed
8.You Don't Love Me
9.Midnight Rider
Disc two
1.Hot 'Lanta
2.Whipping Post
3.Mountain Jam
4.Drunken Hearted Boy
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215. Rolling Stones – Sticky Fingers (1971)
Sensacional álbum de sus majestades stonianas con portada del artista neoyorquino Andy Warhol.
Es un disco esencial de rock con trazos blues y country revistiendo materias alucinógenas y avidez sexual con cimbreantes ritmos de naturaleza negra.
"Sticky Fingers" es un impresionante viaje sonoro que nos machaca con apabullantes riffs eléctricos, apasionadas travesías acústicas, extraordinarias baladas emocionales y alguna pieza de ejecución narcótica. La interactuación instrumental es magnífica entre unos excelentes músicos a los que se les une el saxo de Bobby Keyes, los pianos de Ian Stewart, Jack Nitzsche, Jim Price y Nicky Hopkins, la guitarra de Ry Cooder, las cuerdas de Paul Buckmaster o la percusión del mismísimo productor, Jimmy Miller.
El álbum es una obra maestra de principio a fin, con piezas indelebles como "Brown Sugar", "Sway", "Sister Morphine" (compuesta junto a Marianne Faithfull), "Wild Horses", "Bitch", "Dead Flowers" o "Can't you hear me knocking"... pasajes clásicos de una banda inmortal.
Debutó en el número 1 de las listas de los álbumes más vendidos de Billboard y se convirtió posteriormente en una gran éxito comercial. El disco recibió muy buenas críticas, llegando a ser considerado por la crítica musical como uno de los mejores materiales de la banda.
1. Brown Sugar
2. Sway
3. Wild Horses
4. Can't You Hear Me Knocking
5. You Gotta Move
6. Bitch
7. I Got The Blues
8. Sister Morphine
9. Dead Flowers
10. Moonlight Mile
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216. John Lennon – Imagine (1971)
Con "Imagine" John Lennon obtuvo el mayor éxito crítico y comercial de su andadura en solitario. Lo cierto es que si juntamos este disco y "Plastic Ono Band" obtendremos lo mejor del repertorio del genio de Liverpool en su etapa post-Beatle.
Lennon siempre fue un gran admirador del legendario productor y compositor Phil Spector y de nuevo, tras haber colaborado con él en "Plastic Ono Band" volvió a solicitar sus servicios para la producción de "Imagine".
La inmortal obra maestra que titula el álbum representa claramente en su brillante texto el idealismo de su autor, la deliciosa "Crippled inside" flirtea con el music-hall, "Jealous Guy" (que John en un principio había escrito para el álbum blanco de los Beatles), "Oh my love" y "How?" son impresionantes baladas de base pianística que justifican su supremacía en ese campo (sólo comparable a la de su colega Paul McCartney); su sentimiento rockero aflora en las excelentes "It's so hard", "Give me some truth" y en la hipnótica "I don't want to be a soldier".
Paul McCartney es objeto de un severo ataque en "How do you sleep?", tema que pone de manifiesto la poca cordial relación existente entre ambos por aquella época, y para despedir el disco Lennon escoge un sensacional corte donde una vez más rinde su perpetuo homenaje a su esposa, "Oh Yoko".
Indispensable álbum para entender la carrera en solitario de un hombre irrepetible. En sus créditos aparecen nombres com Klaus Voorman, Nicky Hopkins, Alan White o George Harrison, entre otros.
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon. En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It's So Hard
5. I Don't Wanna Be A Soldier Mama
6. Give Me Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
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217. The Beach Boys – Surf’s Up (1971)
Con Brian Wilson a la cabeza, uno de los grandes genios de la composición y producción del siglo XX, los Beach Boys se convirtieron en la formación pop más importante de los EEUU y en uno de los conjuntos más influyentes, innovadores y admirados de la historia de la música moderna gracias a sus maravillosas y embelesadoras melodías y armonías. En un período de su carrera en el que Brian Wilson por problemas físicos y sobre todo psíquicos, achacables a su adicción a las drogas, había delegado el liderazgo creativo en el resto de sus compañeros , los Beach Boys no se resintieron en absoluto de esta circunstancia y continuaron editando notables álbumes plagados de sensacionales y placenteros momentos.
Es el caso de este trabajo de engañoso título, que nos abre sus puertas con la sublime delicadeza de la encantadora "Don't Go Near the Water", firmada por Mike Love y Al Jardine. Jardine también participa en otros dos temas de características totalmente opuestas, como la desenfadada "Take a load off your feet", y el estupendo corte de rasgos menos jubilosos titulado "Looking at tomorrow".
Bruce Johnston toma las riendas en la melosa "Disney girls", mientras que Carl Wilson saca a relucir lo mejor de sí mismo en glorias (compuestas junto a Jack Rieley) que bien podrían llevar la rúbrica de su hermano mayor como "Long promised road" y "Feel Flows" (uno de los momentos cumbres del disco).
Incluso en "Student demonstration time" (un remiendo de un viejo tema de los compositores Leiber/Stoller titulado "Riot in the cell block number nine" al que Mike añadió nuevo texto) se atreven y con excelentes resultados con el blues, un estilo alejado de los cimientos musicales de los míticos chicos playeros.
La recta final del álbum es cosa de Brian Wilson, quien vuelve a demostrar por qué es uno de los más grandes genios de la música moderna al brindarnos tres insuperables dosis de inspiración iniciadas con "A day in the life of a tree", una canción dotada de una atmósfera oscura y tétrica de escaso acompañamiento musical, todo lo contrario que "Till I die", maravilla donde vuelven a hacer virguerías con su dotadas e imitadas voces.
La canción homónima del LP, recuperada de sus grabaciones de "Smile", es la guinda perfecta de este apetitoso pastel sónico que querrás degustar una y otra vez.
01 - Don't go near the water
02 - Long promised road
03 - Take A Load Off Your Feet
04 - Disney Girls (1957)
05 - Student demonstration time
06 - Feel flows
07 - Lookin' at tomorrow (a welfare song)
08 - A day in the life of a tree
09 - 'Til I die
10 - Surf's up
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218. Yes – Fragile (1971)
Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. Se le conoce principalmente por la canción "Roundabout", que fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en una versión editada. Este fue el primer álbum de Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento de la banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos lados del Atlántico.
Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971. Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovechar el aun creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album.
A diferencia de los primeros lanzamientos de Yes, este álbum pone en primer plano los talentos de cada miembro de la banda como solista. "Cans and Brahms" es una pieza de Johannes Brahms con un arreglo de Rick Wakeman; "We Have Heaven" es un solo de Jon Anderson, en el que el vocalista interpreta múltiples partes vocales sobrepuestas (una técnica que después usaría en su primer disco como solista Olias of Sunhillow); por otro lado, "Five Per Cent For Nothing", "The Fish" y "Mood For A Day" son los solos de Bill Bruford, Chris Squire y Steve Howe, respectivamente. El resto de las canciones contienen la participación de todo el grupo.
1. Roundabout
2. Cans And Brahms
3. We Have Heaven
4. South Side Of The Sky
5. Five Per Cent For Nothing
6. Long Distance Runaround
7. The Fish (Schindleria Praematurus)
8. Mood For A Day
9. Heart Of The Sunrise
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219. Doors – LA Woman (1971)
L.A. Woman es la última pieza de la discografía de The Doors en la cual participa Jim Morrison, quien supuestamente moriría en París tres meses después de la grabación. Después de este disco habrían algunos intentos de los demás integrantes por continuar con la banda (grabando música encima de unas cintas de poemas recitados por Morrison). Obviamente que también salieron al mercado todo tipo de recopilaciones, ediciones de recitales y demás.
La grabación de L.A. Woman fue bastante complicada. El nerviosismo de Jim, sumado al descontento y abandono de la producción por parte de Paul A. Rothchild (productor de todos sus discos anteriores) provocaron que las canciones tuvieran que ser registradas en una especie de estudio improvisado en el lugar donde ensayaba la banda. Este álbum se aleja mucho del estilo que venían haciendo y se vuelca en el blues y rhythm & blues. La idea que tenían por ese entonces era volver a esas raíces musicales.
A pesar del abrupto cambio, este trabajo tuvo muchísimo éxito (muchos lo consideran el mejor en toda su carrera). Como temas más representativos pueden citarse Love Her Madly, L.A. Woman y Riders On The Storm.
1 - The Changeling
2 - Love Her Madly
3 - Been Down So Long
4 - Cars Hiss By My Window
5 - L.A. Woman
6 - L'America
7- Hyacinth House
8 - Crawling King Snake
9 - The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)
10 - Riders On The Storm
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220. Can – Tago Mago (1971)
Tago Mago es el tercer álbum de estudio de Can (banda alemana del movimiento Kraut Rock), editado en 1971. Originalmente era un álbum doble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentemente considerado su álbum más importante, ya que es su álbum más experimental y arriesgado y el más influyente. Tago Mago incluye tracks como "Aumgn", un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupa toda una cara del vinilo); y "Peking O", otra pieza de avantgarde donde el vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene con vocalista, y el primero que lo tiene como el único) es gran protagonista. También se destaca "Halleluwah", un jam de 18 minutos (que también ocupaba toda un lado) con influencia de funk, basado en la repetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se ha convertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y ha recibido muy buenas críticas. No es un clásico porque es y fue totalmente anacrónico, ajeno e imbuido al mismo tiempo del espíritu de los adorados 60s. Y finalmente, no es un clásico porque, al ser totalmente anacrónico, no le ha quedado otra que ser eternamente actual. Hoy yo puedo hablar de él como de un disco que apenas salió ayer en los listados de cualquier pagina web especializada en buena música. Quizás Can haya creado con este disco lo más parecido a un anti-clásico. "Tago Mago" no es una influencia y a veces ni siquiera es un disco; es una variación compositiva que debe implicar de por sí otra creación bajo otros nombre de grupo o artista.
1. Paperhouse
2. Mushroom
3. Oh Yeah
4. Halleluwah
5. Aumgn
6. Peking O
7. Bring Me Coffee Or Tea
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221. Elton John – Madman Across the Water (1971)
Sin duda alguna, uno de los artistas de pop-rock de más éxito de las últimas tres décadas es Reginal Kenneth Dwight, alias Elton John -por sus colegas de Bluesology Elton Dean y John Baldry- (nacido el 25 de marzo de 1947 en Middlesex), un músico de mucho talento (comenzó a tocar desde muy niño el piano) y con gran capacidad de versatilidad que inició su carrera como componente de Bluesology a principios de los años 60, grupo de acompañamiento de estrellas de la época como Doris Troy.
Madman Across the Water, cuarto álbum de Elton John, una joya del año 1971, Incluye el hit "Tiny Dancer" (que Cameron Crowe rescató para Casi Famosos) y ocho temas más, todos impecables. Desbordantes de belleza en las melodías y bien cantadas por Elton.
Lo acompañan aquí algunos de sus músicos habituales (Nigel Olsson, por ejemplo) y otras grandes, como Rick Wakeman (otrora tecladista de Yes). Las letras están todas escritas en colaboración con el ya mítico Bernie Taupin. Este album alcanzo en Gran Bretaña el lugar #41 de las listas, siendo en Estados Unidos donde obtuvo más éxito, llegando hasta el #8 del Billboard 200.
1. Tiny Dancer
2. Levon
3. Razor Face
4. Madman Across the Water
5. Indian Sunset
6. Holiday Inn
7. Rotten Peaches
8. All the Nasties
9. Goodbye
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222. Dolly Parton – Coat of Many Colors (1971)
Excelente cantante, compositora y actriz, Dolly Parton ha representado una bocanada de renovación entre las cantantes country aparecidas a fines de los años ‘60, con un aire y estilo desenfadado y una simpatía sin igual, lo que le ha permitido posicionarse como una de las seis referentes femeninas más influyentes de estilo musical. Dolly fue la cuarta hija de un total de 12 hermanos nacida del matrimonio compuesto por Robert Lee Parton (granjero y obrero de la construcción) y Avie Lee Owens. Junto a sus hermanos Stella, Floyd y Randy, fueron los únicos integrantes de la familia que se dedicaron de lleno a la música (Stella y Randy como cantantes y Floyd como compositor).
Coat of Many Colors de 1971 es un ejemplo perfecto de la brillante labor que Parton estaba grabando durante estos últimos años. La canción que da título al álbum es prueba de la brillantez de Parton como compositor, la captura de la agitación emocional de su infancia a través del descubrimiento de la memoria de un adulto nostálgico. Parton posee tanto la voz de una niña confundida y de una mujer conocedora, subrayado por la guitarra acústica, una luz, ritmo suave, y toques de de órganos y armonías gospel de fondo. El resto de las canciones del álbum, dicen las historias humanas en un idioma sencillo.
1. Coat of Many Colors
2. Traveling Man
3. My Blue Tears
4. If I Lose My Mind
5. Mystery of the Mystery
6. She Never Met a Man (She Didn't Like)
7. Early Morning Breeze
8. Way I See You
9. Here I Am
10. Better Place to Live
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223. Don McLean – American Pie (1971)
"American Pie" es un influyente álbum donde se desprende la canción del mismo nombre, al más puro estilo folk rock y escrita por el cantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el día que murió la música". En el año 1971 fue grabada y lanzada. El sencillo se mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad de Estados Unidos durante dos semanas en 1972.
La canción hace referencia a la historia del rock and roll, comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 hasta el año 1970.
La letra de la canción causa mucha curiosidad. Aunque McLean dedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos que viajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por su nombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "American Pie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez". Posteriormente, declaró de forma más seria: "Encontrarán muchas 'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamento dejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que los compositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo un silencio digno".
La importancia de "American Pie" para el patrimonio musical y cultural fue reconocida por el proyecto educativo "Songs of the Century" (Canciones del Siglo) que la posicionó en el número cinco de las canciones del Siglo XX.
1. American Pie
2. Till Tomorrow
3. Vincent (Starry, Starry Night)
4. Crossroads
5. Winterwood
6. Empty Chairs
7. Everybody Loves Me, Baby
8. Sister Fatima
9. The Grave
10. Babylon
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224. Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (1971)
Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del virtuoso estilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásica que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (nacido el 1 de noviembre de 1944 en Lancashire), que había pasado por diversos grupos, entre ellos The Nice; el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (nacido el 10 de noviembre de 1948 en Dorset), quien fue parte integrante de King Crimson; y el batería Carl Palmer (nacido el 20 de marzo de 1951 en Birmingham), que había dejado el grupo Atomic Rooster.
"Tarkus" (1971), el segundo disco del supergrupo, alcanzó en el Reino Unido el número 1 y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, con una primera cara dominada por una extensa suite. El álbum era un trabajo conceptual basado en Tarkus, una mixtura entre tanque y armadillo enfrentado a un personaje mitológico denominado Manticore, monstruo con cabeza de hombre, cuerpo de león y cola de escorpión.
1. Tarkus Medley: Eruption/Stones of Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battlefield/Aquatarkus
2. Jeremy Bender
3. Bitches Crystal
4. The Only Way (Hymn)
5. Infinite Space (Conclusion)
6. A Time and a Place
7. Are You Ready Eddy?
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225. Led Zeppelin – IV (1971)
El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.
Extraordinario disco de una banda extraordinaria, epítome de su habilidad para entresacar sudorosas composiciones de inspirada y rocosa arquitectura sonora y elevarlas a inmortales himnos rock de punzante ejercicio rítmico y exaltada escritura.
Tres inmejorables instrumentistas que habían aprendido todo sobre el negocio en sus largos años como músicos de sesión y uno de los grandes frontman de la historia del rock nos regalan un soberbio trabajo impregnado de rock, blues y folk, no en vano la utilización de Sandy Denny como apoyo vocal de Robert Plant en la medievalista y tolkieniana "The battle of evermore".
"Rock and roll", un homenaje al rock de los 50; "When the leeve breaks" , canción de poso blues con una rotunda batería de Bonham; "Misty Mountain Hop", festiva composición donde satirizan el mundo hippie, "Black Dog", un poderoso tema hard-rock con una atronadora guitarra de Page ; el folk acústico a lo Neil Young o Joni Mitchell de "Going to California" o la monumental, épica y críptica "Stairway to heaven" son otros temas esenciales de un álbum demoledor de penetrantes e imaginativas texturas, clave en la evolución del rock. Con éste disco, me atrevo a decir que definieron el hard-rock de los '70, con un Jimmy Page conduciendo a la banda a base de riffs monolíticos como nunca antes se había visto en una banda.
Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin. Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Este álbum, fue el LP más vendido de la banda y actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).
1. Black Dog
2. Rock and Roll
3. The Battle of Evermore
4. Stairway To Heaven
5. Misty Mountain Hop
6. Four Sticks
7. Going to California
8. When the Levee Breaks
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El más genuino representante de la hornada de cantautores de introspectiva lírica, aguda sensibilidad, reposados ritmos de procedencia acústica y templada vocalidad que surgieron en los años 70 es James Taylor, un talentoso compositor cuyos temas empapados de reflexión personal y afectivas revisitaciones de canciones ajenas, cosecharían de forma regular un apreciable éxito comercial, con su oferta de piezas de enfoque adulto y basamento folk, country, blues, soul y soft-rock de sencillas estructuras y fácil asimilación.
James Taylor abandonó Apple y junto a él se fue Peter Asher, quien confiaba totalmente en la lucidez compositiva de su artista. Posteriormente Asher también produciría a su hermana Kate, entre otros muchos artistas.
Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron "Sweet Baby James" (1970), un disco en el cual colaboró Carole King y que lo convertiría en estrella, gracias a singles como "Fire and rain", "Country road" o el homónimo "Sweet Baby James", embebidos de tintes autobiográficos. El album llegaría al número 1.
Aprovechando el éxito, se reeditó el sencillo "Carolina in my mind" y el EP publicado con The Flying Machine.
Su triunfo social fue enorme, apareciendo en la portada de la revista "Time" como abanderado del estilo de cantautor (entre los que se encontraba gente como Cat Stevens, Joni Mitchell, Carly Simon, Laura Nyro o Carole King) y protagonizando como actor principal la película de Monte Hellman "Carretera asfaltada en dos direcciones" (1971), título en el cual aparecía también Dennis Wilson, el batería de los Beach Boys.
01. Sweet Baby James
02. Lo And Behold
03. Sunny Skies
04. Steamroller
05. Country Road
06. Oh Susannah
07. Fire And Rain
08. Blossom
09. Anywhere Like Heaven
10. Oh Baby Don't You Loose Your Lip On Me
11. Suite For 20 G
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202. Paul McCartney – McCartney (1970)
"McCartney" es el primer álbum de la carrera en solitario de Paul McCartney. Macca comenzó la grabación del disco a finales de 1969, inmerso en plena disolución de The Beatles y ultimando los últimos detalles de la publicación de "Let It Be". Grabado entre su casa de Londres y los estudios Morgan y Abbey Road, en este disco Paul toca todos los instrumentos (bajo, guitarras, batería, piano, melotrón, órgano y xilófono), y únicamente se acompaña de su entonces esposa Linda en los coros. Por aquellas fechas, Paul aún seguía luchando por mantener con vida a los Beatles, aunque John ya había iniciado un proyecto con su Plastic Ono Band y George y Ringo ya habían grabado sus primeros álbumes en solitario. Con la certeza de que aquella situación ya no tendría más vuelta de hoja, en otoño de 1969 Paul se enfrascó en la vida familiar con Linda, su esposa, y Mary, su hija recién nacida, al tiempo que comenzaba a componer y grabar nuevos temas en su propio estudio portátil de cuatro pistas. Tan entusiasmado estaba con los resultados, que al poco tiempo ya tuvo listo un buen repertorio de nuevos temas. El álbum estaba preparado para su edición en Marzo de 1970. No obstante, debido a las cuestiones legales aún abiertas con el grupo, no pudo ser lanzado hasta casi un mes y medio después. El 10 de Abril de 1969 Paul anuncia la disolución de The Beatles. Una semana después, "McCartney" era publicado en todo el mundo junto a una nota de prensa en la que manifestaba sus impresiones sobre la desaparición del cuarteto y hablaba sobre su futuro más próximo.
El álbum alcanzó el primer puesto en las listas americanas, manteniéndose en lo más alto durante tres semanas y consiguiendo dos discos de platino. En el Reino Unido el disco se vio eclipsado por el lanzamiento de "Bridge Over Troubled Waters", de Simon & Garfunkel, que ostentó el número 1 durante cuarenta y una semanas no consecutivas. Aún así, "McCartney" estuvo tres semanas en el segundo puesto.
El contenido es de lo más variopinto, empezando por una intro de lo más ñoño titulada "The Lovely Linda" (La-la-la-la-la... the lovely Linda). "That Would Be Something" representa una vuelta a las raíces del Rock & Roll que inspiraron a un jovencísimo Paul allá por los años 50, raíces que quedan reflejadas en la grandísima "Valentine Day", donde alterna buenos acordes blueseros con una suave batería de acompañamiento. No es el único tema instrumental que incluye el álbum, que alterna maravillosas melodías con excelentes interpretaciones vocales. El primer clásico vocal que encontramos es "Every Night", que durante buena parte de su carrera se convirtió en tema fijo del repertorio de directo de Macca. "Hot As Sun" es una de las primeras composiciones de Paul con The Quarrymen (pre-Beatles), allá por 1959. Ensambla esta pegadiza instrumental con un psicodélico fragmento titulado "Glasses". La dulce "Junk", compuesta en 1968 durante la estancia de The Beatles en India, ya fue descartada del "Álbum Blanco" y de "Abbey Road", por lo que éste era su momento de ver la luz. Habéis podido escucharla en el tercer volumen de la serie "Anthology". El sonido y la esencia beatle son perfectamente reconocibles en la infantil "Man We Was Lonely", con Linda a los coros. "Oo You" muy posiblemente sea una de las mejores canciones del álbum, un rock'n'roll de esos que a veces Sir Paul saca de la chistera, con unas guitarras rasgadas con maestría. "Momma Miss America" es otra instrumental, aunque en este caso bastante más elaborada que las anteriores. Una base rítmica de batería sustenta la melodía creada por el piano y guitarra principales, creando un conjunto musical muy emocionante. El tema fue incluido en la banda sonora del peliculón "Jerry Maguire" de Cameron Crowe. Como si el álbum estuviera grabado sobre un guión preestablecido, a continuación toca un tema bastante tonto como "Teddy Boy", también compuesto en la India en 1968; otro descarte de las sesiones del "White Album" y que también salió en su versión demo en el "Anthology". "Singalong Junk" no es otra que la versión instrumental de "Junk", y también se incluyó en "Jerry Maguire". Preciosa melodía creada a partir de un piano y una guitarra acústica que acompañaba a la perfección la escena en la que Jerry (Tom Cruise) se despide de Dorothy (Reneé Zellweger) en el portal de la casa de ésta. Y, señores, quítense el sombrero, porque a continuación viene la mejor canción jamás escrita por Paul en toda su carrera solista: "Maybe I'm Amazed". Escondida tras su apariencia de balada, tiene el mismo puntito punk que "Oh, Darling", incluída en "Abbey Road". Fue incluída entre las 500 Mejores Canciones de la Historia por la publicación Rolling Stone. "Kreen-Akrore" cierra el álbum con un collage de sonidos y ritmos.
01. The Lovely Linda
02. That Would Be Something
03. Valentine Day
04. Every Night
05. Hot as Sun/Glasses
06. Junk
07. Man We Was Lonely
08. Oo You
09. Momma Miss America
10. Teddy Boy
11. Singalong Junk
12. Maybe I'm Amazed
13. Kreen-Akrore
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203. Santana – Abraxas (1970)
Un año después de aparecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, la obra maestra de Carlos Santana y apenas su segundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahí está, muy presente, la huella de Miles Davis) y ritmos afro antillanos. La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbre discográfica de los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si “Santana”, el larga duración anterior, contenía tres futuros temas clásicos (”Souls Sacrifice”, “Evil Ways” y “Jingo”), este opus número 2 ofrecía exactamente lo mismo con “Black Magic Woman” (composición de Peter Green, líder del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba gran rock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda “Gypsy Queen”, “Oye cómo va” (original del enorme timbalista Tito Puente) y “Samba pa ti” ( una de las piezas más bellas jamás escritas por Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en la calidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas. Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandes rasgos jazzísticos, como “Incident at Neshabur” o “Singing Winds, Crying Beasts”, no dejan lugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera “Hope You’re Felling Better”. Por supuesto que más allá del alto nivel de los diversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, sus licks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, pero sobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquí interpreta.
Con "Abraxas", Santana obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas consecutivas y consiguió vender más de un millón de copias; algo extraño por entonces en un trabajo discográfico fundamentalmente instrumental. En definitiva, un excelente disco que no pasará de moda.
1. Singing Winds, Crying Beasts
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye Como Va
4. Incident at Neshabur
5. Se A Cabo
6. Mother's Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You're Feeling Better
9. El Nicoya
10. Se A Cabo (1998 Edition)
11. Toussaint L'Ouverture (1998 Edition)
12. Black Magic Woman/Gypsy Queen (1998 Edition)
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204. Syd Barrett – Madcap Laughs (1970)
Roger Keith Barrett fue el gran baluarte del éxito inicial de los Pink Floyd y uno de los pioneros en el sonido de la psicodelia británica. Syd (nacido el 6 de enero de 1946 en Cambridge) sufrió como nadie los efectos de las drogas alucinógenas tan de moda a finales de los años 60, el consumo abusivo privó a la música de un compositor genial y arriesgado que tras comenzar en grupos como Geoff Mutt and the Mottoes y The Hollering Blues pasó a ser el lider absoluto de Pink Floyd, artífice principal de su primer disco psicodélico-surreal "The piper at the gates of dawn" (1967)
The Madcap Laughs es el primer álbum como solista de Syd Barrett después de abandonar Pink Floyd. Producido por Roger Waters, David Gilmour, Malcolm Jones y Peter Jenner, grabado en 1969 y editado en enero de 1970. La mayoría de sus canciones reflejan el estado mental de Barrett en ese tiempo. Fue un álbum con sesiones difíciles, ya que al ser una persona inestable los músicos difícilmente podían acompañarlo en cuanto a métrica y ejecución de sus piezas.
Es un disco distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho: caótico, depresivo, incoherente, psicodelico, brillante, carente de mayores arreglos. Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto, por ello en la mayoría de las canciones se escucha tan solo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" (el mejor tema del Lp para muchos), "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Sus letras exploran distintas atmósferas, consiguiendo en cada canción un mundo. Muchos artistas fueron influenciados por esta obra, algunos de ellos son John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), Damon Albarn (Blur), David Bowie.
1. Terrapin
2. No Good Trying
3. Love You
4. No Man's Land
5. Dark Globe
6. Here I Go
7. Octopus
8. Golden Hair (Barrett/Joyce)
9. Long Gone
10. She Took a Long Cold Look
11. Feel
12. If it's In You
13. Late Night
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205. Jethro Tull – Aqualung (1971)
Uno de los disco más populares y conseguidos del grupo británico liderado por el cantante, guitarrista y flautista Ian Anderson, Jethro Tull, quienes desarrollan una amalgama de rock, folk y blues con retazos progresivos para conformar un Lp de poso conceptual, acometiendo temas como la transgresión institucional del verdadero mensaje del cristianismo y de la ejecución del mismo en un sistema corruptamente organizado, o el desarrollo de historias de notable imaginería y condición crítica en su miramiento social.
