1001 discos que hay que escuchar antes de morir (parte 3)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under
101. The Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (Last Night) (1967)
Grupo de garaje y pop psicodélico americano procedente de la ciudad de Los Angeles.
Formado en 1965, su música estaba caracterizada por originales experimentaciones lisérgicas y un apreciable sentido para la melodía.
Los componentes iniciales de The Electric Prunes eran el cantante y guitarrista Jim Lowe, el guitarra líder Ken Williams, el guitarrista rítmico James "Weasel" Spagnola, el bajista y teclista Mark Tulin, y el batería Preston Ritter, quien reemplazó a Michael "Quint" Weakley.
Una pieza importante en el sonido de los Electric Prunes fue el productor Dave Hassinger, un exquisito técnico que había colaborado como ingeniero de sonido para los Rolling Stones en los discos "Out of our heads" y "Aftermath", ocupando también el puesto de productor para bandas como The Grateful Dead e ingeniero para LPs de Jefferson Airplane o The Seeds.
El gran éxito para los Electric Prunes llegó con el tema "I Had Too Much to Dream (Last Night)", una pieza compuesta por Nancie Mantz y Annette Tucker que en manos de la banda y Dave Hassinger poco se parecía a la demo presentada por la pareja de compositoras, convirtiéndose con sus ropajes psicodélicosl la energía otorgada por la instrumentación del conjunto y la voz de Lowe en uno de los grandes clásicos del psico-garage. El single, segundo del grupo, les llevó al puesto número 11 en el Billboard.
"Get Me to the World on Time" fue su siguiente sencillo, una canción escrita por Tucker y Jill Jones con la que la banda acercaba los ritmos de Bo Diddley a la lisergia del momento. Cosecharon estimables ventas, alcanzando el tema el puesto 27.Ambas canciones estaban incluidas en su LP debut, "The Electric Prunes" (1967). Producido por Hassinger y arreglado por el propio grupo, era un buen disco de ecléctica sonoridad, siempre desde un enfoque psicodélico.
Los temas, en su mayoría escritos por Annette Tucker, Nancie Mantz y Jill Jones, tanto ofertaban pujante piezas de garaje psicodélico como sensibles baladas pop o piezas vodevilescas.
1. I Had Too Much to Dream (Last Night)
2. Bangles
3. Onie
4. Are You Lovin' Me More (But Enjoying It Less)
5. Train for Tomorrow
6. Sold to the Highest Bidder
7. Get Me to the World on Time
8. About a Quarter to Nine
9. King Is in the Counting House
10. Luvin'
11. Try Me on for Size
12. Toonerville Trolley
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102. Loretta Lynn – Don’t Come Home a Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind) (1967)
Nacida en los bosques de Butcher Hollow en 1935, la cantante country Loretta Lynn se convirtió en un icono de la música folk americana en 1981. Esto ocurrió cuando una película basada en la biografía de Lynn, «Coal Miner’s Daughter», llenó teatros y le valió a la actriz Sissy Spacek un Oscar. Durante 2 décadas, Lynn fue una habitual de las listas country, logrando un éxito tras otro y orientando sus letras hacia un universo femenino con temas como «Don’t Come Home a Drinkin», «Fist City» y «Woman of the World». Más tarde, Lynn forjó una exitosa relación con el compositor Conway Twitty.
1. Don't Come Home a Drinkin' (With Lovin' on Your Mi
2. I Really Don't Want to Know
3. Tomorrow Never Comes
4. There Goes My Everything
5. The Shoe Goes on the Other Foot Tonight
6. Saint to Sinner
7. The Devil Gets His Dues
8. I Can't Keep Away from You
9. I'm Living in Two Worlds
10. Get What 'Cha Got and Go
11. Making Plans
12. I Got Caught
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103. Shivkumar Sharma-Brijbushan Kabra-Hariprasad Chaurasia - Call Of The Valley (1967)
" Call Of The Valley " es en la música clásica india lo que el "Hamlet" es en el teatro Inglés o la "Mona Lisa" en la pintura europea, un hito que está destinado a seguir siendo el estándar de oro para siempre. Muy posiblemente el álbum clásico o instrumental más vendido de la India de todos los tiempos. Sigue encontrando, después de tres décadas, nuevos oyentes que al escuchar este álbum pasa a ser una de las experiencias más completas de su vida. La música es simple. Es profundo. Es fascinante. También es revolucionario. El santoor (martilló dulcimer), flauta y guitarra, tres maestros creando seis piezas sencillas, de alrededor de seis a siete minutos cada una. La temática es romántica, uno de los instrumentos representa el ambiente natural y los otros dos representan a un hombre y una mujer cortejando. Usted puede o no sentirlo, pero comprenderá que son himnos a la madre naturaleza. La belleza radica en que no se tiene que ser conocedor, ni siquiera se tiene que saber cosa alguna sobre música clásica india para disfrutar de este maravilloso álbum.
1. Ahir Bhairav/Nat Bhairav
2. Rag Piloo
3. Bhoop Ghara [Dadra]
4. Rãg Des
5. Rag Pahadi
6. Ghara-Dadra - Brij Bhushan Kabra
7. Dhun-Mishra Kirwani - Shivkumar Sharma
8. Bageshwari - Hariprasad Chaurasia
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104. The Velvet Underground - White Light - White Heat (1967)
Grabado en unos pocos días en 1967, este disco deja de lado el costado más pop del primer disco de la banda al igual que a Nico y a Andy Warhol, que fueron despedidos después del primer disco. El disco fue editado en 1968 por el sello Verve. El álbum está lleno de feedback y noise, así como letras que tratan los temas poco convencionales que The Velvet ya había tratado en The Velvet Underground and Nico (drogas, sexo, travestismo). Es considerado uno de los más distorsionados y saturados de la historia del rock. Su sonido es el más crudo de todos los discos de Velvet Underground. "White light, white heat" (1967), el documento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de feroz anticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidos por Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon & Garfunkel ) como "The gift", "I heard her call my name" o "Sister Ray".
La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado por ello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed, abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormente limarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustituto sería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie.
1. White Light White Heat
2. Gift
3. Lady Godiva’s Operation
4. Here She Comes Now
5. I Heard Her Call My Name
6. Sister Ray
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105. The Jimi Hendrix Experience - Axis Bold As Love (1967)
Tras romper moldes con su apabullante "Are you experienced?", estableciendo una seductora e impresionante conexión entre el blues, el rock y la psicodelia, el malogrado guitarrista de Seattle volvía a la carga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obra maestra en la que a las referidas constantes musicales añade con acierto unas estupendas dosis pop en canciones como la funky "Wait until tomorrow", con unos atractivos coros (en los que interviene gente como Graham Nash o Roy Wood), "You got me floatin'" o "She's so fine", una maravilla escrita y cantada por el bajista Noel Redding, la cual está fuertemente influenciada por los Who.
El jazz sirve de aposento para la elegante "Up from the skies", mientras que el blues es la base de la psicodélica "If 6 was 9", excelente tema que se convierte en uno de los momentos imprescindibles del álbum junto a otras piezas memorables como la rockera "Spanish castle magic" y su extraordinario riff de guitarra, "Ain't no telling", con una devastadora sección rítmica, la fabulosa balada "Little wing", que conocería posteriormente una gran versión de Eric Clapton, la sensacional "Castles made of sand", que cuenta con un brillante texto acompañado de una magnífica melodía, la atmósferica "One rainy wish", o "Bold as love", una despedida de disco rebosante de intensa emotividad.
Toda una portentosa exhibición del guitarrista más genial e innovador que ha dado el rock.
01 - EXP
02 - Up from the Skies
03 - Spanish Castle Magic
04 - Wait Until Tomorrow
05 - Ain't No Telling
06 - Little Wing
07 - If 6 Was 9
08 - You Got Me Floatin'
09 - Castles Made of Sand
10 - She's So Fine
11 - One Rainy Wish
12 - Little Miss Lover
13 - Bold as Love
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106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967)
Una de esas mágicas confluencias que de vez en cuando se producen en el mundo de la música, tuvo lugar a finales del 66 en las oficinas de Atlantic Records en Nueva York. Allí, una seminal y poderosa vocalista de soul, de profundas raíces gospel, buscaba dar un giro radical a la que hasta ese momento estaba siendo una dubitativa carrera musical dentro del sello Columbia, más cercana al jazz más pop que al poderoso y vibrante soul.
En aquellos días una tal Aretha Franklin, que años antes había decido dar el salto del gospel a la música laica, animada y avalada nada más y nada menos que por el gran Sam Cooke, se dejaba embaucar por uno de los capos de la Atlantic Records, el avispado y genial productor Jerry Wexler, para dejar Columbia, firmar por Atlantic y comenzar de esta forma uno de los períodos más gloriosos de la música soul, en el que Aretha Franklin fue una de las principales protagonistas de este estallido soul, proporcionándonos algunos de los momentos más emocionantes, viscerales y desgarradores que nos ha dejado la música negra, en discos como este I've Never Loved a Man (The Way I Love You) que hoy traemos a Sensaciones Sonoras, y que fue el primer disco que Aretha grabó para Atlantic, en aquel lejano Marzo de 1967.
Cuando Jerry Wexler firmó a Aretha Franklin, sabía perfectamente lo que podía conseguir de ella, la intensidad y sentimiento que podía volcar sobre sus desgarradas y viscerales interpretaciones con su espectacular voz, y tenía muy claro el acompañamiento musical que necesitaba aquella fabulosa voz. No lo dudó, y se llevó a Aretha al sur, a los estudios Muscle Shoals, caracterizados por su sonido primario y directo, de vientos cortantes, y pianos y guitarras descarnadas, y donde el soul más desgarrado y el R&B más abrasivo parecían brotar con absoluta naturalidad. Y allí, junto a músicos del calibre de Chips Moman, Spooner Oldham, Jimmy Jhonson, y Bobby Womack, además de con sus hermanas a los coros, Aretha Franklin grabó este fabuloso I've Never Loved a Man (The Way I Love You), que incluye poderosas interpretaciones de temas propios, así como de monstruos del soul como Otis Redding y Sam Cooke entre otros.
Un disco que pone de manifiesto la grandeza del soul y el torrente de emociones que Aretha Franklin transmitía en aquella época. Profundas y maduras emociones expresadas por “una mujer de 25 años con el sonido, los sentimientos y la experiencia de alguien mucho mayor y con una vida muy intensa”, según diría Jerry Wexler. Tal y como decía ella, “Soul es la habilidad para hacer partícipes de tus sentimientos a otras personas”, una habilidad que ella dominaba perfectamente, tal y como se aprecia en esa rotunda y descarnada exigencia de respeto a su hombre, que es su espléndida versión del Respect de Otis Redding, o en esa otra intensa y desgarradora declaración de principios que es el tema que da título al disco, el fantástico I've Never Loved a Man, o en la preciosa balada Baby baby baby, un clásico tema de soul contenido, de muchos quilates, al igual que ese otro poderoso y visceral lamento interior que es Drown in my own tears, donde Aretha pone de manifiesto sus profundas influencias vocales del gospel. Y así podríamos seguir con todos y cada uno de los temas del disco, con su sentida versión del clásico de Cooke, A chance is gonne come, o con ese otro ejercicio de soul contenido, pero de enérgica interpretación vocal que es Dr Feelgood (love is a serious bussiness), todos ellos con un compacto, rotundo y escueto acompañamiento musical, que se apodera de tus sentidos con la misma fiereza con la que Aretha canta.
Un clásico del soul, de la reina del soul, imprescindible para todo aquel que esté interesado en la música negra.
1. Respect
2. Drown in My Own Tears
3. I Never Loved a Man (The Way I Love You)
4. Soul Serenade
5. Don't Let Me Lose This Dream
6. Baby, Baby, Baby
7. Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)
8. Good Times
9. Do Right Woman, Do Right Man
10. Save Me
11. Change Is Gonna Come
12. Respect [Stereo Version][*]
13. I Never Loved a Man (The Way I Love You) [Stereo Version][*]
14. Do Right Woman, Do Right Man [Stereo Version][*]
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107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968)
Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum "Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar de tratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, el siguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico, esencial y brillante regreso a sus orígenes musicales con este banquete de mendigos en el cual despliegan un menú que se aleja de experimentaciones psicodélicas y recuperan el sabor más afín a la banda en su registro de una sobresaliente colección de temas de consistencia rockera, sonidos acústicos y alma de blues, contenidas en un disco con retrete de mala muerte (aunque por lo menos tiene rollo de papel higiénico) en donde se manifiesta en una pintada que el sueño de Dylan es tirar de la cisterna.
Una de sus mejores y más populares canciones, la satánica "Sympathy for the devil", que amalgama diferentes y atractivos ángulos sónicos (incluida la samba), es el espectacular punto de arranque a una prodigiosa sucesión de impetuosas, acérbicas, turbulentas e insurrectas piezas maestras. En "No expectations" muestran un talante desesperanzador con el malogrado Brian Jones ejecutando una hechizante slide guitar, al igual que hace en la fantástica y subestimada "Jig-Saw Puzzle". Aportan su punto de vista sobre la efervescencia de la época y la consecuente violencia libertaria en la punzante "Street fighting man", su particular sentido del humor aflora en "Dear doctor", uno de sus primeros coqueteos con el country-rock. En "Stray cat blues" hablan de la relación con una quinceañera de ávidos deseos sexuales. "Parachute woman" evidencia su natural y constante apego al blues con un retorno a la materia carnal y el broche de oro a tan magistral demostración de talento musical lo pone el rock con espíritu gospel "Salt of the earth", pieza de anhelante comentario social que junto a "Sympathy for the devil" resulta el tema más logrado de "Beggars Banquet", una obra magna producida por el indispensable Jimmy Miller, que debuta aquí con los Stones y que proseguiría sus andanzas con el quinteto grabando sus Lps más contundentes.
1. Sympathy for the Devil
2. No Expectations
3. Dear Doctor
4. Parachute Woman
5. Jigsaw Puzzle
6. Street Fighting Man
7. Prodigal Son
8. Stray Cat Blues
9. Factory Girl
10. Salt of the Earth
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108. Traffic - Traffic (1968)
El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.
Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears.
Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.
01 - You Can All Join In
02 - Pearly Queen
03 - Don't Be Sad
04 - Who Knows What Tomorrow May Bring
05 - Feelin' Alright?
06 - Vagabond Virgin
07 - Forty Thousand Headmen
08 - Cryin' to Be Heard
09 - No Time to Live
10 - Means to an End
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109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968)
Aunque la frase es manida, siempre vale recordarla. Según Proust, los verdaderos artistas son aquéllos capaces de abrir las puertas hacia un mundo desconocido, en el cual jamás se ha puesto un pie. La inveterada propuesta de Incredible String Band refrenda la sentencia ¿Quién dijo que para reivindicar un ánimo psicodélico eran necesarios un bajo con fuzz, overdubs, distorsión y arsenales electrónicos?
Desde 1966, el dúo conformado por Robim Williamson y Mike Heron se prodigaron en explorar en las tradiciones vernáculas y añosas de la campiña bretona, oculta en las inmemoriales leyendas de toda una pléyade de seres fantásticos e imposibles personajes; el tándem reinterpretó desde un prisma vanguardista y lisérgico toda la oralidad vertida en las músicas pastoriles originarias inglesas. Antes de la publicación del monumento folk que amerita estas líneas, ya habían sacudido las bateas con 5.000 Spirits or the Layers of the Onions en el '67. Para el año siguiente, la propuesta serpenteante, quebradiza y absolutamente personal de los ISB estaba ya madura en su esperpéntica belleza. Dos instrumentistas eximios, ingiriendo más de la cuenta cubos de LSD y con unas posibilidades musicales inmensas, dieron frutos en esta honesta y magistral odas a la mitología celta en su lectura más alucinógena.
Estructuras complejas, instrumentos recónditos y desconocidos, dulces voces bucólicas infectadas de la revolución de entonces: experimentando con lo arcaico, podría ser un epígrafe de este álbum que, mayor sorpresa, alcanzó el puesto cinco en ventas en el Reino Unido, una fortuna que ya se hubiesen querido los Velvet Underground, Silver Apples y tanto obseso que anduvo suelto por entonces. "Waltz of New Moon", "The Witches Hat", "A Very Cellular Song", "There is a Green Crown", "The Minotaur's Song", son parte de un viaje condimentado con sítares, dulcímeres, flautas de agua, y una serie interminable de vetustos y nobles instrumentos acústicos usados por incontables generaciones de labriegos, pastores y juglares de la vieja Bretaña. Un generoso deleite y una apertura hacia el frondoso follaje de los secretos celtas.
1. Koeeoaddi There
2. Minotaur's Song
3. Witches Hat
4. Very Cellular Song
5. Mercy I Cry City
6. Waltz of the New Moon
7. Water Song
8. Three Is a Green Crown
9. Swift as the Wind
10. Nightfall
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110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968)
Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílico de naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en su labor melódica como en su aspecto lírico.
Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban a ambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su itinerario sardónico sobre sus congéneres y contexto social con esta maravilla bucólica denominada "The Village Green Preservation Society", un evocativo y pastoril LP de pop y rock con trazos cabareteros e incluso blues ("Last Of The Stream Powered Trains"
.
Es una crónica nostálgica sobre las costumbres y tradiciones británicas, una memoria de los paisajes, personajes y valores de un pequeño pueblo verdoso que componen el mejor y más subestimado disco de los Kinks.
1. The Village Green Preservation Society
2. Do You Remember Walter
3. Picture Book
4. Johnny Thunder
5. Last Of The Steam-Powered Trains
6. Big Sky
7. Sitting By The Riverside
8. Animal Farm
9. Village Green
10. Starstuck
11. Phenomenal Cat
12. All OF My Friends Were There
13. Wicked Annabbella
14. Monica
15. People Taake Pictures Of Each Other
16. The Village Green Preservation Society (Stereo Mix)
17. Do You Remember Walter (Stereo Mix)
18. Johnny Thunder (Stereo Mix)
19. Monica (Stereo Mix)
20. Days (Stereo Mix)
21. Village Green (Stereo Mix)
22. Mr. Songbird (Stereo Mix)
23. Wicked Annabbella (Stereo Mix)
24. Starstuck (Stereo Mix)
25. Phenomenal Cat (Stereo Mix)
26. People Take Pictures Of Each Other (Stereo Mix)
27. Days (Stereo Mix)
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111. Ravi Shankar – Sounds of India (1968)
The Sounds of India de Ravi Shankar es la mezcla definitiva de música hindú clásica, y resulta accesible, está bien documentada e interpretada de forma gloriosa. En aquella época, en la que ubicar músicas del mundo resultaba complicado, Shankar fue el perfecto embajador musical, alguien acostumbrado a las legiones de admiradores, pues era antiguo amigo e informal profesor de música de los Beatles (George Harrison le llamó en una ocasión "el padrino de las músicas del mundo" )
1. An Introduction to Indian Music
2. Dadra
3. Maru-Bihag
4. Bhimpalisi
5. Sindhi-Bhairavi
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112. Os Mutantes - Os Mutantes (1968)
Formados en 1966, Os Mutantes fueron responsables de renovar el sonido brasileño del momento por su combinación de la psicodelia y el rock, junto a la música popular. Sus primeros discos "Os Mutantes" y "Mutantes" hicieron del trío formado por los hermanos Arnaldo y Sérgio, junto a Rita Lee una de la bandas más dinámicas y radical de la época. Han contado en muchas ocasiones con colaboraciones como las de Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé o Gal Costa.
Para el resto del mundo, Brasil equivale a fútbol, cuerpos hermosos y bossa nova. La expresión "dictadura militar represiva" aparece en pocas guías. La llegada de los hippies en el verano de 1967 situó la contracultura en el foco de atención con efectos devastadores. Tomaron lo que habían oído procedente de Londres y San Francisco y lo desarrollaron. La derecha detestaba su pelo, su moral y las drogas; la izquierda despreciaba su corrupción de la música brasileña pura.
1. Panis et Circenses
2. Minha Menina
3. O Relógio
4. Adeus Maria Fulo
5. Baby
6. Senhor F
7. Bat Macumba
8. Premier Bonheur du Jour
9. Trem Fantasma
10. Tempo No Tempo
11. Ave Genghis Khan
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113. The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968)
Es un álbum doble que suele ser considerado uno de sus mejores álbumes. Se destacan elementos que anticipan el rock progresivo en canciones como "1983... (A Merman I Should Turn to Be)", y la versión de la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower" (que suele ser considerada por muchos como la mejor versión de la misma, incluso por Dylan).
De igual manera que la tecnología de los estudios y los efectos de guitarra habían mejorado y se habían desarrollado en los últimos años de la década de los 60, también lo hicieron los sonidos grabados por The Jimi Hendrix Experience; y el álbum más popular de Jimi, el increíble Electric Ladyland (conocido por su célebre e insólita portada, en la que aparece un grupo de mujeres desnudas), aprovechó plenamente la nueva ciencia del rock. Aunque la interpretación de los músicos y las estructuras de las canciones se volvieron más dispersas, libres de los parámetros de la tradición del soul y del R&B con las que la Experience había perfeccionado su técnica, Hendrix mantuvo un control relativamente firme pese al frenesí de LSD y demás neuróticos que lo rodeaba.
01. ...And The Gods Made Love
02. Have You Ever Been (To Electric Ladyland)
03. Crosstown Traffic
04. Voodoo Chile
05. Little Miss Strange
06. Long Hot Summer Night
07. Come On (Let The Good Times Roll)
08. Gypsy Eyes
09. Burning Of The Midnight Lamp
10. Rainy Day, Dream Away
11. 1983... (A Merman I Should Turn To Be)
12. Moon, Turn The Tides... Gently Gently Away
13. Still Raining, Still Dreaming
14. House Burning Down
15. All Along The Watchtower
16. Voodoo Child (Slight Return)
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114. The Songs Of Leonard Cohen (1968)
La capacidad literaria del canadiense fue un valor determinante para su posterior obra musical. Ya a los 17 años había formado un trío de tendencia country-western llamado The Buckskin Boys, estilo musical que siempre lo definió a pesar de la posterior utilización de teclados y sintetizadores. Cohen publicó su primer L.P. —Songs of Leonard Cohen—, en 19684, vinilo en donde deleitó con canciones como Suzanne, un poema escrito en tercera persona —recurso muy querido por Cohen— que transcurre en un encuentro durante un viaje por un río; en la canción, una guitarra acústica fluye como el agua y las voces femeninas del coro subliman el encuentro con una mujer, tan bella que hasta el propio Jesucristo se rinde al deseo de viajar con ella. En Sisters of Mercy («Hermanas de la Caridad»), otro de los cortes de este vinilo, despliega una sensualidad turbadora —que remarca el sonido de unas campanillas—, juega con el equívoco entre el amor terrenal y el amor a Dios («Ellas tocaron mis dos ojos y yo toqué el rocío en sus dobladillos…») y trasmite la paz de haber encontrado un lugar en donde soldar los fragmentos del alma rota por la familia y el desamparo, concepto que anticipa la futura creencia zen del canadiense. Con So Long, Marianne («Hasta luego, Marianne», canción que recoge, seguramente, los últimos momentos de su relación con Marianne Jensen, a quien conoció en la isla de Hydra) Cohen relata, esta vez en primera persona, una despedida con la voz crispada, al borde de la extenuación. Este estilo «confesional», intimista, es el signo inconfundible de su obra y uno de los motivos, sin duda, de la fascinación que despierta su voz. En So Long, Marianne la incomprensión y la soledad en el amor**, otro de sus temas recurrentes5, volaban subrayadas por una partitura musical algo más elaborada y compleja —en donde podemos escuchar un bello acompañamiento de mandolina— que en las anteriores canciones comentadas.
A pesar de su triste y ensimismada voz y la sencillez extrema de la música de sus primeras canciones, con este disco Cohen dejó muy claro que la música del siglo XX había encontrado a uno de sus mejores creadores. Songs of Leonard Cohen es la piedra angular de una prolífica carrera creativa, en donde la poesía y la música se identifican con una fórmula que conmueve profundamente y que muchos confesaron que no podían resistir sin desequilibrarse. Se llegó a decir, incluso, que de día era imposible escuchar a Cohen...
