1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 7)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under
251. Lou Reed – Transformer (1972)
Si Lou Reed simplemente hubiese firmado este soberbio disco (dejando al margen sus influyentes grabaciones con la Velvet Underground) ya ocuparía un lugar de honor en la historia del rock. Se trata de un álbum con parte de las constantes temáticas del compositor neoyorquino (travestis, prostitutas, homosexuales, drogadictos, extraños personajes...) que grabó en asociación con David Bowie y Mick Ronson.
La perspectiva urbano-sexual, tan cínica como melancólica, ambigua o provocadora, de la escritura de Reed, se ve enriquecida con la teatralidad glam-rock de Bowie/Ronson para ofertar joyas como "Vicious", "Perfect Day", "Make Up", "Satellite Of Love", "New York Telephone Conversation" y el gigante clásico (utilizado no en pocas ocasiones en anuncios televisivos) "Walk On The Wild Side". canción que fue un éxito inmediato y se ha convertido en la canción más popular de Lou Reed.
Si la producción conjunta de los dos citados es excelente, hay que expresar una especial mención para Mick Ronson (ya que muchas veces sólo se menciona a Bowie), quien además de producir, arregla las cuerdas y el bajo, toca la guitarra y el piano, convirtiéndose en pieza esencial para la consecución del heterogéneo sonido.
Klaus Voorman y Herbie Flowers (que introduce una magnífica tuba, además del bajo) son otros imprescindibles componentes para lograr una perfecta interactuación entre grandes músicos que consuman un trabajo magistral lleno de ingenio, ironía y ecléctico muestrario sonoro, que va tanto del glam-rock o el pop pasando por el hard-rock o el jazz con aromas cabareteros.
“Transformer” es, sin duda, un disco especial y distinto. Imperfecto e irrepetible, nos muestra un lado de Lou Reed que no volveríamos a ver jamás. Y la verdad es que, a veces, se echa de menos.
1. Vicious
2. Andy´s chest
3. Perfect Day
4. Hangin´g round
5. Walk on the wild side
6. Make up
7. Satellite of love
8. Wagon wheel
9. New York telephone conversation
10. I´m so free
11. Goodnight ladies
12. Hangin´g round (acoustic demo)
13. Perfect day (acoustic demo)
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252. Hugh Masekela – Home is Where the Music Is (1972)
El músico de jazz, Hugh Masekela, nació en 1939 en Wittbank, Sudáfrica. Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band, pero Trevor Huddleston fue deportado a causa de su posición abiertamente anti-apartheid. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961. Su carrera despegó verdaderamente en EE.UU. Su mezcla de pop/jazz africano, tuvo tanto éxito que fundó su propio sello discográfico, Chisa, a mediados de los años sesenta. Colaboraría con artistas de la talla de Fela Kuti y Paul Simon. Esta grabación de inicios de los 70´s, es una muestra del más puro estilo de jazz, aún más que las grabaciones deMasekela de principios del decenio de los 80´s cuando hubo la mezcla de distintas cepas de África tribal o tradiciones culturales. Cuenta con varios temas compuestos por Caiphus Semenya, lo cual se ha convertido en habitual de Masekela.
1. Part Of A Whole
2. Minawa
3. The Big Apple
4. Unhome
5. Maseru
6. Inner Crisis
7. Blues For Huey
8. Nomali
9. Maesha
10. Ingoo Pow-Pow (Children's Song)
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253. Milton Nascimento & Lo Borges – Clube da Esquina (1972)
Milton Nascimento , cantante, compositor y guitarrista brasileño. Su ámbito de interés musical es amplio y abarca la música popular brasileña, la samba, el pop, el rock, y la fusión musical con diversas tradiciones musicales internacionales.
En 1972 colaboró con compositores como Marcio Borges, Fernando Brant, Ronaldo Bastos y otros amigos para grabar Clube Da Esquina, un disco doble del que surgieron tres sencillos muy exitosos como "Cais (Dock)" y "Cravo e Canela". Las canciones siguen siendo grabadas en la actualidad y se han convertido en estándares en Brasil. Desde que Milton empezó a grabar de forma independiente en 1967 para el sello Codil, ha escrito y grabado 28 discos.