"Aqualung" se inicia con el tema homónimo, uno de los mejores cortes del álbum, significado por el riff legendario de Martin Barre, desplegando en su conjunto un esmerado trabajo melódico y un gran trabajo vocal de Anderson, pasando de registros de aviesa apostura a tonadas de dulce vocalidad y elaborando piezas de variado disfrute, desde exiguas y exquisitas canciones acústicas como "Cheap Day Return", "Wondering Aloud" o "Slipstream" a temas extensos de diferentes ritmos y texturas como "My God" o el citado "Aqualung" y cortes de diáfano cimiento rock como la magnífica "Cross-Eyed Mary" o folkies como "Mother Goose", todo ello sin practicamente decaer en su calidad compositiva, que mixtura notablemente los sonidos acústicos con los eléctricos, sabiendo como ensanchar o acentuar los momentos más emocionales de un Lp imprescindible para los amantes del rock progresivo.
01 Aqualung
02 Cross-Eyed Mary
03 Cheap Day Return
04 Mother Goose
05 Wond'ring Aloud
06 Up to Me
07 My God
08 Hymn 43
09 Slipstream
10 Locomotive Breath
11 Wind Up
12 Lick Your Fingers Clean
13 Wind Up Quad Version
14 Excerpts from the Ian Anderson Interview / John Bungey
15 Songs for Jeffrey
16 Fat Man
17 Bouree
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206. David Crosby – If Only I Could Remember My Name (1971)
David Crosby inicia en los años 60 su andadura musical fundando thr Byrds, grupo esencial en la música pop americana. Despues con Nash y Sitlls formará Crosby, Stills and Nash, grupo al que después se reincorpora Neil Young. Colaborador de lujo por sus armonías vocales de múltiples artistas, continua actualmente grabando y es considerado artista de culto. David
Esta grabación es de las que te atrapa, de ésas que cuanto más las escuchas más se convierten en parte de tí. Sumergido en la más auténtica tradición folk-rock americana, el señor Crosby nos lleva de la mano a través de un viaje flipante por el arte de componer música, donde cada engranaje de la máquina funciona a la perfección, todo en beneficio del oyente, para su disfrute, porque aquí no se atisba ni un átomo de autocomplacencia, sólo la más completa entrega.
Con su increíble facilidad para escribir canciones redondas, y su sentido de la melodía realmente envidiable.La dosis perfecta de talento, inspiración, improvisación y generosidad, en medio de una época dorada para discos así.
1. Music Is Love
2. Cowboy Movie
3. Tamalpais High
4. Laughing
5. What Are Their Names
6. Traction in the Rain
7. Song With No Words
8. Orleans
9. I'd Swear There Was Somebody Here
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207. Sly & The Family Stone – There’s a Riot Goin’ On (1971)
La fiesta se había terminado y el sueño se había roto. Y algo dentro de Sylvester Stewart, alias Sly Stone, también. La esperanza de integración racial que representaba la Family Stone, la festiva vitalidad que transmitían sus maravillosos y rompedores discos, donde el funk, el soul, el rock se hermanaban (como los músicos sin importar el color de su piel, masculinos y femeninos de su formación) sin complejos y valientemente, para llevar a todos estos géneros hacia delante. Sly era un innovador que te lo hacía pasar bien con sus experimentos, que te empujaba a la pista de baile. Pero tal vez él mismo se lo había pasado demasiado bien y llegaba el momento de sufrir. Demasiada droga, por si alguien no está entendiendo todo esto.
"There´s A Riot Goin´ On" se convirtió en otra obra maestra, quizá la mayor. Pero su nacimiento fue terriblemente accidentado: toda la banda estaba destrozada por los excesos y por las desavenencias internas, el disco fue grabado de un modo caótico, con gente entrando y saliendo de un estudio que era una fiesta de color blanco: las cintas que se perdían y nadie sabía dónde estaban. Esto llevó a Sly a grabar él mismo mucho del material. Ejerciendo su faceta de multiinstrumentista, y también introduciendo una extraña mezcla de percusión orgánica y las primeras cajas de ritmos en el mercado, lo que otorga al disco una fascinante y bizarra sonoridad.
Para comprender la diferencia entre este disco y sus precedentes basta comparar la versión incluida de "Thank You", en este caso una mezcla oscura, obsesiva, con un bajo que agobia en vez de incitar a bailar, y compararla con el exultante single que se había publicado antes. Y ese es el tono generalizado en el disco. Una obra en la que la jams instrumentales se dejan ir, pero sobre todo se arrastran, como la voz de Sly, que suena dolida, confusa y desesperada. En las letras se mezclan el desquiciado estado mental de Sly (Runnin´Away relata de un modo festivo su adicción a la coca, en un ejercicio de ironía devastador) con comentarios políticos que están lejos del optimismo (Thank You For For Talkin´ To Me Africa). Y aún así resulta una obra poliédrica, repleta de genialidades. Sly siempre se había auto producido, y de este modo se dio una libertad absoluta para hacer lo que le vino en gana, para expresarse, ya que como afirma en "Poet" "mi única arma es mi pluma, soy un escritor de canciones, soy un poeta".Hacer este disco era su única salida del pozo. Y para conseguirlo siguió utilizando las voces, las percusiones, los vientos, los bajos y los teclados de un modo diferente a todos los demás. Sólo que esta vez las baladas sonaban dolidas (Time), y los tiempos rápidos también (Family Affair), si no resultaban completamente desquiciados (Spaced Cowboy)
Siempre se ha dicho que Sly fue uno de los mayores innovadores de la música afroamericana. Tal vez nunca más que en esta ocasión: el primer disco de música de baile que expresa el dolor y no la alegría de vivir.
1.Luv N' Haight
2.Just Like a Baby
3.Poet
4.Family Affair
5.Africa Talks to You ' the Asphalt Jungle'
6.There's a Riot Goin' On
7.Brave & Strong
8.(You Caught Me) Smilin'
9.Time
10.Spaced Cowboy
11.Runnin' Away
12.Thank You For Talkin' to Me Africa
13.Runnin' Away
14.My Gorilla Is My Butle
15.Do You Know What?
16.That's Pretty Clean
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208. Marvin Gaye – What’s Going On (1971)
Un álbum fundamental para entender la música y que además está considerado por la crítica como uno de los mejores que se han grabado jamás. What's Going On es un álbum grabado por cantante de soul norteamericano Marvin Gaye. Lanzado el 21 de mayo de 1971 What's Going On significó el inicio de una nueva tendencia en la música soul. Con letras intimistas acerca del abuso de drogas, la pobreza y la guerra de Vietnam, el álbum fue una sensación inmediata y ha permanecido como un clásico del soul. Constantemente es nombrado en encuestas como una de las grabaciones fundamentales en la historia de la música pop y es considerado una de los más grandes grabaciones de todos los tiempos. Por ejemplo ocupó el sexto lugar en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y en 1999 una encuesta de críticos conducida por el diario británico Guardian/Observer lo nombró como "El más grande álbum del siglo XX".
El productor fue el propio Marvin Gaye. What's Going On es una álbum concepto que consiste de nueve canciones (todas las cuales excepto la primera están ligadas) vistas desde el punto de vista de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a Estados Unidos, el país por el cual ha estado peleando y no ve más que injusticia, sufrimiento y odio. Gaye parece haberse inspirado en la experiancia de su hermano que pasó tres años en el ejército durante la guerra de Vietnam.
1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love (Album Version)
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Single Version)
11. Sad Tomorrows
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209. Yes – Yes Album (1971)
Yes fue una de la bandas más importantes de rock progresivo surgido en la Gran Bretaña de finales de los años 60. Su capacidad virtuosa y su temática con trazos mítico-místicos ayudaron a fundamentar varias de las bases del mejor sonido progresivo. Comenzaron su andadura en 1968, año en el que actuaron de teloneros en la gira de despedida del mítico trío Cream. Sucesivas actuaciones en diferentes clubs británicos lograron que Atlantic se fijara en ellos para editarles sus primeras grabaciones.
El título es de lo menos original que pueda tener un disco, pero la música que contiene es maravillosa. Acá están los primeros éxitos de la más exitosa de las bandas progresivas: Yours Is No Disgrace, Your Move, I've Seen All Good People, todas con un trabajo de voces impresionante, con Jon Anderson a la cabeza, y el bajista Chris Squire, que es un superdotado tanto en las 4 cuerdas como en su garganta... juntos fueron los creadores de ciertas armonías vocales que son marca registrada de Yes. La formación la completaban Tony Kaye (posteriormente reemplazado por Rick Wakeman) y el maestro de maestros Bill Bruford (también integrante de King Crimson y Genesis), una eminencia de la batería y la percusión en general. Párrafo aparte para la increible The Clap (en vivo), que es una interpretación de guitarra acústica que demuestra porque Steve Howe tiene tanto peso en la historia de las 6 cuerdas. Yes logra en este disco definir su estilo que... si, probablemente, lo desarrollen mejor en álbumes posteriores como "Fragile" y "Close To The Edge", pero este es en mi opinion el más accesible.
Convengamos que el Rock Progresivo, se excedió demasiado en complejidad y terminó quedando como un recuerdo lindo de una época en la que esta música, super compleja, llenaba estadios.
01. Yours Is No Disgrace
02. Clap
03. Starship Trooper
04. I've Seen All Good People
05. A Venture
06. Perpetual Change
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210. Bee Gees – Trafalgar (1971)
Coronados comercialmente en la fiebre discotequera de la década de los 70, los Bee Gees habían mostrado mucho antes un extraordinario talento para la creación pop, a veces barroca, otras psicodélica, siempre melódica, en canciones ensalzadas por sus armonías a tres voces y una elevada sensibibilidad en el concepto compositivo. Este talento les permitió con el paso de las décadas redifinir sus sonidos, aclimatarse a diferentes estilos y alcanzar un espectacular éxito a nivel mundial, que convirtió al terceto en toda una institución dentro de la música popular. Trafalgar es el séptimo álbum de estudio de The Bee Gees, lanzado en septiembre de 1971. El álbum fue relativamente un hit en los Estados Unidos al alcanzar la posición #34. El single principal "How Can You Mend a Broken Heart?" fue el primero en alcanzar la posición #1 en las listas del país americano.
01. How Can You Mend A Broken Heart
02. Israël
03. The Greatest Man In The World
04. It's Just The Way
05. Remembering
06. Somebody Stop The Music
07. Trafalgar
08. Don't Wanna Live Inside Myself
09. When Do I
10. Dearest
11. Lion In Winter
12. Walking Back To Waterloo
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211. The Who – Who’s Next (1971)
Monumental obra del cuarteto británico The Who, que tras abandonar un brillante ciclo de lucidez artística durante los años 60 se abría paso en el siguiente decenio con este apabullante álbum de naturaleza agridulce, irónica y combativa, tonalidades creadas por Pete Townshend y enfatizadas por la agresiva vocalidad de Roger Daltrey, la fibrosa guitarra de su citado autor principal, y la impetuosa sección rítmica de John Entwistle y Keith Moon.
El disco, que estaba proyectado en principio como una ópera-rock denominada "Lifehouse", muestra la capacidad imaginativa de Pete Townshend en la construcción piezas de rock clásico, con un espléndido y novedoso empleo de sintetizadores que acentúan la fortaleza instrumental de la banda en uno de sus momentos más álgidos.
Desde el himno "Baba O'Riley", pieza dedicada al mentor espiritual de Pete Townshend que expone a la perfección el esquema musical de los Who en este album, con ese hipnótico sintetizador horadando una canción concluida por el violín de Dave Arbus, hasta el orgiástico final de "Won't get fooled again", canción de incisivo comentario político, el álbum es un tratado magistral de inmortal rock con variada expresión emocional y arrebatante disposición sonora.
En medio de estos dos cortes hallamos clásicos temas de aguerrida textura como "Bargain", calmadas piezas de sentida ejecución como "Song is over" y "Getting in tune" (ambas con el piano del omnipresente músico de sesión Nicky Hopkins), poderío acústico en "Love ain't for keeping" o "Goin' mobile", la bellísima y triste balada "Behind blue eyes", pieza con guitarra acústica y armonías vocales que alcanza un acerado clímax eléctrico antes de templar de nuevo su tempo y retomar las pautas sónicas iniciales, o la gloriosa composición del bajista Entwistle "My wife", todo un miramiento sarcástico a las infidelidades matrimoniales.
Considerado por muchos como el mejor álbum del grupo, Who's Next fue nombrado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto #13, y por la revista musical Rolling Stone, alcanzando la posición #28. Tras su publicación, fue considerado como el mejor álbum del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice.
El álbum aparece en el puesto 15 de la lista de los 100 mejores álbumes de los años 70, elaborada por Pitchfork Media. En 2006, Who's Next fue elegido por la revista TIME como uno de los cien mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife (Entwistle)
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Pure and Easy
11. Baby Don't You Do It (Holland-Dozier-Holland)
12. Naked Eye
13. Water
14. Too Much of Anything
15. I Don't Even Know Myself
16. Behind Blue Eyes
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212. Carole King – Tapestry (1971)
"Tapestry" es sin duda la obra maestra de Carole King: 4 premios grammy y 15 semanas en el número uno lo avalan. Dominado por la calidez de su piano, "Tapestry" pasará a la historia por ser uno de las mejores creaciones femeninas de la música moderna. La protagonista no podía ser otra que la talentosa Carole King, responsable de multitud de reputados temas pop en los años 60 como "The locomotion" o "Chains", por decir un par de ellos.
Su trasvase de compositora a cantautora se realizó en los 70 y este trabajo muestra su enorme habilidad en la tarea de ejecución y escritura.
Desde la rítmica "I feel the earth move" hasta la soulera "(You make me feel like) A natural woman", canción que Carole había escrito para Aretha Franklin, el disco es un auténtico catálogo de clásicos y un recorrido de anclaje mayoritariamente romántico.
Las extraordinarias "So far away", "It's too late", "Beatiful" o las nuevas versiones de sus temas "You've got a friend", que había compuesto para James Taylor (cantautor que colabora en el disco con su guitarra acústica), "Will you love me tomorrow", presentado en formato balada como contrapunto a la original de las Shirelles o la citada "(You make me feel like) a natural woman", producidas por Lou Adler, el artífice de discos de gente como Mamas & The Papas, Scott McKenzie o Spirit, son elementos básicos de un álbum ineludible para los amantes de las composiciones pop de espíritu soul bien construídas y elaboradas desde un maduro punto de vista.
01 I Feel The Earth Move
02 So Far Away
03 It's Too Late
04 Home Again
05 Beautiful
06 Way Over Yonder
07 You've Got A Friend
08 Where You Lead
09 Will You Love Me Tomorrow?
10 Smackwater Jack
11 Tapestry
12 (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
13 Out In The Cold
14 Smackwater Jack [Live]
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213. Isaac Hayes – Shaft: Music from the Soundtrack (1971)
Isaac Hayes (Covington, Tennessee, 20 de agosto de 1942 - Memphis, Tennessee, 10 de agosto de 2008) fue un compositor, cantante, actor y productor estadounidense.
Su voz clara y potente le hizo catalizador de la explosión Stax en los 60; autor de himnos como Soul Man , inventor del soul sinfónico con Hot Buttered Soul (1969) y primer afroamericano en recibir un Oscar a la mejor banda sonora por la película Shaft (1971), que inauguraba el subgénero de la Blaxploitation.
Seguidor de la escuela del sonido Memphis, allá por los años 70, y uno de los primeros en adentrarse en el mundo del rap.Isaac Hayes participó en el famoso festival de Wattstax en 1972, gran concierto de música de los artistas afroamericanos más destacados en aquella época, concierto realizado en el Coliseo de Los Ángeles, en agosto de 1972.
Ese festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de la música soul, ya que estuvieron presentes otros destacados para aquella época como Rufus Thomas, entre otros. El festival fue considerado como el Woodstock de los afroamericanos.
Isaac Hayes interpretó con su banda el tema de la película Shaft y la ovación fue grande.El orgullo de ser negro ; aquello significó mucho porque Isaac Hayes una leyenda viva con ese tema tan celebrado. Eran tiempos de tensión, de segregación racial en EE. UU., por todo lo que había pasado: el asesinato de Martin Luther King, el movimiento por los derechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir y luchaba por su reivindicación.
1. Shaft
2. Bumpy's Lament
3. Walk From Regio's
4. Ellie's Love Theme
5. Shaft's Cab Ride
6. Cafe Regio's
7. Early Sunday Morning
8. Be Yourself
9. Friend's Place
10. Soulsville
11. No Name Bar
12. Bumpy's Blues
13. Shaft Strikes Again
14. Do Your Thing
15. End Theme
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214. Allman Brothers – At Fillmore East (1971)
Legendaria formación estadounidense de los años 70, epítome del rock sureño por su apasionante mezcolanza de estilos anclados en las raíces de la música americana. Rock, blues, soul y country predominantemente pero sin dejar de lado otros sonidos como el jazz, el gospel o la música clásica, son la base de esta esencial banda, cuya mayor característica son sus arrebatadoras y nada autocomplacientes jams en directo. En 1971 publicaron su trabajo más popular y uno de sus cimas como grupo, el doble álbum en directo grabado en Nueva York "At The Fillmore East" (1971).
Sus excitantes conciertos, plagados de largas pero nada pesadas jams, pueden ser paladeados en este gigantesco disco de blues rock con querencia jazz que cuenta con temas de la talla de "Statesboro blues" o "Whipping post". Este trabajo consolidó a los Allman Brothers como una de las mejores formaciones de los Estados Unidos en su época y logró unos estupendos resultados comerciales. At Fillmore East es sin dudas uno de los mejores discos en vivo de la historia del rock
Esta situación feliz duró poco para la banda, pues unas semanas después de la publicación de "At the Filmore East", Duane Allman uno de los mejores guitarristas de la historia ,fallecía a causa de un accidente de moto el 29 de octubre de 1971.
Disc one
1.Statesboro Blues
2.Trouble No More
3.Don't Keep Me Wonderin'
4.Done Somebody Wrong
5.Stormy Monday
6.One Way Out
7.In Memory of Elizabeth Reed
8.You Don't Love Me
9.Midnight Rider
Disc two
1.Hot 'Lanta
2.Whipping Post
3.Mountain Jam
4.Drunken Hearted Boy
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215. Rolling Stones – Sticky Fingers (1971)
Sensacional álbum de sus majestades stonianas con portada del artista neoyorquino Andy Warhol.
Es un disco esencial de rock con trazos blues y country revistiendo materias alucinógenas y avidez sexual con cimbreantes ritmos de naturaleza negra.
"Sticky Fingers" es un impresionante viaje sonoro que nos machaca con apabullantes riffs eléctricos, apasionadas travesías acústicas, extraordinarias baladas emocionales y alguna pieza de ejecución narcótica. La interactuación instrumental es magnífica entre unos excelentes músicos a los que se les une el saxo de Bobby Keyes, los pianos de Ian Stewart, Jack Nitzsche, Jim Price y Nicky Hopkins, la guitarra de Ry Cooder, las cuerdas de Paul Buckmaster o la percusión del mismísimo productor, Jimmy Miller.
El álbum es una obra maestra de principio a fin, con piezas indelebles como "Brown Sugar", "Sway", "Sister Morphine" (compuesta junto a Marianne Faithfull), "Wild Horses", "Bitch", "Dead Flowers" o "Can't you hear me knocking"... pasajes clásicos de una banda inmortal.
Debutó en el número 1 de las listas de los álbumes más vendidos de Billboard y se convirtió posteriormente en una gran éxito comercial. El disco recibió muy buenas críticas, llegando a ser considerado por la crítica musical como uno de los mejores materiales de la banda.
1. Brown Sugar
2. Sway
3. Wild Horses
4. Can't You Hear Me Knocking
5. You Gotta Move
6. Bitch
7. I Got The Blues
8. Sister Morphine
9. Dead Flowers
10. Moonlight Mile
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216. John Lennon – Imagine (1971)
Con "Imagine" John Lennon obtuvo el mayor éxito crítico y comercial de su andadura en solitario. Lo cierto es que si juntamos este disco y "Plastic Ono Band" obtendremos lo mejor del repertorio del genio de Liverpool en su etapa post-Beatle.
Lennon siempre fue un gran admirador del legendario productor y compositor Phil Spector y de nuevo, tras haber colaborado con él en "Plastic Ono Band" volvió a solicitar sus servicios para la producción de "Imagine".
La inmortal obra maestra que titula el álbum representa claramente en su brillante texto el idealismo de su autor, la deliciosa "Crippled inside" flirtea con el music-hall, "Jealous Guy" (que John en un principio había escrito para el álbum blanco de los Beatles), "Oh my love" y "How?" son impresionantes baladas de base pianística que justifican su supremacía en ese campo (sólo comparable a la de su colega Paul McCartney); su sentimiento rockero aflora en las excelentes "It's so hard", "Give me some truth" y en la hipnótica "I don't want to be a soldier".
Paul McCartney es objeto de un severo ataque en "How do you sleep?", tema que pone de manifiesto la poca cordial relación existente entre ambos por aquella época, y para despedir el disco Lennon escoge un sensacional corte donde una vez más rinde su perpetuo homenaje a su esposa, "Oh Yoko".
Indispensable álbum para entender la carrera en solitario de un hombre irrepetible. En sus créditos aparecen nombres com Klaus Voorman, Nicky Hopkins, Alan White o George Harrison, entre otros.
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon. En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It's So Hard
5. I Don't Wanna Be A Soldier Mama
6. Give Me Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
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217. The Beach Boys – Surf’s Up (1971)
Con Brian Wilson a la cabeza, uno de los grandes genios de la composición y producción del siglo XX, los Beach Boys se convirtieron en la formación pop más importante de los EEUU y en uno de los conjuntos más influyentes, innovadores y admirados de la historia de la música moderna gracias a sus maravillosas y embelesadoras melodías y armonías. En un período de su carrera en el que Brian Wilson por problemas físicos y sobre todo psíquicos, achacables a su adicción a las drogas, había delegado el liderazgo creativo en el resto de sus compañeros , los Beach Boys no se resintieron en absoluto de esta circunstancia y continuaron editando notables álbumes plagados de sensacionales y placenteros momentos.
Es el caso de este trabajo de engañoso título, que nos abre sus puertas con la sublime delicadeza de la encantadora "Don't Go Near the Water", firmada por Mike Love y Al Jardine. Jardine también participa en otros dos temas de características totalmente opuestas, como la desenfadada "Take a load off your feet", y el estupendo corte de rasgos menos jubilosos titulado "Looking at tomorrow".
Bruce Johnston toma las riendas en la melosa "Disney girls", mientras que Carl Wilson saca a relucir lo mejor de sí mismo en glorias (compuestas junto a Jack Rieley) que bien podrían llevar la rúbrica de su hermano mayor como "Long promised road" y "Feel Flows" (uno de los momentos cumbres del disco).
Incluso en "Student demonstration time" (un remiendo de un viejo tema de los compositores Leiber/Stoller titulado "Riot in the cell block number nine" al que Mike añadió nuevo texto) se atreven y con excelentes resultados con el blues, un estilo alejado de los cimientos musicales de los míticos chicos playeros.
La recta final del álbum es cosa de Brian Wilson, quien vuelve a demostrar por qué es uno de los más grandes genios de la música moderna al brindarnos tres insuperables dosis de inspiración iniciadas con "A day in the life of a tree", una canción dotada de una atmósfera oscura y tétrica de escaso acompañamiento musical, todo lo contrario que "Till I die", maravilla donde vuelven a hacer virguerías con su dotadas e imitadas voces.
La canción homónima del LP, recuperada de sus grabaciones de "Smile", es la guinda perfecta de este apetitoso pastel sónico que querrás degustar una y otra vez.
01 - Don't go near the water
02 - Long promised road
03 - Take A Load Off Your Feet
04 - Disney Girls (1957)
05 - Student demonstration time
06 - Feel flows
07 - Lookin' at tomorrow (a welfare song)
08 - A day in the life of a tree
09 - 'Til I die
10 - Surf's up
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218. Yes – Fragile (1971)
Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. Se le conoce principalmente por la canción "Roundabout", que fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en una versión editada. Este fue el primer álbum de Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento de la banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos lados del Atlántico.
Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971. Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovechar el aun creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album.
A diferencia de los primeros lanzamientos de Yes, este álbum pone en primer plano los talentos de cada miembro de la banda como solista. "Cans and Brahms" es una pieza de Johannes Brahms con un arreglo de Rick Wakeman; "We Have Heaven" es un solo de Jon Anderson, en el que el vocalista interpreta múltiples partes vocales sobrepuestas (una técnica que después usaría en su primer disco como solista Olias of Sunhillow); por otro lado, "Five Per Cent For Nothing", "The Fish" y "Mood For A Day" son los solos de Bill Bruford, Chris Squire y Steve Howe, respectivamente. El resto de las canciones contienen la participación de todo el grupo.
1. Roundabout
2. Cans And Brahms
3. We Have Heaven
4. South Side Of The Sky
5. Five Per Cent For Nothing
6. Long Distance Runaround
7. The Fish (Schindleria Praematurus)
8. Mood For A Day
9. Heart Of The Sunrise
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219. Doors – LA Woman (1971)
L.A. Woman es la última pieza de la discografía de The Doors en la cual participa Jim Morrison, quien supuestamente moriría en París tres meses después de la grabación. Después de este disco habrían algunos intentos de los demás integrantes por continuar con la banda (grabando música encima de unas cintas de poemas recitados por Morrison). Obviamente que también salieron al mercado todo tipo de recopilaciones, ediciones de recitales y demás.
La grabación de L.A. Woman fue bastante complicada. El nerviosismo de Jim, sumado al descontento y abandono de la producción por parte de Paul A. Rothchild (productor de todos sus discos anteriores) provocaron que las canciones tuvieran que ser registradas en una especie de estudio improvisado en el lugar donde ensayaba la banda. Este álbum se aleja mucho del estilo que venían haciendo y se vuelca en el blues y rhythm & blues. La idea que tenían por ese entonces era volver a esas raíces musicales.
A pesar del abrupto cambio, este trabajo tuvo muchísimo éxito (muchos lo consideran el mejor en toda su carrera). Como temas más representativos pueden citarse Love Her Madly, L.A. Woman y Riders On The Storm.