1. Suzanne
2. Master Song
3. Winter Lady
4. Stranger Song
5. Sisters of Mercy
6. So Long, Marianne
7. Hey, That's No Way to Say Goodbye
8. Stories of the Street
9. Teachers
10. One of Us Cannot Be Wrong
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115. Johnny Cash - At Folsom Prison (1968)
At Folsom Prison es un álbum en vivo del cantante country Johnny Cash grabado y lanzado el año 1968 en la prisión estatal de Folsom, California. En el álbum aparecen artistas como June Carter, Carl Perkins y la banda de Cash "the Tennessee Three" en el Cd se incluyen canciones como "Greystone Chapel" que fue escrita por un prisionero de la cárcel llamado Glen Sherley y por lo tanto nunca la había cantado en su vida sino hasta la noche antes de la presentación, esa misma noche antes de conocer de la canción vino el sacerdote de la prisión y le mostró la canción interpretada por el prisionero y rápidamente hizo que la incluyeran en el álbum y la presentación.
Aunque Cash respetaba las plegarias de los prisioneros ellos lo respetaban a él y sus melodías por lo tanto se quedaron en silencio y tuvieron que agregarle gritos y abucheos después de la grabación. El disco lanzado en 1968 corta partes de las canciones y saca otras por motivo de tiempo y espacio pero en la reedición del año 1999 se incluyen más canciones pero sigue sin ser el concierto entero pero pusieron canciones como "I'm Not in Your Town to Stay," "I've Got a Woman," "Long Legged Guitar Picking Man," y una melodía bastante diferente a la canción original de "Greystone Chapel".En el 2003 este álbum de Cash fue uno de los 50 álbumes escogidos por la librería del congreso de Estados Unidos y lo agregaron al registro nacional.En el 2006 salió #3 de los 40 mejores álbumes de country de la historia del canal Country Music Television (CMT).
1. Folsom Prison Blues
2. Busted
3. Dark As The Dungeon
4. I Still Miss Someone
5. Cocaine Blues
6. 25 Minutes To Go
7. Orange Blossom Special
8. The Long Black Veil
9. Send A Picture Of Mother
10. The Wall
11. Dirty Old Egg-Suckin' Dog
12. Flushed From The Bathroom Of Your Heart
13. Joe Bean
14. Jackson
15. Give My Love To Rose
16. I Got Stripes
17. The Legend Of John Henry's Hammer
18. Green, Green Grass Of Home
19. Greystone Chapel
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116. Laura Nyro – Eli & the Thirteenth Confession (1968)
Laura Nyro es, musical, personal y físicamente, una de las cantautoras más hermosas. En este, su segundo álbum, consigue amalgamar montones de influencias: rock, pop, folk, jazz y mucho gospel. Si bien comenzó escribiendo canciones para otros artistas, en sus discos queda claro que también era una gran intérprete. Pianista, guitarrista, cantante, Laura emociona como nadie y cada uno de sus álbumes es una experiencia única. No hay ni un segundo en Eli and the Thirteenth Confession que no sea una invitación a vivir y llorar de placer. ¿Cómo no enamorarse de Laura después de escucharlo?
01 - Luckie
02 - Lu
03 - Sweet Blindness
04 - Poverty Train
05 - Lonely Women
06 - Eli's Comin'
07 - Timer
08 - Stoned Soul Picnic
09 - Emmie
10 - Woman's Blues
11 - Once It Was Alright Now (Farmer Joe)
12 - December's Boudoir
13 - The Confession
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117. Aretha Franklin - Lady Soul (1968)
Lady Soul, es un álbum editado por Aretha Franklin el 22 de enero de 1968. Producido por Jerry Wexler, uno de los cerebros de la música soul de la época, 'Lady soul' viaja por todos los caminos del género, junto a una vigorosa sección de metal y las aportaciones de guitarristas de excepción como Eric Clapton y Bobby Womack.
El disco pasaba de la intensidad de 'Money won't change you' -un tema firmado por James Brown- y 'Come back baby' -de Ray Charles-, hasta la espiritualidad de 'People get ready', de Curtis Mayfield, y en cada tema Aretha dejó su sello imborrable. 'Lady Soul' aportó a la historia clásicos como '(You make me feel like) A natural woman', uno de los más recordados de toda la carrera de la cantante, que firmaron Gerry Goffin, Carole King y el propio Wexler.
Entre sus diez temas, el álbum incluyó dos que la cantante compuso junto a su marido, Ted White, 'Since you've been gone (sweet sweet baby)' y 'Good to me as I am to you'. El disco obtuvo un éxito rotundo y con el tiempo se convirtió en un título habitual de las listas de los mejores discos de la historia, no sólo del soul, sino de la música moderna en general. Aretha pasó de 'Lady' a 'Queen'. Desde entonces no se ha bajado del trono del soul. El álbum consiguió llegar a lo más alto de las listas de ventas americanas.
En 2003 la cadena VH1 nombró a "Lady Soul" en el puesto 41 de los mejores álbumes de la historia. Para la revista Rolling Stone se encontraría en el puesto número 84.
1. Chain of Fools
2. Money Won't Change You
3. People Get Ready
4. Niki Hoeky
5. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
6. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)
7. Good to Me as I Am to You
8. Come Back Baby
9. Groovin'
10. Ain't No Way
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118. Blue Cheer - Vincebus Eruptum (1968)
Donde el ruido comenzó. Demoledor álbum debut de los californianos Blue Cheer, un power trio de San Francisco, que alejado de las posturas hippies de sus colegas de ubicación, estaban altamente influenciados por las prestidigitaciones guitarreras de Jimi Hendrix, al que incluso superaban en la capacidad de perforación y fiereza sónica, convirtiéndose en básicos precursores del futuro heavy metal.
Estos pasajes hard-rockeros plenos de ácido y blues muestran el poderío instrumental del terceto, en especial la guitarra hiriente, distorsionada y sinuosa de Leigth Stephens y el estruendoso y bestial ataque de Paul Wahley sobre su resonante batería a lo largo de estas seis piezas llenas de crudeza, desabrimiento y acrimonia, entre las que destacan la membruda versión del "Summertime Blues" (en donde incluyen el riff del "Foxy Lady" de Hendrix), tema clásico del pionero del rock Eddie Cochran.
Las demás (con especial mención para el gran riff de "Out of focus", tema escrito y cantado por el bajista Dickie Peterson) son abrumadoras y gozosas revisitaciones del rock y el blues más clásico pero con una atrayente sonoridad caótica, retorcida y retumbante.
1. Summertime Blues
2. Rock Me Baby
3. Doctor Please
4. Out Of Focus
5. Parchment Farm
6. Second Time Around
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119. The Byrds - The Notorious Byrd Brothers (1968)
Excepcional disco, una auténtica obra maestra que se engrandece aún más por los problemas acaecidos en su elaboración con marchas, idas y venidas y demás avatares. David Crosby dejó la banda (mucho antes ya lo había hecho Gene Clark) y su buen amigo Michael Clarke le siguió (en este trabajo el que toca casi todos los pasajes de batería es Jim Gordon).nTodos estos inconvenientes no afectaron al resultado final de la obra, el LP más bello que nunca han grabado los Byrds, uno de los conjuntos más influyentes de la historia del rock, además de creadores del folk-rock, country-rock, jangle-pop y country-pop, el repique de la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de Roger McGuinn, que además de ampliar el significado del folk expandió la flamígera llama de la psicodelia, se puede encontrar en cualquier estilo musical pasado y presente, desde el power-pop de Teenage Fanclub hasta los primeros sonidos alternativos de R.E.M. pasando por el rock de factura comercial de U2. Ya en su época, muchos grupos fueron influidos por la banda californiana, incluídos los propios Beatles, no en vano, John Lennon aparece en "Revolver" con el modelo de gafas que McGuinn había patentado.
En "Notorious Byrd Brothers" los Byrds intentaron siempre desde su propia personalidad establecer una respuesta a la cuidadosa producción del "Sgt Pepper's" de los Beatles, utilizando de nuevo a Gary Usher, colaborador también de "Younger than yesterday" en las tareas productivas.
El resultado es excelente. Su celestial combinación de voces junto a unas magistrales composiciones llenas de barroquismo con secciones de viento, arreglos de violines, teclados siderales y guitarras enraizadas en una hechizante amalgama de pop, country, rock, folk y psicodelia. La soberbia capacidad instrumental de sus protagonistas contó con la impagable aportación de las guitarras de Clarence White y Red Rhodes, el Moog de Paul Beaver y los apoyos vocales de Curt Boettcher, un mago de la producción vocal de los años 60 que ayudó a llevar al éxito a los Association y formó parte de dos poco conocidos pero magistrales proyectos de pop psicodélico: Sagittarius y The Millennium.
1. Artificial Energy
2. Goin' Back
3. Natural Harmony
4. Draft Morning
5. Wasn't Born to Follow
6. Get to You
7. Change Is Now
8. Old John Robertson
9. Tribal Gathering
10. Dolphin's Smile
11. Space Odyssey
12. Moog Raga [Stereo][*][Instrumental]
13. Bound to Fall [Stereo][#][*][Instrumental]
14. Triad [Stereo][*]
15. Goin' Back [Stereo][#][*]
16. Draft Morning [Stereo][Alternate Take][#][*][Take]
17. Universal Mind Decoder [Stereo][#][*][Instrumental]
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120. Big Brother & the Holding Company - Cheap Thrills (1968)
"Volver a los buenos tiempos es lo que intentamos con nuestra música, a dar saltos y colocarse". Con estas palabras definió este álbum la mismísima Janis Joplin. En ella voz y mito se hacen uno; se rompe la vieja leyenda del blues, con una chica hippie blanca de texas capaz de desgarrar el alma casi a la altura de grandes como Big Mama Thornton o Memphis Minnie.
Cheap thrills es el segundo álbum de Janis Joplin como voz principal de la banda de rock y blues Big Brother & the Holding Company. El grupo había realizado en 1967 una espectacular actuación en festival de Monterrey, lo cual hizo que este disco fura acogido con gran entusiasmo por el gran público. No tardaría nada en alcanzar los primeros puestos de las listas estadounidenses en 1968. Fue tal el éxito que el álbum consiguió estar en lo más alto durante ocho semanas seguidas. La voz de Janis hace que las canciones suenen atemporales, es una mezcla perfectamenta entre el blues y el jazz más desgarrados, con una instrumentación que se mueve hacia el rock menos comercial de su época. Podriamos meter este álbum dentro del estilo haigh-ashbury que se dio fuertemente a finales de los 60s. En el álbum encontramos sonidos que nos llevan desde el rock, como ya había dicho, hasta el doo-wop o el soul, sin olvidarnos del blues, el cual Janis domina como pocas cantantes blancas. Tras este álbum, realmente mientras cosechaba éxito este disco, Janis emprendió su carrera en solitario, comenzando así el mito.
El álbum está compuesto por siete canciones, de las cuales podemos encontrar cuatro de nueva creación; estando tres de ellas compuestas por la propia Janis junto al guitarrista de la banda, Sam Andrew; y tres versiones de temas clásicos del jazz y el soul.
1.-Combination of the Two
2.-I Need a Man to Love
3.-Summertime
4.-Piece of My Heart
5.-Turtle Blues
6.-Oh, Sweet Mary
7.-Ball and Chain
8.-Roadblock
9.-Flower In the Sun (Previously Unissued)
10.-Catch Me Daddy (live)
11.-Magic of Love (live)
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121. The United States Of America (1968)
The United States of America fue una de las agrupaciones más peculiares de finales de los 60s. Liderados por Joseph Byrd, intérprete de numerosos instrumentos electrónicos, eran capaces de pasar de piezas en extremo experimentales, con numerosos sintetizadores, órganos, maquinitas de diversos tipos y baterías eléctricas, a torbellinos psicodélicos furiosos, tan cercanos a los primeros Grateful Dead como a My Bloody Valentine. A Byrd, mente principal del quinteto, se le suma la preciosa, enigmática voz de Dorothy Moskowitz, que canta como una cruza entre una Sandy Denny doblemente agotada y una especie de Laura Nyro cínica, rabiosa. Las letras pesadillezcas, críticas, acompañan a la música en esta suerte de descenso a infiernos electrónico-lisérgicos. Aires festivos sutiles, bajos que por momentos marchan como la columna vertebral de John Cleese parodiando a un militar, el violín eléctrico burlón de Gordon Marron, las composiciones afiladísimas, construidas más allá de géneros y límites, arman un álbum que parece creado para trascender y pisotear cualquier tipo de preconcepto de lo que supuestamente debería ser el rock, la psicodelia o la música electrónica.
No es casual que los United States of America logren su objetivo, no dividiendo, sino amalgamando; sumando elementos tan diversos como el agua y el aceite para lograr una obra que hierve, quema y deja pensando en cuántos territorios sonoros le quedan por explorar a la música popular. Tampoco es casual que la agrupación se llame United States of America; nombre que les permite reírse abiertamente de ese eterno intento de preservar los valores tradicionales norteamericanos al realizar una música que obligaría a taparse los oídos a casi cualquier republicano que en un principio se pueda sentir atraído/orgulloso por la idea de que cinco jóvenes titulen así a su nueva agrupación de "música moderna". Lo que sí puede resultar, más allá de toda alabanza, es que el disco suene por momentos poco conciso, algo débil como un todo. Imagino que es difícil de evitar, al tratarse de una obra que mezcla, entre otras cosas, folk, hard rock psicodélico, krautrock, pop de cámara, coros escalofriantes, curiosidad/complejidad "progresiva", densidad proto-punk y collages abstractos algo zappeanos (aunque este disco fue grabado el mismo año que Absolutely Free -es decir, Frank no se les adelantó por mucho). Para disfrutar a esta única obra de los United States of America, entonces, hay que estar de un humor especial; buscando construcciones intrincadas y ácidas, más que pretendiendo relajarse con composiciones agradables y amenas. Pero lo más gracioso es que la cerebralidad y frialdad de ciertos (muchos) pasajes del disco se rompen en mil pedazos al irrumpir temas como I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar o Stranded in Time que, en comparación con otros momentos del álbum, son -al menos desde lo puramente musical- odas a la alegría y calidez. The United States of America es un trabajo, en definitiva, que se sostiene en la tensión entre disonancia industrial, cierto romanticismo agridulce y una bienvenida dosis de absurdo irreverente. Después de semejante montaña rusa sonora, eso sí, lo que más queda retumbando en la cabeza es que es una pena que estos muchachos no hayan seguido tocando juntos.
01 - The American Metaphysical Circus
02 - Hard Coming Love
03 - Cloud Song
04 - The Garden of Earthly Delights
05 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar
06 - Where Is Yesterday
07 - Coming Down
08 - Love Song for the Dead Ché
09 - Stranded in Time
10 - The American Way of Love
.......a. Metaphor for an Older Man
.......b. California Good Time Music
.......c. Love Is All
Bonus tracks:
01 - Osamu's Birthday
02 - No Love to Give
03 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar - Alternate version with Moskowitz singing lead
04 - You Can Never Come Down
05 - Perry Pier
06 - Tailor Man
07 - Do You Follow Me
08 - The American Metaphysical Circus - Demo version
09 - Mouse (The Garden of Earthly Delights) - Demo version
10 - Heresy (Coming Down) - Demo version
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122. Dr. John - Gris-gris (1968)
Aunque el disco fue grabado en California, Mac Rebennack, quien se esconde tras el nombre de Dr. John, nace, se cría y desarrolla su faceta musical en Nueva Orleáns, donde trabaja durante años como multi-instrumentalista, músico de estudio y productor de innumerables grabaciones de los 50. Así que, al menos respecto al corazón y sentimientos, nos llega este “Gris gris” desde la Nueva Orleáns más profunda, cuna del jazz y lugar de fusión de las culturas americana, europea y africana.
Con aire de ritual africano y de voodoo, pero a su vez con esencias del R&B y del jazz, Dr. John nos arrastra en su viaje a través del Barrio Francés hasta las orillas del Missisipi, donde las tortuosas ramas cargadas de líquenes de los robles centenarios conforman un ambiente fantasmal.
Ya desde la primera canción, la hipnotizante “Gris gris gumbo ya ya”, eres consciente de que éste es un álbum para escucharlo sólo… y de noche. Este disco debería llevar una etiqueta que dijera PLAY IT ONLY AT MIDNIGHT. La presencia en todo el disco de las congas marcando ritmos africanos, las panderetas, mandolinas y flautas, se dejan oír ya desde este primer hechizo que abre el disco.
1.: Gris Gris Gumbo Ya Ya
2.: Danse Kalinda Ba Doom
3.: Mama Roux
4.: Danse Fambeaux
6.: Jump Sturdy
5.: Croker Courtbullion
7.: Walk On Gilded Splinters
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123. Iron Butterfly - In A Gadda Da Vida (1968)
Surgidos en la segunda mitad de la década de los 60, Iron Butterfly fue una de las principales formaciones de acid-rock de la época, endureciendo y extremando los axiomas característicos de la psicodelia americana, nutrido en su música y letras por el consumo de drogas lisérgicas e imbuido sonoramente por los postulados progresivos.
El grupo se creó en 1966 en la ciudad californiana de San Diego. Estaba compuesto por el cantante Darryl DeLoach, el vocalista y teclista Doug Ingle (nacido el 9 de septiembre de 1946 en Omaha), el guitarrista Danny Weis, el bajista Greg Willis y el batería Jack Pinney.
En este primer proceso de formación y ya establecidos en la ciudad de Los Angeles, se sucedieron rápidos y constantes cambios en la banda. Willis dejó su puesto a Jerry Penrod y Pinney a Bruce Morse, que posteriormente sería reemplazado por Ron Bushy. Los nuevos miembros en llegar a Iron Butterfly serían el bajista Lee Dorman y el guitarrista Erik Brann. Con esta formación y siempre bajo el liderazo compositivo de Doug Ingle, grabarían su Lp más triunfante, "In-A-Gadda-Da-Vida" (1968), disco que contenía el famoso y extenso tema homónimo, con excitantes tramos instrumentales, que contiene un insistente y poderoso riff, un conocido solo de batería y un teclado de inspiración clásica. In-A-Gadda-Da-Vida, es un tema rock de diecisiete minutos, ocupando enteramente la segunda cara de éste. La letra es simple, y se escucha sólo al principio y al final. La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, y sostiene este riff durante más o menos toda la duración del tema. El riff es usado como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock, y probablemente uno de los más famosos en este género. La canción es importante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer y Steppenwolf, marcó el punto en el cual la música psicodélica produjo heavy metal. En los siguientes años setenta artistas de heavy metal y rock progresivo como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido, y más incluso de sus actuaciones en directo, a esta grabación. Alcanzando el número cuatro, la canción se pasó ciento cuarenta semanas en la lista del Billboard 200.
1. Most Anything You Want
2. Flowers and Beads
3. My Mirage
4. Termination
5. Are You Happy
6. In-A-Gadda-Da-Vida
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124. Pretty Things - S.F.Sorrow (1968)
Los Pretty Things, fantástico grupo iniciados en sonidos R&B, se reconvirtieron en un conjunto lisérgico de pop psicodélico a finales del decenio para la elaboración de "S. F. Sorrow", la primera ópera-rock de la historia que tuvo una gran influencia en el líder de los Who, Pete Townshend, a la hora de idear su exitoso "Tommy".
Concebido por las mismas fechas que otros insignes obras como "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "The Piper at the gates of dawn" de Pink Floyd, y grabado en los mismos estudios de Abbey Road, "S. F. Sorrow" nunca gozó de la popularidad y reconocimiento de sus contemporáneos, seguramente debido a que nunca tuvo el apoyo y la promoción de éstos, ya que musicalmente es comparable a cualquiera de los mejores trabajos de su tiempo, una obra maestra rotunda de la era psicodélica que narrando la triste historia del solitario S. F. Sorrow, nos deleita con momentos inolvidables como "S. F. Sorrow is born", "Bracelets of fingers", "Private sorrow", "Death", "Baron Saturday", "I see you", "Trust" o "Loneliest person".
Esta auténtica joya, con exquisita producción de Norman Smith, merece ser redescubierta por su absorbente atmósfera y la capacidad de conexión de diversas influencias ácidas para la edificación de un trabajo sorprendente,original y excitante, sin duda, de lo mejor que jamás se haya grabado en los años 60 en las Islas Británicas.
01. S.F. Sorrow Is Born
02. Bracelets of Fingers
03. She Says Good Morning
04. Private Sorrow
05. Balloon Burning
06. Death
07. Baron Saturday
08. The Journey
09. I See You
10. Well of Destiny
11. Trust
12. Old Man Going
13. Loneliest Person
14. Defecting Grey (acetate version)
15. Defecting Grey [Bonus]
16. Mr.Evasion [Bonus]
17. Talkin' About The Good Times [Bonus]
18. Walking Through My Dreams [Bonus]
19. She Says Good Morning [Live 1969]
20. Alexander [Live 1969]
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125. Simon & Garfunkel - Bookends (1968)
Un prodigioso vocalista y un genial compositor y no menos estupendo cantante formaron la pareja más importante y popular de los años 60. Simon & Garfunkel ocuparán un lugar de oro en la historia de la música folk-rock gracias a unos temas llenos de belleza en su ejecución vocal e instrumental pero también de perspicaz lírica no exenta de crítica social.
Si Simon & Garfunkel ya habían conseguido el respeto crítico y sus ventas era millonarias, en 1967 lograrían convertirse en unos de los rostros más reconocidos en el mundillo musical gracias al tremendo éxito de la película "El graduado", un estupendo film que contenía varios temas antiguos del dúo y uno nuevo compuesto para el film titulado "Mrs. Robinson".
Este sencillo y otras espléndidas canciones como "America", "A Hazy shade of winter", "Old friends" o "At the zoo" vendrían contenidas en su disco "Bookends" (1968), otro magnífico trabajo que consiguió un merecido triunfo en ventas.
Este triunfo no se vería reflejado en las relaciones entre Paul y Art. Garfunkel se veía apartado en las tareas compositivas y Simon deseaba retomar su carrera en solitario.
1. Bookends Theme
2. Save The Life Of My Child
3. America
4. Overs
5. Voices Of Old People
6. Old Friends
7. Bookends Theme
8. Fakin' It
9. Punky's Dilemma
10. Mrs. Robinson
11. A Hazy Shade Of Winter
12. At The Zoo
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Grupo de garaje y pop psicodélico americano procedente de la ciudad de Los Angeles.
Formado en 1965, su música estaba caracterizada por originales experimentaciones lisérgicas y un apreciable sentido para la melodía.
Los componentes iniciales de The Electric Prunes eran el cantante y guitarrista Jim Lowe, el guitarra líder Ken Williams, el guitarrista rítmico James "Weasel" Spagnola, el bajista y teclista Mark Tulin, y el batería Preston Ritter, quien reemplazó a Michael "Quint" Weakley.
Una pieza importante en el sonido de los Electric Prunes fue el productor Dave Hassinger, un exquisito técnico que había colaborado como ingeniero de sonido para los Rolling Stones en los discos "Out of our heads" y "Aftermath", ocupando también el puesto de productor para bandas como The Grateful Dead e ingeniero para LPs de Jefferson Airplane o The Seeds.
El gran éxito para los Electric Prunes llegó con el tema "I Had Too Much to Dream (Last Night)", una pieza compuesta por Nancie Mantz y Annette Tucker que en manos de la banda y Dave Hassinger poco se parecía a la demo presentada por la pareja de compositoras, convirtiéndose con sus ropajes psicodélicosl la energía otorgada por la instrumentación del conjunto y la voz de Lowe en uno de los grandes clásicos del psico-garage. El single, segundo del grupo, les llevó al puesto número 11 en el Billboard.
"Get Me to the World on Time" fue su siguiente sencillo, una canción escrita por Tucker y Jill Jones con la que la banda acercaba los ritmos de Bo Diddley a la lisergia del momento. Cosecharon estimables ventas, alcanzando el tema el puesto 27.Ambas canciones estaban incluidas en su LP debut, "The Electric Prunes" (1967). Producido por Hassinger y arreglado por el propio grupo, era un buen disco de ecléctica sonoridad, siempre desde un enfoque psicodélico.