1. Tudo Que Você Podia Ser
2. Cais
3. O Trem Azul (The Blue Train)
4. Saídas E Bandeiras No. 1
5. Nuvem Cigana (Gipsy Cloud)
6. Cravo É Canela
7. Dos Cruces
8. Um Girassol da Cor de Seu Cabelo
9. San Vicente
10. Estrelas
11. Clube da Esquina, No. 2
12. Paisagem da Janela
13. Me Deixa Em Paz
14. Os Povos
15. Saídas E Bandeiras No. 2
16. Um Gosto de Sol
17. Pelo Amor de Deus
18. Lilia
19. Trem de Doido
20. Nada Será Como Antes
21. Ao Que Vai Nascer
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254. Todd Rundgren – Something/Anything (1972)
Buen cantante, excelente compositor, gran pianista, interesantísimo ingeniero y productor, todo esto y además hace maravillas en la guitarra. Descubrimos uno de sus mejores trabajos de los 70`s , nos referimos a una de sus tantas obras maestras: Something/Anything
Todd es un músico norteamericano que se caracterizó en ser un incansable experimentador de las diferentes técnicas de grabación de instrumentos. Siempre tubo al alcance de sus manos toda la tecnología de punta para tales fines. Además es un gran músico bien rockero, de esos que aportan discos inteligentes. Compuso, entre otras cosas, el tema Influencia (Ifluenza) que luego grabaría Charly Garcìa en el disco homónimo.
Desde sus inicios con la banda Nazz, demostrò una inteligencia e intensidad creativa admirables, tanto como solista como también con su proyecto paralelo: la banda Utopia.
En este trabajo Todd abre un abanico de múltiples sonidos que recorren diferentes estilos rockeros. Todo esto dividido en cuatro partes, en las primeras tres toca todos los instrumentos. Descubrimos sus grandes composiciones como "I saw the light" (con pizcas de la naturalidad de la bossa-nova), la genial melodía a lo S. Wonder de "One More day (no word)" el salvajismo de "Little red Lights" y de "Black María", la inspiradísima y creciente "Torch Song" o la nueva versión de la gigantesca "Hello it`s me" ya grabada en los tiempos de Nazz.
La cuarta parte es la parte ejecutada con banda. Comienza presentando sus raíces o influencias musicales. Se pasea por lindas baladas como "Dust in the Wind" o bien rockean en temas como "Some folks is even wither than me".
El disco mas cotizado y el más largo de Rundgren que incluye éxitos de Rundgren como "Couldn't I Just Tell You", "I Saw The Light", "Wolfman Jack" y su éxito más grande "Hello It's Me" que alcanzo el lugar "5" en el "Billboard Hot 100". Este disco alcanzo el lugar 29 en el "Billboard 200" durando en este lugar por tres años luego de su lanzamiento, después certificado como oro. En 2003 se posiciono en el lugar 173 en el listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Rundgren tocó todos los instrumentos en las grabaciones de este disco.
Disco 1:
1. I Saw the Light
2. It Wouldn't Have Made Any Difference
3. Wolfman Jack
4. Cold Morning Light
5. It Takes Two to Tango (This Is for the Girls)
6. Sweeter Memories
7. Intro
8. Breathless
9. The Night the Carousel Burned Down
10.Saving Grace
11.Marlene
12.Song of the Viking
13.I Went to the Mirror
Disco 2:
1. Black Maria 2. One More Day (No Word)
3. Couldn't I Just Tell You
4. Torch Song
5. Little Red Lights
6. Overture—My Roots: Money (That's What I Want) / Messin' with the Kid
7. Dust in the Wind
8. Piss Aaron
9. Hello It's Me
10.Some Folks Is Even Whiter Than Me
11.You Left Me Sore
12.Slut
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255. Nitty Gritty Dirt Band – Will the Circle Be Unbroken (1972)
The Nitty Gritty Dirt Band se formó en el sur de California durante la primavera de 1966, como una joven banda desaliñada. Cuarenta y dos años más tarde, el cuarteto (Jeff Hanna, Jimmie Fadden, Bob Carpenter y John McEuen) sigue activo.
“Will the Circle Be Unbroken “ Es un álbum recopilatorio donde la Nitty Gritty Dirt Band, se reunen con un montón de amigos para tocar los grandes clásicos del country, como Randy Scruggs, Roy Huskey Jr., Jerry Douglas, Mark O'Connor, Chet Atkins, Sam Bush, Vassar Clements (a alguien le suena esta gente?), Bela Fleck, Bernie Leadon, John McEuen, Buck White, Roy Acuff, Paulette Carlson, The Carter Family, Johnny Cash (bueno, uno conocido), June Carter Cash, Rosanne Cash, John Denver, Emmylou Harris, Levon Helm, John Hiatt, Chris Hillman, Bruce Hornsby, Jimmy Martin, Roger McGuinn, Michael Martin Murphey, New Grass Revival, John Prine, Earl Scruggs y Ricky Skaggs.