1 - The Changeling
2 - Love Her Madly
3 - Been Down So Long
4 - Cars Hiss By My Window
5 - L.A. Woman
6 - L'America
7- Hyacinth House
8 - Crawling King Snake
9 - The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)
10 - Riders On The Storm
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220. Can – Tago Mago (1971)
Tago Mago es el tercer álbum de estudio de Can (banda alemana del movimiento Kraut Rock), editado en 1971. Originalmente era un álbum doble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentemente considerado su álbum más importante, ya que es su álbum más experimental y arriesgado y el más influyente. Tago Mago incluye tracks como "Aumgn", un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupa toda una cara del vinilo); y "Peking O", otra pieza de avantgarde donde el vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene con vocalista, y el primero que lo tiene como el único) es gran protagonista. También se destaca "Halleluwah", un jam de 18 minutos (que también ocupaba toda un lado) con influencia de funk, basado en la repetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se ha convertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y ha recibido muy buenas críticas. No es un clásico porque es y fue totalmente anacrónico, ajeno e imbuido al mismo tiempo del espíritu de los adorados 60s. Y finalmente, no es un clásico porque, al ser totalmente anacrónico, no le ha quedado otra que ser eternamente actual. Hoy yo puedo hablar de él como de un disco que apenas salió ayer en los listados de cualquier pagina web especializada en buena música. Quizás Can haya creado con este disco lo más parecido a un anti-clásico. "Tago Mago" no es una influencia y a veces ni siquiera es un disco; es una variación compositiva que debe implicar de por sí otra creación bajo otros nombre de grupo o artista.
1. Paperhouse
2. Mushroom
3. Oh Yeah
4. Halleluwah
5. Aumgn
6. Peking O
7. Bring Me Coffee Or Tea
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221. Elton John – Madman Across the Water (1971)
Sin duda alguna, uno de los artistas de pop-rock de más éxito de las últimas tres décadas es Reginal Kenneth Dwight, alias Elton John -por sus colegas de Bluesology Elton Dean y John Baldry- (nacido el 25 de marzo de 1947 en Middlesex), un músico de mucho talento (comenzó a tocar desde muy niño el piano) y con gran capacidad de versatilidad que inició su carrera como componente de Bluesology a principios de los años 60, grupo de acompañamiento de estrellas de la época como Doris Troy.
Madman Across the Water, cuarto álbum de Elton John, una joya del año 1971, Incluye el hit "Tiny Dancer" (que Cameron Crowe rescató para Casi Famosos) y ocho temas más, todos impecables. Desbordantes de belleza en las melodías y bien cantadas por Elton.
Lo acompañan aquí algunos de sus músicos habituales (Nigel Olsson, por ejemplo) y otras grandes, como Rick Wakeman (otrora tecladista de Yes). Las letras están todas escritas en colaboración con el ya mítico Bernie Taupin. Este album alcanzo en Gran Bretaña el lugar #41 de las listas, siendo en Estados Unidos donde obtuvo más éxito, llegando hasta el #8 del Billboard 200.
1. Tiny Dancer
2. Levon
3. Razor Face
4. Madman Across the Water
5. Indian Sunset
6. Holiday Inn
7. Rotten Peaches
8. All the Nasties
9. Goodbye
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222. Dolly Parton – Coat of Many Colors (1971)
Excelente cantante, compositora y actriz, Dolly Parton ha representado una bocanada de renovación entre las cantantes country aparecidas a fines de los años ‘60, con un aire y estilo desenfadado y una simpatía sin igual, lo que le ha permitido posicionarse como una de las seis referentes femeninas más influyentes de estilo musical. Dolly fue la cuarta hija de un total de 12 hermanos nacida del matrimonio compuesto por Robert Lee Parton (granjero y obrero de la construcción) y Avie Lee Owens. Junto a sus hermanos Stella, Floyd y Randy, fueron los únicos integrantes de la familia que se dedicaron de lleno a la música (Stella y Randy como cantantes y Floyd como compositor).
Coat of Many Colors de 1971 es un ejemplo perfecto de la brillante labor que Parton estaba grabando durante estos últimos años. La canción que da título al álbum es prueba de la brillantez de Parton como compositor, la captura de la agitación emocional de su infancia a través del descubrimiento de la memoria de un adulto nostálgico. Parton posee tanto la voz de una niña confundida y de una mujer conocedora, subrayado por la guitarra acústica, una luz, ritmo suave, y toques de de órganos y armonías gospel de fondo. El resto de las canciones del álbum, dicen las historias humanas en un idioma sencillo.
1. Coat of Many Colors
2. Traveling Man
3. My Blue Tears
4. If I Lose My Mind
5. Mystery of the Mystery
6. She Never Met a Man (She Didn't Like)
7. Early Morning Breeze
8. Way I See You
9. Here I Am
10. Better Place to Live
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223. Don McLean – American Pie (1971)
"American Pie" es un influyente álbum donde se desprende la canción del mismo nombre, al más puro estilo folk rock y escrita por el cantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el día que murió la música". En el año 1971 fue grabada y lanzada. El sencillo se mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad de Estados Unidos durante dos semanas en 1972.
La canción hace referencia a la historia del rock and roll, comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 hasta el año 1970.
La letra de la canción causa mucha curiosidad. Aunque McLean dedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos que viajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por su nombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "American Pie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez". Posteriormente, declaró de forma más seria: "Encontrarán muchas 'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamento dejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que los compositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo un silencio digno".
La importancia de "American Pie" para el patrimonio musical y cultural fue reconocida por el proyecto educativo "Songs of the Century" (Canciones del Siglo) que la posicionó en el número cinco de las canciones del Siglo XX.
1. American Pie
2. Till Tomorrow
3. Vincent (Starry, Starry Night)
4. Crossroads
5. Winterwood
6. Empty Chairs
7. Everybody Loves Me, Baby
8. Sister Fatima
9. The Grave
10. Babylon
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224. Emerson, Lake & Palmer – Tarkus (1971)
Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del virtuoso estilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásica que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (nacido el 1 de noviembre de 1944 en Lancashire), que había pasado por diversos grupos, entre ellos The Nice; el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (nacido el 10 de noviembre de 1948 en Dorset), quien fue parte integrante de King Crimson; y el batería Carl Palmer (nacido el 20 de marzo de 1951 en Birmingham), que había dejado el grupo Atomic Rooster.
"Tarkus" (1971), el segundo disco del supergrupo, alcanzó en el Reino Unido el número 1 y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, con una primera cara dominada por una extensa suite. El álbum era un trabajo conceptual basado en Tarkus, una mixtura entre tanque y armadillo enfrentado a un personaje mitológico denominado Manticore, monstruo con cabeza de hombre, cuerpo de león y cola de escorpión.
1. Tarkus Medley: Eruption/Stones of Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battlefield/Aquatarkus
2. Jeremy Bender
3. Bitches Crystal
4. The Only Way (Hymn)
5. Infinite Space (Conclusion)
6. A Time and a Place
7. Are You Ready Eddy?
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225. Led Zeppelin – IV (1971)
El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.
Extraordinario disco de una banda extraordinaria, epítome de su habilidad para entresacar sudorosas composiciones de inspirada y rocosa arquitectura sonora y elevarlas a inmortales himnos rock de punzante ejercicio rítmico y exaltada escritura.
Tres inmejorables instrumentistas que habían aprendido todo sobre el negocio en sus largos años como músicos de sesión y uno de los grandes frontman de la historia del rock nos regalan un soberbio trabajo impregnado de rock, blues y folk, no en vano la utilización de Sandy Denny como apoyo vocal de Robert Plant en la medievalista y tolkieniana "The battle of evermore".
"Rock and roll", un homenaje al rock de los 50; "When the leeve breaks" , canción de poso blues con una rotunda batería de Bonham; "Misty Mountain Hop", festiva composición donde satirizan el mundo hippie, "Black Dog", un poderoso tema hard-rock con una atronadora guitarra de Page ; el folk acústico a lo Neil Young o Joni Mitchell de "Going to California" o la monumental, épica y críptica "Stairway to heaven" son otros temas esenciales de un álbum demoledor de penetrantes e imaginativas texturas, clave en la evolución del rock. Con éste disco, me atrevo a decir que definieron el hard-rock de los '70, con un Jimmy Page conduciendo a la banda a base de riffs monolíticos como nunca antes se había visto en una banda.
Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin. Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Este álbum, fue el LP más vendido de la banda y actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).
1. Black Dog
2. Rock and Roll
3. The Battle of Evermore
4. Stairway To Heaven
5. Misty Mountain Hop
6. Four Sticks
7. Going to California
8. When the Levee Breaks
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by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under
1001 discos que debes escuchar antes de morir (4 Parte)
Dusty Springfield es una de las grandes voces de pop-soul surgidas en la Gran Bretaña de los años 60, de gran calado sensitivo y efecto melodramático, su excepcional voz sobrepasa una glamourosa estampa del Swinging London para expandir sus ejecuciones pop con piezas blues, jazz y especialmente soul, convirtiéndose en la mejor vocalista blanca del estilo en toda su historia.
Amante de la música afroamericana, Dusty presentó en 1965 el programa “The sound of Motown”, emisión televisiva que le sirvió para popularizar en su país su música favorita, el soul derivado de la legendaria factoria musical de Berry Gordy Jr.
A partir de 1967, con la irrupción de nuevos caminos sonoros, como la psicodelia y el rock progresivo, la música de Dusty perdió interés en el Reino Unido, hecho que aprovechó la rubia vocalista para cambiar de rumbo.
Fichó por Atlantic y grabó con la ayuda de Tom Dowd, Jerry Wexler y Arif Mardin su obra cumbre, “Dusty in Memphis” (1969), álbum en el cual aparecía el conocido tema “Son of a preacher man” (número 10 en el Billboard), una canción escrita por John Hurley y Ronnie Wilkins que al año siguiente fue versionada por Aretha Franklin.
1. Just a Little Lovin'
2. So Much Love
3. Son of a Preacher Man
4. I Don't Want to Hear It Anymore
5. Don't Forget About Me
6. Breakfast in Bed
7. Just One Smile
8. Windmills of Your Mind
9. In the Land of Make Believe
10. No Easy Way Down
11. I Can't Make It Alone
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152. Elvis Presley – From Elvis in Memphis (1969)
En la etapa entre 1961 y 1968, Elvis había conseguido triunfar tanto en el cine como la música. Con el tiempo, sin embargo, la popularidad de Elvis empezó a decaer. Al mismo tiempo, la invasión de la música británica en 1963, que se vio empujada al éxito en los años 50 precisamente gracias al éxito del norteamericano, empezó a dañar la carrera de Elvis, lo mismo que ocurrió con el éxito que alcanzaron otros artistas estadounidenses. Grupos como The Beatles, The Rolling Stones y The Doors, y cantautores como Bob Dylan entraron a formar parte del mundo de la música, y se convirtieron en una nueva alternativa para los fans más jóvenes. En 1968, las cosas cambiaron cuando Elvis protagonizó un espectacular regreso.
La increíble reacción del público y las excelentes críticas que recibió aquel especial animaron a Elvis a intentar recuperar la posición de líder en el mundo de la música. Para empezar, cambió su estilo de grabación por primera vez en casi una década. Dejó a un lado los estudios de Nashville que fueron su hogar entre 1960 y 1968, y un mes después de la emisión de aquel famoso especial televisivo de 1968 empezó a grabar en Memphis, contando además con un nuevo grupo de músicos. De nuevo, Elvis se resistía a dejarse encasillar por las barreras musicales de su época, y se volcó en el desarrollo de un estilo propio.
Lo mismo que hizo con las canciones que interpretó tras su regreso del servicio militar, From Elvis in Memphis, el álbum que publicó en 1969 incluía varios géneros muy distintos entre si. El disco ofrecía nada menos que 12 personalidades musicales totalmente independientes. Apoyado por el éxito de los singles “In The Ghetto” y “Suspicious Minds”, las canciones contaban además con letras más maduras y con un mayor compromiso social. Elvis acababa de iniciar una nueva e importante etapa de su carrera.
1. Wearin' That Loved on Look
2. Only the Strong Survive
3. I'll Hold You in My Heart (Till I Can Hold You in My Arms)
4. Long Black Limousine
5. It Keeps Right on A-Hurtin'
6. I'm Movin' On
7. Power of My Love
8. Gentle on My Mind
9. After Loving You
10. True Love Travels on a Gravel Road
11. Any Day Now
12. In the Ghetto
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153. Velvet Underground – Velvet Underground (3rd Album) (1969)
Uno de los grandes grupos de todos los tiempos, poco valorado en su época, su roturación vanguardista, aridez y crudeza lírica y exploración sonora en territorios del pop y el rock influyó decisivamente en el desarrollo posterior de la música moderna, ya que sin su presencia artística, movimientos como el punk o grupos de diferentes sonidos alternativos jamás hubiesen surgido.
Sin el principal motor vanguardista de la banda y con el predominio casi total de Reed en el diseño sonoro, la Velvet Underground publicaría su tercer disco, el homónimo "The Velvet Underground" (1969), un Lp espléndido, mucho más asequible y relajado que sus anteriores propuestas y repleto de fenomenales canciones de cuidadas melodías como "Candy says", "Pale blue eyes", "Beginning to see the light" o "Jesus".
1. Candy Says
2. What Goes On
3. Some Kinda Love
4. Pale Blue Eyes
5. Jesus
6. Beginning to See the Light
7. I'm Set Free
8. That's the Story of My Life
9. Murder Mystery
10. After Hours
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154. Quicksilver Messenger Service – Happy Trails (1969)
Banda de acid-rock estadounidense que tampoco desdeñó el folk, el blues y el jazz. Se formó a mediados de los años 60 en San Francisco. Aposentaba sus virtudes musicales en la interacción virtuosa de sus instrumentistas, en especial de los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan. El germen de Quicksilver Messenger Service es obra del cantautor Dino Valenti, quien junto al citado Cipollina a las seis cuerdas, Jim Murray a la voz y armónica, David Freiberg al bajo y Casey Sonoban a la batería (Skip Spence también participó en la formación del grupo aunque estuvo muy poco tiempo) intentaron abrirse camino en la ciudad californiana en el año 1965.
Tristemente, Valenti fue condenado por posesión de drogas a los pocos meses de la formación de la banda y tuvo que abandonar durante varios años el grupo.
En 1969 publicaron "Happy Trails" (1969), un disco en directo que se convertiría en su LP más recordado, principalmente por su larga versión del "Who do you love", tema escrito por una de sus máximas influencias, el pionero del R&B y el rock'n'roll Bo Diddley, conduciendo las clásicas pautas guitarreras de Diddley a sus postulados psicodélicos. El álbum tiene una bonita portada realizada por George Hunter.
01. Who Do You Love - Part 1
02. When You Love
03. Where You Love
04. How You Love
05. Which Do You Love
06. Who Do You Love - Part 2
07. Mona
08. Maiden Of The Cancer Moon
09. Calvary
10. Happy Trails
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155. Led Zeppelin – Led Zeppelin (1st Album) (1969)
Surgidos a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock. Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su básica sonoridad hard-rock y a su lírica de rasgos místicos y mitológicos, una heterogénea disposición sónica, embebida en su naturaleza rock de las tradicionales pautas del blues y de la tibieza acústica del folk británico.
Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, el country e incluso el reggae. Aparte de esta marcada versatilidad en cuanto a influencias musicales se refiere, Led Zeppelin demostró en su repertorio una musicalidad tal, que bien puede representar el valor de la dinámica musical en el género de la música clásica, que corresponde con formas y composiciones muy estructuradas, y que dejan en evidencia la capacidad de adaptar conceptos compositivos como el contrapunto, característico en la música desde el periodo barroco.
Después de actuar con éxito en clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo publicaría en Atlantic “Led Zeppelin” (1969), un extraordinario Lp debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda. Su fornido y épico muestrario de blues-rock, folk, psicodelia y hard rock conquistaron a la audiencia gracias a temas como “Communication breakdown”, “Dazed and confused”, “Good times” o “Babe, I’m gonna leave you”.
Más de veinticinco años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo,2 incluidos 109 millones sólo en los Estados Unidos,2 y es la banda con más discos de diamante (otorgados cada 10 millones de ventas) de la historia de la música, junto a The Beatles.
1. Good Times, Bad Times
2. Babe I'm Gonna Leave You
3. You Shook Me
4. Dazed and Confused
5. Your Time Is Gonna Come
6. Black Mountain Side (instrumental)
7. Communication Breakdown
8. I Can't Quit You Baby
9. How Many More Times
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156. Band – Band (2nd Album) (1969)
Poco valorada su capacidad de original conjunción de músicas tradicionales americanas y su habilidad lírica, The Band se constituye como uno de los grandes grupos rock surgidos en los años 60.
La historia de la banda se retrotrae a finales de los años 50, cuando Ronnie Hawkins, un cantante de rockabilly procedente de Arkansas se asentó en Ontario, Canadá, llevando consigo al batería Levon Helm, tambien nacido en el citado estado norteamericano.
Hawkins contrató a un conjunto de jóvenes músicos que terminarían formando parte de The Hawks, cuando el grueso del grupo que acompañaba a Ronnie terminó separándose. Los nuevos Hawks eran todos de nacionalidad canadiense: el guitarrista Robbie Robertson, el bajista y vocalista Rick Danko, el pianista y vocalista Richard Manuel y Garth Hudson, un instrumentista procedente de la música clásica que se ocuparía del órgano. En 1965 se produciría un encuentro crucial para el desarrollo de la banda.
Colaborando como músicos de sesión con John Hammond Jr conocieron a Bob Dylan, con el que iniciarían una relación artística muy productiva, especialmente en las actuaciones en directo del cantautor folk, que había adoptado finalmente la sonoridad eléctrica a pesa de muchas voces contrarias a ese progreso sonoro.
Antes de la gira conjunta de 1966 y rebautizados como The Band, Levon Helm decidió no participar como simple músico acompañante de Dylan y abandonó el grupo, siendo sustituido en las baquetas por Mickey Jones. Adorados por la crítica estadounidense, The Band presentó al año siguiente su segundo trabajo en formato Lp. Con "The Band" (1969) reafirmó su gran talento para la unificación y creación de formas tradicionales con el rock, prosiguiendo el firme paso iniciado con "Music from big pink" pero con una mayor presencia en el aspecto compostivo, a diferencia de la mayor diversificación de su esfuerzo previo, del guitarrista Robbie Robertson. Algunas de las mejores canciones del disco son la excelente "The night they drove old dixie down", "Up on cripple creek", "Rag Mama Rag", "Across the great divide", "King Harvest (Has surely come)" o "The Unfaithful servant".
01. Across The Great Divide
02. Rag Mama Rag
03. The Night They Drove Old Dixie Down
04. When You Awake
05. Up On Cripple Creek
06. Whispering Pines
07. Jemima Surrender
08. Rockin' Chair
09. Look Out Cleveland
10. Jawbone
11. The Unfaithful Servant
12. King Harvest (Has Surely Come)
13. Get Up Jake
14. Rag Mama Rag
15. The Night They Drove Dixie Down
16. Up On Cripple Creek
17. Whispering Pines
18. Jemima Surrender
19. King Harvest (Has Surely Come)
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157. Led Zeppelin – II (1969)
Impresionante segundo álbum de Led Zeppelin. Si el primero exhibía su pericia en explotar con sapiencia el blues y rock de bandas y solistas como Jimi Hendrix, Cream, Willie Dixon o Jeff Beck, el segundo apuntala con firmeza su enorme contribución al mundo de la música moderna y define con autoridad su magisterio en la construcción y ejecución de piezas hard-blues-rock de alto voltaje y alternancia acústico/eléctrica.
Sus detractores les acusan a menudo de latrocinio y hurto a grandes nombres del blues pero, partiendo del fundamento de esas referencias y de la irrefutable ascendencia de esos esenciales nombres, es también innegable la instauración de un nuevo orden auditivo desarrollado en el empaque otorgado a sus raices bluesy con un trabajo arrebatador en la edificación de riffs, musculatura rítmica y sobre todo, singular creación de atmósferas, como la conseguida con el clima sexual emanado de "Whole lotta love", gran clásico (número 4 en los EEUU) en donde utilizan el theremin y en donde recogen textos del "You need love" de Willie Dixon.
Su musculado sentido del ritmo se exhibe en "Heartbreaker" (con un glorioso riff guitarrero de Page) y en el enérgico hard-rock de "Living loving maid", mientras que la pasión por el blues asoma en "Lemon song" (una canción basada en el tema "Killing Floor" de Howlin' Wolf que despliega un soberbio trabajo de Jones al bajo) o "Bring it on home" (donde recogen claros influjos de Sonny Boy Williamson).
Las baladas blues-rock destacan con "What is and what should never be" y "Thank you", hermoso tema dedicado por Robert Plant a su esposa Maureen que comparte espacios acústicos con la tolkieniana "Ramblin on". Uno de los momenos álgidos del LP es la espectacular "Moby dick", un tema derivado de una canción de Sleepy John Estes ("The girl I love, She got long curly hair"
que contiene un memorable solo de Bonzo.1.- Whole Lotta Love
2.- What Is and What Should Never Be
3.- The Lemon Song
4.- Thank You
5.- Heartbreaker
6.- Living Loving Maid
7.- Ramble On
8.- Moby Dick
9.- Bring It On Home
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158. MC5 – Kick Out the Jams (1969)
Explosivo rock’n’roll, música abrasiva y primaria con distorsión y feedback, cantantes vocingleros y actitud rebelde contra lo establecido son algunos de los semblantes sónicos del sonido Detroit, con los Stooges y MC5 a la cabeza. Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores.
Pero esta fuerza sónica no nace así como así. En los mismos se encuentran reflejos de gente como Hendrix, los Who, Stones, Cream, los Troggs o los grandes maestros del rock de los 50, en especial el impetuoso Little Richard.
Su gran momento fue cuando Elektra contrató a la banda para la grabación de un LP, el mítico “Kick out the jams” (1969), disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom.
Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier mindundi o mindundis actuales o pretéritos que se piensan que el rock ha comenzado hace dos días cuando lleva bastantes años en la UVI y financiado por multinacionales.
Torbellinos sónicos, guitarras estruendosas, baterías retumbantes, voces catárticas…un auténtico festín de devastador rock en temas como “Ramblin’ Rose”, “Kick out the jams” (número 82 en el Billboard) o “I want you right now”, tema en el cual se aprecian sus ascendencias de Troggs y Hendrix.
El LP (número 30 en los Estados Unidos) estaba producido por Bruce Botnik, conocido técnico colaborador de gente como los Doors, Love o los Beach Boys.
1. Ramblin' Rose
2. Kick Out The Jams
3. Come Together
4. Rocket Reducer No. 62
5. Borderline
6. Motor City Is Burning
7. I Want You Right Now
8. Starship
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159. The Temptations – Cloud Nine (1969)
The Temptations (Detroit, 1961), grupo de música soul, rhythm and blues y pop, aunque se han acercado igualmente a distintas fusiones de estilos musicales y al funk con cierta carga política. Fue el más importante grupo vocal masculino de los años sesenta. Estuvo inicialmente formado por cinco cantantes a partir de la fusión de dos grupos de Detroit, The Primes y The Distants. Otis Williams, Elbridge (conocido como El, o Al) Bryant y Melvin Franklin eran ya unos veteranos de la escena musical de Detroit cuando formaron the Distants, que en 1959 grabarían el sencillo "Come On" para el sello local Northern. Por las mismas fechas, the Primes, trío formado por Eddie Kendricks, Paul Williams y Kell Osborne, se trasladaron a Detroit desde su originaria Alabama. Rápidamente, obtuvieron éxito (el mánager crearía una versión en femenino, The Primettes, del que más tarde surgirían The Supremes, con Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard).
Con Cloud Nine, Motown ganó su primer Grammy en 1969 al Mejor Grupo de Rhythm & Blues, alcanzó el número 2 en las listas de R & B en los EE.UU.
1. Cloud Nine
2. I Heard It Through the Grapevine
3. Runaway Child, Running Wild
4. Love Is a Hurtin' Thing
5. Hey Girl
6. Why Did She Have to Leave Me (Why Did She Have to Go)
7. I Need Your Lovin'
8. Don't Let Him Take Your Love From Me
9. I Gotta Find a Way (to Get You Back)
10. Gonna Keep on Tryin' Till I Win Your Love
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160. Sly & The Family Stone – Stand! (1969)
Sly & The Family Stone fue una banda de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multi-instrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone). Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular. Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres, por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional.
A finales de 1968, Sly & The Family Stone editaron el sencillo Everyday People, que se conviritió en su primer número 1. Junto con la cara B, Sing A Simple Song, este disco sirvió de avanzadilla para el nuevo álbum, publicado cinco meses después, cuyo título era Stand!. Con más de tres millones de copias vendidas, lanzó al grupo a la fama, propagando además su irresistible imagen, con músicos de todas las razas y sexos, mensajes de paz, amor, tolerancia, muy en la línea del periodo hippie que se estaba cerrando; todo ello aderezado con una irresistible música de raíz soul y funk, pero contaminada con un número interminable de influencias, desde el rock al blues, desde el pop al jazz; y todo ello a través de un prisma psicodélico complejo y elaborado.
Este gran éxito hizo que Sly & The Family Stone fueran invitados a tocar en la primera edición del festival de música de Woodstock en agosto de 1969, que se convertiría a la postre en, probablemente, el más importante evento musical de la historia. Su actuación, a juicio de muchos entre lo más destacable del festival, les procuró un contacto directo con una nueva generación de jóvenes, que cayeron rendidos ante la propuesta del grupo.
1. Stand!
2. Don't Call Me Nigger, Whitey
3. I Want to Take You Higher
4. Somebody's Watching You
5. Sing a Simple Song
6. Everyday People
7. Sex Machine
8. You Can Make It If You Try
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161. Tim Buckley – Happy Sad (1969)
Pocas veces el mundo de la música engendra un talento tan brillante y polifacético. Tim Buckley, joven cantautor estadounidense nacido en 1947, se erigió como uno de los más destacados y prometedores músicos de la década de los 60, rechazando inicialmente etiquetas y modas que pudieran condicionar su inmensa obra. Hoy por hoy, haciendo balance de su corta pero prolífica carrera, sería difícil asignarle un género en especial, pues experimentó con el folk, el pop, el rock, la psicodelia y el jazz sin caer en tópicos estilísticos. Lamentablemente, y como era frecuente en esa época, la muerte nos arrebató prematuramente su voz: el 29 de junio de 1975 Tim Buckley moría por sobredosis de heroína dejando tras de sí varios discos de cautivadora y arrebatadora belleza.
Happy Sad es uno de esos maravillosos ejemplos; 6 conmovedoras canciones que reflejan el alma de un muchacho de 21 años que parecía haber vivido ya cientos de ellos. Desde el punto de vista musical, los ritmos jazzísticos predominan en este disco de lisérgica melancolía, donde la sorprendentemente versátil voz de Buckley se funde con las mágicas notas de un vibráfono en Love from room 109 at the islander o con los tribales ritmos de los tambores de Gipsy Woman. Resulta difícil encontrar hoy en día álbumes con tantos matices sonoros, donde cada escucha suponga un nuevo descubrimiento. Dream letter es, en mi opinión, la pieza clave y sin embargo resulta difícil de definir. Basta con escucharla en algún lugar tranquilo, en silencio, tal vez en la cama apunto de dormir, para comprobar que nos hallamos ante un músico extraordinario que poseía la innata habilidad de alcanzar y estremecer el alma humana.