Los temas, en su mayoría escritos por Annette Tucker, Nancie Mantz y Jill Jones, tanto ofertaban pujante piezas de garaje psicodélico como sensibles baladas pop o piezas vodevilescas.
1. I Had Too Much to Dream (Last Night)
2. Bangles
3. Onie
4. Are You Lovin' Me More (But Enjoying It Less)
5. Train for Tomorrow
6. Sold to the Highest Bidder
7. Get Me to the World on Time
8. About a Quarter to Nine
9. King Is in the Counting House
10. Luvin'
11. Try Me on for Size
12. Toonerville Trolley
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102. Loretta Lynn – Don’t Come Home a Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind) (1967)
Nacida en los bosques de Butcher Hollow en 1935, la cantante country Loretta Lynn se convirtió en un icono de la música folk americana en 1981. Esto ocurrió cuando una película basada en la biografía de Lynn, «Coal Miner’s Daughter», llenó teatros y le valió a la actriz Sissy Spacek un Oscar. Durante 2 décadas, Lynn fue una habitual de las listas country, logrando un éxito tras otro y orientando sus letras hacia un universo femenino con temas como «Don’t Come Home a Drinkin», «Fist City» y «Woman of the World». Más tarde, Lynn forjó una exitosa relación con el compositor Conway Twitty.
1. Don't Come Home a Drinkin' (With Lovin' on Your Mi
2. I Really Don't Want to Know
3. Tomorrow Never Comes
4. There Goes My Everything
5. The Shoe Goes on the Other Foot Tonight
6. Saint to Sinner
7. The Devil Gets His Dues
8. I Can't Keep Away from You
9. I'm Living in Two Worlds
10. Get What 'Cha Got and Go
11. Making Plans
12. I Got Caught
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103. Shivkumar Sharma-Brijbushan Kabra-Hariprasad Chaurasia - Call Of The Valley (1967)
" Call Of The Valley " es en la música clásica india lo que el "Hamlet" es en el teatro Inglés o la "Mona Lisa" en la pintura europea, un hito que está destinado a seguir siendo el estándar de oro para siempre. Muy posiblemente el álbum clásico o instrumental más vendido de la India de todos los tiempos. Sigue encontrando, después de tres décadas, nuevos oyentes que al escuchar este álbum pasa a ser una de las experiencias más completas de su vida. La música es simple. Es profundo. Es fascinante. También es revolucionario. El santoor (martilló dulcimer), flauta y guitarra, tres maestros creando seis piezas sencillas, de alrededor de seis a siete minutos cada una. La temática es romántica, uno de los instrumentos representa el ambiente natural y los otros dos representan a un hombre y una mujer cortejando. Usted puede o no sentirlo, pero comprenderá que son himnos a la madre naturaleza. La belleza radica en que no se tiene que ser conocedor, ni siquiera se tiene que saber cosa alguna sobre música clásica india para disfrutar de este maravilloso álbum.
1. Ahir Bhairav/Nat Bhairav
2. Rag Piloo
3. Bhoop Ghara [Dadra]
4. Rãg Des
5. Rag Pahadi
6. Ghara-Dadra - Brij Bhushan Kabra
7. Dhun-Mishra Kirwani - Shivkumar Sharma
8. Bageshwari - Hariprasad Chaurasia
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104. The Velvet Underground - White Light - White Heat (1967)
Grabado en unos pocos días en 1967, este disco deja de lado el costado más pop del primer disco de la banda al igual que a Nico y a Andy Warhol, que fueron despedidos después del primer disco. El disco fue editado en 1968 por el sello Verve. El álbum está lleno de feedback y noise, así como letras que tratan los temas poco convencionales que The Velvet ya había tratado en The Velvet Underground and Nico (drogas, sexo, travestismo). Es considerado uno de los más distorsionados y saturados de la historia del rock. Su sonido es el más crudo de todos los discos de Velvet Underground. "White light, white heat" (1967), el documento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de feroz anticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidos por Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon & Garfunkel ) como "The gift", "I heard her call my name" o "Sister Ray".
La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado por ello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed, abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormente limarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustituto sería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie.
1. White Light White Heat
2. Gift
3. Lady Godiva’s Operation
4. Here She Comes Now
5. I Heard Her Call My Name
6. Sister Ray
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105. The Jimi Hendrix Experience - Axis Bold As Love (1967)
Tras romper moldes con su apabullante "Are you experienced?", estableciendo una seductora e impresionante conexión entre el blues, el rock y la psicodelia, el malogrado guitarrista de Seattle volvía a la carga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obra maestra en la que a las referidas constantes musicales añade con acierto unas estupendas dosis pop en canciones como la funky "Wait until tomorrow", con unos atractivos coros (en los que interviene gente como Graham Nash o Roy Wood), "You got me floatin'" o "She's so fine", una maravilla escrita y cantada por el bajista Noel Redding, la cual está fuertemente influenciada por los Who.
El jazz sirve de aposento para la elegante "Up from the skies", mientras que el blues es la base de la psicodélica "If 6 was 9", excelente tema que se convierte en uno de los momentos imprescindibles del álbum junto a otras piezas memorables como la rockera "Spanish castle magic" y su extraordinario riff de guitarra, "Ain't no telling", con una devastadora sección rítmica, la fabulosa balada "Little wing", que conocería posteriormente una gran versión de Eric Clapton, la sensacional "Castles made of sand", que cuenta con un brillante texto acompañado de una magnífica melodía, la atmósferica "One rainy wish", o "Bold as love", una despedida de disco rebosante de intensa emotividad.
Toda una portentosa exhibición del guitarrista más genial e innovador que ha dado el rock.
01 - EXP
02 - Up from the Skies
03 - Spanish Castle Magic
04 - Wait Until Tomorrow
05 - Ain't No Telling
06 - Little Wing
07 - If 6 Was 9
08 - You Got Me Floatin'
09 - Castles Made of Sand
10 - She's So Fine
11 - One Rainy Wish
12 - Little Miss Lover
13 - Bold as Love
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106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967)
Una de esas mágicas confluencias que de vez en cuando se producen en el mundo de la música, tuvo lugar a finales del 66 en las oficinas de Atlantic Records en Nueva York. Allí, una seminal y poderosa vocalista de soul, de profundas raíces gospel, buscaba dar un giro radical a la que hasta ese momento estaba siendo una dubitativa carrera musical dentro del sello Columbia, más cercana al jazz más pop que al poderoso y vibrante soul.
En aquellos días una tal Aretha Franklin, que años antes había decido dar el salto del gospel a la música laica, animada y avalada nada más y nada menos que por el gran Sam Cooke, se dejaba embaucar por uno de los capos de la Atlantic Records, el avispado y genial productor Jerry Wexler, para dejar Columbia, firmar por Atlantic y comenzar de esta forma uno de los períodos más gloriosos de la música soul, en el que Aretha Franklin fue una de las principales protagonistas de este estallido soul, proporcionándonos algunos de los momentos más emocionantes, viscerales y desgarradores que nos ha dejado la música negra, en discos como este I've Never Loved a Man (The Way I Love You) que hoy traemos a Sensaciones Sonoras, y que fue el primer disco que Aretha grabó para Atlantic, en aquel lejano Marzo de 1967.
Cuando Jerry Wexler firmó a Aretha Franklin, sabía perfectamente lo que podía conseguir de ella, la intensidad y sentimiento que podía volcar sobre sus desgarradas y viscerales interpretaciones con su espectacular voz, y tenía muy claro el acompañamiento musical que necesitaba aquella fabulosa voz. No lo dudó, y se llevó a Aretha al sur, a los estudios Muscle Shoals, caracterizados por su sonido primario y directo, de vientos cortantes, y pianos y guitarras descarnadas, y donde el soul más desgarrado y el R&B más abrasivo parecían brotar con absoluta naturalidad. Y allí, junto a músicos del calibre de Chips Moman, Spooner Oldham, Jimmy Jhonson, y Bobby Womack, además de con sus hermanas a los coros, Aretha Franklin grabó este fabuloso I've Never Loved a Man (The Way I Love You), que incluye poderosas interpretaciones de temas propios, así como de monstruos del soul como Otis Redding y Sam Cooke entre otros.
Un disco que pone de manifiesto la grandeza del soul y el torrente de emociones que Aretha Franklin transmitía en aquella época. Profundas y maduras emociones expresadas por “una mujer de 25 años con el sonido, los sentimientos y la experiencia de alguien mucho mayor y con una vida muy intensa”, según diría Jerry Wexler. Tal y como decía ella, “Soul es la habilidad para hacer partícipes de tus sentimientos a otras personas”, una habilidad que ella dominaba perfectamente, tal y como se aprecia en esa rotunda y descarnada exigencia de respeto a su hombre, que es su espléndida versión del Respect de Otis Redding, o en esa otra intensa y desgarradora declaración de principios que es el tema que da título al disco, el fantástico I've Never Loved a Man, o en la preciosa balada Baby baby baby, un clásico tema de soul contenido, de muchos quilates, al igual que ese otro poderoso y visceral lamento interior que es Drown in my own tears, donde Aretha pone de manifiesto sus profundas influencias vocales del gospel. Y así podríamos seguir con todos y cada uno de los temas del disco, con su sentida versión del clásico de Cooke, A chance is gonne come, o con ese otro ejercicio de soul contenido, pero de enérgica interpretación vocal que es Dr Feelgood (love is a serious bussiness), todos ellos con un compacto, rotundo y escueto acompañamiento musical, que se apodera de tus sentidos con la misma fiereza con la que Aretha canta.
Un clásico del soul, de la reina del soul, imprescindible para todo aquel que esté interesado en la música negra.
1. Respect
2. Drown in My Own Tears
3. I Never Loved a Man (The Way I Love You)
4. Soul Serenade
5. Don't Let Me Lose This Dream
6. Baby, Baby, Baby
7. Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)
8. Good Times
9. Do Right Woman, Do Right Man
10. Save Me
11. Change Is Gonna Come
12. Respect [Stereo Version][*]
13. I Never Loved a Man (The Way I Love You) [Stereo Version][*]
14. Do Right Woman, Do Right Man [Stereo Version][*]
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107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968)
Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum "Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar de tratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, el siguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico, esencial y brillante regreso a sus orígenes musicales con este banquete de mendigos en el cual despliegan un menú que se aleja de experimentaciones psicodélicas y recuperan el sabor más afín a la banda en su registro de una sobresaliente colección de temas de consistencia rockera, sonidos acústicos y alma de blues, contenidas en un disco con retrete de mala muerte (aunque por lo menos tiene rollo de papel higiénico) en donde se manifiesta en una pintada que el sueño de Dylan es tirar de la cisterna.
Una de sus mejores y más populares canciones, la satánica "Sympathy for the devil", que amalgama diferentes y atractivos ángulos sónicos (incluida la samba), es el espectacular punto de arranque a una prodigiosa sucesión de impetuosas, acérbicas, turbulentas e insurrectas piezas maestras. En "No expectations" muestran un talante desesperanzador con el malogrado Brian Jones ejecutando una hechizante slide guitar, al igual que hace en la fantástica y subestimada "Jig-Saw Puzzle". Aportan su punto de vista sobre la efervescencia de la época y la consecuente violencia libertaria en la punzante "Street fighting man", su particular sentido del humor aflora en "Dear doctor", uno de sus primeros coqueteos con el country-rock. En "Stray cat blues" hablan de la relación con una quinceañera de ávidos deseos sexuales. "Parachute woman" evidencia su natural y constante apego al blues con un retorno a la materia carnal y el broche de oro a tan magistral demostración de talento musical lo pone el rock con espíritu gospel "Salt of the earth", pieza de anhelante comentario social que junto a "Sympathy for the devil" resulta el tema más logrado de "Beggars Banquet", una obra magna producida por el indispensable Jimmy Miller, que debuta aquí con los Stones y que proseguiría sus andanzas con el quinteto grabando sus Lps más contundentes.
1. Sympathy for the Devil
2. No Expectations
3. Dear Doctor
4. Parachute Woman
5. Jigsaw Puzzle
6. Street Fighting Man
7. Prodigal Son
8. Stray Cat Blues
9. Factory Girl
10. Salt of the Earth
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108. Traffic - Traffic (1968)
El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.
Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears.
Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith.
01 - You Can All Join In
02 - Pearly Queen
03 - Don't Be Sad
04 - Who Knows What Tomorrow May Bring
05 - Feelin' Alright?
06 - Vagabond Virgin
07 - Forty Thousand Headmen
08 - Cryin' to Be Heard
09 - No Time to Live
10 - Means to an End
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109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968)
Aunque la frase es manida, siempre vale recordarla. Según Proust, los verdaderos artistas son aquéllos capaces de abrir las puertas hacia un mundo desconocido, en el cual jamás se ha puesto un pie. La inveterada propuesta de Incredible String Band refrenda la sentencia ¿Quién dijo que para reivindicar un ánimo psicodélico eran necesarios un bajo con fuzz, overdubs, distorsión y arsenales electrónicos?
Desde 1966, el dúo conformado por Robim Williamson y Mike Heron se prodigaron en explorar en las tradiciones vernáculas y añosas de la campiña bretona, oculta en las inmemoriales leyendas de toda una pléyade de seres fantásticos e imposibles personajes; el tándem reinterpretó desde un prisma vanguardista y lisérgico toda la oralidad vertida en las músicas pastoriles originarias inglesas. Antes de la publicación del monumento folk que amerita estas líneas, ya habían sacudido las bateas con 5.000 Spirits or the Layers of the Onions en el '67. Para el año siguiente, la propuesta serpenteante, quebradiza y absolutamente personal de los ISB estaba ya madura en su esperpéntica belleza. Dos instrumentistas eximios, ingiriendo más de la cuenta cubos de LSD y con unas posibilidades musicales inmensas, dieron frutos en esta honesta y magistral odas a la mitología celta en su lectura más alucinógena.
Estructuras complejas, instrumentos recónditos y desconocidos, dulces voces bucólicas infectadas de la revolución de entonces: experimentando con lo arcaico, podría ser un epígrafe de este álbum que, mayor sorpresa, alcanzó el puesto cinco en ventas en el Reino Unido, una fortuna que ya se hubiesen querido los Velvet Underground, Silver Apples y tanto obseso que anduvo suelto por entonces. "Waltz of New Moon", "The Witches Hat", "A Very Cellular Song", "There is a Green Crown", "The Minotaur's Song", son parte de un viaje condimentado con sítares, dulcímeres, flautas de agua, y una serie interminable de vetustos y nobles instrumentos acústicos usados por incontables generaciones de labriegos, pastores y juglares de la vieja Bretaña. Un generoso deleite y una apertura hacia el frondoso follaje de los secretos celtas.
1. Koeeoaddi There
2. Minotaur's Song
3. Witches Hat
4. Very Cellular Song
5. Mercy I Cry City
6. Waltz of the New Moon
7. Water Song
8. Three Is a Green Crown
9. Swift as the Wind
10. Nightfall
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110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968)
Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílico de naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en su labor melódica como en su aspecto lírico.
Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban a ambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su itinerario sardónico sobre sus congéneres y contexto social con esta maravilla bucólica denominada "The Village Green Preservation Society", un evocativo y pastoril LP de pop y rock con trazos cabareteros e incluso blues ("Last Of The Stream Powered Trains"
.Es una crónica nostálgica sobre las costumbres y tradiciones británicas, una memoria de los paisajes, personajes y valores de un pequeño pueblo verdoso que componen el mejor y más subestimado disco de los Kinks.
1. The Village Green Preservation Society
2. Do You Remember Walter
3. Picture Book
4. Johnny Thunder
5. Last Of The Steam-Powered Trains
6. Big Sky
7. Sitting By The Riverside
8. Animal Farm
9. Village Green
10. Starstuck
11. Phenomenal Cat
12. All OF My Friends Were There
13. Wicked Annabbella
14. Monica
15. People Taake Pictures Of Each Other
16. The Village Green Preservation Society (Stereo Mix)
17. Do You Remember Walter (Stereo Mix)
18. Johnny Thunder (Stereo Mix)
19. Monica (Stereo Mix)
20. Days (Stereo Mix)
21. Village Green (Stereo Mix)
22. Mr. Songbird (Stereo Mix)
23. Wicked Annabbella (Stereo Mix)
24. Starstuck (Stereo Mix)
25. Phenomenal Cat (Stereo Mix)
26. People Take Pictures Of Each Other (Stereo Mix)
27. Days (Stereo Mix)
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111. Ravi Shankar – Sounds of India (1968)
The Sounds of India de Ravi Shankar es la mezcla definitiva de música hindú clásica, y resulta accesible, está bien documentada e interpretada de forma gloriosa. En aquella época, en la que ubicar músicas del mundo resultaba complicado, Shankar fue el perfecto embajador musical, alguien acostumbrado a las legiones de admiradores, pues era antiguo amigo e informal profesor de música de los Beatles (George Harrison le llamó en una ocasión "el padrino de las músicas del mundo" )
1. An Introduction to Indian Music
2. Dadra
3. Maru-Bihag
4. Bhimpalisi
5. Sindhi-Bhairavi
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112. Os Mutantes - Os Mutantes (1968)
Formados en 1966, Os Mutantes fueron responsables de renovar el sonido brasileño del momento por su combinación de la psicodelia y el rock, junto a la música popular. Sus primeros discos "Os Mutantes" y "Mutantes" hicieron del trío formado por los hermanos Arnaldo y Sérgio, junto a Rita Lee una de la bandas más dinámicas y radical de la época. Han contado en muchas ocasiones con colaboraciones como las de Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé o Gal Costa.
Para el resto del mundo, Brasil equivale a fútbol, cuerpos hermosos y bossa nova. La expresión "dictadura militar represiva" aparece en pocas guías. La llegada de los hippies en el verano de 1967 situó la contracultura en el foco de atención con efectos devastadores. Tomaron lo que habían oído procedente de Londres y San Francisco y lo desarrollaron. La derecha detestaba su pelo, su moral y las drogas; la izquierda despreciaba su corrupción de la música brasileña pura.
1. Panis et Circenses
2. Minha Menina
3. O Relógio
4. Adeus Maria Fulo
5. Baby
6. Senhor F
7. Bat Macumba
8. Premier Bonheur du Jour
9. Trem Fantasma
10. Tempo No Tempo
11. Ave Genghis Khan
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113. The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968)
Es un álbum doble que suele ser considerado uno de sus mejores álbumes. Se destacan elementos que anticipan el rock progresivo en canciones como "1983... (A Merman I Should Turn to Be)", y la versión de la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower" (que suele ser considerada por muchos como la mejor versión de la misma, incluso por Dylan).
De igual manera que la tecnología de los estudios y los efectos de guitarra habían mejorado y se habían desarrollado en los últimos años de la década de los 60, también lo hicieron los sonidos grabados por The Jimi Hendrix Experience; y el álbum más popular de Jimi, el increíble Electric Ladyland (conocido por su célebre e insólita portada, en la que aparece un grupo de mujeres desnudas), aprovechó plenamente la nueva ciencia del rock. Aunque la interpretación de los músicos y las estructuras de las canciones se volvieron más dispersas, libres de los parámetros de la tradición del soul y del R&B con las que la Experience había perfeccionado su técnica, Hendrix mantuvo un control relativamente firme pese al frenesí de LSD y demás neuróticos que lo rodeaba.
01. ...And The Gods Made Love
02. Have You Ever Been (To Electric Ladyland)
03. Crosstown Traffic
04. Voodoo Chile
05. Little Miss Strange
06. Long Hot Summer Night
07. Come On (Let The Good Times Roll)
08. Gypsy Eyes
09. Burning Of The Midnight Lamp
10. Rainy Day, Dream Away
11. 1983... (A Merman I Should Turn To Be)
12. Moon, Turn The Tides... Gently Gently Away
13. Still Raining, Still Dreaming
14. House Burning Down
15. All Along The Watchtower
16. Voodoo Child (Slight Return)
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114. The Songs Of Leonard Cohen (1968)
La capacidad literaria del canadiense fue un valor determinante para su posterior obra musical. Ya a los 17 años había formado un trío de tendencia country-western llamado The Buckskin Boys, estilo musical que siempre lo definió a pesar de la posterior utilización de teclados y sintetizadores. Cohen publicó su primer L.P. —Songs of Leonard Cohen—, en 19684, vinilo en donde deleitó con canciones como Suzanne, un poema escrito en tercera persona —recurso muy querido por Cohen— que transcurre en un encuentro durante un viaje por un río; en la canción, una guitarra acústica fluye como el agua y las voces femeninas del coro subliman el encuentro con una mujer, tan bella que hasta el propio Jesucristo se rinde al deseo de viajar con ella. En Sisters of Mercy («Hermanas de la Caridad»), otro de los cortes de este vinilo, despliega una sensualidad turbadora —que remarca el sonido de unas campanillas—, juega con el equívoco entre el amor terrenal y el amor a Dios («Ellas tocaron mis dos ojos y yo toqué el rocío en sus dobladillos…») y trasmite la paz de haber encontrado un lugar en donde soldar los fragmentos del alma rota por la familia y el desamparo, concepto que anticipa la futura creencia zen del canadiense. Con So Long, Marianne («Hasta luego, Marianne», canción que recoge, seguramente, los últimos momentos de su relación con Marianne Jensen, a quien conoció en la isla de Hydra) Cohen relata, esta vez en primera persona, una despedida con la voz crispada, al borde de la extenuación. Este estilo «confesional», intimista, es el signo inconfundible de su obra y uno de los motivos, sin duda, de la fascinación que despierta su voz. En So Long, Marianne la incomprensión y la soledad en el amor**, otro de sus temas recurrentes5, volaban subrayadas por una partitura musical algo más elaborada y compleja —en donde podemos escuchar un bello acompañamiento de mandolina— que en las anteriores canciones comentadas.
A pesar de su triste y ensimismada voz y la sencillez extrema de la música de sus primeras canciones, con este disco Cohen dejó muy claro que la música del siglo XX había encontrado a uno de sus mejores creadores. Songs of Leonard Cohen es la piedra angular de una prolífica carrera creativa, en donde la poesía y la música se identifican con una fórmula que conmueve profundamente y que muchos confesaron que no podían resistir sin desequilibrarse. Se llegó a decir, incluso, que de día era imposible escuchar a Cohen...
1. Suzanne
2. Master Song
3. Winter Lady
4. Stranger Song
5. Sisters of Mercy
6. So Long, Marianne
7. Hey, That's No Way to Say Goodbye
8. Stories of the Street
9. Teachers
10. One of Us Cannot Be Wrong
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115. Johnny Cash - At Folsom Prison (1968)
At Folsom Prison es un álbum en vivo del cantante country Johnny Cash grabado y lanzado el año 1968 en la prisión estatal de Folsom, California. En el álbum aparecen artistas como June Carter, Carl Perkins y la banda de Cash "the Tennessee Three" en el Cd se incluyen canciones como "Greystone Chapel" que fue escrita por un prisionero de la cárcel llamado Glen Sherley y por lo tanto nunca la había cantado en su vida sino hasta la noche antes de la presentación, esa misma noche antes de conocer de la canción vino el sacerdote de la prisión y le mostró la canción interpretada por el prisionero y rápidamente hizo que la incluyeran en el álbum y la presentación.
Aunque Cash respetaba las plegarias de los prisioneros ellos lo respetaban a él y sus melodías por lo tanto se quedaron en silencio y tuvieron que agregarle gritos y abucheos después de la grabación. El disco lanzado en 1968 corta partes de las canciones y saca otras por motivo de tiempo y espacio pero en la reedición del año 1999 se incluyen más canciones pero sigue sin ser el concierto entero pero pusieron canciones como "I'm Not in Your Town to Stay," "I've Got a Woman," "Long Legged Guitar Picking Man," y una melodía bastante diferente a la canción original de "Greystone Chapel".En el 2003 este álbum de Cash fue uno de los 50 álbumes escogidos por la librería del congreso de Estados Unidos y lo agregaron al registro nacional.En el 2006 salió #3 de los 40 mejores álbumes de country de la historia del canal Country Music Television (CMT).