El cambio radical en su suerte llegó con este su mágico Will the circle be unbroken", que pronto vende 1 millón de copias, una obra que hoy en día sigue siendo pieza clave en la historia de la Música Country.
Disco 1
1. Grand Ole Opry Song (Hylo Brown) with Jimmy Martin
2. Keep on the Sunny Side (A.P. Carter, Gary Garett) with Maybelle Carter
3. Nashville Blues (Earl Scruggs)
4. You Are My Flower (A.P. Carter)
5. The Precious Jewel (Roy Acuff) with Roy Acuff
6. Dark as a Dungeon (Merle Travis) with Merle Travis
7. Tennessee Stud (Jimmie Driftwood) with Doc Watson
8. Black Mountain Rag (Traditional)
9. Wreck on the Highway (Dorothy Dixon) with Roy Acuff
10. The End of the World (Fred Rose)
11. I Saw the Light (Hank Williams) with Roy Acuff
12. Sunny Side of the Mountain (Byron Gregory, Harry McAuliffe)
13. Nine Pound Hammer (Merle Travis)
14. Honky Tonkin' (Hank Williams)
15. You Don't Know My Mind (Jimmie Skinner) with Jimmy Martin
16. My Walkin' Shoes (Jimmy Martin, Paul Williams) with Jimmy Martin
Disco 2
1. Lonesome Fiddle Blues (Vassar Clements)
2. Cannonball Rag (Merle Travis) with Merle Travis
3. Avalanche (Millie Clements)
4. Flint Hill Special (Earl Scruggs)
5. Togary Mountain (Walter McEuen)
6. Earl's Breakdown (Earl Scruggs)
7. Orange Blossom Special (Ervin T. Rouse) with Vassar Clements
8. Wabash Cannonball (A.P. Carter)
9. Lost Highway (Leon Payne)
10. Doc Watson & Merle Travis First Meeting (Dialogue)
11. Way Downtown (Traditional, Doc Watson) with Doc Watson
12. Down Yonder (Doc Watson) with Doc Watson
13. Pins and Needles (In My Heart) (Floyd Jenkins) with Roy Acuff
14. Honky Tonk Blues (Hank Williams)
15. Sailin' on to Hawaii (Beecher Kirby) with Bashful Brother Oswald
16. I'm Thinking Tonight of My Blue Eyes (A.P. Carter)
17. I am a Pilgrim (Traditional)
18. Wildwood Flower (A.P. Carter) with Maybelle Carter
19. Soldier's Joy (John McEuen, Earl Scruggs)
20. Will the Circle Be Unbroken (A.P. Carter)
21. Both Sides Now (Joni Mitchell) with Randy Scruggs
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256. Stevie Wonder – Talking Book (1972)
Es muy fácil hablar bien de un disco que contiene "Superstition". También es fácil hablar de un disco que contiene "You Are The Sunshine Of My Life". Si sabes que el autor y extraordinario intérprete de estas canciones es además productor y arreglista de las mismas, y se encarga de tocar prácticamente todos los instrumentos, es fácil también hablar de este autor. Quiero decir: es tan fácil hablar de Stevie Wonder y de "Talking Book", que uno no sabe que decir.
"Talking Book" es el primero de los grandes discos de autor de Wonder, después de su declaración de independencia artística, que inauguraba su etapa de prodigiosa creatividad que le llevó a ser uno de los grandes creadores de los años setenta. La racha posterior de grandes obras, consolidó a Wonder como uno de los mayores genios de la música negra de todos los tiempos, un caso excepcional de niño prodigio convertido en maestro prematuro. Investigando con los incipientes sintetizadores se permitió el lujo de controlar casi todos los aspectos de su obra, mientras que progresivamente una conciencia social y política que iba a más, comenzaba a manifestarse en sus letras.
En esta ocasión el disco resulta mayoritariamente una romántica colección de canciones de amor y desamor dedicadas a Syreeta Wright, su mujer de entonces, y compañera de voces en la hermosa y rendida "You Are the Sunshine of My Life". En "Talking Book" podemos disfrutar de una serie de baladas marca de la casa, algo saturadas de azúcares ("You and I (We Can Conquer the World)", "Blame It on the Sun", "Lookin' for Another Pure Love"
, que se acercan peligrosamente al empalago, pero que se salvan gracias a la visionaria brillantez de su producción y a las extraordinarias dotes vocales de un Wonder prodigioso. Como cumbre de esta faceta del disco el cierre y esperanzador broche de oro: "I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)", preciosa y compleja balada con un estallido gospel tan febril que le hace a uno creer como Wonder entonces, que el amor carnal no sólo puede ser eterno, sino que también es una genuina vía de redención espiritual. Cuando fue escogida como cierre para los créditos finales de "Alta Fidelidad" hubo que rendirse sin condiciones ante la mano maestra con la que se escogió aquella banda sonora.