El escaso carácter comercial de un disco de estas características supuso para Tim Buckley un escollo difícil de superar. Continuó su carrera, incrementando si cabe su afán por la constante experimentación. De hecho, me atrevería a afirmar que escuchando sus primeros discos, Happy Sad constituye una transición entre el estilo más folk de sus primeros trabajos y la adopción de un estilo barroco, donde las canciones ganan en complejidad con la aportación de nuevos instrumentos. Sin embargo, el desencanto de los escasos éxitos comerciales y sus tormentos personales le arrastraron a una vorágine de drogas y depresión que marchitaron su vida y ensalzaron su obra. Y es que, lamentablemente, tragedia y reconocimiento suelen ir de la mano; triste destino para los artistas que procuran vivir de su música.
1. Strange Feelin'
2. Buzzin' Fly
3. Love from Room 109 at the Islander (On Pacific Coast Highway)
4. Dream Letter
5. Gypsy Woman
6. Sing a Song for You
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162. Chicago Transit Authority (1969)
Chicago Transit Authority es el álbum debut de la banda Chicago. Iniciaron su carrera bajo este nombre, sin embargo un año después lo cambiaron por el de Chicago , para evitar críticas y confusiones (anteriormente fueron conocidos como The Missing Links y The Big Thing). Lanzado al mercado en abril de 1969, este LP-doble contiene 12 temas, entre los cuales se encuentran los éxitos “Beginnings” y “Does Anybody Really Know What Time It Is?”, con los que innovaron la industria de la música, siendo los primeros (junto con Blood, Sweat & Tears) en incorporar a la música rock el sonido de los metales, común de la música de Big Bands.
Este álbum fue producido por James William Guercio. La formación de la banda era: Terry Kath (guitarrista y vocalista), Robert Lamm (teclista y vocalista), Peter Cetera (bajista y vocalista), Lee Loughnane (trompetista y vocalista), James Pankow (trombonista), Walter Parazaider (saxofonista, flautista y vocalista) y, por último, Daniel Seraphine (baterista). Uno de sus mejores trabajos que resultó todo un éxito de ventas.
01.Introduction
02.Does Anybody Really Know What Time It Is?
03.Beginnings
04.Questions 67 And 68
05.Listen
06.Poem 58
07.Free Form Guitar
08.South California Purples
09.I'm A Man
10.Prologue
11.Someday
12.Liberation
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163. Fairport Convention – Unhalfbricking (1969)
Fairport Convention ha sido uno de los grupos más importantes en la historia del folk-rock británico, con acercamiento también, dentro de sus propias raíces, a postulados sónicos de la Costa Oeste estadounidense. Por su formación pasó un buen puñado de significativos nombres del estilo en Gran Bretaña, como Sandy Denny, Richard Thompson, Ashley Hutchings, etc, etc.
La banda comenzó como sexteto su andadura en 1967. En su primera encarnación estaba integrada por la cantante Judy Dyble (nacido el 13 de febrero de 1949 en Londres), el cantante Ian Matthews (nacido el 16 de junio de 1946 en Lincolnshire), el guitarrista y cantante Richard Thompson (nacido el 3 de abril de 1949 en Londres), el guitarrista y vocalista Simon Nicol (nacido el 13 de octubre de 1950 en Muswell Hill), el bajista Ashley Hutchings (nacido el 26 de enero de 1945 en Muswell Hill), y el batería Martin Lamble (nacido el 28 de agosto de 1949 en St. Johns Wood).
“Unhalfbricking” es uno de sus trabajos más inspirados y uno de sus discos mejor recibidos en ventas al alcanzar el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido. Contenía tres revisitaciones de temas de Bob Dylan, entre ellas el sencillo “Si tu dois partir” (número 21). “A sailor’s life”, pieza escrita por Richard Thompson, es una de las mejores canciones de su discografía.
1. Genesis Hall
2. Si Tu Dois Partir
3. Autopsy
4. Sailor's Life
5. Cajun Woman
6. Who Knows Where the Time Goes?
7. Percy's Song
8. Million Dollar Bash
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164. The Youngbloods – Elephant Mountain (1969)
Banda estadounidense de pop y folk-rock, que establecían un sonido muy parecido al ofertado por los Lovin' Spoonful.
Surgidos en la ciudad de Boston a mediados de los años 60, los Youngbloods estaban liderados por el bajista y cantante Jesse Colin Young, quien junto al guitarrista Jerry Corbit, el teclista Lowell Levinger (más conocido por Banana) y el batería Joey Bauer comenzaron su andadura por los clubes de la citada localidad de Massachussets y por el circuito folkie de Nueva York.
La adopción por parte de la comunidad hippie como himno de este último tema supuso que los Youngbloods cambiasen de residencia, trasladandose de costa a costa e instalandose en California, lugar en el cual publicarían "Elephant Mountain" , su Lp más recordado junto a "The Youngbloods".
Antes de cambiar Nueva York por San Francisco, el guitarrista Jerry Corbitt había abandonado la formación en plenas sesiones de grabación para iniciar una carrera en solitario. Aunque no tuvo tampoco demasiada aceptación comercial (número 118), el disco repleto de pop, folk y psicodelia se convirtió en uno de los más interesantes de su época, con grandes canciones como "Darkness, darkness", "Smug", "Beautiful" o "Sunlight".
Aquí terminaría la mejor etapa de los Youngbloods, pues poco después con la incorporación del guitarrista Michael Kane y ya grabando en su propio sello discográfico llamado Raccoon no lograrían acercarse a su sonido más inspirado.
1. Darkness, Darkness
2. Smug
3. On Sir Francis Drake
4. Sunlight
5. Double Sunlight
6. Beautiful
7. Turn It Over
8. Rain Song (Don't Let the Rain Bring You Down)
9. Trillium
10. Quicksand
11. Black Mountain Breakdown
12. Sham
13. Ride the Wild
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165. Isaac Hayes – Hot Buttered Soul (1969)
En 1969, antes de la publicación de "Hot Buttered Soul", ISAAC HAYES ya era uno de los personajes más importantes del género, aunque su nombre permaneciese ajeno a los focos, escrito en la letra pequeña de los créditos de los singles. Se trataba de uno de los productores y compositores "residentes" de Stax Records, y por ello uno de los responsables máximos en la sombra de la creación del "southern soul". Junto a David Porter había alimentado de hits de la talla de "I Take What I Want", "Hold On I´M Coming", "Soul Man" o "I Thank You" a estrellas como Sam & Dave, Johnnie Taylor, Carla Thomas...etc. Su voz más escasa que la de los grandes vocalistas de los que disfrutaba la casa y su particular aspecto no encajaban con el prototipo de figura pública y de "show-man" que, en principio, se necesitaba para tener una carrera propia. Pero su talento y olfato para componer éxitos le convirtieron poco a poco en un personaje muy poderoso dentro de la artesanal estructura de la Stax. Para finales de los años sesenta tanto él mismo como la propia Stax habían cubierto una brillantísima etapa, repleta de éxitos comerciales, pero la fórmula comenzaba a agotarse y quedarse anticuada.
Finalmente en el año 1968, con "The Isaac Hayes Movement" realiza su primer disco en solitario, que resulta completamente ignorado por las listas de ventas. Al año siguiente insiste con este segundo y ambicioso álbum, probablemente para su propio divertimento y para experimentar con elementos que en su trabajo de escritor y productor de plantilla le resultaban vedados. Graba un disco aparentemente poco comercial, con tan sólo cuatro canciones repartiéndose los 40 minutos de metraje. En su portada "Hot Buttered Soul" exhibe orgulloso la peculiar imagen de Hayes, con esa calva prominente que probablemente vetó su carrera de cantante en un principio. Y para poder ofrecer algo interesante partiendo de sus características, en ningún momento se aferra a su peculiar voz, que por el contrario sí es utilizada y dosificada con inteligencia y técnica para sobreponerse a sus limitaciones. La apuesta de Hayes es por un sonido atmosférico y "progresivo", orquestado con cuerdas y con largos desarrollos instrumentales, algunos de hasta veinte minutos. Un precedente claro de su trabajo como rey de la banda sonora de Blaxplotation en los setenta.
Pero de algún modo, aparentemente inexplicable, este álbum absolutamente ajeno a la búsqueda de hit-singles se convierte en un completo éxito de ventas. Y se considera, de hecho, el disco que hizo saltar el "soul" de la "era de los singles a la era de los L.P´s".
1. Walk On By
2. Hyperbolicsyllablicsesquedalymistic
3. One Woman
4. By the Time I Get to Phoenix
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166. Grateful Dead – Live/Dead (1969)
Festivas ceremonias embebidas de lisergia y congregación vital, sinceros hippies de San Francisco enlazados con universos clásicos de la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal.
Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la América de los años 60, The Grateful Dead.
Sus conciertos, los cuales se aposentaban en improvisados sonidos lisérgicos con largos pasajes instrumentales que, desde la psicodelia ofrecían sonidos folk, country, rock, jazz o blues, fueron acrecentando con el paso de su trayectoria un masivo seguimiento por el área de San Francisco, convirtiendo a los Dead en un grupo de culto entre sus prosélitos, denominados The Deadheads, quienes seguían a la banda por todas las localidades en las que actuaban. Live/Dead es el primer disco oficial en vivo de Grateful Dead (en su edición original en vinilo, el LP era doble). Las canciones fueron tomadas de shows realizados en el Fillmore West y el Avalon Ballroom. Sorprende la gran calidad de sonido, en especial teniendo en cuenta el año en el cual se grabó el álbum. Dark Star es la canción que abre el disco y es un monumento a la improvisación, la cual mantienen durante algo más de 23 minutos.
1. Dark Star
2. St. Stephen
3. Eleven
4. Turn on Your Love Light
5. Death Don't Have No Mercy
6. Feedback
7. And We Bid You Goodnight
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167. The Kinks – Arthur: Or the Decline & Fall of the British Empire (1969)
La sagacidad ácida de talante cínico de Ray Davies y la pujanza guitarrera de su hermano Dave son las características básicas de los Kinks, una de las bandas más importantes que florecieron en la Invasión Británica de los años 60. El vocalista líder y guitarrista rítmico Ray (nacido el 21 de junio de 1944 en Muswell Hill, Londres) y el guitarra líder Dave (nacido el 3 de febrero de 1947 en Muswell Hill, Londres) habían formado a comienzos de los años 60 un grupo denominado The Ravens, que estaba completado por el bajista Pete Quaife (nacido el 31 de diciembre de 1943 en Tavistock, Devonshire) y el batería Mickey Willet.
Tras la publicación de uno de sus mejores discos, "The Village Green Preservation Society", Pete Quaife abandonó el grupo, siendo sustituido por John Dalton, antiguo miembro del grupo mod The Mark Four, los futuros The Creation. Quaife, por su parte, formaría el grupo Maple Oak. Aunque "The Village Green..." ya denotaba un espíritu conceptual, con el magistral "Arthur (or the decline and fall of the British Empire)" (1969), un proyecto inicial para televisión en el cual los Kinks centraban todos sus temas en torno a la figura del homónimo personaje que da título al disco, una traslación ilusionante de un ciudadano medio inglés a tierras australianas en el escenario de posguerra que servía a Ray Davies para ofertar de manera cáustica trazos socioculturales e históricos de su país.
Sus últimos discos no funcionaron bien a nivel comercial en su día, pero actualmente están considerados como dos de los mejores trabajos de la banda.
1. Victoria
2. Yes Sir, No Sir
3. Some Mother's Son
4. Drivin'
5. Brainwashed
6. Australia
7. Shangri-La
8. Mr. Churchill Says
9. She's Bought a Hat Like Princess Marina
10. Young and Innocent Days
11. Nothing to Say
12. Arthur
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168. King Crimson – In the Court of the Crimson King (1969)
Definido por Pete Townshend como "una misteriosa obra maestra", "In the court of King Crimson " es una de las grandes joyas y piezas clave del rock progresivo.
De abatida tonalidad y hermosa imaginería lírica, su emulsión básica entre rock y jazz, claves psicodélicas y eclécticos ritmos, deparan algunos de los mejores tramos que ha conocido el estilo, en una demostración de cómo emplear sin jactanciosa pomposidad el mellotron, la guitarra, la batería, el bajo o los instrumentos de viento.
"21st Century Schizoid Man" es uno de los temas más importantes en la carrera de King Crimson, quizá el que mejor defina su capacidad para conjugar el hard-rock con el jazz, en un tránsito distorsionado y lleno de pujanza ácida, de espíritu acérbico y enfoque pesimista sobre la naturaleza humana, marcada por la violencia y la avaricia.
El contrapunto a la pieza que abre el Lp es "I Talk to the Wind", una bellísima balada imbuida por Pete Senfield de sensible melancolía, que Greg Lake transmite vocalmente de manera muy efectiva, ornamentado por una lastimera y maravillosa flauta.
"Epitaph" es un corte de sublime melodía que presenta un gran trabajo poético de Senfield y una afligida atmósfera, enaltecida por su proyección épica.
"Moonchild" comienza como una preciosa balada marcada por una subyugante imaginería bucólica para transformarse en un extenso muestrario jazz de infusión psicodélica y clave minimalista, que desesperará a algunos por su posible indulgencia experimental e hipnotizará a otros por su calmosa capacidad letárgica.
El LP, que dejó boquiabierto a muchos de sus coetáneos, se cierra con el título homónimo, un inolvidable corte, brillante tanto en su labor instrumental como vocal, con especial significación del mellotron de Ian McDonald, que nos retrotrae a un fascinante escenario medieval.
3. Epitaph/March for No Reason/Tomorrow and Tomorrow
4. Moonchild/The Dream/The Illusion
5. Court of the Crimson King/The Return of the Fire Witch/The Dance of the
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169. Leonard Cohen – Songs from a Room (1969)
Songs From A Room es el segundo álbum del canadiense Leonard Cohen, lanzado en 1969, y reeditado en 2007 con 2 temas extra. Para su grabación, Cohen se desplazó a Nashville, capital mundial del country. Allí se puso en manos del productor Bob Johnston, que ya había trabajado con Simon & Garfunkel, Bob Dylan y Johnny Cash. Songs from a Room supuso un éxito mayor que su álbum de debut, ya que alcanzó la posición 63 en la lista del Billboard y la número 2 en Gran Bretaña.
1. Bird on a Wire
2. Story of Isaac
3. Bunch of Lonesome Heroes
4. Partisan
5. Seems So Long Ago, Nancy
6. Old Revolution
7. Butcher
8. You Know Who I Am
9. Lady Midnight
10. Tonight Will Be Fine
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170. Fairport Convention – Liege & Lief (1969)
Volvemos la vista hoy en el Retro-Visor hasta los años sesenta para encontrarnos con el gran álbum de los británicos Fairport Convention, Liege and Lief. Con su aparición inauguraban una corriente revivalista del Folk en las Islas Británicas, si bien coétaneos suyos como The Byrds o Bob Dylan ya lo habían hecho con anterioridad en el otro lado del Atlántico. Lo cierto es que este disco supuso una auténtica bocanada de aire fresco para el panorama musical británico, volviendo a poner de moda y revisando clásicos que habrían pasado desapercibidos para muchos, añadiéndoles diversos elementos y electrificando las versiones originales de los mismos; situándose entonces en un plano parecido a unos Jefferson Airplane, Grateful Dead, Donovan, The Incredible String Band o Joni Mitchell.
En el Cd2 aparecen diversas sesiones de directo en la BBC y la versión de la Balada de Easy Rider que firmaran Roger McGuinn y sus Byrds.
1. Come All Ye
2. Reynardine
3. Matty Groves
4. Farewell, Farewell
5. Deserter
6. Medley: The Lark in the Morning/Rakish Paddy/Foxhunter's Jig/Toss the F
7. Tam Lin
8. Crazy Man Michael
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171. Scott Walker – Scott 4 (1969)
A finales de los 60, pudo haberse convertido en el nuevo Frank Sinatra. Lo tenía todo. Juventud, belleza y, sobre todo, una gran voz. Una voz grave de barítono, magnética. Prefirió seguir su propio camino, aunque estuviera plagado de sombras y prolongados silencios que no hicieron sino alimentar el culto en torno a un cantante inimitable, cuya figura ha permanecido siempre rodeada de misterio. Se ha escrito mucho de esa inclinación al aislamiento a lo Greta Garbo, de su pasión por las oscuras historias de amor que sudaba Jacques Brel, de su imagen de existencialista francés, en blanco y negro con bufanda y gafas oscuras. Lugares comunes que dan empaque al personaje pero que sólo sirven para ocultar a la persona. Porque, ¿alguien sabe quién es en realidad Scott Walker?
Mathilde', una historia de amor sadomasoquista, fue la primera de sus apropiaciones del cancionero del belga. En apenas tres años, entre 1967 y 1969, Scott Walker grabó cuatro álbumes majestuosos, simplemente titulados con un número, del uno al cuatro. En ellos combina composiciones propias con temas de Brel y estándares 'middle of the road' de Bacharach y Mancini.
Disco a disco fue emergiendo un compositor y letrista sobresaliente, dotado para plasmar emociones intensas en unas pocas palabras. «Huele a milagros y suspira cristales de colores», canta en 'Rosemary', de 'Scott 3', la breve historia de un beso entre una muchacha y un viajante. Con su tercer trabajo, se aloja definitivamente en la melancolía y la depresión. Canta a la oscuridad que subyace en el romanticismo. Valses mortuorios que ahondan en la zona oscura de la psique humana. 'Scott 4' (1969), considerada por muchos su obra maestra, sufre un batacazo comercial.
En la contraportada encontramos esta cita de Albert Camus: «El trabajo de un hombre no es sino un lento camino hacia el redescubrimiento de los rodeos del arte. Esas dos o tres magníficas y sencillas imágenes en cuya presencia abrió su corazón por primera vez». Durante la primera mitad de los 70 sigue grabando discos, sin la inspiración de antaño, por exigencias del contrato. Nunca ha dejado que se reediten. El Scott Walker cantante seguía existiendo, pero el artista había optado por el exilio.
Y después, el silencio.
1. Seventh Seal
2. On Your Own Again
3. World's Strongest Man
4. Angels of Ashes
5. Boy Child
6. Hero of the War
7. Old Man's Back Again (Dedicated to the Neo-Stalinist Regime)
8. Duchess
9. Get Behind Me
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172. Stooges – Stooges (1st Album) (1969)
Formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música moderna. Surgida a finales de los años 60, los Stooges mixturaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del venidero punk y de la posterior música independiente.
Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Osterberg, alias Iggy Pop (nacido el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton (nacido el 17 de julio de 1948), el bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería. t of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad.
Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco "Stooges" (1969), bajo producción del Velvet Underground John Cale (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield).
El LP facturaba el visceral trabajo de la formación y aunque contenía grandes clásicos como "I wanna be your dog", "1969" o "No fun", su música no estaba preparada para el consumo de la gran masa y vendió muy pobremente. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores impenitentes asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo.
1. 1969
2. I Wanna Be Your Dog
3. We Will Fall
4. No Fun
5. Real Cool Time
6. Ann
7. Not Right
8. Little Doll
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173. Alexander Spence ‘Skip’ – Oar (1969)
La historia, a estas alturas, debe de ser de todos conocida: batería original de Jefferson Airplane, se une a Moby Grape para completar una de las formaciones más prometedoras de la escena de la Costa Oeste de finales de los sesenta. Después de publicar una obra maestra como debut, los Grape sufren los irreparables errores de un mánager tan sinvergüenza como negligente, y los experimentos de "marketing" que Columbia decide realizar con ellos, convencida de su irremediable éxito (publicación simultánea de cinco sencillos para promocionarlo, por ejemplo). Spence no llega a la grabación del tercer L.P: el ácido (como a otros muchos) hace estallar violentamente su latente esquizofrenia, y debe ser ingresado en un psiquiátrico.
Spence se había mostrado como el compositor más interesante y heterodoxo de los Grape (un grupo en el que todos escribían canciones de nivel excepcional), y quizás el mejor. Cuando sale del hospital, todo ha cambiado: su esposa le ha abandonado, y las posibilidades de retornar a unos, cada vez más desgraciados Grape, se esfuman. Pese a todo, consigue que el productor de los Grape, David Rubinson le financie unas sesiones en Nashville para grabar (tocando el mismo todos los instrumentos) aquello que le viniese en gana; eso sí, con un calendario muy escaso. El producto seleccionado de esas sesiones fue publicado en 1969 por Columbia bajo el título de "Oar", y se convirtió en un disco de culto, un favorito de la crítica desde el momento de su publicación, aunque tan sólo vendiese setecientas copias en su momento.
Si un amplio colectivo de la crítica ha alabado sin moderación este disco, se debe a la libertad con la que fue elaborado; y a su carácter confesional. Pero debemos tener claro que de las ataduras de las cuales se muestra libre aquí el autor no son tanto las de los imperativos comerciales (a las cuales no creo que se plegase nunca un tipo con la personalidad tan desquiciada como la que mostró Spence desde el principio), como las del sentido común: Spence no se había curado cuando realizo este disco. La esquizofrenia se palpa, no sólo en la extravagancia de algunos de los desarrollos de los temas, sino sobre todo en las más convencionales baladas "country", porque su capacidad para alterar la propia voz llega a tales extremos, que resulta imposible identificar al cantante de este disco con el "Skip" Spence que entona sus aportaciones a los discos de los Grape.
En lo que sí que no puede haber discusión es en la absoluta fidelidad con la que "Oar" refleja el estado mental y sentimental de su autor; en esto hay pocos discos que se le acerquen. Cuando trata su situación sentimental, no introduce ni metáforas, ni ejercicios de estilo: es puramente descriptivo. Y todas las extravagancias que lo pueblan no tienen doble lectura posible: jamás volvería a necesitar LSD para tener un "trip". Acompañándolo de las letras, el disco confirma su perfección inalcanzable en este campo.
1. Light Flight
2. Once I Had A Sweetheart
3. Springtime Promises
4. Lyke-Wake Dirge
5. Train Song
6. Hunting Song
7. Sally Go Round The Roses
8. The Cuckoo
9. House Carpenter
10. Sally Go Round The Roses
11. Sally Go Round The Roses
12. Cold Mountain
13. I Saw An Angel
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174. Frank Zappa – Hot Rats (1969)
Uno de los grandes de la historia del rock. Con elevadas ansias de experimentación sonora, un punzante sentido del humor y un apego a eclécticas formas músicales, que viajan desde el rock psicodélico, a la música clásica, el doo wop, el jazz o el pop, la productiva carrera de Frank Zappa constituye uno de los pilares más interesantes y vanguardistas de la música moderna del siglo XX.
Frank Vincent Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore (Maryland), en el seno de una familia de ascendencia griega y siciliana. Su padre, amante de la guitarra, le inculcó la pasión melómana, que cultivó desde niño, escuchando todo tipo de sonidos, desde música clásica, rock'n'roll, dwo wop, pop o R&B.
"Hot Rats" (1969) supuso su segunda incursión en solitario, con un tema ("Willie The Pimp" en el que aparecía su amigo Captain Beefheart. En esta obra se cimentaban sus posturas más jazzísticas, que desarrollarían en trabajos posteriores. Está considerado uno de los mejores álbumes, sino el mejor, del género del rock, en todas sus expresiones, por su magnífico ensamble musical y su experimentación con el jazz o hasta con el rock progresivo.
1. Peaches In Regalia
2. Willie The Pimp
3. Son Of Mr.Green Genes
4. Little Umbrellas
5. The Gumbo Variations
6. It Must Be A Camel
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175. Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (1970)
Una de las varias obras maestras grabadas por la seminal banda de los hermanos Fogerty.
En el sensacional "Cosmo's factory" compartimos un recorrido por toda la erudición rockera de John, iniciada en la hipnótica "Ramble tamble", larga y penetrante pieza de hechizante sonido y pesarosa temática, continuada por estupendas revisiones de grandes de la historia de la música, como Bo Diddley, Roy Orbison, Elvis Presley o Marvin Gaye (realizando la mejor versión jamás grabada de "I heard it through the grapevine".
Además de "Ramble Tamble", las demás composiciones de John (enorme compositor, guitarrista y cantante) poseen resonancias clásicas y en muchos casos posturas antibélicas.
El rock'n'roll "Travelin' Band", la imaginaria "Lookin' out my back door", en donde extrañas criaturas bailan al ritmo de Buck Owens, la enigmática y extraordinaria "Run through the jungle", la optimista "Up around the bend", de impetuoso riff, la melódica y afligida "Who'll stop the rain" y la búsqueda vital constante de alma soul en "Long as I can see the light", hacen de este disco un trabajo imprescindible de una de las formaciones americanas más importantes de todos los tiempos.
1. Ramble Tamble
2. Before You Accuse Me
3. Travelin' Band
4. Ooby Dooby
5. Lookin' Out My Back Door
6. Run Through The Jungle
7. Up Around The Bend
8. My Baby Left Me
9. Who'll Stop The Rain
10. I Heard It Through The Grapevine
11. Long As I Can See The Light
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La sagacidad ácida de talante cínico de Ray Davies y la pujanza guitarrera de su hermano Dave son las características básicas de los Kinks, una de las bandas más importantes que florecieron en la Invasión Británica de los años 60. El vocalista líder y guitarrista rítmico Ray (nacido el 21 de junio de 1944 en Muswell Hill, Londres) y el guitarra líder Dave (nacido el 3 de febrero de 1947 en Muswell Hill, Londres) habían formado a comienzos de los años 60 un grupo denominado The Ravens, que estaba completado por el bajista Pete Quaife (nacido el 31 de diciembre de 1943 en Tavistock, Devonshire) y el batería Mickey Willet.
Tras la publicación de uno de sus mejores discos, "The Village Green Preservation Society", Pete Quaife abandonó el grupo, siendo sustituido por John Dalton, antiguo miembro del grupo mod The Mark Four, los futuros The Creation. Quaife, por su parte, formaría el grupo Maple Oak. Aunque "The Village Green..." ya denotaba un espíritu conceptual, con el magistral "Arthur (or the decline and fall of the British Empire)" (1969), un proyecto inicial para televisión en el cual los Kinks centraban todos sus temas en torno a la figura del homónimo personaje que da título al disco, una traslación ilusionante de un ciudadano medio inglés a tierras australianas en el escenario de posguerra que servía a Ray Davies para ofertar de manera cáustica trazos socioculturales e históricos de su país.
Sus últimos discos no funcionaron bien a nivel comercial en su día, pero actualmente están considerados como dos de los mejores trabajos de la banda.
1. Victoria
2. Yes Sir, No Sir
3. Some Mother's Son
4. Drivin'
5. Brainwashed
6. Australia
7. Shangri-La
8. Mr. Churchill Says
9. She's Bought a Hat Like Princess Marina
10. Young and Innocent Days
11. Nothing to Say
12. Arthur
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168. King Crimson – In the Court of the Crimson King (1969)
Definido por Pete Townshend como "una misteriosa obra maestra", "In the court of King Crimson " es una de las grandes joyas y piezas clave del rock progresivo.
De abatida tonalidad y hermosa imaginería lírica, su emulsión básica entre rock y jazz, claves psicodélicas y eclécticos ritmos, deparan algunos de los mejores tramos que ha conocido el estilo, en una demostración de cómo emplear sin jactanciosa pomposidad el mellotron, la guitarra, la batería, el bajo o los instrumentos de viento.
"21st Century Schizoid Man" es uno de los temas más importantes en la carrera de King Crimson, quizá el que mejor defina su capacidad para conjugar el hard-rock con el jazz, en un tránsito distorsionado y lleno de pujanza ácida, de espíritu acérbico y enfoque pesimista sobre la naturaleza humana, marcada por la violencia y la avaricia.