1. Folsom Prison Blues
2. Busted
3. Dark As The Dungeon
4. I Still Miss Someone
5. Cocaine Blues
6. 25 Minutes To Go
7. Orange Blossom Special
8. The Long Black Veil
9. Send A Picture Of Mother
10. The Wall
11. Dirty Old Egg-Suckin' Dog
12. Flushed From The Bathroom Of Your Heart
13. Joe Bean
14. Jackson
15. Give My Love To Rose
16. I Got Stripes
17. The Legend Of John Henry's Hammer
18. Green, Green Grass Of Home
19. Greystone Chapel
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116. Laura Nyro – Eli & the Thirteenth Confession (1968)
Laura Nyro es, musical, personal y físicamente, una de las cantautoras más hermosas. En este, su segundo álbum, consigue amalgamar montones de influencias: rock, pop, folk, jazz y mucho gospel. Si bien comenzó escribiendo canciones para otros artistas, en sus discos queda claro que también era una gran intérprete. Pianista, guitarrista, cantante, Laura emociona como nadie y cada uno de sus álbumes es una experiencia única. No hay ni un segundo en Eli and the Thirteenth Confession que no sea una invitación a vivir y llorar de placer. ¿Cómo no enamorarse de Laura después de escucharlo?
01 - Luckie
02 - Lu
03 - Sweet Blindness
04 - Poverty Train
05 - Lonely Women
06 - Eli's Comin'
07 - Timer
08 - Stoned Soul Picnic
09 - Emmie
10 - Woman's Blues
11 - Once It Was Alright Now (Farmer Joe)
12 - December's Boudoir
13 - The Confession
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117. Aretha Franklin - Lady Soul (1968)
Lady Soul, es un álbum editado por Aretha Franklin el 22 de enero de 1968. Producido por Jerry Wexler, uno de los cerebros de la música soul de la época, 'Lady soul' viaja por todos los caminos del género, junto a una vigorosa sección de metal y las aportaciones de guitarristas de excepción como Eric Clapton y Bobby Womack.
El disco pasaba de la intensidad de 'Money won't change you' -un tema firmado por James Brown- y 'Come back baby' -de Ray Charles-, hasta la espiritualidad de 'People get ready', de Curtis Mayfield, y en cada tema Aretha dejó su sello imborrable. 'Lady Soul' aportó a la historia clásicos como '(You make me feel like) A natural woman', uno de los más recordados de toda la carrera de la cantante, que firmaron Gerry Goffin, Carole King y el propio Wexler.
Entre sus diez temas, el álbum incluyó dos que la cantante compuso junto a su marido, Ted White, 'Since you've been gone (sweet sweet baby)' y 'Good to me as I am to you'. El disco obtuvo un éxito rotundo y con el tiempo se convirtió en un título habitual de las listas de los mejores discos de la historia, no sólo del soul, sino de la música moderna en general. Aretha pasó de 'Lady' a 'Queen'. Desde entonces no se ha bajado del trono del soul. El álbum consiguió llegar a lo más alto de las listas de ventas americanas.
En 2003 la cadena VH1 nombró a "Lady Soul" en el puesto 41 de los mejores álbumes de la historia. Para la revista Rolling Stone se encontraría en el puesto número 84.
1. Chain of Fools
2. Money Won't Change You
3. People Get Ready
4. Niki Hoeky
5. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
6. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)
7. Good to Me as I Am to You
8. Come Back Baby
9. Groovin'
10. Ain't No Way
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118. Blue Cheer - Vincebus Eruptum (1968)
Donde el ruido comenzó. Demoledor álbum debut de los californianos Blue Cheer, un power trio de San Francisco, que alejado de las posturas hippies de sus colegas de ubicación, estaban altamente influenciados por las prestidigitaciones guitarreras de Jimi Hendrix, al que incluso superaban en la capacidad de perforación y fiereza sónica, convirtiéndose en básicos precursores del futuro heavy metal.
Estos pasajes hard-rockeros plenos de ácido y blues muestran el poderío instrumental del terceto, en especial la guitarra hiriente, distorsionada y sinuosa de Leigth Stephens y el estruendoso y bestial ataque de Paul Wahley sobre su resonante batería a lo largo de estas seis piezas llenas de crudeza, desabrimiento y acrimonia, entre las que destacan la membruda versión del "Summertime Blues" (en donde incluyen el riff del "Foxy Lady" de Hendrix), tema clásico del pionero del rock Eddie Cochran.
Las demás (con especial mención para el gran riff de "Out of focus", tema escrito y cantado por el bajista Dickie Peterson) son abrumadoras y gozosas revisitaciones del rock y el blues más clásico pero con una atrayente sonoridad caótica, retorcida y retumbante.
1. Summertime Blues
2. Rock Me Baby
3. Doctor Please
4. Out Of Focus
5. Parchment Farm
6. Second Time Around
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119. The Byrds - The Notorious Byrd Brothers (1968)
Excepcional disco, una auténtica obra maestra que se engrandece aún más por los problemas acaecidos en su elaboración con marchas, idas y venidas y demás avatares. David Crosby dejó la banda (mucho antes ya lo había hecho Gene Clark) y su buen amigo Michael Clarke le siguió (en este trabajo el que toca casi todos los pasajes de batería es Jim Gordon).nTodos estos inconvenientes no afectaron al resultado final de la obra, el LP más bello que nunca han grabado los Byrds, uno de los conjuntos más influyentes de la historia del rock, además de creadores del folk-rock, country-rock, jangle-pop y country-pop, el repique de la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de Roger McGuinn, que además de ampliar el significado del folk expandió la flamígera llama de la psicodelia, se puede encontrar en cualquier estilo musical pasado y presente, desde el power-pop de Teenage Fanclub hasta los primeros sonidos alternativos de R.E.M. pasando por el rock de factura comercial de U2. Ya en su época, muchos grupos fueron influidos por la banda californiana, incluídos los propios Beatles, no en vano, John Lennon aparece en "Revolver" con el modelo de gafas que McGuinn había patentado.
En "Notorious Byrd Brothers" los Byrds intentaron siempre desde su propia personalidad establecer una respuesta a la cuidadosa producción del "Sgt Pepper's" de los Beatles, utilizando de nuevo a Gary Usher, colaborador también de "Younger than yesterday" en las tareas productivas.
El resultado es excelente. Su celestial combinación de voces junto a unas magistrales composiciones llenas de barroquismo con secciones de viento, arreglos de violines, teclados siderales y guitarras enraizadas en una hechizante amalgama de pop, country, rock, folk y psicodelia. La soberbia capacidad instrumental de sus protagonistas contó con la impagable aportación de las guitarras de Clarence White y Red Rhodes, el Moog de Paul Beaver y los apoyos vocales de Curt Boettcher, un mago de la producción vocal de los años 60 que ayudó a llevar al éxito a los Association y formó parte de dos poco conocidos pero magistrales proyectos de pop psicodélico: Sagittarius y The Millennium.
1. Artificial Energy
2. Goin' Back
3. Natural Harmony
4. Draft Morning
5. Wasn't Born to Follow
6. Get to You
7. Change Is Now
8. Old John Robertson
9. Tribal Gathering
10. Dolphin's Smile
11. Space Odyssey
12. Moog Raga [Stereo][*][Instrumental]
13. Bound to Fall [Stereo][#][*][Instrumental]
14. Triad [Stereo][*]
15. Goin' Back [Stereo][#][*]
16. Draft Morning [Stereo][Alternate Take][#][*][Take]
17. Universal Mind Decoder [Stereo][#][*][Instrumental]
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120. Big Brother & the Holding Company - Cheap Thrills (1968)
"Volver a los buenos tiempos es lo que intentamos con nuestra música, a dar saltos y colocarse". Con estas palabras definió este álbum la mismísima Janis Joplin. En ella voz y mito se hacen uno; se rompe la vieja leyenda del blues, con una chica hippie blanca de texas capaz de desgarrar el alma casi a la altura de grandes como Big Mama Thornton o Memphis Minnie.
Cheap thrills es el segundo álbum de Janis Joplin como voz principal de la banda de rock y blues Big Brother & the Holding Company. El grupo había realizado en 1967 una espectacular actuación en festival de Monterrey, lo cual hizo que este disco fura acogido con gran entusiasmo por el gran público. No tardaría nada en alcanzar los primeros puestos de las listas estadounidenses en 1968. Fue tal el éxito que el álbum consiguió estar en lo más alto durante ocho semanas seguidas. La voz de Janis hace que las canciones suenen atemporales, es una mezcla perfectamenta entre el blues y el jazz más desgarrados, con una instrumentación que se mueve hacia el rock menos comercial de su época. Podriamos meter este álbum dentro del estilo haigh-ashbury que se dio fuertemente a finales de los 60s. En el álbum encontramos sonidos que nos llevan desde el rock, como ya había dicho, hasta el doo-wop o el soul, sin olvidarnos del blues, el cual Janis domina como pocas cantantes blancas. Tras este álbum, realmente mientras cosechaba éxito este disco, Janis emprendió su carrera en solitario, comenzando así el mito.
El álbum está compuesto por siete canciones, de las cuales podemos encontrar cuatro de nueva creación; estando tres de ellas compuestas por la propia Janis junto al guitarrista de la banda, Sam Andrew; y tres versiones de temas clásicos del jazz y el soul.
1.-Combination of the Two
2.-I Need a Man to Love
3.-Summertime
4.-Piece of My Heart
5.-Turtle Blues
6.-Oh, Sweet Mary
7.-Ball and Chain
8.-Roadblock
9.-Flower In the Sun (Previously Unissued)
10.-Catch Me Daddy (live)
11.-Magic of Love (live)
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121. The United States Of America (1968)
The United States of America fue una de las agrupaciones más peculiares de finales de los 60s. Liderados por Joseph Byrd, intérprete de numerosos instrumentos electrónicos, eran capaces de pasar de piezas en extremo experimentales, con numerosos sintetizadores, órganos, maquinitas de diversos tipos y baterías eléctricas, a torbellinos psicodélicos furiosos, tan cercanos a los primeros Grateful Dead como a My Bloody Valentine. A Byrd, mente principal del quinteto, se le suma la preciosa, enigmática voz de Dorothy Moskowitz, que canta como una cruza entre una Sandy Denny doblemente agotada y una especie de Laura Nyro cínica, rabiosa. Las letras pesadillezcas, críticas, acompañan a la música en esta suerte de descenso a infiernos electrónico-lisérgicos. Aires festivos sutiles, bajos que por momentos marchan como la columna vertebral de John Cleese parodiando a un militar, el violín eléctrico burlón de Gordon Marron, las composiciones afiladísimas, construidas más allá de géneros y límites, arman un álbum que parece creado para trascender y pisotear cualquier tipo de preconcepto de lo que supuestamente debería ser el rock, la psicodelia o la música electrónica.
No es casual que los United States of America logren su objetivo, no dividiendo, sino amalgamando; sumando elementos tan diversos como el agua y el aceite para lograr una obra que hierve, quema y deja pensando en cuántos territorios sonoros le quedan por explorar a la música popular. Tampoco es casual que la agrupación se llame United States of America; nombre que les permite reírse abiertamente de ese eterno intento de preservar los valores tradicionales norteamericanos al realizar una música que obligaría a taparse los oídos a casi cualquier republicano que en un principio se pueda sentir atraído/orgulloso por la idea de que cinco jóvenes titulen así a su nueva agrupación de "música moderna". Lo que sí puede resultar, más allá de toda alabanza, es que el disco suene por momentos poco conciso, algo débil como un todo. Imagino que es difícil de evitar, al tratarse de una obra que mezcla, entre otras cosas, folk, hard rock psicodélico, krautrock, pop de cámara, coros escalofriantes, curiosidad/complejidad "progresiva", densidad proto-punk y collages abstractos algo zappeanos (aunque este disco fue grabado el mismo año que Absolutely Free -es decir, Frank no se les adelantó por mucho). Para disfrutar a esta única obra de los United States of America, entonces, hay que estar de un humor especial; buscando construcciones intrincadas y ácidas, más que pretendiendo relajarse con composiciones agradables y amenas. Pero lo más gracioso es que la cerebralidad y frialdad de ciertos (muchos) pasajes del disco se rompen en mil pedazos al irrumpir temas como I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar o Stranded in Time que, en comparación con otros momentos del álbum, son -al menos desde lo puramente musical- odas a la alegría y calidez. The United States of America es un trabajo, en definitiva, que se sostiene en la tensión entre disonancia industrial, cierto romanticismo agridulce y una bienvenida dosis de absurdo irreverente. Después de semejante montaña rusa sonora, eso sí, lo que más queda retumbando en la cabeza es que es una pena que estos muchachos no hayan seguido tocando juntos.
01 - The American Metaphysical Circus
02 - Hard Coming Love
03 - Cloud Song
04 - The Garden of Earthly Delights
05 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar
06 - Where Is Yesterday
07 - Coming Down
08 - Love Song for the Dead Ché
09 - Stranded in Time
10 - The American Way of Love
.......a. Metaphor for an Older Man
.......b. California Good Time Music
.......c. Love Is All
Bonus tracks:
01 - Osamu's Birthday
02 - No Love to Give
03 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar - Alternate version with Moskowitz singing lead
04 - You Can Never Come Down
05 - Perry Pier
06 - Tailor Man
07 - Do You Follow Me
08 - The American Metaphysical Circus - Demo version
09 - Mouse (The Garden of Earthly Delights) - Demo version
10 - Heresy (Coming Down) - Demo version
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122. Dr. John - Gris-gris (1968)
Aunque el disco fue grabado en California, Mac Rebennack, quien se esconde tras el nombre de Dr. John, nace, se cría y desarrolla su faceta musical en Nueva Orleáns, donde trabaja durante años como multi-instrumentalista, músico de estudio y productor de innumerables grabaciones de los 50. Así que, al menos respecto al corazón y sentimientos, nos llega este “Gris gris” desde la Nueva Orleáns más profunda, cuna del jazz y lugar de fusión de las culturas americana, europea y africana.
Con aire de ritual africano y de voodoo, pero a su vez con esencias del R&B y del jazz, Dr. John nos arrastra en su viaje a través del Barrio Francés hasta las orillas del Missisipi, donde las tortuosas ramas cargadas de líquenes de los robles centenarios conforman un ambiente fantasmal.
Ya desde la primera canción, la hipnotizante “Gris gris gumbo ya ya”, eres consciente de que éste es un álbum para escucharlo sólo… y de noche. Este disco debería llevar una etiqueta que dijera PLAY IT ONLY AT MIDNIGHT. La presencia en todo el disco de las congas marcando ritmos africanos, las panderetas, mandolinas y flautas, se dejan oír ya desde este primer hechizo que abre el disco.
1.: Gris Gris Gumbo Ya Ya
2.: Danse Kalinda Ba Doom
3.: Mama Roux
4.: Danse Fambeaux
6.: Jump Sturdy
5.: Croker Courtbullion
7.: Walk On Gilded Splinters
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123. Iron Butterfly - In A Gadda Da Vida (1968)
Surgidos en la segunda mitad de la década de los 60, Iron Butterfly fue una de las principales formaciones de acid-rock de la época, endureciendo y extremando los axiomas característicos de la psicodelia americana, nutrido en su música y letras por el consumo de drogas lisérgicas e imbuido sonoramente por los postulados progresivos.
El grupo se creó en 1966 en la ciudad californiana de San Diego. Estaba compuesto por el cantante Darryl DeLoach, el vocalista y teclista Doug Ingle (nacido el 9 de septiembre de 1946 en Omaha), el guitarrista Danny Weis, el bajista Greg Willis y el batería Jack Pinney.
En este primer proceso de formación y ya establecidos en la ciudad de Los Angeles, se sucedieron rápidos y constantes cambios en la banda. Willis dejó su puesto a Jerry Penrod y Pinney a Bruce Morse, que posteriormente sería reemplazado por Ron Bushy. Los nuevos miembros en llegar a Iron Butterfly serían el bajista Lee Dorman y el guitarrista Erik Brann. Con esta formación y siempre bajo el liderazo compositivo de Doug Ingle, grabarían su Lp más triunfante, "In-A-Gadda-Da-Vida" (1968), disco que contenía el famoso y extenso tema homónimo, con excitantes tramos instrumentales, que contiene un insistente y poderoso riff, un conocido solo de batería y un teclado de inspiración clásica. In-A-Gadda-Da-Vida, es un tema rock de diecisiete minutos, ocupando enteramente la segunda cara de éste. La letra es simple, y se escucha sólo al principio y al final. La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, y sostiene este riff durante más o menos toda la duración del tema. El riff es usado como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock, y probablemente uno de los más famosos en este género. La canción es importante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer y Steppenwolf, marcó el punto en el cual la música psicodélica produjo heavy metal. En los siguientes años setenta artistas de heavy metal y rock progresivo como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido, y más incluso de sus actuaciones en directo, a esta grabación. Alcanzando el número cuatro, la canción se pasó ciento cuarenta semanas en la lista del Billboard 200.
1. Most Anything You Want
2. Flowers and Beads
3. My Mirage
4. Termination
5. Are You Happy
6. In-A-Gadda-Da-Vida
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124. Pretty Things - S.F.Sorrow (1968)
Los Pretty Things, fantástico grupo iniciados en sonidos R&B, se reconvirtieron en un conjunto lisérgico de pop psicodélico a finales del decenio para la elaboración de "S. F. Sorrow", la primera ópera-rock de la historia que tuvo una gran influencia en el líder de los Who, Pete Townshend, a la hora de idear su exitoso "Tommy".
Concebido por las mismas fechas que otros insignes obras como "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "The Piper at the gates of dawn" de Pink Floyd, y grabado en los mismos estudios de Abbey Road, "S. F. Sorrow" nunca gozó de la popularidad y reconocimiento de sus contemporáneos, seguramente debido a que nunca tuvo el apoyo y la promoción de éstos, ya que musicalmente es comparable a cualquiera de los mejores trabajos de su tiempo, una obra maestra rotunda de la era psicodélica que narrando la triste historia del solitario S. F. Sorrow, nos deleita con momentos inolvidables como "S. F. Sorrow is born", "Bracelets of fingers", "Private sorrow", "Death", "Baron Saturday", "I see you", "Trust" o "Loneliest person".
Esta auténtica joya, con exquisita producción de Norman Smith, merece ser redescubierta por su absorbente atmósfera y la capacidad de conexión de diversas influencias ácidas para la edificación de un trabajo sorprendente,original y excitante, sin duda, de lo mejor que jamás se haya grabado en los años 60 en las Islas Británicas.
01. S.F. Sorrow Is Born
02. Bracelets of Fingers
03. She Says Good Morning
04. Private Sorrow
05. Balloon Burning
06. Death
07. Baron Saturday
08. The Journey
09. I See You
10. Well of Destiny
11. Trust
12. Old Man Going
13. Loneliest Person
14. Defecting Grey (acetate version)
15. Defecting Grey [Bonus]
16. Mr.Evasion [Bonus]
17. Talkin' About The Good Times [Bonus]
18. Walking Through My Dreams [Bonus]
19. She Says Good Morning [Live 1969]
20. Alexander [Live 1969]
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125. Simon & Garfunkel - Bookends (1968)
Un prodigioso vocalista y un genial compositor y no menos estupendo cantante formaron la pareja más importante y popular de los años 60. Simon & Garfunkel ocuparán un lugar de oro en la historia de la música folk-rock gracias a unos temas llenos de belleza en su ejecución vocal e instrumental pero también de perspicaz lírica no exenta de crítica social.
Si Simon & Garfunkel ya habían conseguido el respeto crítico y sus ventas era millonarias, en 1967 lograrían convertirse en unos de los rostros más reconocidos en el mundillo musical gracias al tremendo éxito de la película "El graduado", un estupendo film que contenía varios temas antiguos del dúo y uno nuevo compuesto para el film titulado "Mrs. Robinson".
Este sencillo y otras espléndidas canciones como "America", "A Hazy shade of winter", "Old friends" o "At the zoo" vendrían contenidas en su disco "Bookends" (1968), otro magnífico trabajo que consiguió un merecido triunfo en ventas.
Este triunfo no se vería reflejado en las relaciones entre Paul y Art. Garfunkel se veía apartado en las tareas compositivas y Simon deseaba retomar su carrera en solitario.
1. Bookends Theme
2. Save The Life Of My Child
3. America
4. Overs
5. Voices Of Old People
6. Old Friends
7. Bookends Theme
8. Fakin' It
9. Punky's Dilemma
10. Mrs. Robinson
11. A Hazy Shade Of Winter
12. At The Zoo
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126. Small Faces – Ogdens’ Nut Gone Flake (1968)
En una época en la que la psicodelia y la experimentación con nuevos sonidos estaban tan en boga, con discos imprescindibles de los grandes nombres de la historia del rock, los Small Faces no quisieron ser menos y sorprendieron con este trabajo publicado en el sello Immediate de Andrew Oldham, el ex productor y mánager de los Rolling Stones.
El Lp está constituido por espléndidas canciones lisérgicas como "Long agos and worlds apart", escrita por el teclista Ian McLagan, la deslumbrante "Happines Stan", "The Hungry Intruder" o "The Journey".
En el álbum hallamos hermosas piezas instrumentales que indican su grandeza como músicos, como la homónima del disco y el absorbente final de "Rene".
También incluyen un ligero regreso a la primera etapa de raíces Decca-R&B con "Rollin' Over", y una serie de pulidos diamantes psicodélicos, como "Afterglow", "Song of a baker", la clásica "Lazy Sunday" o "Mad John".
Son diferentes pasajes de "Ogden's Nut Gone Flake", un LP conceptual con una preciosa portada obra de P. Brown que sigue los pasos de un personaje llamado Happiness Stam en busca del lado oscuro de la luna con el aporte narrativo en la segunda cara de Stanley Unwin.
01. Ogden's Nut Gone Flake
02. Afterglow (Of Your Love)
03. Long Agos And Worlds Apart
04. Rene
05. Song Of A Baker
06. Lazy Sunday
07. Happiness Stan
08. Rollin' Over
09. The Hungry Intruder
10. The Journey
11. Mad John
12. Happy Days Toy Town
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127. Band – Music from Big Pink (1968)
Es 1968 un año crucial en el desarrollo de la música rock, 1968 es un período convulso, tumultuoso que requirió nuevas directrices para paradigmas musicales que corrían riesgo de estancamiento: las cintas invertidas, los sítares y los clavecines, apóstoles instrumentales de la sustancia aérea de gran parte de la vanguardia psicodélica debían dar paso a un sentido más terreno, verista y límpido: llegó la hora de las músicas tradicionales, de las raíces recuperadas, de lo vernáculo.
En esta nueva orientación de los derroteros que debía andar el rock, nadie estuvo a tan gran altura como The Band en este su disco debut.
A diferencia de otras agrupaciones cultoras desde el '68 del llamado country rock, la apropiación de estos canadienses no se circunscribió a un estilo determinado sino que absorbió toda la anchura de las músicas estadounidenses tradicionales desde una sensibilidad nueva, fresca y versátil.
Por tanto, "Music From Big Pink" es, como muchos han dicho, unas línea divisoria de aguas. Todo lo que fue y será el rock estadounidense en su línea más comprometida está en los surcos de este debut lúcido y transgresor: gospel, hillbilly, country, diexeland, rock& roll, soul, rhythm & blues y dosificadas gotas de psicodelia y pop, adornan un álbum bellísimo y profundo.
Destacar canciones es inoficioso pero vale la pena escuchar hasta el hastío temas como "In The Station", "Chest Fever", "We Can Talk", "Lonesome Suzie", "The Weight" y la grandísima versión para "I Shall Be Released" de su compañero de ruta, Bob Dylan.
1. Tears of Rage
2. To Kingdom Come
3. In a Station
4. Caledonia Mission
5. Weight
6. We Can Talk
7. Long Black Veil
8. Chest Fever
9. Lonesome Suzie
10. This Wheel's on Fire
11. I Shall Be Released
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128. Jeff Beck – Truth (1968)
Jeff Beck tendría su gran oportunidad al remplazar a Eric Clapton en los Yardbirds en 1965, en la cual rápidamente impactó por sus impresionantes pirotecnias en la guitarra, con el uso de efectos no comunes para la época, como la distorsión y el feedback. Luego este se alejaría del grupo presentando un sencillo pop "Hi-Ho Silver Lining" y posteriormente "Tallyman", para después formar The Jeff Beck Group junto al vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood, el baterista Aynsley Dunbar, que rápidamente fue sustituido por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins. La banda presentaría en 1968 su disco debut el Lp "Truth", álbum que sumaba un estilo mucho más heavy al blues-rock inglés que seria bien recibido (aunque no tanto como sus posteriores incursiones en la mezcla de rock, el jazz y el Blues que quedan demostradas en lp tales como "Blow By Blow" o Wired".