Por otro lado se percibe una incipiente vena social, que se manifestaría del todo en el siguiente álbum, entra de lleno en harina, denunciando la hipocresía de los políticos blancos recolectando votos en los barrios negros. Y en "Superstition", Wonder sermonea sobre los peligros de las creencias irracionales. Sin embargo en este caso el mensaje sucumbe al medio: uno de los mejores singles de todos los tiempos y uno de los más prodigiosos "grooves" jamás construidos. A partir de un teclado (clavinet) utilizado como instrumento casi percusivo con unos arreglos de viento sensacionales, la infección de ritmo resulta inevitable. No en vano, Wonder había escrito el tema pensando en dárselo a Jeff Beck, pero el astuto Berry Gordy olfateó el "hit" y le ordenó grabarlo rápidamente y publicarlo a su nombre. Un número uno como aquél no se podía dejar pasar.
Así que más de treinta años después, aún la prodigiosa música de Wonder, tan repleta de colorido que parece una suerte de poliédrica visión alternativa a aquella de la que el propio Wonder carece, nos puede infectar de groove y hermosos sentimientos. Un álbum imprescindible en tu colección.
1. You Are the Sunshine of My Life
2. Maybe Your Baby
3. You and I
4. Tuesday Heartbreak
5. You've Got It Bad Girl
6. Superstition
7. Big Brother
8. Blame It on the Sun
9. Lookin' For Another Pure Love
10. I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)
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257. Stephen Still – Manassas (1972)
Stephen Stills acompañado por un espectacular grupo de amigos y grabando uno de los discos más heterogéneos que jamás se hayan realizado.
Algunos acompañantes de lujo son Chris Hillman, ex Byrds y Flying Burrito Brothers; Al Perkins, miembro de los Flying Burrito Brothers y Shilo; el prestigioso batería Dallas Taylor, el no menos celebrado fiddle de Byron Berline, participante en los discos de Gram Parsons, Byrds, Flying Burrito Brothers o The Dillards. Incluso el bajista de los Rolling Stones Bill Wyman introduce su instrumento en algún tema. La intención de Stills era la creación de un supergrupo country-rock pero que tristemente sólo produjo un disco más, titulado "Down the road" (1973).
Su primer trabajo es este doble Lp, un impresionante recorrido por todos los ángulos de la música tradicional americana, temas acústicos y eléctricos que desarrollan sonidos blues, country, rock, pasajes latinos, rock'n'roll, folk o bluegrass en una sabia ejecución instrumental y vocal (las armonías de Hillman, contrapunto a la voz rota y cruda de Stills resultan admirables).
Dentro de tanta aglomeración de calidad, los temas más sobresalientes de esta obra maestra son "Song of love", "Both of us (Bound to lose)", "Fallen Eagle", la sublime "So begins the task", "It doesn't matter (una joya escrita y cantada al alimón por Stills y Chris Hillman), "Johnny's garden", "Bound to fall", "What to do" y "The Treasure", un auténtico tesoro de canción.
1. Song of Love
2. Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass
3. Jet Set (Sigh)
4. Anyway
5. Both of Us (Bound to Lose)
6. Fallen Eagle
7. Jesus Gave Love Away For Free
8. Colorado
9. So Begins the Task
10. Hide It So Deep
11. Don't Look at My Shadow
12. It Doesn't Matter
13. Johnny's Garden
14. Bound to Fall
15. How Far
16. Move Around
17. Love Gangster, The
18. What to Do
19. Right Now
20. Treasure, The - (take 1)
21. Blues Man
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258. T.Rex – Slider (1972)
La trémula voz de Bolan, los fantasmagóricos y ululantes apoyos vocales de Howard Kaylan y Mark Volman y el sabio manejo en la producción de Tony Visconti son algunos momentos álgidos de "The Slider", la excelsa continuación a su obra maestra "Electric Warrior".