El contrapunto a la pieza que abre el Lp es "I Talk to the Wind", una bellísima balada imbuida por Pete Senfield de sensible melancolía, que Greg Lake transmite vocalmente de manera muy efectiva, ornamentado por una lastimera y maravillosa flauta.
"Epitaph" es un corte de sublime melodía que presenta un gran trabajo poético de Senfield y una afligida atmósfera, enaltecida por su proyección épica.
"Moonchild" comienza como una preciosa balada marcada por una subyugante imaginería bucólica para transformarse en un extenso muestrario jazz de infusión psicodélica y clave minimalista, que desesperará a algunos por su posible indulgencia experimental e hipnotizará a otros por su calmosa capacidad letárgica.
El LP, que dejó boquiabierto a muchos de sus coetáneos, se cierra con el título homónimo, un inolvidable corte, brillante tanto en su labor instrumental como vocal, con especial significación del mellotron de Ian McDonald, que nos retrotrae a un fascinante escenario medieval.
3. Epitaph/March for No Reason/Tomorrow and Tomorrow
4. Moonchild/The Dream/The Illusion
5. Court of the Crimson King/The Return of the Fire Witch/The Dance of the
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169. Leonard Cohen – Songs from a Room (1969)
Songs From A Room es el segundo álbum del canadiense Leonard Cohen, lanzado en 1969, y reeditado en 2007 con 2 temas extra. Para su grabación, Cohen se desplazó a Nashville, capital mundial del country. Allí se puso en manos del productor Bob Johnston, que ya había trabajado con Simon & Garfunkel, Bob Dylan y Johnny Cash. Songs from a Room supuso un éxito mayor que su álbum de debut, ya que alcanzó la posición 63 en la lista del Billboard y la número 2 en Gran Bretaña.
1. Bird on a Wire
2. Story of Isaac
3. Bunch of Lonesome Heroes
4. Partisan
5. Seems So Long Ago, Nancy
6. Old Revolution
7. Butcher
8. You Know Who I Am
9. Lady Midnight
10. Tonight Will Be Fine
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170. Fairport Convention – Liege & Lief (1969)
Volvemos la vista hoy en el Retro-Visor hasta los años sesenta para encontrarnos con el gran álbum de los británicos Fairport Convention, Liege and Lief. Con su aparición inauguraban una corriente revivalista del Folk en las Islas Británicas, si bien coétaneos suyos como The Byrds o Bob Dylan ya lo habían hecho con anterioridad en el otro lado del Atlántico. Lo cierto es que este disco supuso una auténtica bocanada de aire fresco para el panorama musical británico, volviendo a poner de moda y revisando clásicos que habrían pasado desapercibidos para muchos, añadiéndoles diversos elementos y electrificando las versiones originales de los mismos; situándose entonces en un plano parecido a unos Jefferson Airplane, Grateful Dead, Donovan, The Incredible String Band o Joni Mitchell.
En el Cd2 aparecen diversas sesiones de directo en la BBC y la versión de la Balada de Easy Rider que firmaran Roger McGuinn y sus Byrds.
1. Come All Ye
2. Reynardine
3. Matty Groves
4. Farewell, Farewell
5. Deserter
6. Medley: The Lark in the Morning/Rakish Paddy/Foxhunter's Jig/Toss the F
7. Tam Lin
8. Crazy Man Michael
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171. Scott Walker – Scott 4 (1969)
A finales de los 60, pudo haberse convertido en el nuevo Frank Sinatra. Lo tenía todo. Juventud, belleza y, sobre todo, una gran voz. Una voz grave de barítono, magnética. Prefirió seguir su propio camino, aunque estuviera plagado de sombras y prolongados silencios que no hicieron sino alimentar el culto en torno a un cantante inimitable, cuya figura ha permanecido siempre rodeada de misterio. Se ha escrito mucho de esa inclinación al aislamiento a lo Greta Garbo, de su pasión por las oscuras historias de amor que sudaba Jacques Brel, de su imagen de existencialista francés, en blanco y negro con bufanda y gafas oscuras. Lugares comunes que dan empaque al personaje pero que sólo sirven para ocultar a la persona. Porque, ¿alguien sabe quién es en realidad Scott Walker?
Mathilde', una historia de amor sadomasoquista, fue la primera de sus apropiaciones del cancionero del belga. En apenas tres años, entre 1967 y 1969, Scott Walker grabó cuatro álbumes majestuosos, simplemente titulados con un número, del uno al cuatro. En ellos combina composiciones propias con temas de Brel y estándares 'middle of the road' de Bacharach y Mancini.
Disco a disco fue emergiendo un compositor y letrista sobresaliente, dotado para plasmar emociones intensas en unas pocas palabras. «Huele a milagros y suspira cristales de colores», canta en 'Rosemary', de 'Scott 3', la breve historia de un beso entre una muchacha y un viajante. Con su tercer trabajo, se aloja definitivamente en la melancolía y la depresión. Canta a la oscuridad que subyace en el romanticismo. Valses mortuorios que ahondan en la zona oscura de la psique humana. 'Scott 4' (1969), considerada por muchos su obra maestra, sufre un batacazo comercial.
En la contraportada encontramos esta cita de Albert Camus: «El trabajo de un hombre no es sino un lento camino hacia el redescubrimiento de los rodeos del arte. Esas dos o tres magníficas y sencillas imágenes en cuya presencia abrió su corazón por primera vez». Durante la primera mitad de los 70 sigue grabando discos, sin la inspiración de antaño, por exigencias del contrato. Nunca ha dejado que se reediten. El Scott Walker cantante seguía existiendo, pero el artista había optado por el exilio.
Y después, el silencio.
1. Seventh Seal
2. On Your Own Again
3. World's Strongest Man
4. Angels of Ashes
5. Boy Child
6. Hero of the War
7. Old Man's Back Again (Dedicated to the Neo-Stalinist Regime)
8. Duchess
9. Get Behind Me
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172. Stooges – Stooges (1st Album) (1969)
Formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música moderna. Surgida a finales de los años 60, los Stooges mixturaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del venidero punk y de la posterior música independiente.
Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Osterberg, alias Iggy Pop (nacido el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton (nacido el 17 de julio de 1948), el bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería. t of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad.
Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco "Stooges" (1969), bajo producción del Velvet Underground John Cale (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield).
El LP facturaba el visceral trabajo de la formación y aunque contenía grandes clásicos como "I wanna be your dog", "1969" o "No fun", su música no estaba preparada para el consumo de la gran masa y vendió muy pobremente. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores impenitentes asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo.
1. 1969
2. I Wanna Be Your Dog
3. We Will Fall
4. No Fun
5. Real Cool Time
6. Ann
7. Not Right
8. Little Doll
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173. Alexander Spence ‘Skip’ – Oar (1969)
La historia, a estas alturas, debe de ser de todos conocida: batería original de Jefferson Airplane, se une a Moby Grape para completar una de las formaciones más prometedoras de la escena de la Costa Oeste de finales de los sesenta. Después de publicar una obra maestra como debut, los Grape sufren los irreparables errores de un mánager tan sinvergüenza como negligente, y los experimentos de "marketing" que Columbia decide realizar con ellos, convencida de su irremediable éxito (publicación simultánea de cinco sencillos para promocionarlo, por ejemplo). Spence no llega a la grabación del tercer L.P: el ácido (como a otros muchos) hace estallar violentamente su latente esquizofrenia, y debe ser ingresado en un psiquiátrico.
Spence se había mostrado como el compositor más interesante y heterodoxo de los Grape (un grupo en el que todos escribían canciones de nivel excepcional), y quizás el mejor. Cuando sale del hospital, todo ha cambiado: su esposa le ha abandonado, y las posibilidades de retornar a unos, cada vez más desgraciados Grape, se esfuman. Pese a todo, consigue que el productor de los Grape, David Rubinson le financie unas sesiones en Nashville para grabar (tocando el mismo todos los instrumentos) aquello que le viniese en gana; eso sí, con un calendario muy escaso. El producto seleccionado de esas sesiones fue publicado en 1969 por Columbia bajo el título de "Oar", y se convirtió en un disco de culto, un favorito de la crítica desde el momento de su publicación, aunque tan sólo vendiese setecientas copias en su momento.
Si un amplio colectivo de la crítica ha alabado sin moderación este disco, se debe a la libertad con la que fue elaborado; y a su carácter confesional. Pero debemos tener claro que de las ataduras de las cuales se muestra libre aquí el autor no son tanto las de los imperativos comerciales (a las cuales no creo que se plegase nunca un tipo con la personalidad tan desquiciada como la que mostró Spence desde el principio), como las del sentido común: Spence no se había curado cuando realizo este disco. La esquizofrenia se palpa, no sólo en la extravagancia de algunos de los desarrollos de los temas, sino sobre todo en las más convencionales baladas "country", porque su capacidad para alterar la propia voz llega a tales extremos, que resulta imposible identificar al cantante de este disco con el "Skip" Spence que entona sus aportaciones a los discos de los Grape.
En lo que sí que no puede haber discusión es en la absoluta fidelidad con la que "Oar" refleja el estado mental y sentimental de su autor; en esto hay pocos discos que se le acerquen. Cuando trata su situación sentimental, no introduce ni metáforas, ni ejercicios de estilo: es puramente descriptivo. Y todas las extravagancias que lo pueblan no tienen doble lectura posible: jamás volvería a necesitar LSD para tener un "trip". Acompañándolo de las letras, el disco confirma su perfección inalcanzable en este campo.
1. Light Flight
2. Once I Had A Sweetheart
3. Springtime Promises
4. Lyke-Wake Dirge
5. Train Song
6. Hunting Song
7. Sally Go Round The Roses
8. The Cuckoo
9. House Carpenter
10. Sally Go Round The Roses
11. Sally Go Round The Roses
12. Cold Mountain
13. I Saw An Angel
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174. Frank Zappa – Hot Rats (1969)
Uno de los grandes de la historia del rock. Con elevadas ansias de experimentación sonora, un punzante sentido del humor y un apego a eclécticas formas músicales, que viajan desde el rock psicodélico, a la música clásica, el doo wop, el jazz o el pop, la productiva carrera de Frank Zappa constituye uno de los pilares más interesantes y vanguardistas de la música moderna del siglo XX.
Frank Vincent Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore (Maryland), en el seno de una familia de ascendencia griega y siciliana. Su padre, amante de la guitarra, le inculcó la pasión melómana, que cultivó desde niño, escuchando todo tipo de sonidos, desde música clásica, rock'n'roll, dwo wop, pop o R&B.
"Hot Rats" (1969) supuso su segunda incursión en solitario, con un tema ("Willie The Pimp"
en el que aparecía su amigo Captain Beefheart. En esta obra se cimentaban sus posturas más jazzísticas, que desarrollarían en trabajos posteriores. Está considerado uno de los mejores álbumes, sino el mejor, del género del rock, en todas sus expresiones, por su magnífico ensamble musical y su experimentación con el jazz o hasta con el rock progresivo.1. Peaches In Regalia
2. Willie The Pimp
3. Son Of Mr.Green Genes
4. Little Umbrellas
5. The Gumbo Variations
6. It Must Be A Camel
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175. Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (1970)
Una de las varias obras maestras grabadas por la seminal banda de los hermanos Fogerty.
En el sensacional "Cosmo's factory" compartimos un recorrido por toda la erudición rockera de John, iniciada en la hipnótica "Ramble tamble", larga y penetrante pieza de hechizante sonido y pesarosa temática, continuada por estupendas revisiones de grandes de la historia de la música, como Bo Diddley, Roy Orbison, Elvis Presley o Marvin Gaye (realizando la mejor versión jamás grabada de "I heard it through the grapevine"
.Además de "Ramble Tamble", las demás composiciones de John (enorme compositor, guitarrista y cantante) poseen resonancias clásicas y en muchos casos posturas antibélicas.
El rock'n'roll "Travelin' Band", la imaginaria "Lookin' out my back door", en donde extrañas criaturas bailan al ritmo de Buck Owens, la enigmática y extraordinaria "Run through the jungle", la optimista "Up around the bend", de impetuoso riff, la melódica y afligida "Who'll stop the rain" y la búsqueda vital constante de alma soul en "Long as I can see the light", hacen de este disco un trabajo imprescindible de una de las formaciones americanas más importantes de todos los tiempos.
1. Ramble Tamble
2. Before You Accuse Me
3. Travelin' Band
4. Ooby Dooby
5. Lookin' Out My Back Door
6. Run Through The Jungle
7. Up Around The Bend
8. My Baby Left Me
9. Who'll Stop The Rain
10. I Heard It Through The Grapevine
11. Long As I Can See The Light
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76. Derek & The Dominos – Layla & Other Assorted Love Songs (1970)
Obra maestra de un grupo poco afortunado, pese a la enorme calidad de sus temas y sus componentes. Inicialmente formado por Eric Clapton, Bobby Whitlock, Jim Gordon, Carl Radle y Duane Allman. Disco completo en todos los sentidos dirigido por dos virtuosos de la Stratocaster, como Clapton y Allman, que habiendo ya colaborado junto a Delaney and Bonnie, al igual que Bobby Whitlock, se recrean entre blues y baladas, duos y guiños a la inteligencia musical.
Cabalgando ambos sobre una base rítmica precisa y contundente, describen infinitas variaciones sobre un mismo tema: blues inagotable, hasta llegar a la magistral pieza que da nombre al álbum, "Layla", estandarte musical de Clapton, que lleva al grupo al punto culminante.
A destacar la versión del famoso "Little Wing" de Hendrix, que si bien no llega a la imposible potencia guitarrística de éste, se ve superada por el dúo de voces Clapton-Whitlock, cuya conjunción y complicidad hacen innecesaria cualquier otra pincelada armónica, grabando emoción con las voces apuradas hasta el falsete.
"I looked away" inicia el disco como anticipo de lo que será el Clapton de "Slowhand".
Melódico y preciso, en la línea de personajes con los que Clapton ha sido afín (Dave Mason, Harrison, etc).En la misma tendencia aparecen los cortes "Bell Bottom blues", de inusitada ingenuidad y calidez armónica y "Nobody knows...".
"Tell the truth" de precioso estribillo coreado, continúa como puente entre el blues más clásico de "Key to the highway" o "Have you ever loved a woman" hasta los impresionantes "Little wing" y "Layla" ya comentados.Y como punto final de esta obra imprescindible, aparece "Thorn tree in the garden", una despedida acústica de Whitlock, cuyo falsete melancólico parece augurar los difíciles tiempos por lo que pasaran en breve, Eric Clapton y Duane Allman, a cuyas biografías nos remitimos.
01. I Looked Away
02. Bell Bottom Blues
03. Keep on Growing
04. Nobody Knows You When You're Down and Out
05. I Am Yours
06. Anyday
07. Key to the Highway
08. Tell the Truth
09. Why Does Love Got to Be So Sad?
10. Have You Ever Loved a Woman
11. Little Wing
12. It's Too Late
13. Layla
14. Thorn Tree in the Garden
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177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)
El jazz ha sido siempre una música de fusión. Desde sus inicios a fines del siglo XIX, el jazz se desarrolla y evoluciona sin mayores pretensiones mezclando con gran facilidad la música popular norte-americana, el son cubano, la samba brasilero, el tango argentino, entre otros géneros. En su enfoque contemporáneo, el jazz mantiene las huellas que dejaron estos estilos. Sin embargo, el concepto de fusión en el jazz se torna más evidente y relevante hacia fines de la década de los años 60 y especialmente por Miles Davis y su obra Bitches Brew. Este álbum es el resultado de la combinación de ideas que venía forjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya había usado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como también post producciones en el estudio. (In a Silent Way y Filles de Kilimanjaro).
En Bitches Brew usa todos estos elementos y crea un álbum de improvisaciones. En vez de preocuparse de crear armonías sofisticadas o experimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodías sobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos. En su autobiografía Miles relata: "Yo conducía, como un director de orquesta, cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien o le indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la música crecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un proceso del desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o un motif, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta cierto punto, le pedía a un músico que tocara algo diferente". Una jam session magistral.
El surco más interesante es Bitches Brew dura 26 minutos – es un resumen del disco. Dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso. El tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero en grabarse. Ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a los músicos mientras improvisan. Un ejemplo ocurre en el séptimo minuto. El grupo aparentemente ha perdido el hilo de la improvisación y está a punto de fracasar. Miles dice: "Keep it like that!", segundos después, cuando el tema recobra brío, se dirige a McLaughlin : "John!", éste se hace cargo y el tema resucita.
En Bitches Brew hubo un brillante e innovador trabajo de post-producción; obra de Teo Macero quien, junto a Miles, pero más veces por si solo, escogió las tomas, las editó y creó de todo eso el producto final. Usó cámaras de eco, reverberación y "loops" o repeticiones para alargar ciertos trozos de cinta. En Pharaohs's Dance de Zawinul, un tema con toques orientales y un ritmo casi inexplicable, Davis y Shorter crean un mantra jazzístico; el piano rhodes de Zawinul es lúgubre. McLaughlin y Maupin también participan en la improvisación. Las ventas de LP durante el primer año llegaron a 400 mil copias, algo sin precedente para Davis, su álbum que más había vendido hasta entonces sólo alcanzó a vender 100 mil copias. Algunos críticos acusaron a Davis de haberse vendido al mercado pop. Sin embargo, lo extraordinario de Bitches Brew es que Miles en ningún momento imita las tendencias del pop o del rock de la época. Todos los surcos del LP doble original duran más de 10 minutos, excepto "John McLaughlin" con poco más de 4 minutos. Esto eliminó las posibilidades de exposición en las radios pop. No hay arreglos, ni melodías, ni ritmos bailables, ni canciones con letras fáciles de memorizar. Con Bitches Brew Miles agregó a su público hordas de fans del rock, pero también perdió el apoyo de sus fieles seguidores. El nuevo vocabulario musical e instrumentación electrónica que Davis introdujo no les interesó y lo abandonaron permanentemente.
Después de casi 40 años, Bitches Brew se mantiene como una obra sólida que exige el respeto de críticos y aficionados. Se puede decir tanto de esta música, pero prefiero que hable por si sola. He pasado muchas sesiones escuchando las distintas ediciones de Bitches Brew, y me vienen tantas imágenes e ideas mientras escucho. Cada sesión es diferente, siempre descubro algo nuevo y fascinante.
1. Pharaoh's Dance
2. Bitches Brew
3. Spanish Key
4. John Mclaughlin
5. Miles Runs The Voodoo Down
6. Sanctuary
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178. Spirit – Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)
Este álbum es uno de los trabajos imprescindibles de este gran grupo psicodélico angelino surgido a mediados de los años 60 y que nos ha legado gemas como “Spirit” (1968), “That Family that Plays Together” (1968) o este “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (1970), probablemente la cumbre del grupo de Jay Ferguson y Randy California. Bueno, y también de Ed Cassidy, un veterano del jazz y padrastro del propio California.
Se trata de un disco conceptual en base a los pasajes oníricos-ecológicos del tal doctor sarcástico. La producción corre a cargo de David Briggs, y el disco es una maravilla psicoprogresiva que contiene hermosos pasajes acústicos folk con grandes melodías pop y encantadoras armonías vocales que comparten sitio con escenarios hard rock de aliento blues, funk, country y jazz, con influencias clave de la Jimi Hendrix Experience, de Traffic y de Cream.
El disco se inicia en un tono calmo con un preludio folk, muy bello a nivel melódico, para enardecerse en la sección de “Nothin’ to Hide” (“no tenemos nada que esconder, estamos casados con la misma novia”) y facturar un acid-rock con grata combinación de voces y arreglos imponentes de viento fusionados que impulsan la pieza en una coda final llena de energía con un trasfondo noise de guitarras de tipo lisérgico.
“Nature’s Way” es una pieza folk de sobresaliente melodía, voz cáliday confesional, y preocupación ecológica con percusión a lo Phil Spector. También la canción, escrita por California, depara armonías y juegos vocales de primer orden.
El sonido de un automóvil abre “Animal Zoo”, diatriba hippiesca en tono satírico en contra del mundo urbano. Está compuesta por Ferguson y desarrolla, con un excelente trabajo en al bajo de Mark Andes, una notable pieza rock con trazas funk, country y blues.
“Love Has Found a Way” combinando efectos psicodélicos con alguna voz de corte soul y el sonido de un vibráfono, enlaza con la preciosa balada (no puede ser mejor a nivel melódico) “Why Can’t I Be Free”, corta canción acústica en la cual Randy, con armonías ejemplares de Ferguson y Andes, se lamenta ante la falta de libertad.
Ferguson aporta dosis de funk con “Mr. Skin”, apodo del batería Ed Cassidy, rítmico tema con exuberantes arreglos de viento y un vibrante “na,na,na,na,na…”, imposible no cantar acompañando el estribillo.
“Space Child” es un instrumental escrito por el teclista John Locke (nada que ver con el filósofo) en donde con piano y el moog logra una atrapante atmósfera de corte (haciendo honor al título) espacial-psicodélica, con algún pasaje jazz y eco agaviotado similar al “Tomorrow Never Knows” de los Beatles.
El medio tiempo “When I Touch You”, otro corte de Ferguson, es uno de los temas, con basamento psicodélico, con sonidos más hard rock del álbum. Detenta unas hechizantes texturas en su mágico desarrollo y una misteriosa atmósfera parecida a lo que podrían ofertar los Black Sabbath en el mismo año. El aporte a la creación de la misma de California en las seis cuerdas resulta más que decisivo para el éxito de esta gran pieza.
Un animado piano ocupa la intro de “Street Worm”, otra gran canción rock de Ferguson sobre la libertad y un miramiento optimista, se supone que irónico, a la vida urbana, con sonidos que parecen mezclar a Traffic con los Who.
Randy California escribe la acústica “Life Has Just Begun” y retoma pautas de folk psicodélico con sensacionales armonías vocales y variantes melódicas de excepción. Magnífico tema con evocativo piano de Locke. También Randy es el responsable de las dos últimas canciones de este esencial disco. “Morning Will Come” es una pieza optimista y magistral de power pop con sonidos soul de Stax (incluso en dejes vocales y empleo del boogie-rock parece preludiar el glam-rock de T. Rex y compañía). Posee sentido melódico, fuerza, un sensacional estribillo, arreglos sublimes de viento….obra maestra.
El álbum, otra joya del mejor período de la historia del rock, se cierra con la balada de piano “Soldier”. De tono melancólico es una auténtica beldad y la delicada combinación vocal la podrían formar los mismísimos Zombies del “Odessey & Oracle”. o los ya míticos hermanos Brian Wilson de su etapa psicodélica.
01. Prelude - Nothin' To Hide
02. Nature's Way
03. Animal Zoo
04. Love Has Found A Way
05. Why Can't I Be Free
06. Mr. Skin
07. Space Child
08. When I Touch You
09. Street Worm
10. Life Has Just Begun
11. Morning Will Come
12. Soldier
13. Rougher Road
14. Animal Zoo [Mono Single Version]
15. Morning Will Come [Alternate Mono Mix]
16. Red Light Roll On
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179. Black Sabbath – Black Sabbath (1st Album) (1969)
Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal, con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas y basamento temático en universos tétricos y místico-satánicos. Surgidos en 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael "Ozzy" Osbourne (nacido el 3 de diciembre de 1948), el guitarrista Tony Iommi (nacido el 19 de febrero de 1948), el bajista y letrista Terry "Geezer" Butler (nacido el 17 de julio de 1949) y el batería Bill Ward (nacido el 5 de mayo de 1948) comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente, interpretando sus primeras muestras ubicadas en patrones clásicos del blues-rock. En 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias imbuidas de magia, fantasía y ocultismo.
La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes según varias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava "Las tres caras del miedo" (1963) o emanado de la canción homónima escrita por Geezer Butler.
Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo "Evil Woman/Wicked World", que pasaría desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su Lp debut, producido por Rodger Bain. "Black Sabbath" (1970) mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de su pétrea y atmosférica sonoridad, que nos regalaba piezas maestras como "The Wizard","N.I.B." o el título homónimo.
El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas, llegando al puesto número 8 en listas británicas.
1. Black Sabbath
2. Wizard
3. Behind the Wall of Sleep
4. N.I.B.
5. Evil Woman
6. Sleeping Village
7. The Warning
8. Wicked World
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180. The Doors – Morrison Hotel (1970)
El penúltimo disco de los Doors con la presencia de su líder Jim Morrison. Con este trabajo, el grupo californiano se aleja de la faceta más psicodélica de su primera etapa y experimental pop de "Soft Parade" para ofrecer un disco alimentado desde la particular poética de su vocalista en las raíces de la sonoridad tradicional estadounidense, especialmente en el rock'n'roll, el blues y algunos apuntes jazzísticos.
Blues-rock de ardoroso intensidad, baladas de fuerte amarre sentimental y evocaciones líricas contenidas en un Lp que presenta un pletórico Morrison a la voz y unos músicos inmejorables a la ejecución instrumental, destacando Krieger, aquí aportando un sonido muy bluesy en su guitarra y los atmosféricos teclados siempre omnipresentes de Ray Manzarek.
Los mejores temas son el clásico "Roadhouse blues", "Waiting for the sun", "You make me real", "The spy", "Peace Frog", "Blue sunday", "Land Ho!" y "Queen of the highway", una elegante percepción de los amoríos entre Jim Morrison y su mujer Pam.
El sentimiento blues que caracteriza este álbum proseguiría, si cabe con mayor firmeza, en su siguiente trabajo, "L.A. Woman".
1. Roadhouse Blues
2. Waiting For The Sun
3. You Make Me Real
4. Peace Frog
5. Blue Sunday
6. Ship Of Fools
7. Land Ho!
8. The Spy
9. Queen Of The Highway
10. Indian Summer
11. Maggie M'gill
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181. The Carpenters – Close to You (1970)
Compuesto por los hermanos Richard Carpenter (nacido el 15 de octubre de 1946 en New Haven) y Karen Carpenter (nacida el 2 de marzo de 1950 en New Haven), el dúo Carpenters resultó ser uno de los fenómenos musicales más comerciales en los Estados Unidos a principios de la década de los 70. Su música, ligero y relajado pop de fácil consumo para audiencias maduras, consiguió llegar a una gran cantidad de público, gracias a sus lustrosas melodías, los esmerados arreglos de Richard y la cristalina vocalidad de Karen. La historia de los Carpenters como grupo se retrotrae a comienzos de los años 60, cuando Richard y Karen comenzaron a flirtear con algunos instrumentos, en especial Richard, que se inició en la instrucción de piano y actuaba con algunos grupos locales de jazz, mientras que Karen intentaba aprender a golpear la batería. "Close to you" (1970), el álbum homónimo, también resultó todo un éxito gracias a sus suaves y elegantes temas producidos por Jack Dougherty y arreglados por Richard Carpenter. El disco también contenía "We've only just begun", un single que los llevaría al número 2.