Este soberbio disco de una duración aproximada de más de media hora, contiene un brillante trabajo de Jeff Beck en las seis cuerdas la que es complementada por una excelente estructura rítmica a la que se le añade un mas que estupendo trabajo del aun desconocido Rod Stewart.
Lo que lo constituye en un Lp muy uniforme de principio a fin, en el que podemos destacar temas, en las cuales se intercalan el virtuosismo de los riff de Beck con la voz de Stewart, temas en los cuales queda reflejado por que Jeff Beck es uno de los mejores y más innovadores guitarristas del largo andar del rock n roll.
1. Shapes Of Things
2. Let Me Love You
3. Morning Dew
4. You Shook Me
5. Ol’ Man River
6. Greensleeves
7. Rock My Plimsoul
8. Beck’s Bolero
9. Blues De Luxe
10. I Ain’t Superstitious
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129. Caetano Veloso – Caetano Veloso (1968)
Caetano Vianna Temes Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil). La suya fue una familia amante de la música y numerosa integrada por ocho hijos, dos de ellos adoptados; Caetano aprendió en su casa a tocar el piano y a los nueve años compuso su primera canción, un baião. Cuando llegó el momento de los estudios universitarios, junto a su hermana María Bethania, se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió Arte en la Universidad.
A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición.
Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo objetivo era la re-evaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir.
Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania.
1. Tropicália
2. Clarice
3. No Dia Em Que Eu Vim-me Embora
4. Alegria, Alegria
5. Onde Andarás
6. Anunciação
7. Superbacana
8. Paisagem Util
9. Clara
10. Soy Loco por Tí, América
11. Ave Maria
12. Eles
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130. Scott Walker – Scott 2 (1968)
A partir de mediados de los 60 el mundo del pop comenzó a ser imbuido de nuevas corrientes más experimentales y psicodélicas, algo que no iba con la música de los Walker Brothers, lo que provocó su ruptura en 1967.
La personalidad introspectiva de Scott Walker marcaría profundamente su venidera existencia y obra en solitario, iniciada con “Scott” (1967), y continuada con este álbum “Scott” (1968) en donde revelaría un maduro talento como compositor, alejado de su previa imagen de teen idol, y su querencia por los trabajos del cantautor belga Jacques Brel, convirtiéndolo en una figura de culto y uno de los ídolos de muchos músicos, como David Bowie, quien siempre sintió fervor por la figura líder de los Walker Brothers y siguió su carrera como solista con gran admiración. El propio Bowie y Brian Eno estuvieron a punto de colaborar con Walker en el Lp “Heroes”, pero finalmente esta asociación, tan deseada por el camaleón del rock, no se produjo. En los años 90, incluiría el tema de Scott, “Nite Flights” en su Lp “Black Tie, White Noise”.
Gary prosiguió en el mundo de la música como Gary Walker & The Rain y John, quien grabó varios singles en solitario, se casó con la vocalista Kathy Young, alejándose durante un período de la industria del disco. En el año 2000 apareció su primer álbum en solitario, “You” (2000), producido y arreglado por el propio John Walker.
En la década de los 70, el trío volvería a juntarse grabando varios Lps de interés y nulo éxito comercial, alcanzando en 1975 la máxima repercusión de este reagrupamiento con el single “No regrets”.
1. Jackie
2. Best Of Both Worlds
3. Black Sheep Boy
4. The Amorous Humphrey Plugg
5. Next
6. The Girls From The Streets
7. Plastic Palace People
8. Wait Until Dark
9. The Girls And The Dogs
10. Windows Of The World
11. The Bridge
12. Come Next Spring
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131. The Zombies – Odessey & Oracle (1968)
Una de las grandes joyas ocultas (en su día) de la historia de la música moderna y uno de los Lps más exquisitamente bellos jamás compuesto.
Los líderes compositores Rod Argent y Chris White ofrecen un muestrario psicodélico-pop extraordinario, con temas que pondrán en más de una ocasión el vello de punta a los amantes de las canciones bien construidas, ejecutadas, y arregladas, repletas de juegos de voces, imaginación compositiva, tacto sensible y maestría en las armonías.
Además de su famoso "Time of the season", la música de los Zombies traspasada al oyente por la susurrante e incomparable vocalización de Colin Blunstone, la influyente base de teclados de Argent, la viveza de su sección rítmica y la destreza en las seis cuerdas de Paul Atkinson, desarrolla temas de impresionante textura melódica como "A rose for Emily", "Care of cell 44", "Beechwood Park" o "Hang up on a dream", que hacen de este disco uno de los imprescindibles en tu discoteca particular.
1. Care of Cell 44
2. Rose for Emily
3. Maybe After He's Gone
4. Beechwood Park
5. Brief Candles
6. Hung up on a Dream
7. Changes
8. I Want Her She Wants Me
9. This Will Be Our Year
10. Butcher's Tale (Western Front 1914)
11. Friends of Mine
12. Time of the Season
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132. Van Morrison – Astral Weeks (1968)
Todo un viraje a su etapa R&B con los Them en este sensible y calmo disco repleto de jazz, soul, blues y folk irlandés de traza acústica y tonalidad sentimental, evocativa de una figura femenina de considerable atracción emocional. Junto a la construcción musical, lo más destacado de este álbum es la impresionante voz de Van Morrison, quiméricamente apasionada y épica en su exposición sentimental.
Las canciones brotan desde un calado jazzístico, cimentadas en la espontaneidad emocional del cantautor irlandés, lo que conlleva grandes momentos dentro de unos temas muy valiosos, en especial grandes piezas como "The way young lovers do", "Ballerina", "Beside you" o "Cyprus avenue".
Algunos pasajes, siempre con grandes letras de tintura poética, pueden resultar excesivamente dilatados y autocomplacientes.
A pesar de ser considerado en general el mejor disco de Van Morrison en solitario (los que no soporten el jazz lo detestarán, los que por el contrario lo amen, lo idolatrarán) "Moondance" resulta superior.
1. Astral Weeks
2. Beside You
3. Sweet Thing
4. Cyprus Avenue
5. The Way Young Lovers Do
6. Madame George
7. Ballerina
8. Slim Slow Slider
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133. The Byrds – Sweetheart of the Rodeo (1968)
Las tensiones internas producidas por el camino lírico y sonoro del grupo entre Crosby, Hillman y McGuinn iban asimismo progresando, estos roces provocaron la marcha de David Crosby en plena grabación de su nuevo álbum, "The Notorious Byrds Brothers" (1968) al no querer los restantes miembros incluir la canción "Triad" en el Lp.
En ese momento, se produjo la vuelta de Clark, pero tras un breve periodo se volvió a marchar, haciendo lo mismo el batería Michael Clarke. A pesar de tantas idas y venidas (se incorporó en las grabaciones gente como el guitarrista Clarence White y el batería Jim Gordon), el trabajo (con producción de Usher) fue muy bueno y de grata renovación con el añadido de cuerdas y metal empapando su clásico sonido folk-rock y country.
Poco después, Chris Hillman presentó a su buen amigo Gram Parsons a McGuinn y el trío junto al batería Kevin Kelly (primo de Hillman) firmaron el sexto trabajo de los Byrds, "Sweetheart Of The Rodeo" (1968), una pieza clave dominada por Parsons dentro del country-rock.
Gram Parsons se convirtiría en el padre del country-rock, como así quedó demostrado en sus postreras y antiguas andanzas. La calidad del disco no obstante dividió a los seguidores del grupo, ya que muchos echaban en falta los característicos sonidos primerizos de la guitarra de Roger McGuinn. Gram Parsons dejó el grupo cuando los Byrds (sin su conformidad) firmaron un contrato para actuar en Sudáfrica, un país dirigido por un gobierno racista.
01 - You Ain't Going Nowhere
02 - I Am A Pilgrim
03 - The Christian Life
04 - You Don't Miss Your Water
05 - You're Still On My Mind
06 - Pretty Boy Floyd
07 - Hickory Wind
08 - One Hundred Years From Now
09 - Blue Canadian Rockies
10 - Life In Prison
11 - Nothing Was Delivered
12 You Got A Reputation
13 Lazy Days
14 Pretty Polly
15 The Christian Life (Rehearsal--Take)
16 Life In Prison (Rehearsal--Take)
17 You're Still On My Mind (Rehearsal--Take)
18 One Hundred Years From Now (Rehearsal--Take)
19 All I Have Are Memories (Instrumental)
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134. The Beatles – White álbum (1968)
En un álbum doble de tanta riqueza, matices y diversidad estilística en el que han participado más de cuarenta músicos, entre ellos Billly Preston, Nicky Hopkins o el mismísimo Eric Clapton (toca la guitarra en "While my guitar gently weeps" es imposible destacar alguna canción ya que cada escucha puede revelar un aspecto o detalle pasado por alto de una pieza no valorada en su justa medida, que nos alcance su verdadera dimensión e impregne nuestras más agudas sensaciones entre sus elaboradas notas, ya que hasta la más nimiedad de los genios de Liverpool es un hecho gigantesco para la mayoría de los grupos.
"Revolution 1" (un tema de posturas revolucionarias pero de esencia pacifista presentado aquí en su versión acústica, inferior a la fuerza eléctrica y distorsionada del single), "Helter Skelter" (la canción más potente en la carrera de los Fab Four, obra de McCartney que enloqueció al futuro asesino Charles Mason), "Dear Prudence" (dedicada a Prudence, la hermana de Mia Farrow), "Back in the USSR" (una simpática mezcolanza entre Chuck Berry y Beach Boys), "Sexy Sadie" (una acérbica crítica al Mararishi Yogi), "Martha My Dear" (un tema que Paul dedicó a su perra), "Rocky Raccon" (un tema acústico de sabor country), "Glass Onion" (en el que Lennon repasa con tono jocoso algunos temas de los Fab Four), "Happines is a warm gun" (absorbente pieza de sublimes variaciones), "Julia" (un emotivo, hermoso y obsesivo recuerdo de John a su querida madre) o "Why my guitar gently weeps" (la mejor canción escrita por George Harrison junto a "Something" de "Abbey Road" son algunos importantes elementos de un impresionante viaje al pasado, presente y futuro de la música del siglo XX, efectuada por unos Beatles faltos de cohesión, que ideaban y ejecutaban sus piezas casi en solitario, provocando desde su característica composición una asombrosa heterogeneidad nunca contemplada en un trabajo discográfico.
Pop, rock, music-hall, psicodelia, country, blues, reggae, folk, surf e incluso heavy metal se dan cita en un álbum esencial, de una influencia descomunal en todo tipo de vertientes musicales.
En la lírica mantiene tonalidades que alternan la melancolía, el júbilo, el desamparo, la acritud, el sarcasmo, la ironía o el cinismo. En este álbum, cada uno de los miembros del grupo empezó a demostrar el rango y profundidad de sus talentos de composición individuales, que seguirían así y serían usados en sus carreras solistas.
De acuerdo a la Recording Industry Association of America, RIAA, el Álbum Blanco es el disco mejor vendido de The Beatles, siendo certificado como disco de platino en 19 oportunidades, y el noveno álbum mejor vendido en los Estados Unidos. Esta certificación proviene, sin embargo, de la distorsión que surge al contar dos veces cada unidad vendida de un álbum doble: sin este ajuste, el Álbum Blanco sería el cuarto disco mejor vendido de la carrera de The Beatles.
Disc: 1
1. Back in the U.S.S.R.
2. Dear Prudence
3. Glass Onion
4. Ob-La-Di, Ob-La-Da
5. Wild Honey Pie
6. Continuing Story of Bungalow Bill
7. While My Guitar Gently Weeps
8. Happiness Is a Warm Gun
9. Martha My Dear
10. I'm So Tired
11. Blackbird
12. Piggies
13. Rocky Raccoon
14. Don't Pass Me By
15. Why Don't We Do It in the Road?
16. I Will
17. Julia
Disc: 2
1. Birthday
2. Yer Blues
3. Mother Nature's Son
4. Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey
5. Sexy Sadie
6. Helter Skelter
7. Long, Long, Long
8. Revolution 1
9. Honey Pie
10. Savoy Truffle
11. Cry Baby Cry
12. Revolution 9
13. Good Night
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135. Mothers of Invention – We’re Only in it for the Money (1968)
El genio inquieto y sardónico de Frank Zappa diatribando con ironía contra el movimiento hippie y la ebullición y efervescencia de su contexto cultural, ejemplicada en el flower-power (primordialmente contra el falso hippismo). Su sátira establecida desde un fascinante y divertido trabajo poprock experimental se aposenta sónicamente en recovecos doo wop, pasajes de avant-gardé, pop de buena construcción melódica, elementos jazzisticos e incluso ritmos de vals.
También en su temática desarrolla momentos para el optimismo libertario y el énfasis en su autodefinición como personalidad independiente, nihilista y contestaria.
Algunas sonoridades utilizados en piezas de vana categoría y presuntoso vanguardismo como "Nasal retentive calliope music" o la inaguantable "The chrome plated megaphone of destiny", no pueden oscurecer el resultado conjunto de un magistral disco, original, ecléctico, hilarante y sorprendente, de vocalidad retorcida y bufona que contiene joyas (todas ellas de exigua duración) del repertorio zappiano como "Who needs the peace corps", "Concentration Moon", "What's the uglies part of your body?", "Absolutely Free", "Idiot bastard son", "Flower punk", "Mother people", "Let's make the water turn black", "Lonely little girl" o "Take your clothers off when you're dance".
1. Are You Hung Up?
2. Who Needs the Peace Corps?
3. Concentration Moon
4. Mom & Dad
5. Telephone Conversation
6. Bow Tie Daddy
7. Harry, You're a Beast
8. What's the Ugliest Part of Your Body?
9. Absolutely Free
10. Flower Punk
11. Hot Poop
12. Nasal Retentive Calliope Music
13. Let's Make the Water Turn Black
14. Idiot Bastard Son
15. Lonely Little Girl
16. Take Your Clothes Off When You Dance
17. What's the Ugliest Part of Your Body? (Reprise)
18. Mother People
19. Chrome Plated Megaphone of Destiny
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136. Neil Young – Everybody Knows This is Nowhere (1968)
Obra maestra absoluta del gran Neil Young. En este segundo LP en solitario colaboró por primera vez con los ex Rockets, rebautizados como Crazy Horse, una banda que consiguió aportar a la música de Neil energía y una inusitada crudeza, característica en sus discos más rockeros.
Lo increíble de este trabajo es la elevada comunión entre fuerza y sensibilidad que alcanza el maestro en temas de tembloroso rock con ocasionales retazos country.
Las canciones suelen ser de larga duración con tendencia a la improvisación, pero se hacen cortas gracias a la soberbia conjunción y diálogo entre los diferentes instrumentos, que agrietados van tejiendo unos brillantes ejercicios de absorbente atmósfera.
Desde una tonalidad agridulce y melancólica, Neil va exponiendo sus emociones amorosas en piezas clásicas como "Cinnamon Girl", un estupendo rock de incisivo riff, "Everybody Knows this is Nowhere", triste y bella melodía de sabor country, "Round & Round", gran tema de especial sensibilidad cantado junto a Robin Lane (futura miembro líder de los Chartbusters), "Down by the River", hipnótica conjunción instrumental de Neil y los Crazy Horse contando una excelente historia rebosante de amor y muerte, "The Losing End", country-rock de primer orden sobre un vívido cántico desesperado por el amor perdido, "Running Dry", lívida atmósfera para esta obra maestra acentuada por un plañidero violín tocado por Bobby Notkoff, y la sensacional "Cowgirl in the sand", una de las canciones que mejor singulariza el poderío sónico de Neil con los Crazy Horse.
1. Cinnamon Girl
2. Everybody Knows This Is Nowhere
3. Round and Round (It Won't Be Long)
4. Down by the River
5. Losing End, The (When You're On)
6. Running Dry (Requiem For the Rockets)
7. Cowgirl in the Sand
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137. Captain Beefheart & His Magic Band – Trout Mask Replica (1969)
El álbum que, para muchos, es la obra maestra de Van Vliet, Trout Mask Replica fue editado en noviembre de 1969 en Straight Records, sello recién creado por Frank Zappa. Para este disco, la Magic Band incluyó a Bill Harkleroad como guitarrista y a Mark Boston como bajista. Van Vliet comenzó a asignar apodos a los miembros de la banda, así Harkleroad es conocido como "Zoot Horn Rollo" y Boston como "Rockette Morton", mientras John French pasó a ser "Drumbo" y Jeff Cotton "Antennae Jimmy Semens". El grupo estuvo trabajando durante ocho meses las composiciones de Van Vliet, viviendo en comuna en unas condiciones que el batería John French describió como "Obsesivo" ("cult-like". De acuerdo con Van Vliet, las 28 canciones del disco fueron escritas en tres semanas, pero llevó ocho meses para la banda el moldear las canciones y darles la forma definitiva. Como habitual mientras estuvo en la banda, John French jugó un papel fundamental a la hora de ayudar a Van Vliet a transmitir al resto del grupo cómo que ría que sonasen las canciones.
Las 28 canciones de Trout Mask Replica beben del blues, Bo Diddley, free-jazz y de viejas canciones de marineros, pero la forma de interpretarlas funde la música en un todo iconoclasta de extraños tempi, guitarras slide atonales, ritmos de batería truncados y toques de saxofón y clarinete bajo. El rango vocal de Van Vliet (de cuatro octavas y media) le permitió interpretar blues de voz cavernosa, falsetes histéricos, o divagaciones lacónicas. Las letras a menudo son impenetrables y sinsentido, pero un análisis más profundo revela una complejo y poético uso de los juegos de palabras, las metáforas y toda clase de referencias (a Steve Reich, a la historia musical, a la política estadounidense e internacional, al Holocausto Judío, al amor y a la sexualidad, a la música Gospel, al conformismo...)El crítico musical Steve Huey escribió que la influencia del álbum fue muy relevante, más que como inspiración directa, en el sentido en que enseñó a generaciones posteriores, particularmente en la época del punk y la new wave, qué era posible llegar a hacer dentro de un contexto rock, allanando así el camino para futuros experimentos musicales. Trout Mask Replica fue situado en el número 25 de una lista de "los 200 mejores discos del siglo XX" por la revista catalana Rockdelux y en el puesto número 58 de la lista de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos" por la revista Rolling Stone. El legado de Van Vliet es de un pobre saldo comercial, a pesar de que cuenta con devotos seguidores. Sin embargo, su influencia en la posterior música punk y new wave y otros géneros ha sido descrita como "incalculable"
01. Frownland
02. The Dust Blows Forward' N The Dust Blows Back
03. Dachau Blues
04. Ella Guru
05. Hair Pie: Bake 1
06. Moonlight On Vermont
07. Pachuco Cadaver
08. Bill's Corpse
09. Sweet Sweet Bulbs
10. Neon Meate Dream Of A Octafish
11. China Pig
12. My Human Gets Me Blues
13. Dali's Car
14. Hair Pie: Bake 2
15. Pena
16. Well
17. When Big Joan Sets Up
18. Fallin' Ditch
19. Sugar' N Spikes
20. Ant Man Bee
21. Orange Claw Hammer
22. Wild Life
23. She's Too Much For My Mirror
24. Hobo Chang Ba
25. The Blimp (Mousetrapreplica)
26. Steal Softly Thru Snow
27. Old Fart At Play
28. Veteran's Day Poppy
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138. Creedence Clearwater Revival – Bayou Country (1969)
Al margen de los movimientos musicales que se producían a su alrededor, la Creedence Clearwater Revival profundizaba en las clásicas raíces rock del pueblo americano, en los recios sonidos pantanosos de su entorno que tan bien reflejaban las composiciones de su líder John Fogerty. Pero esto no significaba que esta mirada rockera perdiera esencias blues, country e incluso pop, logrando una atractiva mezcolanza musical que tan característico hacía el sonido de la Creedence.
La banda estaba formada por el cantante y guitarrista John Fogerty , su hermano mayor Tom Fogerty que se ocupaba de la guitarra rítmica, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford.
"Bayou Country" (1969) contiene su primer gran éxito, el single "Proud Mary" que entraría en los primeros lugares de las listas estadounidenses y británicas convirtiéndose en una de las canciones más importantes del año. Para Bob Dylan, "Proud Mary" era la mejor canción del 69. Los sonidos sureños empaparían el álbum con temas como "Born on the Bayou", "Bootleg" o "Keep on Chooglin'".
El álbum alcanzaría el puesto 7 en las listas de Billboard, convirtiéndose en el primero de una larga lista de éxitos en los siguientes tres años. El single "Proud Mary", respaldado por "Born on the Bayou", alcanzó el puesto #2 en las listas de Billboard. El tema se convirtió en una de las canciones más versionadas del grupo, con más de 100 grabaciones entre las que se incluía el éxito de 1971 de Ike y Tina Turner.
01. Born On The Bayou
02. Bootleg
03. Graveyard Train
04. Good Goly Miss Molly
05. Penthouse Pauper
06. Proud Mary
07. Keep On Chooglin
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139. Stills Crosby & Nash – Crosby, Stills & Nash (1969)
El terceto Crosby, Stills & Nash estaba compuesto por el británico Graham Nash (nacido el 2 de febrero de 1942 en Blackpool), quien abandonó a los Hollies para unirse a los estadounidenses David Crosby (nacido el 14 de agosto de 1941 en Los Angeles), ex componente de los Byrds y Stephen Stills (nacido el 3 de enero de 1945 en Dallas), antiguo miembro de Buffalo Springfield.
Esta reunión artística, producida en el año 1968, supuso uno de los proyectos musicales de mayor significación popular y crítica en los últimos años de la década de los 60 y comienzos de los 70.
En 1969 publicaron su primer LpP "Crosby, Stills & Nash" (1969), un gran disco de sonoridad acústica que les llevó a lo más alto, cosechando un gran éxito comercial, corroborado en pletóricas actuaciones en directo repletas de miles de admiradores.
Algunos temas del álbum han pasado a la antología de clásicos de la época, como "Suite: Judy Blue Eyes", una pieza dedicada por Stills a Judy Collins, "Marrakesh Express", single que Nash había escrito en la época de los Hollies o "Wooden Ships", un sensacional tema antibelicista.
En el disco colaboraron multitud de importantes músicos establecidos en la California de los 60, como Chris Hillman, Jerry Garcia, Art Garfunkel, Carole King, Joni Mitchell, John Sebastian o Neil Young (nacido el 12 de noviembre de 1945 en Toronto), ex miembro de Buffalo Springfield que ya había iniciado una carrera en solitario. Young se uniría al trío en 1969, poco antes de aparecer en el famoso Festival de Woodstock.
1. Suite: Judy Blue Eyes
2. Marrakesh Express
3. Guinnevere
4. You Don’t Have to Cry
5. Pre-Road Downs
6. Wooden Ships
7. Lady of the Island
8. Helplessly Hoping
9. Long Time Gone
10. 49 Bye-Byes
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140. Blood, Sweat & Tears - Blood, Sweat & Tears (2nd álbum) (1969)
Una banda neoyorquina que causó sensación a finales de los 60 por su adecuada mixtura entre rock, jazz y música clásica. Esta fusión deparaba un admirable sonido en el cual cabían trazos de soul, psicodelia y blues, dentro de unas composiciones brillantes, que con el tiempo permanecerían presas de esta naturaleza, convirtiendose en un ejercicio aletargado de onanismo instrumental que terminó por hacer sucumbir el proyecto. Este proyecto venía derivado de la mente de un hombre, el cantante y teclista Al Kooper, ex componente de The Blues Project, grupo en el cual también se encontraba el guitarrista Steve Katz.