El creador del glam-rock vuelve a presentar un puñado de magníficos temas que amalgaman energía rockera y mecanismo melódico fuertemente orquestado, pasajes de pujanza guitarrera con hipnóticas y cósmicas baladas ("Ballrooms of Mars" versionada por Radio Futura) y arrebatadores medios tiempos. La portada en la que aparece un Marc Bolan desenfocado es obra del "fotógrafo" Ringo Starr (el Beatle era un gran fan de la música de T. Rex además de ser un buen amigo de Bolan y director de un documental sobre la banda). En un disco redondo destacan himnos inmortales de Bolan como "Metal Guru" o "Telegram Sam".
1. Metal Guru
2. Mystic Lady
3. Rock On
4. Slider, The
5. Baby Boomerang
6. Spaceball Ricochet
7. Buick McKane
8. Telegram Sam
9. Rabbit Fighter
10. Baby Strange
11. Ballrooms Of Mars
12. Chariot Choogle
13. Main Man
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259. David Ackles – American Gothic (1972)
La escasa obra (cuatro Lps) de David Ackles es una de las más desconocidas y por tanto infravaloradas de la música popular. Es una pena que un tipo de su talento se haya visto reducido a la peligrosa etiqueta de artista de culto que es tanto como decir reservada al disfrute de unos pocos.
American Gothic" concebido como un ciclo sobre la vida contemporánea en USA, está producido por Bernie Taupin y grabado en Inglaterra, lo que le dió una adecuada perspectiva de distancia sobre unos temas profundamente enraizados en el "American way of life" como el divorcio (Waiting for the Moving Van), la guerra de Vietnam (Ballad of the Ship of State), el racismo (Blues for Billie Whitecloud) o la prostitución (American Gothic).
Musicalmente se trata de una obra de gran riqueza en la que se oyen ecos tanto de compositores clásicos americanos como Ives y Copland como de las revistas musicales de Broadway de unos Rodgers, Gershwin o Cole Porter pero siempre manteniendo la estructura de canciones con unos arreglos extraordinarios que merecen punto y aparte.
No obstante, su joya de la corona es esta obra donde su imaginación y talento se ponen al servicio de las canciones. Por último, destacaría la épica "Montana Song" y sobre todo la bellisima "Love’s Enough", para mí una de las mejores canciones del siglo XX. Descubrir este disco es hacerse uno mismo el mejor favor al que se puede aspirar.
1. American Gothic
2. Love's Enough
3. Ballad of the Ship of State
4. One Night Stand
5. Oh, California!
6. Another Friday Night
7. Family Band
8. Midnight Carousel
9. Waiting For the Moving Van
10. Blues For Billy Whitecloud
11. Montana Song
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260. The Eagles – Eagles (1st Album) (1972)
The Eagles , banda de rock clásico estadounidense que se dio a conocer en origen en Los Ángeles, California a principios de los años 70. Inicialmente su música era un híbrido entre música country e instrumentación bluegrass injertadas en armonías del surfer rock californiano, y produciendo baladas sensibles y música ligera de aroma country y pop-rock con letras que hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon. Los Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de un grupo, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y gravitó hacia un sonido claramente más rock. The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. Del este primer álbum homónimo de Eagles se desprendió el primer sencillo "Take it easy". Dando muestras de la magia que vendría a raudales en unos años más.
1. Take It Easy
2. Witchy Woman
3. Chug All Night
4. Most of Us Are Sad
5. Nightingale
6. Train Leaves Here This Morning
7. Take the Devil
8. Earlybird
9. Peaceful Easy Feeling
10. Tryin'
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261. Tim Buckley – Greetings from L.A. (1972)
Greetings from L.A. es un disco, muy apropiado, para introducirse en la obra de Tim Buckley, y que sin duda, el que no lo conozca, terminara por acceder a toda su discografía. Músico y compositor incasillable, folk, jazz, psicodelia, soul… y en su última etapa, el rock más tradicional, con influencias tan heterogéneas como Van Morrison, Byrd u otros marginados y malditos como Hank Willians o Fred Neil. La obra de Tim Buckley es corta pero intensa, con un sonido preciosista, evocador y con una voz muy especial, la cual, heredaría su hijo Jeff. Debuta en 1966, “Tim Buckey”, sorprendiendo a todos, dejando marcado las bases de lo que sería su música. Goodbye and Hello 1967 y Happy Sad son imprescindibles en la obra de Tim Buckley. En 1971 grava Starsailor, un disco enigmático, con la canción más conocida y versionada (Héroes del silencio solía abrir sus directos con este tema) en el repertorio de Buckley, “Song to the Siren”. En 1970 lanza “Blue Aftermoon” un ramillete de baladas lisérgicas y escalofriantes y “Lorca” dedicado al poeta Andaluz, para en 1972, este disco que tenemos entre manos, “Greetings from L.A.” y finalmente en plena decadencia y autodestrucción, que le llevaría a la muerte con tan solo veintiocho años, grava “Sefronia” 1973 y Look at the Fooll” 1974 . Su culto aumenta y su legado con el paso del tiempo se ha revalorizado, no es para menos… Tim Buckley se lo merece.