1 We've Only Just Begun
2 Love Is Surrender
3 Maybe It's You
4 Reason To Believe
5 Help
6 (They Long To Be) Close To You
7 Baby It's You
8 I'll Never Fall In Love Again
9 Crescent Noon
10 Mr. Guder
11 I Kept On Loving You
12 Another Song
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182. Stephen Still – Stephen Stills (1st Album) (1970)
Gran disco debut de Stephen Stills en solitario, publicado tras sus valiosos trabajos en Buffalo Springfield y en paralelo a su exitosa colaboración con Graham Nash, David Crosby y (en ocasiones) Neil Young. Este Lp prosigue las andanzas acústicas de conseguidas melodías y elevadas armonías que conforman los cimientos del cuarteto citado, otorgando desde un característico sonido folk-rock de rasposa vocalidad mayor protagonismo a tendencias blues, una de sus pasiones, que desarrolla acertadamente en estupendos cortes como "Black Queen" o "Go back home", tema en el que colabora Eric Clapton.
De ritmos calmados, este Lp homónimo va desplegando maravilla tras maravilla, comenzando por el conocido y fenomenal sencillo "Love the one you're with" (número 10 en USA) y continuado por "Do for the others", un bello y triste tema sobre la aflicción del desamor.
La belleza melódica continúa en la gospeliana "Church (Part Of Someone)" y la electricidad de la guitarra de Jimi Hendrix junto al órgano del propio Stills crean la magnánima pieza autobiográfica "Old Times, Good Times".
En "Sit yourself down", un muy buen tema folk-pop de aromas hippies, cuenta con la colaboración vocal de John Sebastian (Lovin' Spoonful) y Mama Cass ("The Mamas & The Papas"; en "Cherokee" presenta a Booker T. Jones en una magnífica utilización del órgano y en "We are not helpless", con Ringo Starr a la batería, despliega una armoniosa textura folk de espíritu gospel.
Es difícil decantarse por una canción en particular de esta obra maestra, pero la hechizante "To a flame", una hermosísima balada que cuenta de nuevo con las baquetas de Ringo, atmósfera muy Neil Young y sublimes arreglos del turco Arif Mardin, permanecerá como uno de los momentos álgidos de la carrera de este estupendo músico.
1. Love The One You're With
2. Do For The Others
3. Church (Part Of Someone)
4. Old Times Good Times
5. Go Back Home
6. Sit Yourself Down
7. To A Flame
8. Black Queen
9. Cherokee
10. We Are Not Helpless
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183. John Lennon – Plastic Ono Band (1970)
Uno de los discos más rotundamente crudos de la historia del rock, en el cual un hombre escéptico con el mundo que le rodea desnuda su alma en un intento freudiano de eliminar sus fantasmas vitales, los cuales, tras una fachada de éxito, mermaban el progreso emocional de un personaje único en el mundo de la música moderna.
Esta catarsis sónica le sirve a John Lennon para construir su mejor, más personal y apasionado disco en solitario.
Lamentos evocativos familiares (especialmente a su adorada madre Julia), cánticos fraternales de amor, temas plagados de inherente tristeza con sentimientos de alienación mezclados con otros de carácter optimista y apoyo solidario-reivindicativo carentes de fatuo manierismo instrumental y sí de un sonido cuasi minimalista que no pierde un bello sentido melódico y que atrapan por la irritable reflexión existencial de un hombre en plena madurez que se despoja de la idolatría y desde una postura nihilista sólo cree en su persona...bueno y en Yoko.
El piano y la guitarra corren a cargo de Lennon, mientras Ringo toca la batería y Klaus Voorman (ex Manfred Mann) el bajo.
El piano de "Love" está interpretado por Phil Spector, productor del disco, y el de "God" por Billy Preston. Dos importantes nombres que prestan su ayuda en este sensacional e imprescindible trabajo..
1. Mother
2. Hold On
3. I Found Out
4. Working Class Hero
5. Isolation
6. Remember
7. Love
8. Well Well Well
9. Look at Me
10. God
11. My Mummy's Dead
12. Power to the People
13. Do the Oz
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184. Stills Crosby, Nash & Young – Déjà vu (1970)
El terceto Crosby, Stills & Nash estaba compuesto por el británico Graham Nash (nacido el 2 de febrero de 1942 en Blackpool), quien abandonó a los Hollies para unirse a los estadounidenses David Crosby (nacido el 14 de agosto de 1941 en Los Angeles), ex componente de los Byrds y Stephen Stills (nacido el 3 de enero de 1945 en Dallas), antiguo miembro de Buffalo Springfield.Esta reunión artística, producida en el año 1968, supuso uno de los proyectos musicales de mayor significación popular y crítica en los últimos años de la década de los 60 y comienzos de los 70. Young se uniría al trío en 1969, poco antes de aparecer en el famoso Festival de Woodstock. El ahora cuarteto grabaría un álbum sobresaliente, "Deja Vu" (1970), en el cual expandían su faceta acústica con una textura más eléctrica.
Los cuatro componentes ofrecían lo mejor de sí mismo, con diez temas de excepción, entre ellos uno escrito por Joni Mitchell, el single "Woodstock", canción que ese mismo año publicó la canadiense en su disco "Ladies of the Canyon". "Deja Vu", la cumbre del supergrupo, llegaría al número 1 en los Estados Unidos. Un disco de primer nivel sin fisuras, casi necesario en toda colección personal digna.
1. Carry On
2. Teach Your Children
3. Almost Cut My Hair
4. Helpless
5. Woodstock
6. Déjà Vu
7. Our House
8. 4 + 20
9. Country Girl
* Whiskey Boot Hill
* Down, Down, Down
* Country Girl (I Think You're Pretty)
10. Everybody I Love You
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185. Black Sabbath – Paranoid (1970)
Uno de los grandes discos de Black Sabbath, en el cual vuelven a incidir en una sombría perspectiva del género humano y su desarrollo en un contexto propicio a la violencia y la involución, con imágenes apocalípticas, bélicas y corruptas, enfatizadas por sonidos ásperos y ritmos contundentes, que crean unas atmósferas de cetrina modulación, a base de enérgica e iterativa instrumentación, pluralidad de tempos, sonoridad aposentada en la amplificación de basamentos hard y blues-rock y amalgama de gradación épica, con ramalazos góticos y una vocalidad que expone un aspecto inquisitivo en sus ilustraciones y personajes definidos, con un desasosiego en base a un panorama insano, alimentado por las altas esferas de la sociedad (en especial la clase política) y el aborregamiento general del respetable.
Su dibujo afligido del ser humano contemporáneo y la sociedad que está construyendo se advierte en casi todos sus cortes, desde el antibelicismo de "War Pigs" o el desequilibrio emocional, derivado de su descontento existencial, en la frenética "Paranoid", la estupenda balada de retazos psicodélicos "Planet Caravan", rica en imaginería natural, en donde se dibuja un escenario celeste, plácido pero melancólico, con guitarra de apuntes jazzísticos, "Iron Man", pieza de indeleble riff, con el hombre de hierro clamando venganza contra esta humanidad violenta, que sólo reacciona ante la amenaza del miedo y la propia vorágine de la vehemencia, o "Electric Funeral", tema en el cual vuelven a subrayar su mensaje apocalíptico, con una instrumentación que pondera con sus foscas texturas y aspecto amenazador la diatriba en contra de la energía nuclear y el armamento atómico. En "Hand of doom" abordan el tema de las drogas. Aunque la postura es claramente contraria, con la muerte siempre al acecho, advierten su consumo como evasión de un contexto alienante y peligroso. De nuevo, el tratamiento es ceñudo y ahora con mayores reminiscencias blues-rock.
"Rat Salad" es un corto y sencillo instrumental, de potente sonoridad y brillo para las seis cuerdas de Tony Iommi y en especial, las baquetas de Bill Ward, que prologan la última pieza del álbum, un soberbio tema con jocosa lírica, exuberancia instrumental y temática de nuevo aposentada en el abuso en el consumo de drogas, punto y final para el álbum pináculo de esta influyente formación británica.
01 - War Pigs
02 - Black Sabbath – Paranoid
03 - Planet Caravan
04 - Iron Man
05 - Electric Funeral
06 - Hand of Doom
07 - Rat Salad
08 - Fairies Wear Boots
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186. Neil Young – After the Gold Rush (1970)
After the Gold Rush fue uno de los discos más aclamados de Neil Young cuando se editó, y todavía sigue despertando pasiones entre aquellos interesados en su obra. No es por nada: una porción enorme del universo de Neil está en este trabajo. Tell Me Why, una muy hermosa canción acústica uptempo; Southern Man, crítica rabiosa a la discriminación del sur de los Estados Unidos, en un tono similar al de la posterior Alabama; descorazonadoras baladas en piano, como I Believe in You o After the Gold Rush; When You Dance I Can Really Love, rock enamoradizo, eléctrico, primal, vital, aparentemente básico y usualmente cautivante, en el tono típico de los Crazy Horse; Oh, Lonesome Me, denso y tristísimo cover de Don Gibson; dos joyas de un minuto y medio, alegres y pop: Till the Morning Comes y Crippled Creek Ferry. Los tres temas que quedan por nombrar, para no ser menos, resultan contarse entre lo más recordado y “clásico” del repertorio de Young: Don’t Let It Bring You Down, Only Love Can Break Your Heart y Birds. "After The Gold Rush" , una obra maestra repleta de sensibilidad artística y emocional que fue excelentemente recibida por crítica y público.
1. Tell Me Why
2. After The Goldrush
3. Only Love Can Break Your Heart
4. Southern Man
5. Till The Morning Comes
6. Oh Lonesome Me
7. Don't Let It Bring You Down
8. Birds
9. When You Dance I Can Really Love
10. I Believe In You
11. Cripple Creek Ferry
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187. Led Zeppelin – III (1970)
Led Zeppelin III, el tercer álbum de Led Zeppelin, lanzado el 5 de octubre de 1970 por Atlantic Records. Este álbum añadía acústica y elementos de folk rock al repertorio de la banda, lo cual cautivó a los seguidores del rock progresivo. Los detractores embistieron contra la música heavy calificándola de ruido acrítico, mientras que el material acústico fue tachado de pálida imitación de la música de Crosby, Stills and Nash (and Young). En ese año la revista Rolling Stone había dado duras críticas al álbum; críticas que no se pueden encontrar en los archivos porque fueron eliminadas, dado que éste LP representa uno de los mejores trabajos de la banda. «Debe darse crédito a BRON-Y-AUR, una casita de campo en South Snowdonia, por pintar una imagen un tanto olvidada de auténtica completitud que sirvió de incentivo a algunos de estos planteamientos musicales», agosto de 1970.
Esta cita, incluida en la cubierta de Led Zeppelin III sirve para explicar el carácter sorprendentemente tranquilo del disco. Page y Plant se retiraron a esta granja para descansar de las giras y de todo el éxito que había alcanzado el segundo disco, y trabajaron en algunas canciones, muy influidas por la atmósfera del campo. Posteriormente grabaron el disco a medias entre Headley Grange, una mansión en Hampshire (con el estudio ambulante de los Rolling Stones) y los estudios Island en Londres.
El disco quedó así dividido en dos caras completamente distintas: en la primera, los clásicos temas de rock y blues totalmente eléctricos, mientras que en la segunda aparecían exclusivamente temas folk o predominantemente acústicos. La crítica, tras la tremenda sacudida de Led Zeppelin II, esperaba algo más contundente, y no acogió muy bien al 3er álbum. Sin embargo, a muchos les parece uno de los mejores discos de la banda.
1. Immigrant Song
2. Friends
3. Celebration Day
4. Since I've Been Loving You
5. Out On The Tiles
6. Gallows Pole
7. Tangerine
8. That's The Way
9. Bron-Y-Aur Stomp
10. Hats Off To (Roy) Harper
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188. Deep Purple – In Rock (1970)
La mugiente pirotecnia en las seis cuerdas con demoledores riffs de Ritchie Blackmore, el órgano de impronta clásica de Jon Lord, el vigor rítmico otorgado por la pareja Roger Glover/Ian Paice, junto a la vociferante y pujante capacidad vocal de Ian Gillan, en una sinergia sonora con influencias de Led Zeppelin, Black Sabbath, Jimi Hendrix o Cream, confeccionan una de las cumbres en la carrera del grupo británico Deep Purple, "In Rock", un LP iniciado con un apabullante tributo a Little Richard, "Speed King", que los aleja de sus inicios psicodélicos y progresivos y los significa como uno de los esenciales cimientos del hard-rock y heavy metal.
Apremiando y propagando en sacudidas amplificadas el blues-rock de finales de los 60 y el clásico rock'n'roll en maneras de fibrosa distorsión, la banda británica compone para este disco, el primero con el cantante Ian Gillan en sus filas, alguna de las mejores piezas de su carrera, como el lirismo antibélico de la espectacular y épica "Child in time", un tema con retazos gospel que presenta a un aullante Gillan acompañado una sugestiva asociación instrumental (especialmente en los teclados) y absorbentes solos de Blackmore y Lord, redundados con magnificencia en muchos pasajes de este gran álbum, en especial en otra de las mejores piezas del disco, "Flight of the Rat", que cuenta también con un trabajo excepcional en la batería de Ian Paice.
Los contundentes riffs de "Bloodsucker" o "Into the fire", el lacerante órgano de la sarcástica "Living Wreck" o el hipnótico desenfreno y delirio sonoro de "Hard Lovin' Man" son otros fragmentos de un disco verdaderamente excepcional dentro de su género.
01 - Speed King
02 - Bloodsucker
03 - Child In Time
04 - Flight Of The Rat
05 - Into The Fire
06 - Living Wreck
07 - Hard Loving Man
08 - Black Night (Original Single Version)
09 - Speed King (Piano Version)
10 - Cry Free (Roger Glover Remix)
11 - Jam Stew (Unreleased Instrumental)
12 - Flight Of The Rat (Roger Glover Remix)
13 - Speed King (Roger Glover Remix)
14 - Black Night (Unedited Roger Glover Remix)
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Obra maestra de un grupo poco afortunado, pese a la enorme calidad de sus temas y sus componentes. Inicialmente formado por Eric Clapton, Bobby Whitlock, Jim Gordon, Carl Radle y Duane Allman. Disco completo en todos los sentidos dirigido por dos virtuosos de la Stratocaster, como Clapton y Allman, que habiendo ya colaborado junto a Delaney and Bonnie, al igual que Bobby Whitlock, se recrean entre blues y baladas, duos y guiños a la inteligencia musical.
Cabalgando ambos sobre una base rítmica precisa y contundente, describen infinitas variaciones sobre un mismo tema: blues inagotable, hasta llegar a la magistral pieza que da nombre al álbum, "Layla", estandarte musical de Clapton, que lleva al grupo al punto culminante.
A destacar la versión del famoso "Little Wing" de Hendrix, que si bien no llega a la imposible potencia guitarrística de éste, se ve superada por el dúo de voces Clapton-Whitlock, cuya conjunción y complicidad hacen innecesaria cualquier otra pincelada armónica, grabando emoción con las voces apuradas hasta el falsete.
"I looked away" inicia el disco como anticipo de lo que será el Clapton de "Slowhand".
Melódico y preciso, en la línea de personajes con los que Clapton ha sido afín (Dave Mason, Harrison, etc).En la misma tendencia aparecen los cortes "Bell Bottom blues", de inusitada ingenuidad y calidez armónica y "Nobody knows...".
"Tell the truth" de precioso estribillo coreado, continúa como puente entre el blues más clásico de "Key to the highway" o "Have you ever loved a woman" hasta los impresionantes "Little wing" y "Layla" ya comentados.Y como punto final de esta obra imprescindible, aparece "Thorn tree in the garden", una despedida acústica de Whitlock, cuyo falsete melancólico parece augurar los difíciles tiempos por lo que pasaran en breve, Eric Clapton y Duane Allman, a cuyas biografías nos remitimos.
01. I Looked Away
02. Bell Bottom Blues
03. Keep on Growing
04. Nobody Knows You When You're Down and Out
05. I Am Yours
06. Anyday
07. Key to the Highway
08. Tell the Truth
09. Why Does Love Got to Be So Sad?
10. Have You Ever Loved a Woman
11. Little Wing
12. It's Too Late
13. Layla
14. Thorn Tree in the Garden
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177. Miles Davis – Bitches Brew (1970)
El jazz ha sido siempre una música de fusión. Desde sus inicios a fines del siglo XIX, el jazz se desarrolla y evoluciona sin mayores pretensiones mezclando con gran facilidad la música popular norte-americana, el son cubano, la samba brasilero, el tango argentino, entre otros géneros. En su enfoque contemporáneo, el jazz mantiene las huellas que dejaron estos estilos. Sin embargo, el concepto de fusión en el jazz se torna más evidente y relevante hacia fines de la década de los años 60 y especialmente por Miles Davis y su obra Bitches Brew. Este álbum es el resultado de la combinación de ideas que venía forjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya había usado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como también post producciones en el estudio. (In a Silent Way y Filles de Kilimanjaro).
En Bitches Brew usa todos estos elementos y crea un álbum de improvisaciones. En vez de preocuparse de crear armonías sofisticadas o experimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodías sobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos. En su autobiografía Miles relata: "Yo conducía, como un director de orquesta, cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien o le indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la música crecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un proceso del desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o un motif, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta cierto punto, le pedía a un músico que tocara algo diferente". Una jam session magistral.
El surco más interesante es Bitches Brew dura 26 minutos – es un resumen del disco. Dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso. El tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero en grabarse. Ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a los músicos mientras improvisan. Un ejemplo ocurre en el séptimo minuto. El grupo aparentemente ha perdido el hilo de la improvisación y está a punto de fracasar. Miles dice: "Keep it like that!", segundos después, cuando el tema recobra brío, se dirige a McLaughlin : "John!", éste se hace cargo y el tema resucita.
En Bitches Brew hubo un brillante e innovador trabajo de post-producción; obra de Teo Macero quien, junto a Miles, pero más veces por si solo, escogió las tomas, las editó y creó de todo eso el producto final. Usó cámaras de eco, reverberación y "loops" o repeticiones para alargar ciertos trozos de cinta. En Pharaohs's Dance de Zawinul, un tema con toques orientales y un ritmo casi inexplicable, Davis y Shorter crean un mantra jazzístico; el piano rhodes de Zawinul es lúgubre. McLaughlin y Maupin también participan en la improvisación. Las ventas de LP durante el primer año llegaron a 400 mil copias, algo sin precedente para Davis, su álbum que más había vendido hasta entonces sólo alcanzó a vender 100 mil copias. Algunos críticos acusaron a Davis de haberse vendido al mercado pop. Sin embargo, lo extraordinario de Bitches Brew es que Miles en ningún momento imita las tendencias del pop o del rock de la época. Todos los surcos del LP doble original duran más de 10 minutos, excepto "John McLaughlin" con poco más de 4 minutos. Esto eliminó las posibilidades de exposición en las radios pop. No hay arreglos, ni melodías, ni ritmos bailables, ni canciones con letras fáciles de memorizar. Con Bitches Brew Miles agregó a su público hordas de fans del rock, pero también perdió el apoyo de sus fieles seguidores. El nuevo vocabulario musical e instrumentación electrónica que Davis introdujo no les interesó y lo abandonaron permanentemente.
Después de casi 40 años, Bitches Brew se mantiene como una obra sólida que exige el respeto de críticos y aficionados. Se puede decir tanto de esta música, pero prefiero que hable por si sola. He pasado muchas sesiones escuchando las distintas ediciones de Bitches Brew, y me vienen tantas imágenes e ideas mientras escucho. Cada sesión es diferente, siempre descubro algo nuevo y fascinante.
1. Pharaoh's Dance
2. Bitches Brew
3. Spanish Key
4. John Mclaughlin
5. Miles Runs The Voodoo Down
6. Sanctuary
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178. Spirit – Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)
Este álbum es uno de los trabajos imprescindibles de este gran grupo psicodélico angelino surgido a mediados de los años 60 y que nos ha legado gemas como “Spirit” (1968), “That Family that Plays Together” (1968) o este “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (1970), probablemente la cumbre del grupo de Jay Ferguson y Randy California. Bueno, y también de Ed Cassidy, un veterano del jazz y padrastro del propio California.
Se trata de un disco conceptual en base a los pasajes oníricos-ecológicos del tal doctor sarcástico. La producción corre a cargo de David Briggs, y el disco es una maravilla psicoprogresiva que contiene hermosos pasajes acústicos folk con grandes melodías pop y encantadoras armonías vocales que comparten sitio con escenarios hard rock de aliento blues, funk, country y jazz, con influencias clave de la Jimi Hendrix Experience, de Traffic y de Cream.
El disco se inicia en un tono calmo con un preludio folk, muy bello a nivel melódico, para enardecerse en la sección de “Nothin’ to Hide” (“no tenemos nada que esconder, estamos casados con la misma novia”) y facturar un acid-rock con grata combinación de voces y arreglos imponentes de viento fusionados que impulsan la pieza en una coda final llena de energía con un trasfondo noise de guitarras de tipo lisérgico.
“Nature’s Way” es una pieza folk de sobresaliente melodía, voz cáliday confesional, y preocupación ecológica con percusión a lo Phil Spector. También la canción, escrita por California, depara armonías y juegos vocales de primer orden.
El sonido de un automóvil abre “Animal Zoo”, diatriba hippiesca en tono satírico en contra del mundo urbano. Está compuesta por Ferguson y desarrolla, con un excelente trabajo en al bajo de Mark Andes, una notable pieza rock con trazas funk, country y blues.
“Love Has Found a Way” combinando efectos psicodélicos con alguna voz de corte soul y el sonido de un vibráfono, enlaza con la preciosa balada (no puede ser mejor a nivel melódico) “Why Can’t I Be Free”, corta canción acústica en la cual Randy, con armonías ejemplares de Ferguson y Andes, se lamenta ante la falta de libertad.
Ferguson aporta dosis de funk con “Mr. Skin”, apodo del batería Ed Cassidy, rítmico tema con exuberantes arreglos de viento y un vibrante “na,na,na,na,na…”, imposible no cantar acompañando el estribillo.
“Space Child” es un instrumental escrito por el teclista John Locke (nada que ver con el filósofo) en donde con piano y el moog logra una atrapante atmósfera de corte (haciendo honor al título) espacial-psicodélica, con algún pasaje jazz y eco agaviotado similar al “Tomorrow Never Knows” de los Beatles.
El medio tiempo “When I Touch You”, otro corte de Ferguson, es uno de los temas, con basamento psicodélico, con sonidos más hard rock del álbum. Detenta unas hechizantes texturas en su mágico desarrollo y una misteriosa atmósfera parecida a lo que podrían ofertar los Black Sabbath en el mismo año. El aporte a la creación de la misma de California en las seis cuerdas resulta más que decisivo para el éxito de esta gran pieza.
Un animado piano ocupa la intro de “Street Worm”, otra gran canción rock de Ferguson sobre la libertad y un miramiento optimista, se supone que irónico, a la vida urbana, con sonidos que parecen mezclar a Traffic con los Who.
Randy California escribe la acústica “Life Has Just Begun” y retoma pautas de folk psicodélico con sensacionales armonías vocales y variantes melódicas de excepción. Magnífico tema con evocativo piano de Locke. También Randy es el responsable de las dos últimas canciones de este esencial disco. “Morning Will Come” es una pieza optimista y magistral de power pop con sonidos soul de Stax (incluso en dejes vocales y empleo del boogie-rock parece preludiar el glam-rock de T. Rex y compañía). Posee sentido melódico, fuerza, un sensacional estribillo, arreglos sublimes de viento….obra maestra.
El álbum, otra joya del mejor período de la historia del rock, se cierra con la balada de piano “Soldier”. De tono melancólico es una auténtica beldad y la delicada combinación vocal la podrían formar los mismísimos Zombies del “Odessey & Oracle”. o los ya míticos hermanos Brian Wilson de su etapa psicodélica.
01. Prelude - Nothin' To Hide
02. Nature's Way
03. Animal Zoo
04. Love Has Found A Way
05. Why Can't I Be Free
06. Mr. Skin
07. Space Child
08. When I Touch You
09. Street Worm
10. Life Has Just Begun
11. Morning Will Come
12. Soldier
13. Rougher Road
14. Animal Zoo [Mono Single Version]
15. Morning Will Come [Alternate Mono Mix]
16. Red Light Roll On
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179. Black Sabbath – Black Sabbath (1st Album) (1969)
Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal, con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas y basamento temático en universos tétricos y místico-satánicos. Surgidos en 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael "Ozzy" Osbourne (nacido el 3 de diciembre de 1948), el guitarrista Tony Iommi (nacido el 19 de febrero de 1948), el bajista y letrista Terry "Geezer" Butler (nacido el 17 de julio de 1949) y el batería Bill Ward (nacido el 5 de mayo de 1948) comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente, interpretando sus primeras muestras ubicadas en patrones clásicos del blues-rock. En 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias imbuidas de magia, fantasía y ocultismo.
La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes según varias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava "Las tres caras del miedo" (1963) o emanado de la canción homónima escrita por Geezer Butler.
Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo "Evil Woman/Wicked World", que pasaría desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su Lp debut, producido por Rodger Bain. "Black Sabbath" (1970) mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de su pétrea y atmosférica sonoridad, que nos regalaba piezas maestras como "The Wizard","N.I.B." o el título homónimo.
El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas, llegando al puesto número 8 en listas británicas.
1. Black Sabbath
2. Wizard
3. Behind the Wall of Sleep
4. N.I.B.
5. Evil Woman
6. Sleeping Village
7. The Warning
8. Wicked World
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180. The Doors – Morrison Hotel (1970)
El penúltimo disco de los Doors con la presencia de su líder Jim Morrison. Con este trabajo, el grupo californiano se aleja de la faceta más psicodélica de su primera etapa y experimental pop de "Soft Parade" para ofrecer un disco alimentado desde la particular poética de su vocalista en las raíces de la sonoridad tradicional estadounidense, especialmente en el rock'n'roll, el blues y algunos apuntes jazzísticos.
Blues-rock de ardoroso intensidad, baladas de fuerte amarre sentimental y evocaciones líricas contenidas en un Lp que presenta un pletórico Morrison a la voz y unos músicos inmejorables a la ejecución instrumental, destacando Krieger, aquí aportando un sonido muy bluesy en su guitarra y los atmosféricos teclados siempre omnipresentes de Ray Manzarek.
Los mejores temas son el clásico "Roadhouse blues", "Waiting for the sun", "You make me real", "The spy", "Peace Frog", "Blue sunday", "Land Ho!" y "Queen of the highway", una elegante percepción de los amoríos entre Jim Morrison y su mujer Pam.
El sentimiento blues que caracteriza este álbum proseguiría, si cabe con mayor firmeza, en su siguiente trabajo, "L.A. Woman".