Para la grabación de su segundo disco, "Blood, Sweat & Tears" (1969), un álbum producido por James William Guercio, quien había trabajado previamente con The Buckinghams y Chad & Jeremy, se incorporaron, además de Clayton-Thomas, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield y el trombonista Jerry Hyman, ya que el anterior trombonista, Dick Halligan, ocupó el puesto vacante de Kooper en los teclados.
El segundo Lp fue otro gran disco, en el cual, además de presentar sus temas propios, versionaban a gente tan dispar como el compositor clásico Erik Satie, la cantautora Laura Nyro o el grupo psicodélico británico Traffic. Con este álbum consiguieron un enorme triunfo comercial, tanto en las listas de sencillos (con "Spinning Wheel", "You Made Me So Very Happy", and "And When I Die" como en las de Lps, llegando al número 1, consiguiendo el Premio Grammy al mejor disco del año 1969 y a la mejor canción del año por "Spinning Wheel".
01. Variation on a theme by Erik Satie
02. Smilig phases
03. Sometimes in winter
04. More and more
05. And when I die
06. God bless the child
07. Spinning wheel
08. You've made me so very happy
09. Blue part II
10. Variation on a theme by Erik Satie
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141. Flying Burrito Brothers – Gilded Palace of Sin (1969)
Gram Parsons exhibiendo su gran talento para desplegar narraciones agridulces en formato country-rock con retazos folk, blues e incluso gospel, trayectos plagados de meandros emocionales y anotaciones de carácter social. Los temas están escritos casi en su mayoría junto a su ex compañero de los Byrds, el bajista Chris Hillman, ocupado aquí en la guitarra rítmica y en la mandolina y dejando las cuatro cuerdas para Chris Ethridge, antiguo miembro de la International Submarine Band, primera formación de Parsons, con el que compone dos de sus canciones más celebradas, "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2".
En el recorrido lírico de Hillman/Parsons nos topamos con infames personajes femeninos (la magnífica "Christine's tune", otras salvadoras ("Juanita", ciudades corruptas y vendidas al capitalismo ("Sin city", evocaciones antibélicas ("My uncle", huidas libertarias en motocicletas ("Wheels", e irónicas miradas a los movimientos culturales de la época ("Hippie Boy".
Junto a Etheridge, Parsons escribe las referidas y magníficas "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2" y con el bluesman Barry Goldberg la triste "Do you know how it feels", pesarosa descripción sobre la soledad.
Dos versiones sobre canciones de Dan Penn ("Do right woman", junto a Chips Moman, y "Dark end of the street", co-escrita con Spooner Oldham) compactan el tono afligido y sensible que suele acompañar toda la obra de Gram Parsons.
1.: Christine's Tune
2.: Sin City
3.: Do Right Woman Do Right Man
4.: Dark End Of The Street
5.: My Uncle
6.: Wheels
7.: Juanita
8.: Hot Burrito No 1
9.: Hot Burrito No 2
10.: Do You Know How It Feels
11.: Hippie Boy
12.: Lazy Days
13.: Image Of Me
14.: High Fashion Queen
15.: If You Gotta Go Go Now
16.: Man In The Fog
17.: Farther Along
18.: Older Guys
19.: Cody Cody
20.: God's Own Singer
21.: Down In The Churchyard
22.: Wild Horses
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142. Johnny Cash – At San Quentin (1969)
At San Quentin es un álbum del cantante country Johnny Cash, es de un concierto en vivo para los prisioneros en la prisión estatal San Quentin también fue televisado por Granada Televisión.
En el disco original muchas canciones fueron sacadas o cortadas por razones de espacio aun así en la reedición de este álbum en el 2000 no contiene todo el concierto pero le agregaron canciones y mantuvo su éxito comercial olvidaron poner canciones como "Jackson" y "Orange Blossom Special" las cuales fueron interpretadas por Cash ese día, las pusieron después al sacar un DVD con la presentación entera. En el 2006 el sello disquero Legacy lanzo una version de lujo titulada: "At San Quentin - Legacy Edition" esta edición incluye un total de 3 CDs de los cuales 2 de ellos contienen 31 canciones (13 de ellas no habían salido antes) y un DVD llamado: "Johnny Cash In San Quentin" que es un documental filmado en 1969 hecho por Granada Television para la televisión Britanica, en este documental se entrevisto a guardias, prisioneros y gente cercana a Cash quienes estuvieron con el día del evento. Este álbum en descarga es la edición completa lanzada en el año 2000.
1. Big River
2. I Still Miss Someone
3. Wreck of the Old '97
4. I Walk the Line
5. Darlin' Companion
6. I Don't Know Where I'm Bound
7. Starkville City Jail
8. San Quentin
9. San Quentin Continued
10. Wanted Man
11. Boy Named Sue
12. Peace in the Valley
13. Folsom Prison Blues
14. Ring of Fire
15. He Turned the Water into Wine
16. Daddy Sang Bass
17. Old Account Was Settled Long Ago
18. Closing Medley
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143. Creedence Clearwater Revival – Green River (1969)
Tercer disco de la cuasi infalible Creedence Clearwater Revival. Ocho grandes temas propios a ritmo de magistral rock pantanoso de afinidad blues y country.
Gradación nostálgica con "Green river", tema de inconfundible riff fogertyano; misteriosa en "Tombstone shadow", apocalíptica en "Bad Moon Rising" y amorosamente amenazadora en la espectacular "Sinister Purpose", canciones halladas en un Lp sin altibajos que presenta una de las grandes joyas del repertorio del grupo, "Lodi", una pieza de aroma country que diatriba sobre el hado y el destino de carácter fatalista. La habilidad compositiva de John Fogerty, su acritud en la forma de cantar y su poco valorada ejecución guitarrera en uno de sus puntos más álgidos.
Rápidamente certificado como disco de oro junto al single "Green River", que también llegó al puesto #2. La cara B de "Green River", "Commotion", alcanzó el puesto #30. El tema "Lodi" se convertiría también en un éxito en las emergentes estaciones de radio de FM. Por otra parte, el énfasis de la banda por crear nuevas versiones de sus temas favoritos continuó con "The Night Time Is the Right Time".
01. Green River
02. Commotion
03. Tombstone Shadow
04. Wrote A Song For Everyone
05. Bad Moon Rising
06. Lodi
07. Cross-Tie Walker
08. Sinister Purpose
09. Night Time Is The Right Time
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0144. The Beatles – Abbey Road (1969)
Vio la luz con anterioridad a "Let it be", pero en realidad, el extraordinario "Abbey Road" fue la última grabación de la inmortal banda de Liverpool, concluyendo de manera magistral la trayectoria del mejor grupo de la historia.
El enfoque musical para el álbum de los componentes era muy distinto, John, continuando las pautas de los cortes grabados para "Let it be", deseaba un álbum cuyo basamento fuese la vuelta a las raíces más básicas del rock'n'roll y el blues, mientras que Paul ansiaba la grabación de un disco más complejo, que rememorara los logros del "Sgt. Peppers".
Por su parte, George, cansado de permanecer a la sombra de los dos grandes genios, y después de ya haber grabado los discos experimentales "Wonderwall Music" y "Electronic Sound", deseaba volar en solitario, no sin antes dejar su brillante impronta compositiva en este Lp.
Esa constancia en las pautas básicas del rock llevaron a Lennon a componer temas como "Come together", una canción dominada por una base de blues que John compuso para la campaña del político Timothy Leary, aspirante a Gobernador del estado de California. El tema fue acusado de plagio por Maurice Levy, propietario de Big Seven Music, que inculpaba a Lennon del empleo de varias frases aparecidas en el tema de Chuck Berry "You can catch me", canción que finalmente y en beneficio económico de Berry y Levy, fue incluido en el posterior Lp "Rock'n'roll" del Beatle en solitario.
El cimiento bluesy vuelve a asomar en "I want you (She's so heavy)", tema dedicado a Yoko Ono que cuenta con una insistente letra y una hipnótica parte final de abrupta conclusión.
Otro corte destacado compuesto por John es "Because", una mágica y bella composición en la cual se aprecia la maestría del grupo en la utilización de las armonías vocales.
George sorprende con dos de sus mejores composiciones. La preciosa balada "Something", canción dedicada a su esposa Pattie Boyd que se ha convertido en uno de los mejores temas de amor de todos los tiempos.
Pattie se casaría con posterioridad con uno de sus mejores amigos, Eric Clapton. Curiosamente sería en el jardín de Clapton en lugar en el cual Harrison escribió "Here comes the sun", hermosa pieza acariciada por la delicada y soleada vocalidad de su autor.
Igualmente cabe destacar la utilización en algunos temas ("Maxwell's Silver Hammer", "I want you", "Here comes the sun" o "Because" del sintetizador Moog por parte de George, un elemento que por aquellos tiempos raramente se utilizaba en la música pop (uno de los primeros en utilizarlo fue Keith Emerson), lo que demuestra una vez más su indiscutible capacidad de innovar y adelantarse a su tiempo.
Ringo, por su parte, nos deleita con una simpática tonada de corte infantil, "Octopus's Garden", canción en la cual recordaba las historias de pulpos que le contó un capitán de barco en unas vacaciones pasadas en la Isla de Cerdeña.
Paul, el mayor artífice del grueso del álbum, también retoma las patrones de "Let it be" en "Oh! Darling", gran canción blues de desgarrada vocalidad. Su pasión por el vodevil, heredada de su padre, se plasma en "Maxwell's Silver Hammer", un tema en el que incluso utilizan el sonido de un yunque, golpeado por Ringo.
"You never give me your money" da inicio al glorioso medley final, obra básicamente de Macca, quien intentó realizar una especia de mini-ópera pop, en donde se encuentran eclécticos ritmos y sonoridades. La propia "You never give me your money" está fragmentada en cuatro partes: "You never give me you money", "That magic feeling", "One sweet dream" y el final con "1,2,3,4,5,6,7...all good children go to heaven".
Posteriormente vendrán las lennonianas "Sun King", onírica pieza con John chapurreando varios idiomas, entre ellos, el español; "Mean Mr. Mustard", canción en la cual Paul utiliza el fuzz bass y la rítmica "Polythene Pam", tema dedicado a una fan de Liverpool llamada Pat Hodgett, que tenía como singular afición comer pedacitos de polietileno.
Paul continúa el medley con "She came in through the bathroom window", canción escrita en homenaje a las "Apple Scruffs", admiradoras del grupo que los acosaban insistentemente en la puerta del estudio o pululando cerca de sus hogares.
La historia fabula sobre un hecho real acaecido cuando un grupo de fans entraron en casa de Paul por la ventana de su cuarto de baño.
"Golden Slumbers" es una preciosa balada que McCartney adaptó con su extraordinario sentido de la melodía, tras hallar en casa de su padre la canción tradicional del mismo título.
Esta pieza enlaza con "Carry that weight" y de nuevo un fragmento de "You never give me your money", preludio de "The End", canción que contiene el único solo de batería de Ringo en toda su trayectoria con los Beatles y que era la indicada para poner punto y final a su carrera sino fuera por la inclusión de "Her majesty", exigua coda acústica escrita por Paul que, en principio, iba a unir "Mean Mr. Mustard" y "Polythene Pam", y tras ser desechada por el propio McCartney fue incluida al final de la cinta por Geoff Emerick.
Cuando sonó de manera sorprendente tras "The End", los Beatles decidieron dejarla en el álbum, uno de los grandes logros en la historia de la música moderna.
El 4 octubre 1969 entró directamente en el nº 1 y permaneció en él 11 semanas. El 27 diciembre 1969 volvió al nº 1 durante 6 semanas. Permanencia total : 81 semanas. También fue nº 1 en las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker".En Reino Unido los pedidos por adelantado llegaron a 190.000 copias llevándolo directo al nº 1. A nivel mundial se vendieron 4.000.000 a las seis semanas y 5.000.000 a final del año. A los diez años (1980), se alcanzó la cifra de 10.000.000
En Estados Unidos alcanzó el nº 1 en las listas de "Billboard", "Cashbox" y "Record World".
1. Come Together
2. Something
3. Maxwell's Silver Hammer
4. Oh! Darling
5. Octopus's Garden
6. I Want You (She's So Heavy)
7. Here Comes the Sun
8. Because
9. You Never Give Me Your Money
10. Sun King
11. Mean Mr. Mustard
12. Polythene Pam
13. She Came in Through the Bathroom Window
14. Golden Slumbers
15. Carry That Weight
16. End
17. Her Majesty
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145. The Who – Tommy (1969)
Tommy es un colosal doble álbum producido por Kit Lambert en el que Pete Townshend maquina una fábula sobre el personaje que da título al disco, un muchacho nacido sordomudo y ciego, experto en jugar a las máquinas pinball, que terminará convirtiéndose en un redentor de masas.
La querencia por las obras conceptuales de Townshend ya se había percibido en trabajos anteriores como el excelente "Sell out" y la mini ópera-rock encontrada en "A quick one" y titulada "A quick one, while he's away".
Lo impresionante de este disco, épico, intenso, apasionado y opulento en estructuras, desarrollos, texturas y tonos, es que no cuenta con bajones notables en su recorrido ya que el progreso narrativo de la historia no se ve amenazado por digresiones autocomplacientes, las viñetas enlazadas resultan significativas y siempre aportan datos o imágenes que configuran la personalidad y el contexto del individuo protagonista.
A su vez tampoco ninguna composición pierde la calidad acostumbrada en los Who de la época, sean las canciones escritas por Townshend, mayoritariamente el autor del disco, ni del magnánimo bajista John Entwistle, responsable también de los grandiosos arreglos de viento que suenan a lo largo de todo el doble álbum, valorándose positivamente también la pequeña aportación en la escritura de Keith Moon en una simpática pieza.
Ya no hay grupos como éste. Los puntos álgidos de esta obra maestra de sonoridad acústica pero ardorosa en consonancia con el natural ímpetu y fortaleza de los acordes y riffs guitarreros del gran Pete Townshend, y la inmensa potencia y personalidad de la sección rítmica de la banda, con un siempre exuberante Keith Moon en la batería y un vigoroso trabajo en las cuatro cuerdas de John Entwistle, quien también sabe aportar líneas melódicas de primer nivel y nutrir las fenomenales armonías vocales con el resto de sus compañeros, entre ellos el vigoroso Roger Daltrey, son "Amazing journey", "Christmas", "Cousin Kevin", "Underture", "The acid queen", "Go to the mirror" o las tres mejores canciones del álbum: "Pinball wizard", "I'm free" y “We’re not gonna take it”, la joya que cierra de manera inmejorable la trayectoria mesiánica de Tommy y este trabajo inmortal e imprescindible que hay que disfrutar de cabo a rabo. ¡Qué final! Buff. Ese "see me, feel me, touch me, heal me" interpretado por un Daltrey lastimero siempre será algo imperecedero. Magnífico.
01 - Overture
02 - It's a boy
03 - 1921
04 - Amazing journey
05 - Sparks
06 - Eyesight to the blind (the hawker)
07 - Christmas
08 - Cousin Kevin
09 - The acid queen
10 - Underture
11 - Do You Think It's Alright
12 - Fiddle about
13 - Pinball wizard
14 - There's a doctor
15 - Go to the mirror
16 - Tommy, can you hear me
17 - Smash the mirror
18 - Sensation
19 - Miracle Cure
20 - Sally Simpson
21 - I'm Free
22 - Welcome
23 - Tommy's Holiday Camp
24 - We're Not Gonna Take It
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146. Miles Davis – In a Silent Way (1969)
En 1968 Miles Davis comienza a grabar canciones para este disco, junto a los músicos Wayne Shorter, Chick Corea, Dave Holland, y Tony Williams. La primer grabación se hizo en el Columbia 30th Street Studio, en Nueva York, en septiembre de ese año. La grabación terminó en febrero de 1969, en Columbia Studio B, Nueva York, con los músicos originales, a quienes se sumaron Herbie Hancock, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, y Joe Chambers.
"In a Silent Way" presenta una fusión entre música jazz y rock. Miles Davis intentaba atraer a nuevo público, ya que, debido a la indiferencia del mismo, muchos clubes de jazz estaban cerrando. Tony Williams, baterista del grupo, dio a Davis música rock para escuchar. El resultado fue la asimilación de ritmos y tonos de este nuevo género. Pero la música conserva características del jazz.
1. Shhh/Peaceful
2. In A Silent Way
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147. Bee Gees – Odessa (1969)
Hay dos tipos de personajes en esta ecléctica fauna de compradores de discos verdaderamente insoportables. Unos, los necios cerrados, que no salen de un estilo musical ni a tiros, perdiéndose así uno de los mayores placeres de la melomanía cual es el disfrute de multitud de universos sonoros a cada cual más diverso pero igualmente disfrutables.
Los Bee Gees son sin duda, una de las bandas más maltratadas por los presuntos comentaristas musicales e ignorante público en general, que, paradójicamente encumbran a otros con mucho menor talento.
La culpa de ello: su tremendo éxito en la fiebre discotequera que los encaramó a la más alta popularidad en los años 70. Este éxito bajo las bolas de espejos solapan sus mejores trabajos (sin su famoso falsete) que se encuentran en la psicodélica época anterior.
"Odessa" es una de sus grandes obras, comparables a los mejores momentos de los Beatles y de un planteamiento de pop experimental muy similar al "Sgt. Peppers", el "Pet Sounds" de los Beach Boys u otra joya también oculta, "Odessey & Oracle" de los fabulosos Zombies.
Aunque en ciertos momentos (pocos) les supera la pretenciosidad, cualquiera con un poco de sensibilidad melódica tendría que arrodillarse ante temazos de tintura melancólica y enorme talento compositivo como "Black Diamond", "Lamplight", "Melody Fair", "Suddenly", "Sound of love", "I Laugh in Your Face" o la instrumental "Seven Seas Symphony", envueltos en violines (de David Katz), pianos, oboes, trompetas y selectas armonías vocales, incluso se atreven con sabores country al más puro estilo Gram Parsons en "Give Your Best" o "Marley Purt Drive". Esencial.
1. Odessa (City on the Black Sea)
2. You'll Never See My Face Again
3. Black Diamond
4. Marley Purt Drive
5. Edison
6. Melody Fair
7. Suddenly
8. Whisper Whisper
9. Lamplight
10. Sound of Love
11. Give Your Best
12. Seven Seas Symphony
13. With All Nations (International Anthem)
14. I Laugh in Your Face
15. Never Say Never Again
16. First of May
17. The British Opera
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148. Pentangle – Basket of Light (1969)
Pentangle ha sido uno de los grupos más exquisitos que ha dado la música británica. Desde un punto de vista, digamos comercial, ha sido clasificada como una banda de folk o de folk-rock, pero en realidad su música es tan ecléctica como para reunir también elementos de jazz, blues, música medieval y barroca, e incluso aires orientales en algunos temas.
Su formación original (1967) contaba con el liderazgo de dos excelentes guitarristas, John Renbourn y Bert Jansch, a los que acompañaba una sección rítmica impecable a cargo de Terry Cox en la percusión y Danny Thompson al bajo. Al frente de todos, la portentosa voz de la feucha, modosita y encantadora Jacqui McShee. Basket of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad.
1. Light Flight
2. Once I Had A Sweetheart
3. Springtime Promises
4. Lyke-Wake Dirge
5. Train Song
6. Hunting Song
7. Sally Go Round The Roses
8. The Cuckoo
9. House Carpenter
10. Sally Go Round The Roses
11. Sally Go Round The Roses
12. Cold Mountain
13. I Saw An Angel
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149. Rolling Stones – Let it Bleed (1969)
El último trabajo de los Stones en los años 60, con un título que parodiaba el "Let it be" de los Beatles, fue este soberbio tratado de rock cromatizado en alguno de sus mejores pasajes por pinceladas de country y blues, tanto en su aspecto acústico como eléctrico. Es un grandioso LP que supuso la última colaboración de Brian Jones con el grupo y el debut del guitarrista Mick Taylor, quien sólo participa en dos cortes del álbum pero deja la impronta de su habilidad en las seis cuerdas.
En un álbum tan redondo como éste resulta muy difícil destacar alguna canción por encima de otra, pero momentos indelebles como el clásico "Gimme Shelter", pieza que cuenta con un extraordinario apoyo vocal de Mary Clayton, la adaptación del tema de Robert Johnson "Love in vain", el rock punzante y enérgico de "Live with me", el R&B de "Midnight Rambler" o la memorable balada "You can't always get what you want", con unos hechizantes coros arreglados por Nitszche, demuestran sobradamente la magnificencia de "Let it Bleed". La curiosa portada está diseñada por Robert Brownjohn.
1.Gimme Shelter
2.Love in Vain
3.Country Honk
4.Live With Me
5.Let It Bleed
6.Midnight Rambler
7.You Got the Silver
8.Monkey Man
9.You Can't Always Get What You Want
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150. Nick Drake – Five Leaves Left (1969)
Five Leaves Left, grabado en 1969, fue el primer álbum de Nick Drake, un músico folk inglés. Para este disco, integrantes del grupo británico de Folk Rock Fairport Convention asistieron con las grabaciones del bajo y guitarra eléctrica. Se dice que el título de este disco proviene de un paquete de cigarrillos Rizla, en el cual había un mensaje advirtiendo que sobraban solamente cinco hojas en el paquete. Algunos dicen que esta idea fue dirigida a gente que fumaba cánnabis, ya que se requería cinco hojas para liar a mano en forma de cigarillo. Nick Drake tenía sólo 21 años al ser publicado Five Leaves Left y antes de morir de una sobredosis de antidepresivos a los 26 años grabó otros dos Lps: Bryter Layter y Pink Moon. Sin embargo, ninguno de sus discos vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake se rehusaba a realizar presentaciones en vivo y a ser entrevistado. En sus letras se ven reflejados sus problemas de insomnio y depresión. En este disco, Drake toca la guitarra y el piano, además de cantar , aunque también tocaba el clarinete y el saxofón. Hay que destacar que el reconocimiento le llegó después de haber muerto. Por ejemplo, en el año 2000 Volkswagen usó una de sus canciones en una publicidad televisiva y en un mes se vendieron más álbumes suyos que en los treinta años anteriores. Un disco hermoso y revelador.
1. Time Has Told Me
2. River Man
3. Three Hours
4. Way to Blue
5. Day Is Done
6. Cello Song
7. Thoughts of Mary Jane
8. Man in a Shed
9. Fruit Tree
10. Saturday Sun
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En una época en la que la psicodelia y la experimentación con nuevos sonidos estaban tan en boga, con discos imprescindibles de los grandes nombres de la historia del rock, los Small Faces no quisieron ser menos y sorprendieron con este trabajo publicado en el sello Immediate de Andrew Oldham, el ex productor y mánager de los Rolling Stones.
El Lp está constituido por espléndidas canciones lisérgicas como "Long agos and worlds apart", escrita por el teclista Ian McLagan, la deslumbrante "Happines Stan", "The Hungry Intruder" o "The Journey".
En el álbum hallamos hermosas piezas instrumentales que indican su grandeza como músicos, como la homónima del disco y el absorbente final de "Rene".
También incluyen un ligero regreso a la primera etapa de raíces Decca-R&B con "Rollin' Over", y una serie de pulidos diamantes psicodélicos, como "Afterglow", "Song of a baker", la clásica "Lazy Sunday" o "Mad John".
Son diferentes pasajes de "Ogden's Nut Gone Flake", un LP conceptual con una preciosa portada obra de P. Brown que sigue los pasos de un personaje llamado Happiness Stam en busca del lado oscuro de la luna con el aporte narrativo en la segunda cara de Stanley Unwin.
01. Ogden's Nut Gone Flake
02. Afterglow (Of Your Love)
03. Long Agos And Worlds Apart
04. Rene
05. Song Of A Baker
06. Lazy Sunday
07. Happiness Stan
08. Rollin' Over
09. The Hungry Intruder
10. The Journey
11. Mad John
12. Happy Days Toy Town
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127. Band – Music from Big Pink (1968)
Es 1968 un año crucial en el desarrollo de la música rock, 1968 es un período convulso, tumultuoso que requirió nuevas directrices para paradigmas musicales que corrían riesgo de estancamiento: las cintas invertidas, los sítares y los clavecines, apóstoles instrumentales de la sustancia aérea de gran parte de la vanguardia psicodélica debían dar paso a un sentido más terreno, verista y límpido: llegó la hora de las músicas tradicionales, de las raíces recuperadas, de lo vernáculo.