1. Move With Me
2. Get on Top
3. Sweet Surrender
4. Night Hawkin'
5. Devil Eyes
6. Hong Kong Bar
7. Make It Right
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262. Nick Drake – Pink Moon (1972)
Cuando Nick Drake entregó las cintas originales de "Pink Moon" en las oficinas de Island y las abandonó sin decir mucho más, en cierto modo estaba haciendo una declaración de principios. Grabado sin ningún músico de acompañamiento, con menos de media hora de duración, con un sonido espartano y simple, y unas canciones en la mayoría de las ocasiones tremendamente breves, vino a decir algo así como: "Es tan simple, yo hago una música hermosa que es imposible que no le guste a todo el mundo. ¿Cómo lo podéis hacer vosotros tan complicado?". Les pedía que se limitasen a ponerlo a la venta y dejar que su indudable excelencia pusiera las cosas en su sitio, tras los fracasos comerciales de sus primeros dos discos. En realidad, no era tan simple entonces, y lo sigue sin ser ahora. Ese es uno de los temas recurrentes a propósito Drake: su gloriosa falta de realismo. Aunque algo menos de lo que parecía en un principio, pues es verdad que la calidad de su música ha puesto las cosas poco a poco en su sitio. Eso sí, mucho después de que Drake no pudiera seguir grabando más canciones.
Gracias a la desnudez de "Pink Moon" se puede disfrutar de la pureza de las cualidades de Drake como intérprete. Tanto en su delicada (que no frágil) y serena voz, como en los originales e intrincados dibujos de su guitarra acústica se puede apreciar una clase innata, una originalidad sin aspavientos, que se impone a las directrices de un género, el folk, que trasciende como lo hacen todos los grandes con el suyo. Sus canciones resaltan por sus tempos extraños pero nunca extravagantes (toda su música es de una estructura sólida como una roca), por la búsqueda de nuevas melodías mediante afinaciones alternativas de la guitarra y por un manejo sabio, pero siempre fresco, de su voz. Las cotas de belleza que era capaz de generar con tan escasos elementos son insuperables y sorprendentes.
Ésta es otra enorme tragedia añadida a la que supuso la absoluta ignorancia que sufrió en vida, y que paulatinamente ha ido remitiendo. Hasta convertirlo en uno de los escasos artistas de culto que, de verdad, responde a su fama sobrevenida, más allá de los tics revisionistas y esotéricos de críticos y esnobs del pop. Es verdad que mereció en vida un lugar entre los ilustres de su época. Pero muchos años después, por fin le ha sido concedido con todo merecimiento uno entre los más grandes de todos los tiempos.
1. Pink Moon
2. Place to Be
3. Road
4. Which Will
5. Horn
6. Things Behind the Sun
7. Know
8. Parasite
9. Free Ride
10. Harvest Breed
11. From the Morning
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263. Paul Simon – Paul Simon (1972)
El cantante y compositor Paul Simon nació en EE.UU. en 1941. Se convirtió en superestrella con el dúo de folk-rock Simon & Garfunkel, muy recordados por su canción "Bridge Over Troubled Water" (1970). Tras su separación, Simon inició una carrera en solitario que despegó con el lanzamiento en febrero de 1972 de su disco “Paul Simon”. En realidad no era su primer álbum en solitario ya que en 1965 había grabado el disco Paul Simon Song Book que se publicó únicamente en Gran Bretaña. Lo que si viene a ser, es el primer LP de Paul tras la ruptura del dúo, un disco heterogéneo en el que el autor toca muchos palos musicales distintos, tanto para marcar una diferencia con la etapa anterior como para tantear sus propias posibilidades y demostrar que era versátil. Así aparecen en el mismo el reggae, la música sudamericana, el blues, el jazz, el country y el calypso. Fue disco de oro, vendiendo más de 1 millón de copias y alcanzando el puesto 4 en las listas. Como singles se extrajeron los temas más destacados: Mother & Cild Reunion (puesto 4 en las listas); Me & Julio Down By The Schoolyard (puesto 22) y Duncan (puesto 52).