1. Roadhouse Blues
2. Waiting For The Sun
3. You Make Me Real
4. Peace Frog
5. Blue Sunday
6. Ship Of Fools
7. Land Ho!
8. The Spy
9. Queen Of The Highway
10. Indian Summer
11. Maggie M'gill
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181. The Carpenters – Close to You (1970)
Compuesto por los hermanos Richard Carpenter (nacido el 15 de octubre de 1946 en New Haven) y Karen Carpenter (nacida el 2 de marzo de 1950 en New Haven), el dúo Carpenters resultó ser uno de los fenómenos musicales más comerciales en los Estados Unidos a principios de la década de los 70. Su música, ligero y relajado pop de fácil consumo para audiencias maduras, consiguió llegar a una gran cantidad de público, gracias a sus lustrosas melodías, los esmerados arreglos de Richard y la cristalina vocalidad de Karen. La historia de los Carpenters como grupo se retrotrae a comienzos de los años 60, cuando Richard y Karen comenzaron a flirtear con algunos instrumentos, en especial Richard, que se inició en la instrucción de piano y actuaba con algunos grupos locales de jazz, mientras que Karen intentaba aprender a golpear la batería. "Close to you" (1970), el álbum homónimo, también resultó todo un éxito gracias a sus suaves y elegantes temas producidos por Jack Dougherty y arreglados por Richard Carpenter. El disco también contenía "We've only just begun", un single que los llevaría al número 2.
1 We've Only Just Begun
2 Love Is Surrender
3 Maybe It's You
4 Reason To Believe
5 Help
6 (They Long To Be) Close To You
7 Baby It's You
8 I'll Never Fall In Love Again
9 Crescent Noon
10 Mr. Guder
11 I Kept On Loving You
12 Another Song
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182. Stephen Still – Stephen Stills (1st Album) (1970)
Gran disco debut de Stephen Stills en solitario, publicado tras sus valiosos trabajos en Buffalo Springfield y en paralelo a su exitosa colaboración con Graham Nash, David Crosby y (en ocasiones) Neil Young. Este Lp prosigue las andanzas acústicas de conseguidas melodías y elevadas armonías que conforman los cimientos del cuarteto citado, otorgando desde un característico sonido folk-rock de rasposa vocalidad mayor protagonismo a tendencias blues, una de sus pasiones, que desarrolla acertadamente en estupendos cortes como "Black Queen" o "Go back home", tema en el que colabora Eric Clapton.
De ritmos calmados, este Lp homónimo va desplegando maravilla tras maravilla, comenzando por el conocido y fenomenal sencillo "Love the one you're with" (número 10 en USA) y continuado por "Do for the others", un bello y triste tema sobre la aflicción del desamor.
La belleza melódica continúa en la gospeliana "Church (Part Of Someone)" y la electricidad de la guitarra de Jimi Hendrix junto al órgano del propio Stills crean la magnánima pieza autobiográfica "Old Times, Good Times".
En "Sit yourself down", un muy buen tema folk-pop de aromas hippies, cuenta con la colaboración vocal de John Sebastian (Lovin' Spoonful) y Mama Cass ("The Mamas & The Papas"
; en "Cherokee" presenta a Booker T. Jones en una magnífica utilización del órgano y en "We are not helpless", con Ringo Starr a la batería, despliega una armoniosa textura folk de espíritu gospel.Es difícil decantarse por una canción en particular de esta obra maestra, pero la hechizante "To a flame", una hermosísima balada que cuenta de nuevo con las baquetas de Ringo, atmósfera muy Neil Young y sublimes arreglos del turco Arif Mardin, permanecerá como uno de los momentos álgidos de la carrera de este estupendo músico.
1. Love The One You're With
2. Do For The Others
3. Church (Part Of Someone)
4. Old Times Good Times
5. Go Back Home
6. Sit Yourself Down
7. To A Flame
8. Black Queen
9. Cherokee
10. We Are Not Helpless
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183. John Lennon – Plastic Ono Band (1970)
Uno de los discos más rotundamente crudos de la historia del rock, en el cual un hombre escéptico con el mundo que le rodea desnuda su alma en un intento freudiano de eliminar sus fantasmas vitales, los cuales, tras una fachada de éxito, mermaban el progreso emocional de un personaje único en el mundo de la música moderna.
Esta catarsis sónica le sirve a John Lennon para construir su mejor, más personal y apasionado disco en solitario.
Lamentos evocativos familiares (especialmente a su adorada madre Julia), cánticos fraternales de amor, temas plagados de inherente tristeza con sentimientos de alienación mezclados con otros de carácter optimista y apoyo solidario-reivindicativo carentes de fatuo manierismo instrumental y sí de un sonido cuasi minimalista que no pierde un bello sentido melódico y que atrapan por la irritable reflexión existencial de un hombre en plena madurez que se despoja de la idolatría y desde una postura nihilista sólo cree en su persona...bueno y en Yoko.
El piano y la guitarra corren a cargo de Lennon, mientras Ringo toca la batería y Klaus Voorman (ex Manfred Mann) el bajo.
El piano de "Love" está interpretado por Phil Spector, productor del disco, y el de "God" por Billy Preston. Dos importantes nombres que prestan su ayuda en este sensacional e imprescindible trabajo..
1. Mother
2. Hold On
3. I Found Out
4. Working Class Hero
5. Isolation
6. Remember
7. Love
8. Well Well Well
9. Look at Me
10. God
11. My Mummy's Dead
12. Power to the People
13. Do the Oz
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184. Stills Crosby, Nash & Young – Déjà vu (1970)
El terceto Crosby, Stills & Nash estaba compuesto por el británico Graham Nash (nacido el 2 de febrero de 1942 en Blackpool), quien abandonó a los Hollies para unirse a los estadounidenses David Crosby (nacido el 14 de agosto de 1941 en Los Angeles), ex componente de los Byrds y Stephen Stills (nacido el 3 de enero de 1945 en Dallas), antiguo miembro de Buffalo Springfield.Esta reunión artística, producida en el año 1968, supuso uno de los proyectos musicales de mayor significación popular y crítica en los últimos años de la década de los 60 y comienzos de los 70. Young se uniría al trío en 1969, poco antes de aparecer en el famoso Festival de Woodstock. El ahora cuarteto grabaría un álbum sobresaliente, "Deja Vu" (1970), en el cual expandían su faceta acústica con una textura más eléctrica.
Los cuatro componentes ofrecían lo mejor de sí mismo, con diez temas de excepción, entre ellos uno escrito por Joni Mitchell, el single "Woodstock", canción que ese mismo año publicó la canadiense en su disco "Ladies of the Canyon". "Deja Vu", la cumbre del supergrupo, llegaría al número 1 en los Estados Unidos. Un disco de primer nivel sin fisuras, casi necesario en toda colección personal digna.
1. Carry On
2. Teach Your Children
3. Almost Cut My Hair
4. Helpless
5. Woodstock
6. Déjà Vu
7. Our House
8. 4 + 20
9. Country Girl
* Whiskey Boot Hill
* Down, Down, Down
* Country Girl (I Think You're Pretty)
10. Everybody I Love You
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185. Black Sabbath – Paranoid (1970)
Uno de los grandes discos de Black Sabbath, en el cual vuelven a incidir en una sombría perspectiva del género humano y su desarrollo en un contexto propicio a la violencia y la involución, con imágenes apocalípticas, bélicas y corruptas, enfatizadas por sonidos ásperos y ritmos contundentes, que crean unas atmósferas de cetrina modulación, a base de enérgica e iterativa instrumentación, pluralidad de tempos, sonoridad aposentada en la amplificación de basamentos hard y blues-rock y amalgama de gradación épica, con ramalazos góticos y una vocalidad que expone un aspecto inquisitivo en sus ilustraciones y personajes definidos, con un desasosiego en base a un panorama insano, alimentado por las altas esferas de la sociedad (en especial la clase política) y el aborregamiento general del respetable.
Su dibujo afligido del ser humano contemporáneo y la sociedad que está construyendo se advierte en casi todos sus cortes, desde el antibelicismo de "War Pigs" o el desequilibrio emocional, derivado de su descontento existencial, en la frenética "Paranoid", la estupenda balada de retazos psicodélicos "Planet Caravan", rica en imaginería natural, en donde se dibuja un escenario celeste, plácido pero melancólico, con guitarra de apuntes jazzísticos, "Iron Man", pieza de indeleble riff, con el hombre de hierro clamando venganza contra esta humanidad violenta, que sólo reacciona ante la amenaza del miedo y la propia vorágine de la vehemencia, o "Electric Funeral", tema en el cual vuelven a subrayar su mensaje apocalíptico, con una instrumentación que pondera con sus foscas texturas y aspecto amenazador la diatriba en contra de la energía nuclear y el armamento atómico. En "Hand of doom" abordan el tema de las drogas. Aunque la postura es claramente contraria, con la muerte siempre al acecho, advierten su consumo como evasión de un contexto alienante y peligroso. De nuevo, el tratamiento es ceñudo y ahora con mayores reminiscencias blues-rock.
"Rat Salad" es un corto y sencillo instrumental, de potente sonoridad y brillo para las seis cuerdas de Tony Iommi y en especial, las baquetas de Bill Ward, que prologan la última pieza del álbum, un soberbio tema con jocosa lírica, exuberancia instrumental y temática de nuevo aposentada en el abuso en el consumo de drogas, punto y final para el álbum pináculo de esta influyente formación británica.
01 - War Pigs
02 - Black Sabbath – Paranoid
03 - Planet Caravan
04 - Iron Man
05 - Electric Funeral
06 - Hand of Doom
07 - Rat Salad
08 - Fairies Wear Boots
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186. Neil Young – After the Gold Rush (1970)
After the Gold Rush fue uno de los discos más aclamados de Neil Young cuando se editó, y todavía sigue despertando pasiones entre aquellos interesados en su obra. No es por nada: una porción enorme del universo de Neil está en este trabajo. Tell Me Why, una muy hermosa canción acústica uptempo; Southern Man, crítica rabiosa a la discriminación del sur de los Estados Unidos, en un tono similar al de la posterior Alabama; descorazonadoras baladas en piano, como I Believe in You o After the Gold Rush; When You Dance I Can Really Love, rock enamoradizo, eléctrico, primal, vital, aparentemente básico y usualmente cautivante, en el tono típico de los Crazy Horse; Oh, Lonesome Me, denso y tristísimo cover de Don Gibson; dos joyas de un minuto y medio, alegres y pop: Till the Morning Comes y Crippled Creek Ferry. Los tres temas que quedan por nombrar, para no ser menos, resultan contarse entre lo más recordado y “clásico” del repertorio de Young: Don’t Let It Bring You Down, Only Love Can Break Your Heart y Birds. "After The Gold Rush" , una obra maestra repleta de sensibilidad artística y emocional que fue excelentemente recibida por crítica y público.
1. Tell Me Why
2. After The Goldrush
3. Only Love Can Break Your Heart
4. Southern Man
5. Till The Morning Comes
6. Oh Lonesome Me
7. Don't Let It Bring You Down
8. Birds
9. When You Dance I Can Really Love
10. I Believe In You
11. Cripple Creek Ferry
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187. Led Zeppelin – III (1970)
Led Zeppelin III, el tercer álbum de Led Zeppelin, lanzado el 5 de octubre de 1970 por Atlantic Records. Este álbum añadía acústica y elementos de folk rock al repertorio de la banda, lo cual cautivó a los seguidores del rock progresivo. Los detractores embistieron contra la música heavy calificándola de ruido acrítico, mientras que el material acústico fue tachado de pálida imitación de la música de Crosby, Stills and Nash (and Young). En ese año la revista Rolling Stone había dado duras críticas al álbum; críticas que no se pueden encontrar en los archivos porque fueron eliminadas, dado que éste LP representa uno de los mejores trabajos de la banda. «Debe darse crédito a BRON-Y-AUR, una casita de campo en South Snowdonia, por pintar una imagen un tanto olvidada de auténtica completitud que sirvió de incentivo a algunos de estos planteamientos musicales», agosto de 1970.
Esta cita, incluida en la cubierta de Led Zeppelin III sirve para explicar el carácter sorprendentemente tranquilo del disco. Page y Plant se retiraron a esta granja para descansar de las giras y de todo el éxito que había alcanzado el segundo disco, y trabajaron en algunas canciones, muy influidas por la atmósfera del campo. Posteriormente grabaron el disco a medias entre Headley Grange, una mansión en Hampshire (con el estudio ambulante de los Rolling Stones) y los estudios Island en Londres.
El disco quedó así dividido en dos caras completamente distintas: en la primera, los clásicos temas de rock y blues totalmente eléctricos, mientras que en la segunda aparecían exclusivamente temas folk o predominantemente acústicos. La crítica, tras la tremenda sacudida de Led Zeppelin II, esperaba algo más contundente, y no acogió muy bien al 3er álbum. Sin embargo, a muchos les parece uno de los mejores discos de la banda.
1. Immigrant Song
2. Friends
3. Celebration Day
4. Since I've Been Loving You
5. Out On The Tiles
6. Gallows Pole
7. Tangerine
8. That's The Way
9. Bron-Y-Aur Stomp
10. Hats Off To (Roy) Harper
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188. Deep Purple – In Rock (1970)
La mugiente pirotecnia en las seis cuerdas con demoledores riffs de Ritchie Blackmore, el órgano de impronta clásica de Jon Lord, el vigor rítmico otorgado por la pareja Roger Glover/Ian Paice, junto a la vociferante y pujante capacidad vocal de Ian Gillan, en una sinergia sonora con influencias de Led Zeppelin, Black Sabbath, Jimi Hendrix o Cream, confeccionan una de las cumbres en la carrera del grupo británico Deep Purple, "In Rock", un LP iniciado con un apabullante tributo a Little Richard, "Speed King", que los aleja de sus inicios psicodélicos y progresivos y los significa como uno de los esenciales cimientos del hard-rock y heavy metal.
Apremiando y propagando en sacudidas amplificadas el blues-rock de finales de los 60 y el clásico rock'n'roll en maneras de fibrosa distorsión, la banda británica compone para este disco, el primero con el cantante Ian Gillan en sus filas, alguna de las mejores piezas de su carrera, como el lirismo antibélico de la espectacular y épica "Child in time", un tema con retazos gospel que presenta a un aullante Gillan acompañado una sugestiva asociación instrumental (especialmente en los teclados) y absorbentes solos de Blackmore y Lord, redundados con magnificencia en muchos pasajes de este gran álbum, en especial en otra de las mejores piezas del disco, "Flight of the Rat", que cuenta también con un trabajo excepcional en la batería de Ian Paice.
Los contundentes riffs de "Bloodsucker" o "Into the fire", el lacerante órgano de la sarcástica "Living Wreck" o el hipnótico desenfreno y delirio sonoro de "Hard Lovin' Man" son otros fragmentos de un disco verdaderamente excepcional dentro de su género.
01 - Speed King
02 - Bloodsucker
03 - Child In Time
04 - Flight Of The Rat
05 - Into The Fire
06 - Living Wreck
07 - Hard Loving Man
08 - Black Night (Original Single Version)
09 - Speed King (Piano Version)
10 - Cry Free (Roger Glover Remix)
11 - Jam Stew (Unreleased Instrumental)
12 - Flight Of The Rat (Roger Glover Remix)
13 - Speed King (Roger Glover Remix)
14 - Black Night (Unedited Roger Glover Remix)
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189. Van Morrison – Moondance (1970)
Uno de los mejores discos del irlandés Van Morrison tras abandonar el fenomenal grupo de R&B Them.
Emocional y sensitiva interpretación con temáticas de introspección, romanticismo y gusto por la imaginería natural sobre bases soul y jazz con coros femeninos deudores del gospel.
Sus melodías se encuentran además aderezadas por preciosos acompañamientos de viento, en especial los omnipresentes saxos de Jack Schrorer y Colling Tillton.
El trabajo atmosférico conseguido (combinando elegancia, apasionamiento y sosiego) es soberbio, con temas clásicos como "And It Stoned Me", "Moondance", la bellísima "Crazy Love", "Caravan" o "Into The Mystic", en los que Van da rienda suelta con clase y sofisticación a sus habituales cuitas sentimentales, elaborando uno de sus trabajos imprescindibles en solitario (muy influenciado por Ray Charles) que crece y crece en cada nueva escucha.
1. And It Stoned Me
2. Moondance
3. Crazy Love
4. Caravan
5. Into The Mystic
6. Come Running
7. These Dreams Of You
8. Brand New Day
9. Everyone
10. Glad Tidings
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190. Grateful Dead – American Beauty (1970)
Festivas ceremonias embebidas de lisergia y congregación vital, sinceros hippies de San Francisco enlazados con universos clásicos de la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal. Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la América de los años 60, The Grateful Dead. Los ‘60 fueron una década que cambió a la cultura pop para siempre, donde un montón de artistas levantaron la barra de lo que se pretendía de ellos, y volvieron obsoleta a muchísima música blanda, comercial y ridícula. ¿Los ‘70? Bien gracias, más que nada se dedicaron a seguir explorando los caminos ya abiertos en la decada anterior y robando de la originalidad de músicos que reventaron todo paradigma. Igual, sería una conclusión falaz pensar que no hubo nada de buena producción en la década, y hoy tenemos uno de los mejores ejemplos de un gran trabajo lanzado en ese entonces.
1970 fue el año dorado para Grateful Dead con sus trabajos en estudio, que, según declaraciones de los propios miembros de la banda, habían sido influenciados por las melodías y armonías vocales de Crosby, Stills & Nash.
American Beauty, el quinto álbum de Grateful Dead es la suma de todo lo que estuvo bien de los primeros cuatro discos, y algunas de las gemas pop más brillantes de la década, una suma de grandes tracks y un poco de relleno que no llega a molestar. Un gran trabajo que muestra el espiritu de la costa oeste norteamericana en ese entonces. En definitiva, American Beauty es un disco que no te hace perder el tiempo y entrega puros buenos momentos en sus cuarenta y tantos minutos de duración, mezclando magia pop con sencillez y buen gusto. Un trabajo inspirado por parte de los Dead. Si bien no todos los momentos son tan geniales como aparentan cuando se dice algo así, el disco es coherente, y en ningún momento se acaricia con la mediocridad, logrando que si bien haya temas que se roban el disco, ningún track es inescuchable. Aplauso de pie para l Grateful Dead.
1. Box Of Rain
2. Friend Of The Devil
3. Sugar Magnolia
4. Operator
5. Candyman
6. Ripple
7. Breakdown Place
8. Till The Morning Comes
9. Attics Of My Life
10. Truckin
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191. Nick Drake – Bryter Layter (1970)
Bryter Layter, fue el segundo álbum del cantautor inglés Nick Drake, el cual fue grabado y editado en 1970. Tal como en Five Leaves Left, este disco contiene música con acompañamiento. Integrantes del grupo británico de folk rock Fairport Convention asistieron con las grabaciones del bajo, la guitarra eléctrica y la batería, mientras que John Cale (quien había formado parte de The Velvet Underground) participó con otros instrumentos como la viola, el clave, la celesta y el órgano.
Bryter Layter, al igual que su antecesor Five Leaves Left, no vendió una cantidad significativa de copias al ser lanzado al mercado, y las revisiones en su momento fueron mixtas: mientras que Record Mirror elogió a Drake llamándolo "un bello guitarrista" y consideró que los arreglos eran "suaves y hermosos", Melody Maker describió al álbum como "una torpe mezcla de folk y cocktail jazz". Sin embargo, con el tiempo el álbum recibió mayor reconocimiento por parte de la crítica, al igual que el resto de la obra de Drake: en 1999 el periódico inglés The Guardian ubicó a Bryter Layter en el primer puesto de su lista "Alternative top 100 albums ever", conformada por los 100 mejores álbumes alternativos, mientras que la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto 245 de su lista de los "500 Greatest Albums of All Time" ("Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos", por encima de los otros dos álbumes que editó Drake durante su vida. Sin embargo, Drake no quedó satisfecho con el sonido "elaborado" del álbum, por lo que en su siguiente trabajo prefirió un sonido más minimalista. Su carácter depresivo y su temprano fallecimiento por sobredosis le elevaron a mito.
1. Introduction
2. Hazey Jane II
3. At the Chime of a City Clock
4. One of These Things First
5. Hazey Jane I
6. Bryter Layter
7. Fly
8. Poor Boy
9. Northern Sky
10. Sunday
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192. Ananda Shankar – Ananda Shankar (1970)
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock. Casado con Tanushree Shankar. Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.
1. Jumpin' Jack Flash
2. Snow Flower
3. Light My Fire
4. Mamata (Affection)
5. Metamorphosis
6. Sagar (The Ocean)
7. Dance Indra
8. Raghupati
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193. The Who – Live at Leeds (1970)
Live at Leeds es el primer álbum en directo del grupo británico de rock The Who, publicado en 1970 y considerado como uno de los mejores álbumes en directo de todos los tiempos.
Tras la publicación de Tommy a mediados de 1969, The Who se enmarcaría en una extensa gira de promoción, volviendo a Inglaterra a finales de año con el deseo de publicar un álbum en directo de la gira. Aún así, desaprobaron la perspectiva de escuchar cerca de ochenta horas de grabación para seleccionar las mejores interpretaciones, llegando incluso a rumorearse que Townshend quemó las cintas para prevenir la edición de los conciertos en bootlegs. Poco después, una posterior entrevista de Roger Daltrey despejaría los rumores. Se seleccionaron dos conciertos, uno en la Universidad de Leeds y otro en Hull, con el fin de realizar una grabación óptima y publicar un álbum en directo. Los conciertos fueron programados para el 14 y el 15 de febrero de 1970, si bien problemas técnicos en el concierto de Hull, en donde el bajo no llegaría a registrarse, obligaría a publicar el concierto de Leeds.
Live at Leeds se convertiría por una suma de factores, entre los que destacaban el momento álgido en la carrera del grupo y el éxito internacional de Tommy, en una grabación salvaje. Supuso un éxito de crítica, con el New York Times aclamándolo como "el mejor álbum en directo de todos los tiempos".7 La reputación del álbum se alarga hasta la actualidad, con la revista Q alzándolo hasta la primera posición de los mejores álbumes en directo de la historia musical.8
La portada del álbum refleja un diseño semejante al de los bootlegs de la época, editados en disco de vinilo, con una portada de cartón en la que se puede leer el nombre del grupo y el título del álbum sobreimpreso en azul o rojo.
1. Heaven And Hell
2. I Can't Explain
3. Fortune Teller
4. Tattoo
5. Young Man (Blues)
6. Substitute
7. Happy Jack
8. I'm A Boy
9. A Quick One
10. The Who - Amazing journey-Sparks
11. Summertime Blues
12. Shakin' All Over/Spoonful
13. My Generation
14. Magic Bus
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194. Soft Machine – Third (1970)
Los Soft Machine fueron uno de los conjuntos más destacados dentro del sonido Canterbury del Reino Unido, en donde confluirían bandas bastante ambiciosas como Gong, Caravan o este conjunto compuesto en sus inicios, finales de los años 60, por el batería y vocalista Robert Wyatt, el bajista y cantante Kevin Ayers, los guitarristas Daevid Allen y Larry Nolan, y el teclista Mike Ratledge. Varios de sus componentes habían estado en el seminal combo The Wilde Flowers.
El grupo, con músicos mamados en raíces jazz, de psicodelia/art-rock, se bautizó con el nombre de una novela de William Burroughs, el afamado autor de la Generación Beat.
Para grabar su tercer trabajo, “Third” (1970), un doble álbum prog-rock autoproducido y editado en CBS que se convirtió en el más vendido de su carrera en Gran Bretaña, llegando al puesto número 18. Para muchos la obra maestra de la mejor formación de Soft Machine.
1- Facelift
2- Slightly all the time
3- Moon in June
4- Out Bloody rageous
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195. Rod Stewart – Gasoline Alley (1970)
Comenzó su carrera en la banda de Brian Auger (The Brian Augen Trinity), pasó por los Steampackets, y alcanzó la fama en la banda de Jeff Beck y en The Faces (Junto a Ron Wood, de Rolling Stones). En su carrera en solitario era una estrella de rock al comienzo, virando al pop y captando en la actualidad tanto a los viejos seguidores como a las nuevas generaciones.
El primer álbum en solitario y aun siendo el vocalista de The Faces, lo graba con la casa discográfica "Phonogram" y se titulará "An old raincoat will never let you down". Introdujo una mezcla de música acústica y eléctrica utilizando folk, soul y R&B. Arropado por una notable banda compuesta por Ron Wood, Mick Waller y el guitarrista Martin Quittenton, inteligentemente Rod Stewart mezcló sus propias narrativas "Cindy Lament" y "Blind Prayer" con covers de Ewan MacColl "Dirty old town" y Mike D'Abo "Handbags & gladrags", pero este disco solo lo apreciaron los buenos catadores.
Alabado por los críticos, Stewart empezaba a prepararse el camino para saltar a la fama. A continuación llegó el segundo disco: "Gasoline alley", conservando los mismos músicos del primer álbum (como también hizo en los dos discos posteriores). Este segundo disco empezó a preocupar a la Warner (casa discográfica de The Faces), que veía que las canciones de Rod como solista eran mejores que las que grababa con el grupo. Disfrutemos del legado setentero de este hombre que sin duda es una de las mejores voces de la historia del rock.
1. Gasoline Alley
2. It's All Over Now
3. Only A Hobo
4. My Way Of Giving
5. Country Comforts
6. Cut Across Shorty
7. Lady Day
8. Jo's Lament
9. You're My Girl (I Don't Want To Discuss It)
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196. George Harrison – All Things Must Pass (1970)
Tras un par de experimentos sónicos y dejar buena constancia de su buen hacer en la escritura de alguna de las mejores canciones publicadas por los Beatles, este triple álbum destapó las infravaloradas esencias compositivas de Harrison, siempre a la sombra de los genios Lennon/MCCartney, sorprendiendo a crítica y público de la época por su elevada capacidad de crear magistrales temas de naturaleza introspectiva empapados de amor, emotividad, mística y espiritualidad, características inherentes a su humilde personalidad.
Gran parte del álbum son piezas compuestas en su etapa con los Fab Four y más concretamente, creaciones manufacturadas en la época de Abbey Road, dominadas por su sentido guitarrero pleno de percepciones emocionantes y su acariciante y sensible vocalidad que envuelve estas bellas melodías, engrandecidas por la majestuosa producción del gran Phil Spector y colaboraciones lujosas de gente como Eric Clapton, Ringo Starr, Bob Dylan, Dave Mason, Ginger Baker o Klaus Voorman.
Recibido como una obra maestra desde su descubrimiento en 1970, al margen del prescindible tercer disco lleno de jams (Apple Jam), este trabajo es la mejor obra de George en solitario y una de las mejores de un Beatle en solitario, por no decir la mejor. Ha sido certificado por la RIAA con seis discos de platino. El 29 de julio de 2006, la compañía que regenta las listas de éxitos británicas modificó una de las listas debido a una huelga que tuvo lugar en el momento de la publicación del álbum y que impidió repartir la correspondencia con el número de ventas. Así pues, All Things Must Pass, que originalmente había alcanzado la posición #4, fue recientemente galardonado con el número #1 en el Reino Unido debido a los errores de cálculo originados por la huelga.
Todas las cosas pasan, pero la música de Harrison, ejemplificada en este enorme trabajo que contiene obras maestras de la talla de "Isn't a pity", "I'd have you anytime", "I dig love", "My sweet lord", "Beware of darkness", "What life is" o "Let it down", permanecerá para siempre.