En esta nueva orientación de los derroteros que debía andar el rock, nadie estuvo a tan gran altura como The Band en este su disco debut.
A diferencia de otras agrupaciones cultoras desde el '68 del llamado country rock, la apropiación de estos canadienses no se circunscribió a un estilo determinado sino que absorbió toda la anchura de las músicas estadounidenses tradicionales desde una sensibilidad nueva, fresca y versátil.
Por tanto, "Music From Big Pink" es, como muchos han dicho, unas línea divisoria de aguas. Todo lo que fue y será el rock estadounidense en su línea más comprometida está en los surcos de este debut lúcido y transgresor: gospel, hillbilly, country, diexeland, rock& roll, soul, rhythm & blues y dosificadas gotas de psicodelia y pop, adornan un álbum bellísimo y profundo.
Destacar canciones es inoficioso pero vale la pena escuchar hasta el hastío temas como "In The Station", "Chest Fever", "We Can Talk", "Lonesome Suzie", "The Weight" y la grandísima versión para "I Shall Be Released" de su compañero de ruta, Bob Dylan.
1. Tears of Rage
2. To Kingdom Come
3. In a Station
4. Caledonia Mission
5. Weight
6. We Can Talk
7. Long Black Veil
8. Chest Fever
9. Lonesome Suzie
10. This Wheel's on Fire
11. I Shall Be Released
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128. Jeff Beck – Truth (1968)
Jeff Beck tendría su gran oportunidad al remplazar a Eric Clapton en los Yardbirds en 1965, en la cual rápidamente impactó por sus impresionantes pirotecnias en la guitarra, con el uso de efectos no comunes para la época, como la distorsión y el feedback. Luego este se alejaría del grupo presentando un sencillo pop "Hi-Ho Silver Lining" y posteriormente "Tallyman", para después formar The Jeff Beck Group junto al vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood, el baterista Aynsley Dunbar, que rápidamente fue sustituido por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins. La banda presentaría en 1968 su disco debut el Lp "Truth", álbum que sumaba un estilo mucho más heavy al blues-rock inglés que seria bien recibido (aunque no tanto como sus posteriores incursiones en la mezcla de rock, el jazz y el Blues que quedan demostradas en lp tales como "Blow By Blow" o Wired"
.Este soberbio disco de una duración aproximada de más de media hora, contiene un brillante trabajo de Jeff Beck en las seis cuerdas la que es complementada por una excelente estructura rítmica a la que se le añade un mas que estupendo trabajo del aun desconocido Rod Stewart.
Lo que lo constituye en un Lp muy uniforme de principio a fin, en el que podemos destacar temas, en las cuales se intercalan el virtuosismo de los riff de Beck con la voz de Stewart, temas en los cuales queda reflejado por que Jeff Beck es uno de los mejores y más innovadores guitarristas del largo andar del rock n roll.
1. Shapes Of Things
2. Let Me Love You
3. Morning Dew
4. You Shook Me
5. Ol’ Man River
6. Greensleeves
7. Rock My Plimsoul
8. Beck’s Bolero
9. Blues De Luxe
10. I Ain’t Superstitious
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129. Caetano Veloso – Caetano Veloso (1968)
Caetano Vianna Temes Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil). La suya fue una familia amante de la música y numerosa integrada por ocho hijos, dos de ellos adoptados; Caetano aprendió en su casa a tocar el piano y a los nueve años compuso su primera canción, un baião. Cuando llegó el momento de los estudios universitarios, junto a su hermana María Bethania, se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió Arte en la Universidad.
A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición.
Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo objetivo era la re-evaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir.
Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania.
1. Tropicália
2. Clarice
3. No Dia Em Que Eu Vim-me Embora
4. Alegria, Alegria
5. Onde Andarás
6. Anunciação
7. Superbacana
8. Paisagem Util
9. Clara
10. Soy Loco por Tí, América
11. Ave Maria
12. Eles
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130. Scott Walker – Scott 2 (1968)
A partir de mediados de los 60 el mundo del pop comenzó a ser imbuido de nuevas corrientes más experimentales y psicodélicas, algo que no iba con la música de los Walker Brothers, lo que provocó su ruptura en 1967.
La personalidad introspectiva de Scott Walker marcaría profundamente su venidera existencia y obra en solitario, iniciada con “Scott” (1967), y continuada con este álbum “Scott” (1968) en donde revelaría un maduro talento como compositor, alejado de su previa imagen de teen idol, y su querencia por los trabajos del cantautor belga Jacques Brel, convirtiéndolo en una figura de culto y uno de los ídolos de muchos músicos, como David Bowie, quien siempre sintió fervor por la figura líder de los Walker Brothers y siguió su carrera como solista con gran admiración. El propio Bowie y Brian Eno estuvieron a punto de colaborar con Walker en el Lp “Heroes”, pero finalmente esta asociación, tan deseada por el camaleón del rock, no se produjo. En los años 90, incluiría el tema de Scott, “Nite Flights” en su Lp “Black Tie, White Noise”.
Gary prosiguió en el mundo de la música como Gary Walker & The Rain y John, quien grabó varios singles en solitario, se casó con la vocalista Kathy Young, alejándose durante un período de la industria del disco. En el año 2000 apareció su primer álbum en solitario, “You” (2000), producido y arreglado por el propio John Walker.
En la década de los 70, el trío volvería a juntarse grabando varios Lps de interés y nulo éxito comercial, alcanzando en 1975 la máxima repercusión de este reagrupamiento con el single “No regrets”.
1. Jackie
2. Best Of Both Worlds
3. Black Sheep Boy
4. The Amorous Humphrey Plugg
5. Next
6. The Girls From The Streets
7. Plastic Palace People
8. Wait Until Dark
9. The Girls And The Dogs
10. Windows Of The World
11. The Bridge
12. Come Next Spring
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131. The Zombies – Odessey & Oracle (1968)
Una de las grandes joyas ocultas (en su día) de la historia de la música moderna y uno de los Lps más exquisitamente bellos jamás compuesto.
Los líderes compositores Rod Argent y Chris White ofrecen un muestrario psicodélico-pop extraordinario, con temas que pondrán en más de una ocasión el vello de punta a los amantes de las canciones bien construidas, ejecutadas, y arregladas, repletas de juegos de voces, imaginación compositiva, tacto sensible y maestría en las armonías.
Además de su famoso "Time of the season", la música de los Zombies traspasada al oyente por la susurrante e incomparable vocalización de Colin Blunstone, la influyente base de teclados de Argent, la viveza de su sección rítmica y la destreza en las seis cuerdas de Paul Atkinson, desarrolla temas de impresionante textura melódica como "A rose for Emily", "Care of cell 44", "Beechwood Park" o "Hang up on a dream", que hacen de este disco uno de los imprescindibles en tu discoteca particular.
1. Care of Cell 44
2. Rose for Emily
3. Maybe After He's Gone
4. Beechwood Park
5. Brief Candles
6. Hung up on a Dream
7. Changes
8. I Want Her She Wants Me
9. This Will Be Our Year
10. Butcher's Tale (Western Front 1914)
11. Friends of Mine
12. Time of the Season
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132. Van Morrison – Astral Weeks (1968)
Todo un viraje a su etapa R&B con los Them en este sensible y calmo disco repleto de jazz, soul, blues y folk irlandés de traza acústica y tonalidad sentimental, evocativa de una figura femenina de considerable atracción emocional. Junto a la construcción musical, lo más destacado de este álbum es la impresionante voz de Van Morrison, quiméricamente apasionada y épica en su exposición sentimental.
Las canciones brotan desde un calado jazzístico, cimentadas en la espontaneidad emocional del cantautor irlandés, lo que conlleva grandes momentos dentro de unos temas muy valiosos, en especial grandes piezas como "The way young lovers do", "Ballerina", "Beside you" o "Cyprus avenue".
Algunos pasajes, siempre con grandes letras de tintura poética, pueden resultar excesivamente dilatados y autocomplacientes.
A pesar de ser considerado en general el mejor disco de Van Morrison en solitario (los que no soporten el jazz lo detestarán, los que por el contrario lo amen, lo idolatrarán) "Moondance" resulta superior.
1. Astral Weeks
2. Beside You
3. Sweet Thing
4. Cyprus Avenue
5. The Way Young Lovers Do
6. Madame George
7. Ballerina
8. Slim Slow Slider
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133. The Byrds – Sweetheart of the Rodeo (1968)
Las tensiones internas producidas por el camino lírico y sonoro del grupo entre Crosby, Hillman y McGuinn iban asimismo progresando, estos roces provocaron la marcha de David Crosby en plena grabación de su nuevo álbum, "The Notorious Byrds Brothers" (1968) al no querer los restantes miembros incluir la canción "Triad" en el Lp.
En ese momento, se produjo la vuelta de Clark, pero tras un breve periodo se volvió a marchar, haciendo lo mismo el batería Michael Clarke. A pesar de tantas idas y venidas (se incorporó en las grabaciones gente como el guitarrista Clarence White y el batería Jim Gordon), el trabajo (con producción de Usher) fue muy bueno y de grata renovación con el añadido de cuerdas y metal empapando su clásico sonido folk-rock y country.
Poco después, Chris Hillman presentó a su buen amigo Gram Parsons a McGuinn y el trío junto al batería Kevin Kelly (primo de Hillman) firmaron el sexto trabajo de los Byrds, "Sweetheart Of The Rodeo" (1968), una pieza clave dominada por Parsons dentro del country-rock.
Gram Parsons se convirtiría en el padre del country-rock, como así quedó demostrado en sus postreras y antiguas andanzas. La calidad del disco no obstante dividió a los seguidores del grupo, ya que muchos echaban en falta los característicos sonidos primerizos de la guitarra de Roger McGuinn. Gram Parsons dejó el grupo cuando los Byrds (sin su conformidad) firmaron un contrato para actuar en Sudáfrica, un país dirigido por un gobierno racista.
01 - You Ain't Going Nowhere
02 - I Am A Pilgrim
03 - The Christian Life
04 - You Don't Miss Your Water
05 - You're Still On My Mind
06 - Pretty Boy Floyd
07 - Hickory Wind
08 - One Hundred Years From Now
09 - Blue Canadian Rockies
10 - Life In Prison
11 - Nothing Was Delivered
12 You Got A Reputation
13 Lazy Days
14 Pretty Polly
15 The Christian Life (Rehearsal--Take)
16 Life In Prison (Rehearsal--Take)
17 You're Still On My Mind (Rehearsal--Take)
18 One Hundred Years From Now (Rehearsal--Take)
19 All I Have Are Memories (Instrumental)
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134. The Beatles – White álbum (1968)
En un álbum doble de tanta riqueza, matices y diversidad estilística en el que han participado más de cuarenta músicos, entre ellos Billly Preston, Nicky Hopkins o el mismísimo Eric Clapton (toca la guitarra en "While my guitar gently weeps"
es imposible destacar alguna canción ya que cada escucha puede revelar un aspecto o detalle pasado por alto de una pieza no valorada en su justa medida, que nos alcance su verdadera dimensión e impregne nuestras más agudas sensaciones entre sus elaboradas notas, ya que hasta la más nimiedad de los genios de Liverpool es un hecho gigantesco para la mayoría de los grupos."Revolution 1" (un tema de posturas revolucionarias pero de esencia pacifista presentado aquí en su versión acústica, inferior a la fuerza eléctrica y distorsionada del single), "Helter Skelter" (la canción más potente en la carrera de los Fab Four, obra de McCartney que enloqueció al futuro asesino Charles Mason), "Dear Prudence" (dedicada a Prudence, la hermana de Mia Farrow), "Back in the USSR" (una simpática mezcolanza entre Chuck Berry y Beach Boys), "Sexy Sadie" (una acérbica crítica al Mararishi Yogi), "Martha My Dear" (un tema que Paul dedicó a su perra), "Rocky Raccon" (un tema acústico de sabor country), "Glass Onion" (en el que Lennon repasa con tono jocoso algunos temas de los Fab Four), "Happines is a warm gun" (absorbente pieza de sublimes variaciones), "Julia" (un emotivo, hermoso y obsesivo recuerdo de John a su querida madre) o "Why my guitar gently weeps" (la mejor canción escrita por George Harrison junto a "Something" de "Abbey Road"
son algunos importantes elementos de un impresionante viaje al pasado, presente y futuro de la música del siglo XX, efectuada por unos Beatles faltos de cohesión, que ideaban y ejecutaban sus piezas casi en solitario, provocando desde su característica composición una asombrosa heterogeneidad nunca contemplada en un trabajo discográfico.Pop, rock, music-hall, psicodelia, country, blues, reggae, folk, surf e incluso heavy metal se dan cita en un álbum esencial, de una influencia descomunal en todo tipo de vertientes musicales.
En la lírica mantiene tonalidades que alternan la melancolía, el júbilo, el desamparo, la acritud, el sarcasmo, la ironía o el cinismo. En este álbum, cada uno de los miembros del grupo empezó a demostrar el rango y profundidad de sus talentos de composición individuales, que seguirían así y serían usados en sus carreras solistas.
De acuerdo a la Recording Industry Association of America, RIAA, el Álbum Blanco es el disco mejor vendido de The Beatles, siendo certificado como disco de platino en 19 oportunidades, y el noveno álbum mejor vendido en los Estados Unidos. Esta certificación proviene, sin embargo, de la distorsión que surge al contar dos veces cada unidad vendida de un álbum doble: sin este ajuste, el Álbum Blanco sería el cuarto disco mejor vendido de la carrera de The Beatles.
Disc: 1
1. Back in the U.S.S.R.
2. Dear Prudence
3. Glass Onion
4. Ob-La-Di, Ob-La-Da
5. Wild Honey Pie
6. Continuing Story of Bungalow Bill
7. While My Guitar Gently Weeps
8. Happiness Is a Warm Gun
9. Martha My Dear
10. I'm So Tired
11. Blackbird
12. Piggies
13. Rocky Raccoon
14. Don't Pass Me By
15. Why Don't We Do It in the Road?
16. I Will
17. Julia
Disc: 2
1. Birthday
2. Yer Blues
3. Mother Nature's Son
4. Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey
5. Sexy Sadie
6. Helter Skelter
7. Long, Long, Long
8. Revolution 1
9. Honey Pie
10. Savoy Truffle
11. Cry Baby Cry
12. Revolution 9
13. Good Night
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135. Mothers of Invention – We’re Only in it for the Money (1968)
El genio inquieto y sardónico de Frank Zappa diatribando con ironía contra el movimiento hippie y la ebullición y efervescencia de su contexto cultural, ejemplicada en el flower-power (primordialmente contra el falso hippismo). Su sátira establecida desde un fascinante y divertido trabajo poprock experimental se aposenta sónicamente en recovecos doo wop, pasajes de avant-gardé, pop de buena construcción melódica, elementos jazzisticos e incluso ritmos de vals.
También en su temática desarrolla momentos para el optimismo libertario y el énfasis en su autodefinición como personalidad independiente, nihilista y contestaria.
Algunas sonoridades utilizados en piezas de vana categoría y presuntoso vanguardismo como "Nasal retentive calliope music" o la inaguantable "The chrome plated megaphone of destiny", no pueden oscurecer el resultado conjunto de un magistral disco, original, ecléctico, hilarante y sorprendente, de vocalidad retorcida y bufona que contiene joyas (todas ellas de exigua duración) del repertorio zappiano como "Who needs the peace corps", "Concentration Moon", "What's the uglies part of your body?", "Absolutely Free", "Idiot bastard son", "Flower punk", "Mother people", "Let's make the water turn black", "Lonely little girl" o "Take your clothers off when you're dance".
1. Are You Hung Up?
2. Who Needs the Peace Corps?
3. Concentration Moon
4. Mom & Dad
5. Telephone Conversation
6. Bow Tie Daddy
7. Harry, You're a Beast
8. What's the Ugliest Part of Your Body?
9. Absolutely Free
10. Flower Punk
11. Hot Poop
12. Nasal Retentive Calliope Music
13. Let's Make the Water Turn Black
14. Idiot Bastard Son
15. Lonely Little Girl
16. Take Your Clothes Off When You Dance
17. What's the Ugliest Part of Your Body? (Reprise)
18. Mother People
19. Chrome Plated Megaphone of Destiny
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136. Neil Young – Everybody Knows This is Nowhere (1968)
Obra maestra absoluta del gran Neil Young. En este segundo LP en solitario colaboró por primera vez con los ex Rockets, rebautizados como Crazy Horse, una banda que consiguió aportar a la música de Neil energía y una inusitada crudeza, característica en sus discos más rockeros.
Lo increíble de este trabajo es la elevada comunión entre fuerza y sensibilidad que alcanza el maestro en temas de tembloroso rock con ocasionales retazos country.
Las canciones suelen ser de larga duración con tendencia a la improvisación, pero se hacen cortas gracias a la soberbia conjunción y diálogo entre los diferentes instrumentos, que agrietados van tejiendo unos brillantes ejercicios de absorbente atmósfera.
Desde una tonalidad agridulce y melancólica, Neil va exponiendo sus emociones amorosas en piezas clásicas como "Cinnamon Girl", un estupendo rock de incisivo riff, "Everybody Knows this is Nowhere", triste y bella melodía de sabor country, "Round & Round", gran tema de especial sensibilidad cantado junto a Robin Lane (futura miembro líder de los Chartbusters), "Down by the River", hipnótica conjunción instrumental de Neil y los Crazy Horse contando una excelente historia rebosante de amor y muerte, "The Losing End", country-rock de primer orden sobre un vívido cántico desesperado por el amor perdido, "Running Dry", lívida atmósfera para esta obra maestra acentuada por un plañidero violín tocado por Bobby Notkoff, y la sensacional "Cowgirl in the sand", una de las canciones que mejor singulariza el poderío sónico de Neil con los Crazy Horse.
1. Cinnamon Girl
2. Everybody Knows This Is Nowhere
3. Round and Round (It Won't Be Long)
4. Down by the River
5. Losing End, The (When You're On)
6. Running Dry (Requiem For the Rockets)
7. Cowgirl in the Sand
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137. Captain Beefheart & His Magic Band – Trout Mask Replica (1969)
El álbum que, para muchos, es la obra maestra de Van Vliet, Trout Mask Replica fue editado en noviembre de 1969 en Straight Records, sello recién creado por Frank Zappa. Para este disco, la Magic Band incluyó a Bill Harkleroad como guitarrista y a Mark Boston como bajista. Van Vliet comenzó a asignar apodos a los miembros de la banda, así Harkleroad es conocido como "Zoot Horn Rollo" y Boston como "Rockette Morton", mientras John French pasó a ser "Drumbo" y Jeff Cotton "Antennae Jimmy Semens". El grupo estuvo trabajando durante ocho meses las composiciones de Van Vliet, viviendo en comuna en unas condiciones que el batería John French describió como "Obsesivo" ("cult-like"
. De acuerdo con Van Vliet, las 28 canciones del disco fueron escritas en tres semanas, pero llevó ocho meses para la banda el moldear las canciones y darles la forma definitiva. Como habitual mientras estuvo en la banda, John French jugó un papel fundamental a la hora de ayudar a Van Vliet a transmitir al resto del grupo cómo que ría que sonasen las canciones.Las 28 canciones de Trout Mask Replica beben del blues, Bo Diddley, free-jazz y de viejas canciones de marineros, pero la forma de interpretarlas funde la música en un todo iconoclasta de extraños tempi, guitarras slide atonales, ritmos de batería truncados y toques de saxofón y clarinete bajo. El rango vocal de Van Vliet (de cuatro octavas y media) le permitió interpretar blues de voz cavernosa, falsetes histéricos, o divagaciones lacónicas. Las letras a menudo son impenetrables y sinsentido, pero un análisis más profundo revela una complejo y poético uso de los juegos de palabras, las metáforas y toda clase de referencias (a Steve Reich, a la historia musical, a la política estadounidense e internacional, al Holocausto Judío, al amor y a la sexualidad, a la música Gospel, al conformismo...)El crítico musical Steve Huey escribió que la influencia del álbum fue muy relevante, más que como inspiración directa, en el sentido en que enseñó a generaciones posteriores, particularmente en la época del punk y la new wave, qué era posible llegar a hacer dentro de un contexto rock, allanando así el camino para futuros experimentos musicales. Trout Mask Replica fue situado en el número 25 de una lista de "los 200 mejores discos del siglo XX" por la revista catalana Rockdelux y en el puesto número 58 de la lista de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos" por la revista Rolling Stone. El legado de Van Vliet es de un pobre saldo comercial, a pesar de que cuenta con devotos seguidores. Sin embargo, su influencia en la posterior música punk y new wave y otros géneros ha sido descrita como "incalculable"
01. Frownland
02. The Dust Blows Forward' N The Dust Blows Back
03. Dachau Blues
04. Ella Guru
05. Hair Pie: Bake 1
06. Moonlight On Vermont
07. Pachuco Cadaver
08. Bill's Corpse
09. Sweet Sweet Bulbs
10. Neon Meate Dream Of A Octafish
11. China Pig
12. My Human Gets Me Blues
13. Dali's Car
14. Hair Pie: Bake 2
15. Pena
16. Well
17. When Big Joan Sets Up
18. Fallin' Ditch
19. Sugar' N Spikes
20. Ant Man Bee
21. Orange Claw Hammer
22. Wild Life
23. She's Too Much For My Mirror
24. Hobo Chang Ba
25. The Blimp (Mousetrapreplica)
26. Steal Softly Thru Snow
27. Old Fart At Play
28. Veteran's Day Poppy
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138. Creedence Clearwater Revival – Bayou Country (1969)
Al margen de los movimientos musicales que se producían a su alrededor, la Creedence Clearwater Revival profundizaba en las clásicas raíces rock del pueblo americano, en los recios sonidos pantanosos de su entorno que tan bien reflejaban las composiciones de su líder John Fogerty. Pero esto no significaba que esta mirada rockera perdiera esencias blues, country e incluso pop, logrando una atractiva mezcolanza musical que tan característico hacía el sonido de la Creedence.
La banda estaba formada por el cantante y guitarrista John Fogerty , su hermano mayor Tom Fogerty que se ocupaba de la guitarra rítmica, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford.
"Bayou Country" (1969) contiene su primer gran éxito, el single "Proud Mary" que entraría en los primeros lugares de las listas estadounidenses y británicas convirtiéndose en una de las canciones más importantes del año. Para Bob Dylan, "Proud Mary" era la mejor canción del 69. Los sonidos sureños empaparían el álbum con temas como "Born on the Bayou", "Bootleg" o "Keep on Chooglin'".
El álbum alcanzaría el puesto 7 en las listas de Billboard, convirtiéndose en el primero de una larga lista de éxitos en los siguientes tres años. El single "Proud Mary", respaldado por "Born on the Bayou", alcanzó el puesto #2 en las listas de Billboard. El tema se convirtió en una de las canciones más versionadas del grupo, con más de 100 grabaciones entre las que se incluía el éxito de 1971 de Ike y Tina Turner.
01. Born On The Bayou
02. Bootleg
03. Graveyard Train
04. Good Goly Miss Molly
05. Penthouse Pauper
06. Proud Mary
07. Keep On Chooglin
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139. Stills Crosby & Nash – Crosby, Stills & Nash (1969)
El terceto Crosby, Stills & Nash estaba compuesto por el británico Graham Nash (nacido el 2 de febrero de 1942 en Blackpool), quien abandonó a los Hollies para unirse a los estadounidenses David Crosby (nacido el 14 de agosto de 1941 en Los Angeles), ex componente de los Byrds y Stephen Stills (nacido el 3 de enero de 1945 en Dallas), antiguo miembro de Buffalo Springfield.
Esta reunión artística, producida en el año 1968, supuso uno de los proyectos musicales de mayor significación popular y crítica en los últimos años de la década de los 60 y comienzos de los 70.
En 1969 publicaron su primer LpP "Crosby, Stills & Nash" (1969), un gran disco de sonoridad acústica que les llevó a lo más alto, cosechando un gran éxito comercial, corroborado en pletóricas actuaciones en directo repletas de miles de admiradores.