1. Mother and Child Reunion
2. Duncan
3. Everything Put Together Falls Apart
4. Run That Body Down
5. Armistice Day
6. Me and Julio Down by the Schoolyard
7. Peace Like a River
8. Papa Hobo
9. Hobo's Blues
10. Paranoia Blues
11. Congratulations
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264. Roxy Music – Roxy Music (1972)
Formación de éxito liderada por un auténtico dandy del pop-rock, Bryan Ferry (nacido el 26 de septiembre de 1945 en Durham), la cual fue cambiando de estilo a medida que iba avanzando su trayectoria, del art-rock al glam, del rock al pop con elementos soul y electrónicos.
Iniciaron sus pasos musicales en 1971 cuando a Ferry , estudiante de arte se le unieron el bajista Graham Simpson, el saxo Andy Mackay, Brian Eno (nacido el 15 de mayo de 1948 en Suffolk) a los teclados, el guitarrista Davy O'List -ex-The Nice- y el batería Paul Thompson (brevemente estuvieron el guitarrista Roger Bunn y el percusionista Dexter Lloyd). El guitarra Phil Manzanera, uno de sus componentes más afamados se incorporaría un año más tarde sustituyendo a O'List.
"Roxy Music" su primer trabajo para Islands producido por Peter Sinfield supuso un gran e inesperado triunfo comercial, que los llevo hasta el puesto número 10 de las listas. En este disco mezclan la música más pop con la vanguardia y el rock. Muchos efectos de sintetizadores y máquinas por Eno y la guitarra ruidosa de Manzanera, más clarinete y la titilante voz de Ferry hacen de este un buen disco, glam, taquilla y alternativo.
1. Re-Make/Re-Model
2. Ladytron
3. If There Is Something
4. Virginia Plain
5. 2 H.B.
6. Bob, The (Medley)
7. Chance Meeting
8. Would You Believe?
9. Sea Breezes
10. Bitters End
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265. Alice Cooper – School’s Out (1972)
Después de “Love It To Death” y “Killer”, Alice Cooper publicaron “School’s Out”, un LP con una serie de impresiones y remembranzas escolares de Cooper marcadas por la ironía y el deje teatral tan característico del grupo.
El disco, producido por Bob Ezrin, se inicia con el clásico “School’s Out”, una valiosa pieza rock garajero de base blues y afilado riff de Glenn Buxton con soflama de exaltación libertaria juvenil tras el fin del curso escolar. Todo un himno del adolescente harto de los libros y los profesores.
“Gutter Cats vs. The Jets” es un ambicioso tema glam-rock que revisita en clave jocosa el musical “West Side Story”, basado en el enfrentamiento entre pandillas de diferente procedencia. De compleja estructura y prominencia de los teclados del propio productor Boz Ezrin, es uno de los cortes más interesantes del LP.
Después del instrumental “Street Fight” aparece “Blue Turk”, un gozoso tema que podría ser escrito para un número musical de Broadway. De esencia jazzística y realce sonoro de los saxos y trompetas, podría estar interpretado por el mismísimo Frank Sinatra.
“My Stars” es una pieza rock de cierta intensidad y un piano contagioso pero en general carece de trascendencia lírica e instrumental.
“Public Animal #9” es un vibrante tema a lo Rolling Stones de comienzos de los 70 en el cual se subraya la rebeldía adolescente siempre desde un agradecido sentido del humor.
“Alma Mater”, fantástica balada con ecos de Paul McCartney escrita por el batería Neal Smith, es uno de los mejores cortes del álbum. Retoman la psicodelia con la distorsión vocal, introducen armonías vocales y se ponen nostálgicos sin perder la ironía.
El disco se cierra con el instrumental “Grand Finale”, pieza que recupera la sección de viento, la cual en comunión con la cuerda y los demás instrumentos consigue crear una densa y épica atmósfera, realmente atractiva.
School's Out llego a estar en el puesto 7 en el Billboard Hot 100, en el puesto 2 en el Billboard 200 y en el puesto 1 en el UK Singles Chart durante las tres semanas en agosto de 1972.
1. School's Out
2. Alma Mater
3. Blue Turk
4. Grande Finale
5. Gutter Cat Vs. the Jets
6. Luney Tune
7. My Stars
8. Public Animal #9
9. Grande Finale
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266. The Temptations – All Directions (1972)
Hay mucha confusión sobre diversos detalles de la génesis del grupo, aunque la mayoría de las versiones coinciden en los sustancial. Los componentes de The Temptations en el momento de la grabación del disco eran: Dennis Edwards , Damon Harris, Richard Street, Melvin Franklin y Otis Williams.