1.I'd Have You Anytime
2.My Sweet Lord
3.Wah - Wah
4.Isn't It A Pity
5.What Is Life
6.If Not For You
7.Behind That Locked Door
8.Let It Down
9.Run Of The Mill
10.I Live For You (Bonus Track)
11.Beware Of Darkness (Bonus Track)
12.Let It Down (Bonus Track)
13.What Is Life (Bonus Track)
14.My Sweet Lord (2000) (Bonus Track)
15.Beware Of Darkness
16.Apple Scruffs
17.Ballad Of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)
18.Awaiting On You All
19.All Things Must Pass
20.I Dig Love
21.Art Of Dying
22.Isn't It A Pity [Version 2]
23.Hear Me Lord
24.It's Johnny's Birthday
25.Plug Me In
26.I Remember Jeep
27.Thanks For The Pepperoni
28.Out Of The Blue
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197. Simon & Garfunkel – Bridge Over Troubled Water (1970)
Bridge Over Troubled Water es el quinto y último álbum de estudio de Simon and Garfunkel. Inicialmente publicado el 26 de enero de 1970. Se emplearon cerca de 800 horas de grabación para su elaboración. El álbum cosechó un éxito mundial, vendiendo, solamente en Estados Unidos, cerca de ocho millones de copias, y alrededor de veinte millones en todo el mundo. Alcanzó lo más alto en las listas de la revista Billboard y se mantuvo durante 10 semanas, y ganó el premio Grammy al Mejor álbum del año, y Mejor equipo de sonido, mientras que el tema que da título al álbum ganó el premio a la Mejor canción del año, en la entrega de premios de 1971.
Después de este álbum, el dúo, aunque no oficialmente, estaba disuelto. Art Garfunkel continuó con su carrera cinematográfica y Paul Simon inició su etapa como solista.
En el año 2003, el álbum ingresó en el puesto 51 de la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Cinco premios Grammy en 1971: Mejor grabación del año (Bridge over Troubled Water), Mejor álbum del año, Mejor canción contemporánea (Bridge over Troubled Water), Mejor letra de canción (Bridge over Troubled Water), Mejor equipo de sonido.
1. Bridge Over Troubled Water
2. El Condor Pasa (If I Could)
3. Cecilia
4. Keep the Customer Satisfied
5. So Long, Frank Lloyd Wright
6. The Boxer
7. Baby Driver
8. The Only Living Boy in New York
9. Why Don't You Write Me
10. Bye Bye Love
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198. Cat Stevens – Tea for The Tillerman (1970)
Si eres del tipo de persona que cuando escuchas una bella, tranquila y reflexiva melodía acústica llena de lirismo y entonada por una cercana voz, sientes alterada tu fibra más sensible, este disco puede ser tu perdición. "Tea for the tillerman" es el mejor trabajo de Cat Stevens, un músico de prodigiosa sensibilidad, consecuente con sus ideas y comprometido socialmente con el mundo que le rodea. Preocupado por la infancia y por un futuro deshumanizado, abordando desde posturas maduras los conflictos del corazón, quejándose con pesimismo de la crudeza del mundo, buscando conexiones espirituales que den sentido a la existencia, o entablando geniales diatribas intergeneracionales, Cat Stevens oferta en este trabajo un disco repleto de hermosas e insuperables baladas, como "Where do the children play", "Hard Headed Woman", "Wild World", "Sad Lisa" o "Father & Son", eternas canciones por las que los amantes de la buena música le deberán estar siempre agradecidos. Produce el ex Yardbirds Paul Samwell-Smith.
01. Where Do The Children Play?
02. Hard Headed Woman
03. Wild World
04. Sad Lisa
05. Miles From Nowhere
06. But I Might Die Tonight
07. Longer Boats
08. Into White
09. On The Road To Find Out
10. Father And Son
11. Tea For The Tillerman
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199. Traffic – John Barleycorn Must Die (1970)
Luego de la primera separación de Traffic, ocurrida durante la gira de su segundo disco, a finales de 1968, el tecladista Steve Winwood formó el grupo Blind Faith, junto a Eric Clapton, Ginger Baker y Rick Grech. La banda duró solo un año y, tras su separación, Winwood decidió grabar su primer álbum solista. Durante la grabación se le unieron dos de sus tres ex-compañeros de Traffic -el percusionista Jim Capaldi y el flautista/saxofonista Chris Wood-, lo cual significó la reformación del grupo, esta vez como trío. El resultado es uno de los mejores álbumes de la banda, uno muy diferente a todo lo que venían haciendo: John Barleycorn Must Die.
Uno de los motivos por los que Barleycorn es tan distinto a sus antecesores es la ausencia de Dave Mason, ex-guitarrista y bajista (quien en 1971 regresaría al grupo durante solo seis recitales, en uno de los cuales grabarían el disco Welcome to the Canteen). Con este álbum se hace claro que, en lo referente a la agrupación, los intereses de Mason y Winwood siempre habían sido diferentes y que, al no estar el primero -que el mismo año grabó Alone Together, su excelente debut solista-, Winwood tuvo plena libertad de expandir su creatividad y trascender el formato de canción en el que venía trabajando: acá hay varias secciones instrumentales y un acercamiento al jazz que ni el primer Traffic ni Blind Faith tuvieron jamás.
En John Barleycorn Must Die los elementos que en los anteriores álbumes eran empleados para enriquecer a canciones que estaban a medio camino entre el folk-rock y la psicodelia -variados instrumentos de percusión y vientos, teclados y pianos llenos de color-, son utilizados en pos de ideas más novedosas y creativas, con los tres músicos haciendo gala de un virtuosismo que no opaca en ningún momento a las accesibles composiciones. John Barleycorn representa un cambio positivo en la banda y sus tres excelentes sucesores de estudio (The Low Spark of High Heeled Boys, Shoot Out at the Fantasy Factory y When the Eagle Flies) seguirían en cierto modo su línea, aunque con nuevos músicos sumados al trío conformado por Winwood, Capaldi y Wood.
1.: Glad
2.: Freedom Rider
3.: Empty Pages
4.: I Just Want You To Know
5.: Stranger To Himself
6.: John Barleycorn
7.: Every Mother's Son
8.: Sittin' Here Thinkin' Of My Love
9.: Backstage And Introduction
10.: Who Knows What Tomorrow May Bring (live)
11.: Glad (live)
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200. The Stooges – Fun House (1970)
Fiero y catártico segundo disco de la banda de Detroit The Stooges, un monumental trabajo de rock garaje proto-punk con un psicótico Iggy Pop bramando incendiariamente sus proclamas ante los compases nerviosos, perturbados y penetrantes de los hermanos Ron (guitarra) y Scott (batería) Asheton, el bajista Dave Alexander y el enajenado saxo de Steven Mackay.
La sensacional "Down On The Street", uno de los mejores temas que nunca han compuesto los Stooges, es la extraordinaria apertura para un mundo caótico pero fascinador, lleno de excitables y excitantes trabajos rítmicos, vehemencia guitarrera de Ron Asheton y minimalismo lírico, traspasado por un arrollador poderío vocal de un bravío Iggy. Tras navegar por sus agresivos e impetuosos surcos repletos de furia, el imprescindible "Fun House" culmina con "L.A. Blues", una enloquecedora y sugestiva purga sónica. Producido de forma magistral por Don Gallucci, el teclista de los Kingsmen, quien consigue atrapar con genialidad el directo de esta esencial formación y configura el mejor disco del grupo y una de las experiencias más asombrosas y gratificantes que cualquier aficionado del rock puede disfrutar.
01.- Down On the Street
02.- Loose
03.- T.V. Eye
04.- Dirt
05.- 1970
06.- Fun House
07.- L.A. Blues
08.- Loose (Demo)
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Uno de los mejores discos del irlandés Van Morrison tras abandonar el fenomenal grupo de R&B Them.
Emocional y sensitiva interpretación con temáticas de introspección, romanticismo y gusto por la imaginería natural sobre bases soul y jazz con coros femeninos deudores del gospel.
Sus melodías se encuentran además aderezadas por preciosos acompañamientos de viento, en especial los omnipresentes saxos de Jack Schrorer y Colling Tillton.
El trabajo atmosférico conseguido (combinando elegancia, apasionamiento y sosiego) es soberbio, con temas clásicos como "And It Stoned Me", "Moondance", la bellísima "Crazy Love", "Caravan" o "Into The Mystic", en los que Van da rienda suelta con clase y sofisticación a sus habituales cuitas sentimentales, elaborando uno de sus trabajos imprescindibles en solitario (muy influenciado por Ray Charles) que crece y crece en cada nueva escucha.
1. And It Stoned Me
2. Moondance
3. Crazy Love
4. Caravan
5. Into The Mystic
6. Come Running
7. These Dreams Of You
8. Brand New Day
9. Everyone
10. Glad Tidings
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190. Grateful Dead – American Beauty (1970)
Festivas ceremonias embebidas de lisergia y congregación vital, sinceros hippies de San Francisco enlazados con universos clásicos de la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal. Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la América de los años 60, The Grateful Dead. Los ‘60 fueron una década que cambió a la cultura pop para siempre, donde un montón de artistas levantaron la barra de lo que se pretendía de ellos, y volvieron obsoleta a muchísima música blanda, comercial y ridícula. ¿Los ‘70? Bien gracias, más que nada se dedicaron a seguir explorando los caminos ya abiertos en la decada anterior y robando de la originalidad de músicos que reventaron todo paradigma. Igual, sería una conclusión falaz pensar que no hubo nada de buena producción en la década, y hoy tenemos uno de los mejores ejemplos de un gran trabajo lanzado en ese entonces.
1970 fue el año dorado para Grateful Dead con sus trabajos en estudio, que, según declaraciones de los propios miembros de la banda, habían sido influenciados por las melodías y armonías vocales de Crosby, Stills & Nash.
American Beauty, el quinto álbum de Grateful Dead es la suma de todo lo que estuvo bien de los primeros cuatro discos, y algunas de las gemas pop más brillantes de la década, una suma de grandes tracks y un poco de relleno que no llega a molestar. Un gran trabajo que muestra el espiritu de la costa oeste norteamericana en ese entonces. En definitiva, American Beauty es un disco que no te hace perder el tiempo y entrega puros buenos momentos en sus cuarenta y tantos minutos de duración, mezclando magia pop con sencillez y buen gusto. Un trabajo inspirado por parte de los Dead. Si bien no todos los momentos son tan geniales como aparentan cuando se dice algo así, el disco es coherente, y en ningún momento se acaricia con la mediocridad, logrando que si bien haya temas que se roban el disco, ningún track es inescuchable. Aplauso de pie para l Grateful Dead.
1. Box Of Rain
2. Friend Of The Devil
3. Sugar Magnolia
4. Operator
5. Candyman
6. Ripple
7. Breakdown Place
8. Till The Morning Comes
9. Attics Of My Life
10. Truckin
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191. Nick Drake – Bryter Layter (1970)
Bryter Layter, fue el segundo álbum del cantautor inglés Nick Drake, el cual fue grabado y editado en 1970. Tal como en Five Leaves Left, este disco contiene música con acompañamiento. Integrantes del grupo británico de folk rock Fairport Convention asistieron con las grabaciones del bajo, la guitarra eléctrica y la batería, mientras que John Cale (quien había formado parte de The Velvet Underground) participó con otros instrumentos como la viola, el clave, la celesta y el órgano.
Bryter Layter, al igual que su antecesor Five Leaves Left, no vendió una cantidad significativa de copias al ser lanzado al mercado, y las revisiones en su momento fueron mixtas: mientras que Record Mirror elogió a Drake llamándolo "un bello guitarrista" y consideró que los arreglos eran "suaves y hermosos", Melody Maker describió al álbum como "una torpe mezcla de folk y cocktail jazz". Sin embargo, con el tiempo el álbum recibió mayor reconocimiento por parte de la crítica, al igual que el resto de la obra de Drake: en 1999 el periódico inglés The Guardian ubicó a Bryter Layter en el primer puesto de su lista "Alternative top 100 albums ever", conformada por los 100 mejores álbumes alternativos, mientras que la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto 245 de su lista de los "500 Greatest Albums of All Time" ("Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos"
, por encima de los otros dos álbumes que editó Drake durante su vida. Sin embargo, Drake no quedó satisfecho con el sonido "elaborado" del álbum, por lo que en su siguiente trabajo prefirió un sonido más minimalista. Su carácter depresivo y su temprano fallecimiento por sobredosis le elevaron a mito.1. Introduction
2. Hazey Jane II
3. At the Chime of a City Clock
4. One of These Things First
5. Hazey Jane I
6. Bryter Layter
7. Fly
8. Poor Boy
9. Northern Sky
10. Sunday
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192. Ananda Shankar – Ananda Shankar (1970)
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock. Casado con Tanushree Shankar. Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.
1. Jumpin' Jack Flash
2. Snow Flower
3. Light My Fire
4. Mamata (Affection)
5. Metamorphosis
6. Sagar (The Ocean)
7. Dance Indra
8. Raghupati
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193. The Who – Live at Leeds (1970)
Live at Leeds es el primer álbum en directo del grupo británico de rock The Who, publicado en 1970 y considerado como uno de los mejores álbumes en directo de todos los tiempos.
Tras la publicación de Tommy a mediados de 1969, The Who se enmarcaría en una extensa gira de promoción, volviendo a Inglaterra a finales de año con el deseo de publicar un álbum en directo de la gira. Aún así, desaprobaron la perspectiva de escuchar cerca de ochenta horas de grabación para seleccionar las mejores interpretaciones, llegando incluso a rumorearse que Townshend quemó las cintas para prevenir la edición de los conciertos en bootlegs. Poco después, una posterior entrevista de Roger Daltrey despejaría los rumores. Se seleccionaron dos conciertos, uno en la Universidad de Leeds y otro en Hull, con el fin de realizar una grabación óptima y publicar un álbum en directo. Los conciertos fueron programados para el 14 y el 15 de febrero de 1970, si bien problemas técnicos en el concierto de Hull, en donde el bajo no llegaría a registrarse, obligaría a publicar el concierto de Leeds.
Live at Leeds se convertiría por una suma de factores, entre los que destacaban el momento álgido en la carrera del grupo y el éxito internacional de Tommy, en una grabación salvaje. Supuso un éxito de crítica, con el New York Times aclamándolo como "el mejor álbum en directo de todos los tiempos".7 La reputación del álbum se alarga hasta la actualidad, con la revista Q alzándolo hasta la primera posición de los mejores álbumes en directo de la historia musical.8
La portada del álbum refleja un diseño semejante al de los bootlegs de la época, editados en disco de vinilo, con una portada de cartón en la que se puede leer el nombre del grupo y el título del álbum sobreimpreso en azul o rojo.
1. Heaven And Hell
2. I Can't Explain
3. Fortune Teller
4. Tattoo
5. Young Man (Blues)
6. Substitute
7. Happy Jack
8. I'm A Boy
9. A Quick One
10. The Who - Amazing journey-Sparks
11. Summertime Blues
12. Shakin' All Over/Spoonful
13. My Generation
14. Magic Bus
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194. Soft Machine – Third (1970)
Los Soft Machine fueron uno de los conjuntos más destacados dentro del sonido Canterbury del Reino Unido, en donde confluirían bandas bastante ambiciosas como Gong, Caravan o este conjunto compuesto en sus inicios, finales de los años 60, por el batería y vocalista Robert Wyatt, el bajista y cantante Kevin Ayers, los guitarristas Daevid Allen y Larry Nolan, y el teclista Mike Ratledge. Varios de sus componentes habían estado en el seminal combo The Wilde Flowers.
El grupo, con músicos mamados en raíces jazz, de psicodelia/art-rock, se bautizó con el nombre de una novela de William Burroughs, el afamado autor de la Generación Beat.
Para grabar su tercer trabajo, “Third” (1970), un doble álbum prog-rock autoproducido y editado en CBS que se convirtió en el más vendido de su carrera en Gran Bretaña, llegando al puesto número 18. Para muchos la obra maestra de la mejor formación de Soft Machine.
1- Facelift
2- Slightly all the time
3- Moon in June
4- Out Bloody rageous
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195. Rod Stewart – Gasoline Alley (1970)
Comenzó su carrera en la banda de Brian Auger (The Brian Augen Trinity), pasó por los Steampackets, y alcanzó la fama en la banda de Jeff Beck y en The Faces (Junto a Ron Wood, de Rolling Stones). En su carrera en solitario era una estrella de rock al comienzo, virando al pop y captando en la actualidad tanto a los viejos seguidores como a las nuevas generaciones.
El primer álbum en solitario y aun siendo el vocalista de The Faces, lo graba con la casa discográfica "Phonogram" y se titulará "An old raincoat will never let you down". Introdujo una mezcla de música acústica y eléctrica utilizando folk, soul y R&B. Arropado por una notable banda compuesta por Ron Wood, Mick Waller y el guitarrista Martin Quittenton, inteligentemente Rod Stewart mezcló sus propias narrativas "Cindy Lament" y "Blind Prayer" con covers de Ewan MacColl "Dirty old town" y Mike D'Abo "Handbags & gladrags", pero este disco solo lo apreciaron los buenos catadores.
Alabado por los críticos, Stewart empezaba a prepararse el camino para saltar a la fama. A continuación llegó el segundo disco: "Gasoline alley", conservando los mismos músicos del primer álbum (como también hizo en los dos discos posteriores). Este segundo disco empezó a preocupar a la Warner (casa discográfica de The Faces), que veía que las canciones de Rod como solista eran mejores que las que grababa con el grupo. Disfrutemos del legado setentero de este hombre que sin duda es una de las mejores voces de la historia del rock.
1. Gasoline Alley
2. It's All Over Now
3. Only A Hobo
4. My Way Of Giving
5. Country Comforts
6. Cut Across Shorty
7. Lady Day
8. Jo's Lament
9. You're My Girl (I Don't Want To Discuss It)
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196. George Harrison – All Things Must Pass (1970)
Tras un par de experimentos sónicos y dejar buena constancia de su buen hacer en la escritura de alguna de las mejores canciones publicadas por los Beatles, este triple álbum destapó las infravaloradas esencias compositivas de Harrison, siempre a la sombra de los genios Lennon/MCCartney, sorprendiendo a crítica y público de la época por su elevada capacidad de crear magistrales temas de naturaleza introspectiva empapados de amor, emotividad, mística y espiritualidad, características inherentes a su humilde personalidad.
Gran parte del álbum son piezas compuestas en su etapa con los Fab Four y más concretamente, creaciones manufacturadas en la época de Abbey Road, dominadas por su sentido guitarrero pleno de percepciones emocionantes y su acariciante y sensible vocalidad que envuelve estas bellas melodías, engrandecidas por la majestuosa producción del gran Phil Spector y colaboraciones lujosas de gente como Eric Clapton, Ringo Starr, Bob Dylan, Dave Mason, Ginger Baker o Klaus Voorman.
Recibido como una obra maestra desde su descubrimiento en 1970, al margen del prescindible tercer disco lleno de jams (Apple Jam), este trabajo es la mejor obra de George en solitario y una de las mejores de un Beatle en solitario, por no decir la mejor. Ha sido certificado por la RIAA con seis discos de platino. El 29 de julio de 2006, la compañía que regenta las listas de éxitos británicas modificó una de las listas debido a una huelga que tuvo lugar en el momento de la publicación del álbum y que impidió repartir la correspondencia con el número de ventas. Así pues, All Things Must Pass, que originalmente había alcanzado la posición #4, fue recientemente galardonado con el número #1 en el Reino Unido debido a los errores de cálculo originados por la huelga.
Todas las cosas pasan, pero la música de Harrison, ejemplificada en este enorme trabajo que contiene obras maestras de la talla de "Isn't a pity", "I'd have you anytime", "I dig love", "My sweet lord", "Beware of darkness", "What life is" o "Let it down", permanecerá para siempre.
1.I'd Have You Anytime
2.My Sweet Lord
3.Wah - Wah
4.Isn't It A Pity
5.What Is Life
6.If Not For You
7.Behind That Locked Door
8.Let It Down
9.Run Of The Mill
10.I Live For You (Bonus Track)
11.Beware Of Darkness (Bonus Track)
12.Let It Down (Bonus Track)
13.What Is Life (Bonus Track)
14.My Sweet Lord (2000) (Bonus Track)
15.Beware Of Darkness
16.Apple Scruffs
17.Ballad Of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)
18.Awaiting On You All
19.All Things Must Pass
20.I Dig Love
21.Art Of Dying
22.Isn't It A Pity [Version 2]
23.Hear Me Lord
24.It's Johnny's Birthday
25.Plug Me In
26.I Remember Jeep
27.Thanks For The Pepperoni
28.Out Of The Blue
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197. Simon & Garfunkel – Bridge Over Troubled Water (1970)
Bridge Over Troubled Water es el quinto y último álbum de estudio de Simon and Garfunkel. Inicialmente publicado el 26 de enero de 1970. Se emplearon cerca de 800 horas de grabación para su elaboración. El álbum cosechó un éxito mundial, vendiendo, solamente en Estados Unidos, cerca de ocho millones de copias, y alrededor de veinte millones en todo el mundo. Alcanzó lo más alto en las listas de la revista Billboard y se mantuvo durante 10 semanas, y ganó el premio Grammy al Mejor álbum del año, y Mejor equipo de sonido, mientras que el tema que da título al álbum ganó el premio a la Mejor canción del año, en la entrega de premios de 1971.
Después de este álbum, el dúo, aunque no oficialmente, estaba disuelto. Art Garfunkel continuó con su carrera cinematográfica y Paul Simon inició su etapa como solista.
En el año 2003, el álbum ingresó en el puesto 51 de la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Cinco premios Grammy en 1971: Mejor grabación del año (Bridge over Troubled Water), Mejor álbum del año, Mejor canción contemporánea (Bridge over Troubled Water), Mejor letra de canción (Bridge over Troubled Water), Mejor equipo de sonido.
1. Bridge Over Troubled Water
2. El Condor Pasa (If I Could)
3. Cecilia
4. Keep the Customer Satisfied
5. So Long, Frank Lloyd Wright
6. The Boxer
7. Baby Driver
8. The Only Living Boy in New York
9. Why Don't You Write Me
10. Bye Bye Love
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198. Cat Stevens – Tea for The Tillerman (1970)
Si eres del tipo de persona que cuando escuchas una bella, tranquila y reflexiva melodía acústica llena de lirismo y entonada por una cercana voz, sientes alterada tu fibra más sensible, este disco puede ser tu perdición. "Tea for the tillerman" es el mejor trabajo de Cat Stevens, un músico de prodigiosa sensibilidad, consecuente con sus ideas y comprometido socialmente con el mundo que le rodea. Preocupado por la infancia y por un futuro deshumanizado, abordando desde posturas maduras los conflictos del corazón, quejándose con pesimismo de la crudeza del mundo, buscando conexiones espirituales que den sentido a la existencia, o entablando geniales diatribas intergeneracionales, Cat Stevens oferta en este trabajo un disco repleto de hermosas e insuperables baladas, como "Where do the children play", "Hard Headed Woman", "Wild World", "Sad Lisa" o "Father & Son", eternas canciones por las que los amantes de la buena música le deberán estar siempre agradecidos. Produce el ex Yardbirds Paul Samwell-Smith.
01. Where Do The Children Play?
02. Hard Headed Woman
03. Wild World
04. Sad Lisa
05. Miles From Nowhere
06. But I Might Die Tonight
07. Longer Boats
08. Into White
09. On The Road To Find Out
10. Father And Son
11. Tea For The Tillerman
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199. Traffic – John Barleycorn Must Die (1970)
Luego de la primera separación de Traffic, ocurrida durante la gira de su segundo disco, a finales de 1968, el tecladista Steve Winwood formó el grupo Blind Faith, junto a Eric Clapton, Ginger Baker y Rick Grech. La banda duró solo un año y, tras su separación, Winwood decidió grabar su primer álbum solista. Durante la grabación se le unieron dos de sus tres ex-compañeros de Traffic -el percusionista Jim Capaldi y el flautista/saxofonista Chris Wood-, lo cual significó la reformación del grupo, esta vez como trío. El resultado es uno de los mejores álbumes de la banda, uno muy diferente a todo lo que venían haciendo: John Barleycorn Must Die.
Uno de los motivos por los que Barleycorn es tan distinto a sus antecesores es la ausencia de Dave Mason, ex-guitarrista y bajista (quien en 1971 regresaría al grupo durante solo seis recitales, en uno de los cuales grabarían el disco Welcome to the Canteen). Con este álbum se hace claro que, en lo referente a la agrupación, los intereses de Mason y Winwood siempre habían sido diferentes y que, al no estar el primero -que el mismo año grabó Alone Together, su excelente debut solista-, Winwood tuvo plena libertad de expandir su creatividad y trascender el formato de canción en el que venía trabajando: acá hay varias secciones instrumentales y un acercamiento al jazz que ni el primer Traffic ni Blind Faith tuvieron jamás.
En John Barleycorn Must Die los elementos que en los anteriores álbumes eran empleados para enriquecer a canciones que estaban a medio camino entre el folk-rock y la psicodelia -variados instrumentos de percusión y vientos, teclados y pianos llenos de color-, son utilizados en pos de ideas más novedosas y creativas, con los tres músicos haciendo gala de un virtuosismo que no opaca en ningún momento a las accesibles composiciones. John Barleycorn representa un cambio positivo en la banda y sus tres excelentes sucesores de estudio (The Low Spark of High Heeled Boys, Shoot Out at the Fantasy Factory y When the Eagle Flies) seguirían en cierto modo su línea, aunque con nuevos músicos sumados al trío conformado por Winwood, Capaldi y Wood.
1.: Glad
2.: Freedom Rider
3.: Empty Pages
4.: I Just Want You To Know
5.: Stranger To Himself
6.: John Barleycorn
7.: Every Mother's Son
8.: Sittin' Here Thinkin' Of My Love
9.: Backstage And Introduction
10.: Who Knows What Tomorrow May Bring (live)
11.: Glad (live)
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200. The Stooges – Fun House (1970)
Fiero y catártico segundo disco de la banda de Detroit The Stooges, un monumental trabajo de rock garaje proto-punk con un psicótico Iggy Pop bramando incendiariamente sus proclamas ante los compases nerviosos, perturbados y penetrantes de los hermanos Ron (guitarra) y Scott (batería) Asheton, el bajista Dave Alexander y el enajenado saxo de Steven Mackay.
La sensacional "Down On The Street", uno de los mejores temas que nunca han compuesto los Stooges, es la extraordinaria apertura para un mundo caótico pero fascinador, lleno de excitables y excitantes trabajos rítmicos, vehemencia guitarrera de Ron Asheton y minimalismo lírico, traspasado por un arrollador poderío vocal de un bravío Iggy. Tras navegar por sus agresivos e impetuosos surcos repletos de furia, el imprescindible "Fun House" culmina con "L.A. Blues", una enloquecedora y sugestiva purga sónica. Producido de forma magistral por Don Gallucci, el teclista de los Kingsmen, quien consigue atrapar con genialidad el directo de esta esencial formación y configura el mejor disco del grupo y una de las experiencias más asombrosas y gratificantes que cualquier aficionado del rock puede disfrutar.
01.- Down On the Street
02.- Loose
03.- T.V. Eye
04.- Dirt
05.- 1970
06.- Fun House
07.- L.A. Blues
08.- Loose (Demo)
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