Algunos temas del álbum han pasado a la antología de clásicos de la época, como "Suite: Judy Blue Eyes", una pieza dedicada por Stills a Judy Collins, "Marrakesh Express", single que Nash había escrito en la época de los Hollies o "Wooden Ships", un sensacional tema antibelicista.
En el disco colaboraron multitud de importantes músicos establecidos en la California de los 60, como Chris Hillman, Jerry Garcia, Art Garfunkel, Carole King, Joni Mitchell, John Sebastian o Neil Young (nacido el 12 de noviembre de 1945 en Toronto), ex miembro de Buffalo Springfield que ya había iniciado una carrera en solitario. Young se uniría al trío en 1969, poco antes de aparecer en el famoso Festival de Woodstock.
1. Suite: Judy Blue Eyes
2. Marrakesh Express
3. Guinnevere
4. You Don’t Have to Cry
5. Pre-Road Downs
6. Wooden Ships
7. Lady of the Island
8. Helplessly Hoping
9. Long Time Gone
10. 49 Bye-Byes
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140. Blood, Sweat & Tears - Blood, Sweat & Tears (2nd álbum) (1969)
Una banda neoyorquina que causó sensación a finales de los 60 por su adecuada mixtura entre rock, jazz y música clásica. Esta fusión deparaba un admirable sonido en el cual cabían trazos de soul, psicodelia y blues, dentro de unas composiciones brillantes, que con el tiempo permanecerían presas de esta naturaleza, convirtiendose en un ejercicio aletargado de onanismo instrumental que terminó por hacer sucumbir el proyecto. Este proyecto venía derivado de la mente de un hombre, el cantante y teclista Al Kooper, ex componente de The Blues Project, grupo en el cual también se encontraba el guitarrista Steve Katz.
Para la grabación de su segundo disco, "Blood, Sweat & Tears" (1969), un álbum producido por James William Guercio, quien había trabajado previamente con The Buckinghams y Chad & Jeremy, se incorporaron, además de Clayton-Thomas, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield y el trombonista Jerry Hyman, ya que el anterior trombonista, Dick Halligan, ocupó el puesto vacante de Kooper en los teclados.
El segundo Lp fue otro gran disco, en el cual, además de presentar sus temas propios, versionaban a gente tan dispar como el compositor clásico Erik Satie, la cantautora Laura Nyro o el grupo psicodélico británico Traffic. Con este álbum consiguieron un enorme triunfo comercial, tanto en las listas de sencillos (con "Spinning Wheel", "You Made Me So Very Happy", and "And When I Die"
como en las de Lps, llegando al número 1, consiguiendo el Premio Grammy al mejor disco del año 1969 y a la mejor canción del año por "Spinning Wheel".01. Variation on a theme by Erik Satie
02. Smilig phases
03. Sometimes in winter
04. More and more
05. And when I die
06. God bless the child
07. Spinning wheel
08. You've made me so very happy
09. Blue part II
10. Variation on a theme by Erik Satie
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141. Flying Burrito Brothers – Gilded Palace of Sin (1969)
Gram Parsons exhibiendo su gran talento para desplegar narraciones agridulces en formato country-rock con retazos folk, blues e incluso gospel, trayectos plagados de meandros emocionales y anotaciones de carácter social. Los temas están escritos casi en su mayoría junto a su ex compañero de los Byrds, el bajista Chris Hillman, ocupado aquí en la guitarra rítmica y en la mandolina y dejando las cuatro cuerdas para Chris Ethridge, antiguo miembro de la International Submarine Band, primera formación de Parsons, con el que compone dos de sus canciones más celebradas, "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2".
En el recorrido lírico de Hillman/Parsons nos topamos con infames personajes femeninos (la magnífica "Christine's tune"
, otras salvadoras ("Juanita", ciudades corruptas y vendidas al capitalismo ("Sin city", evocaciones antibélicas ("My uncle", huidas libertarias en motocicletas ("Wheels", e irónicas miradas a los movimientos culturales de la época ("Hippie Boy".Junto a Etheridge, Parsons escribe las referidas y magníficas "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2" y con el bluesman Barry Goldberg la triste "Do you know how it feels", pesarosa descripción sobre la soledad.
Dos versiones sobre canciones de Dan Penn ("Do right woman", junto a Chips Moman, y "Dark end of the street", co-escrita con Spooner Oldham) compactan el tono afligido y sensible que suele acompañar toda la obra de Gram Parsons.
1.: Christine's Tune
2.: Sin City
3.: Do Right Woman Do Right Man
4.: Dark End Of The Street
5.: My Uncle
6.: Wheels
7.: Juanita
8.: Hot Burrito No 1
9.: Hot Burrito No 2
10.: Do You Know How It Feels
11.: Hippie Boy
12.: Lazy Days
13.: Image Of Me
14.: High Fashion Queen
15.: If You Gotta Go Go Now
16.: Man In The Fog
17.: Farther Along
18.: Older Guys
19.: Cody Cody
20.: God's Own Singer
21.: Down In The Churchyard
22.: Wild Horses
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142. Johnny Cash – At San Quentin (1969)
At San Quentin es un álbum del cantante country Johnny Cash, es de un concierto en vivo para los prisioneros en la prisión estatal San Quentin también fue televisado por Granada Televisión.
En el disco original muchas canciones fueron sacadas o cortadas por razones de espacio aun así en la reedición de este álbum en el 2000 no contiene todo el concierto pero le agregaron canciones y mantuvo su éxito comercial olvidaron poner canciones como "Jackson" y "Orange Blossom Special" las cuales fueron interpretadas por Cash ese día, las pusieron después al sacar un DVD con la presentación entera. En el 2006 el sello disquero Legacy lanzo una version de lujo titulada: "At San Quentin - Legacy Edition" esta edición incluye un total de 3 CDs de los cuales 2 de ellos contienen 31 canciones (13 de ellas no habían salido antes) y un DVD llamado: "Johnny Cash In San Quentin" que es un documental filmado en 1969 hecho por Granada Television para la televisión Britanica, en este documental se entrevisto a guardias, prisioneros y gente cercana a Cash quienes estuvieron con el día del evento. Este álbum en descarga es la edición completa lanzada en el año 2000.
1. Big River
2. I Still Miss Someone
3. Wreck of the Old '97
4. I Walk the Line
5. Darlin' Companion
6. I Don't Know Where I'm Bound
7. Starkville City Jail
8. San Quentin
9. San Quentin Continued
10. Wanted Man
11. Boy Named Sue
12. Peace in the Valley
13. Folsom Prison Blues
14. Ring of Fire
15. He Turned the Water into Wine
16. Daddy Sang Bass
17. Old Account Was Settled Long Ago
18. Closing Medley
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143. Creedence Clearwater Revival – Green River (1969)
Tercer disco de la cuasi infalible Creedence Clearwater Revival. Ocho grandes temas propios a ritmo de magistral rock pantanoso de afinidad blues y country.
Gradación nostálgica con "Green river", tema de inconfundible riff fogertyano; misteriosa en "Tombstone shadow", apocalíptica en "Bad Moon Rising" y amorosamente amenazadora en la espectacular "Sinister Purpose", canciones halladas en un Lp sin altibajos que presenta una de las grandes joyas del repertorio del grupo, "Lodi", una pieza de aroma country que diatriba sobre el hado y el destino de carácter fatalista. La habilidad compositiva de John Fogerty, su acritud en la forma de cantar y su poco valorada ejecución guitarrera en uno de sus puntos más álgidos.
Rápidamente certificado como disco de oro junto al single "Green River", que también llegó al puesto #2. La cara B de "Green River", "Commotion", alcanzó el puesto #30. El tema "Lodi" se convertiría también en un éxito en las emergentes estaciones de radio de FM. Por otra parte, el énfasis de la banda por crear nuevas versiones de sus temas favoritos continuó con "The Night Time Is the Right Time".
01. Green River
02. Commotion
03. Tombstone Shadow
04. Wrote A Song For Everyone
05. Bad Moon Rising
06. Lodi
07. Cross-Tie Walker
08. Sinister Purpose
09. Night Time Is The Right Time
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0144. The Beatles – Abbey Road (1969)
Vio la luz con anterioridad a "Let it be", pero en realidad, el extraordinario "Abbey Road" fue la última grabación de la inmortal banda de Liverpool, concluyendo de manera magistral la trayectoria del mejor grupo de la historia.
El enfoque musical para el álbum de los componentes era muy distinto, John, continuando las pautas de los cortes grabados para "Let it be", deseaba un álbum cuyo basamento fuese la vuelta a las raíces más básicas del rock'n'roll y el blues, mientras que Paul ansiaba la grabación de un disco más complejo, que rememorara los logros del "Sgt. Peppers".
Por su parte, George, cansado de permanecer a la sombra de los dos grandes genios, y después de ya haber grabado los discos experimentales "Wonderwall Music" y "Electronic Sound", deseaba volar en solitario, no sin antes dejar su brillante impronta compositiva en este Lp.
Esa constancia en las pautas básicas del rock llevaron a Lennon a componer temas como "Come together", una canción dominada por una base de blues que John compuso para la campaña del político Timothy Leary, aspirante a Gobernador del estado de California. El tema fue acusado de plagio por Maurice Levy, propietario de Big Seven Music, que inculpaba a Lennon del empleo de varias frases aparecidas en el tema de Chuck Berry "You can catch me", canción que finalmente y en beneficio económico de Berry y Levy, fue incluido en el posterior Lp "Rock'n'roll" del Beatle en solitario.
El cimiento bluesy vuelve a asomar en "I want you (She's so heavy)", tema dedicado a Yoko Ono que cuenta con una insistente letra y una hipnótica parte final de abrupta conclusión.
Otro corte destacado compuesto por John es "Because", una mágica y bella composición en la cual se aprecia la maestría del grupo en la utilización de las armonías vocales.
George sorprende con dos de sus mejores composiciones. La preciosa balada "Something", canción dedicada a su esposa Pattie Boyd que se ha convertido en uno de los mejores temas de amor de todos los tiempos.
Pattie se casaría con posterioridad con uno de sus mejores amigos, Eric Clapton. Curiosamente sería en el jardín de Clapton en lugar en el cual Harrison escribió "Here comes the sun", hermosa pieza acariciada por la delicada y soleada vocalidad de su autor.
Igualmente cabe destacar la utilización en algunos temas ("Maxwell's Silver Hammer", "I want you", "Here comes the sun" o "Because"
del sintetizador Moog por parte de George, un elemento que por aquellos tiempos raramente se utilizaba en la música pop (uno de los primeros en utilizarlo fue Keith Emerson), lo que demuestra una vez más su indiscutible capacidad de innovar y adelantarse a su tiempo.Ringo, por su parte, nos deleita con una simpática tonada de corte infantil, "Octopus's Garden", canción en la cual recordaba las historias de pulpos que le contó un capitán de barco en unas vacaciones pasadas en la Isla de Cerdeña.
Paul, el mayor artífice del grueso del álbum, también retoma las patrones de "Let it be" en "Oh! Darling", gran canción blues de desgarrada vocalidad. Su pasión por el vodevil, heredada de su padre, se plasma en "Maxwell's Silver Hammer", un tema en el que incluso utilizan el sonido de un yunque, golpeado por Ringo.
"You never give me your money" da inicio al glorioso medley final, obra básicamente de Macca, quien intentó realizar una especia de mini-ópera pop, en donde se encuentran eclécticos ritmos y sonoridades. La propia "You never give me your money" está fragmentada en cuatro partes: "You never give me you money", "That magic feeling", "One sweet dream" y el final con "1,2,3,4,5,6,7...all good children go to heaven".
Posteriormente vendrán las lennonianas "Sun King", onírica pieza con John chapurreando varios idiomas, entre ellos, el español; "Mean Mr. Mustard", canción en la cual Paul utiliza el fuzz bass y la rítmica "Polythene Pam", tema dedicado a una fan de Liverpool llamada Pat Hodgett, que tenía como singular afición comer pedacitos de polietileno.
Paul continúa el medley con "She came in through the bathroom window", canción escrita en homenaje a las "Apple Scruffs", admiradoras del grupo que los acosaban insistentemente en la puerta del estudio o pululando cerca de sus hogares.
La historia fabula sobre un hecho real acaecido cuando un grupo de fans entraron en casa de Paul por la ventana de su cuarto de baño.
"Golden Slumbers" es una preciosa balada que McCartney adaptó con su extraordinario sentido de la melodía, tras hallar en casa de su padre la canción tradicional del mismo título.
Esta pieza enlaza con "Carry that weight" y de nuevo un fragmento de "You never give me your money", preludio de "The End", canción que contiene el único solo de batería de Ringo en toda su trayectoria con los Beatles y que era la indicada para poner punto y final a su carrera sino fuera por la inclusión de "Her majesty", exigua coda acústica escrita por Paul que, en principio, iba a unir "Mean Mr. Mustard" y "Polythene Pam", y tras ser desechada por el propio McCartney fue incluida al final de la cinta por Geoff Emerick.
Cuando sonó de manera sorprendente tras "The End", los Beatles decidieron dejarla en el álbum, uno de los grandes logros en la historia de la música moderna.
El 4 octubre 1969 entró directamente en el nº 1 y permaneció en él 11 semanas. El 27 diciembre 1969 volvió al nº 1 durante 6 semanas. Permanencia total : 81 semanas. También fue nº 1 en las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker".En Reino Unido los pedidos por adelantado llegaron a 190.000 copias llevándolo directo al nº 1. A nivel mundial se vendieron 4.000.000 a las seis semanas y 5.000.000 a final del año. A los diez años (1980), se alcanzó la cifra de 10.000.000
En Estados Unidos alcanzó el nº 1 en las listas de "Billboard", "Cashbox" y "Record World".
1. Come Together
2. Something
3. Maxwell's Silver Hammer
4. Oh! Darling
5. Octopus's Garden
6. I Want You (She's So Heavy)
7. Here Comes the Sun
8. Because
9. You Never Give Me Your Money
10. Sun King
11. Mean Mr. Mustard
12. Polythene Pam
13. She Came in Through the Bathroom Window
14. Golden Slumbers
15. Carry That Weight
16. End
17. Her Majesty
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145. The Who – Tommy (1969)
Tommy es un colosal doble álbum producido por Kit Lambert en el que Pete Townshend maquina una fábula sobre el personaje que da título al disco, un muchacho nacido sordomudo y ciego, experto en jugar a las máquinas pinball, que terminará convirtiéndose en un redentor de masas.
La querencia por las obras conceptuales de Townshend ya se había percibido en trabajos anteriores como el excelente "Sell out" y la mini ópera-rock encontrada en "A quick one" y titulada "A quick one, while he's away".
Lo impresionante de este disco, épico, intenso, apasionado y opulento en estructuras, desarrollos, texturas y tonos, es que no cuenta con bajones notables en su recorrido ya que el progreso narrativo de la historia no se ve amenazado por digresiones autocomplacientes, las viñetas enlazadas resultan significativas y siempre aportan datos o imágenes que configuran la personalidad y el contexto del individuo protagonista.
A su vez tampoco ninguna composición pierde la calidad acostumbrada en los Who de la época, sean las canciones escritas por Townshend, mayoritariamente el autor del disco, ni del magnánimo bajista John Entwistle, responsable también de los grandiosos arreglos de viento que suenan a lo largo de todo el doble álbum, valorándose positivamente también la pequeña aportación en la escritura de Keith Moon en una simpática pieza.
Ya no hay grupos como éste. Los puntos álgidos de esta obra maestra de sonoridad acústica pero ardorosa en consonancia con el natural ímpetu y fortaleza de los acordes y riffs guitarreros del gran Pete Townshend, y la inmensa potencia y personalidad de la sección rítmica de la banda, con un siempre exuberante Keith Moon en la batería y un vigoroso trabajo en las cuatro cuerdas de John Entwistle, quien también sabe aportar líneas melódicas de primer nivel y nutrir las fenomenales armonías vocales con el resto de sus compañeros, entre ellos el vigoroso Roger Daltrey, son "Amazing journey", "Christmas", "Cousin Kevin", "Underture", "The acid queen", "Go to the mirror" o las tres mejores canciones del álbum: "Pinball wizard", "I'm free" y “We’re not gonna take it”, la joya que cierra de manera inmejorable la trayectoria mesiánica de Tommy y este trabajo inmortal e imprescindible que hay que disfrutar de cabo a rabo. ¡Qué final! Buff. Ese "see me, feel me, touch me, heal me" interpretado por un Daltrey lastimero siempre será algo imperecedero. Magnífico.
01 - Overture
02 - It's a boy
03 - 1921
04 - Amazing journey
05 - Sparks
06 - Eyesight to the blind (the hawker)
07 - Christmas
08 - Cousin Kevin
09 - The acid queen
10 - Underture
11 - Do You Think It's Alright
12 - Fiddle about
13 - Pinball wizard
14 - There's a doctor
15 - Go to the mirror
16 - Tommy, can you hear me
17 - Smash the mirror
18 - Sensation
19 - Miracle Cure
20 - Sally Simpson
21 - I'm Free
22 - Welcome
23 - Tommy's Holiday Camp
24 - We're Not Gonna Take It
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146. Miles Davis – In a Silent Way (1969)
En 1968 Miles Davis comienza a grabar canciones para este disco, junto a los músicos Wayne Shorter, Chick Corea, Dave Holland, y Tony Williams. La primer grabación se hizo en el Columbia 30th Street Studio, en Nueva York, en septiembre de ese año. La grabación terminó en febrero de 1969, en Columbia Studio B, Nueva York, con los músicos originales, a quienes se sumaron Herbie Hancock, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, y Joe Chambers.
"In a Silent Way" presenta una fusión entre música jazz y rock. Miles Davis intentaba atraer a nuevo público, ya que, debido a la indiferencia del mismo, muchos clubes de jazz estaban cerrando. Tony Williams, baterista del grupo, dio a Davis música rock para escuchar. El resultado fue la asimilación de ritmos y tonos de este nuevo género. Pero la música conserva características del jazz.
1. Shhh/Peaceful
2. In A Silent Way
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147. Bee Gees – Odessa (1969)
Hay dos tipos de personajes en esta ecléctica fauna de compradores de discos verdaderamente insoportables. Unos, los necios cerrados, que no salen de un estilo musical ni a tiros, perdiéndose así uno de los mayores placeres de la melomanía cual es el disfrute de multitud de universos sonoros a cada cual más diverso pero igualmente disfrutables.
Los Bee Gees son sin duda, una de las bandas más maltratadas por los presuntos comentaristas musicales e ignorante público en general, que, paradójicamente encumbran a otros con mucho menor talento.
La culpa de ello: su tremendo éxito en la fiebre discotequera que los encaramó a la más alta popularidad en los años 70. Este éxito bajo las bolas de espejos solapan sus mejores trabajos (sin su famoso falsete) que se encuentran en la psicodélica época anterior.
"Odessa" es una de sus grandes obras, comparables a los mejores momentos de los Beatles y de un planteamiento de pop experimental muy similar al "Sgt. Peppers", el "Pet Sounds" de los Beach Boys u otra joya también oculta, "Odessey & Oracle" de los fabulosos Zombies.
Aunque en ciertos momentos (pocos) les supera la pretenciosidad, cualquiera con un poco de sensibilidad melódica tendría que arrodillarse ante temazos de tintura melancólica y enorme talento compositivo como "Black Diamond", "Lamplight", "Melody Fair", "Suddenly", "Sound of love", "I Laugh in Your Face" o la instrumental "Seven Seas Symphony", envueltos en violines (de David Katz), pianos, oboes, trompetas y selectas armonías vocales, incluso se atreven con sabores country al más puro estilo Gram Parsons en "Give Your Best" o "Marley Purt Drive". Esencial.
1. Odessa (City on the Black Sea)
2. You'll Never See My Face Again
3. Black Diamond
4. Marley Purt Drive
5. Edison
6. Melody Fair
7. Suddenly
8. Whisper Whisper
9. Lamplight
10. Sound of Love
11. Give Your Best
12. Seven Seas Symphony
13. With All Nations (International Anthem)
14. I Laugh in Your Face
15. Never Say Never Again
16. First of May
17. The British Opera
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148. Pentangle – Basket of Light (1969)
Pentangle ha sido uno de los grupos más exquisitos que ha dado la música británica. Desde un punto de vista, digamos comercial, ha sido clasificada como una banda de folk o de folk-rock, pero en realidad su música es tan ecléctica como para reunir también elementos de jazz, blues, música medieval y barroca, e incluso aires orientales en algunos temas.
Su formación original (1967) contaba con el liderazgo de dos excelentes guitarristas, John Renbourn y Bert Jansch, a los que acompañaba una sección rítmica impecable a cargo de Terry Cox en la percusión y Danny Thompson al bajo. Al frente de todos, la portentosa voz de la feucha, modosita y encantadora Jacqui McShee. Basket of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad.
1. Light Flight
2. Once I Had A Sweetheart
3. Springtime Promises
4. Lyke-Wake Dirge
5. Train Song
6. Hunting Song
7. Sally Go Round The Roses
8. The Cuckoo
9. House Carpenter
10. Sally Go Round The Roses
11. Sally Go Round The Roses
12. Cold Mountain
13. I Saw An Angel
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149. Rolling Stones – Let it Bleed (1969)
El último trabajo de los Stones en los años 60, con un título que parodiaba el "Let it be" de los Beatles, fue este soberbio tratado de rock cromatizado en alguno de sus mejores pasajes por pinceladas de country y blues, tanto en su aspecto acústico como eléctrico. Es un grandioso LP que supuso la última colaboración de Brian Jones con el grupo y el debut del guitarrista Mick Taylor, quien sólo participa en dos cortes del álbum pero deja la impronta de su habilidad en las seis cuerdas.
En un álbum tan redondo como éste resulta muy difícil destacar alguna canción por encima de otra, pero momentos indelebles como el clásico "Gimme Shelter", pieza que cuenta con un extraordinario apoyo vocal de Mary Clayton, la adaptación del tema de Robert Johnson "Love in vain", el rock punzante y enérgico de "Live with me", el R&B de "Midnight Rambler" o la memorable balada "You can't always get what you want", con unos hechizantes coros arreglados por Nitszche, demuestran sobradamente la magnificencia de "Let it Bleed". La curiosa portada está diseñada por Robert Brownjohn.
1.Gimme Shelter
2.Love in Vain
3.Country Honk
4.Live With Me
5.Let It Bleed
6.Midnight Rambler
7.You Got the Silver
8.Monkey Man
9.You Can't Always Get What You Want
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150. Nick Drake – Five Leaves Left (1969)
Five Leaves Left, grabado en 1969, fue el primer álbum de Nick Drake, un músico folk inglés. Para este disco, integrantes del grupo británico de Folk Rock Fairport Convention asistieron con las grabaciones del bajo y guitarra eléctrica. Se dice que el título de este disco proviene de un paquete de cigarrillos Rizla, en el cual había un mensaje advirtiendo que sobraban solamente cinco hojas en el paquete. Algunos dicen que esta idea fue dirigida a gente que fumaba cánnabis, ya que se requería cinco hojas para liar a mano en forma de cigarillo. Nick Drake tenía sólo 21 años al ser publicado Five Leaves Left y antes de morir de una sobredosis de antidepresivos a los 26 años grabó otros dos Lps: Bryter Layter y Pink Moon. Sin embargo, ninguno de sus discos vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake se rehusaba a realizar presentaciones en vivo y a ser entrevistado. En sus letras se ven reflejados sus problemas de insomnio y depresión. En este disco, Drake toca la guitarra y el piano, además de cantar , aunque también tocaba el clarinete y el saxofón. Hay que destacar que el reconocimiento le llegó después de haber muerto. Por ejemplo, en el año 2000 Volkswagen usó una de sus canciones en una publicidad televisiva y en un mes se vendieron más álbumes suyos que en los treinta años anteriores. Un disco hermoso y revelador.
1. Time Has Told Me
2. River Man
3. Three Hours
4. Way to Blue
5. Day Is Done
6. Cello Song
7. Thoughts of Mary Jane
8. Man in a Shed
9. Fruit Tree
10. Saturday Sun
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