Este álbum era el segundo que editaban en 1972, tras "Solid Rock", el cual incluía una versión de Bill Whiters "Ain't no sunshine" y el hit "Superstar" y "The end of the road".
"All directions" se editó el 27 de julio de 1972, bajo la producción de Norma Whitfield, y con la instrumentación de la banda asidua de Motown, the Funk Brothers. En poco más de 30 minutos de álbum consiguieron dar brillo nuevamente a su carrera, tras el poco éxito de su trabajo anterior.
Este álbum es el último de The Temptations en el que Barrett Strong trabaja como compositor, ya que muy poco después abandonó Motown para reemprender su carrera como solista. El disco está cargado de carga social y política, con temas que demuestran el "black power", como "Papa Was a Rollin' Stone" o "Run Charlie Run". En el disco, quien menos aparece es Otis Williams, el cual solo interviene en dos de los temas; además él y Melvin Franklin son los únicos que no cuentan con un tema en solitario. con este álbum "All directions", se confirmaría una vez más a la banda como uno de los grandes gigantes del soul.
1. Funky Music Sho' Nuff Turns Me On
2. Run Charlie Run
3. Papa Was a Rollin' Stone
4. Love Woke Me up This Morning
5. I Ain't Got Nothing
6. First Time Ever I Saw Your Face
7. Mother Nature
8. Do Your Thing
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267. David Bowie – Rise & Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)
Una trayectoria tan extensa y sorprendente como la del camaleónico David Bowie ha conocido etapas muy diferentes, las cuales muestran el talento creativo y desarrollo imaginario de un artista en continua evolución y experimentación sonora.
Quizás de entre todas esas etapas la que más popularidad y reconocimiento le ha otorgado sea el periodo como estrella del glam-rock, influyente movimiento musical y estético del que Bowie se convirtió en su más relevante intérprete y en el que se introdujo atraído por la música del grupo de su amigo Marc Bolan, líder del grupo T. Rex.
Dentro de esa fase se encuadra "The rise and fall of Ziggy Stardust", probablemente la obra cumbre de su carrera y una de las cimas del estilo británico, en donde encontramos una espectacular exhibición lírica y melódica en interpretaciones cargadas de intensa emotividad, atmosférica imaginería y riqueza descriptiva, beneficiadas por las aptitudes instrumentales del pianista Rick Wakeman y el guitarrista Mick Ronson, pieza clave en el sonido del disco.
El álbum gira en torno a la figura de Ziggy Stardust, sugerente alien de ambigua sexualidad y ansias de rock star, introductor y protagonista de la sensual y galáctica materia con destino apocalíptico, desarrollado en gemas como "Moonage Daydream", "Ziggy Stardust", "Rock'n'roll suicide", la climática "Five years", las espaciales baladas "Soul love" y "Lady stardust", el sublime estribillo de "Starman" y el frenético ritmo de "Star", "Hang on to yourself" y "Suffragette city", temas en los que el toque glam resulta más palpable.
Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock. También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.
Para algunos el mejor disco del siglo XX, no se puede escapar de entre los discos más importantes jamás creados, la obra cumbre del glam de Bowie. Es oro de esos discos conceptuales de los 70, en los que se cuenta una historia, y en el que cada canción se asimila a un capítulo de un libro.
1. Five Years
2. Soul Love
3. Moonage Daydream
4. Starman
5. It Ain't Easy
6. Lady Stardust
7. Star
8. Hang on to Yourself
9. Ziggy Stardust
10. Suffragette City
11. Rock 'N' Roll Suicide
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268. War – World is a Ghetto (1972)
La noche antes de su muerte, Jimi Hendrix tocó en directo, secundado por una incendiaria banda californiana que acompañaba al cantante británico Eric Burdon. Dos años después, ya sin Burdon en su formación, War publicaban en el sello United Artists The world is a ghetto, su primera obra maestra y una de las referencias imprescindibles de la encrucijada soul/funk/black rock.
Como Mandrill y Santana, aunque más arrimados a la escuela del funk callejero, War enarbolaron la bandera del rock negro y chicano de la Costa Oeste con discos como All day music, The world is a ghetto, Live, Why can’t we be friends? o Platinum jazz, la clase de sonidos que uno espera escuchar al ver el dibujo de portada de este álbum magistral: seis músicos negros y uno blanco (el armonicista y percusionista danés Lee Oskar) liderados por el gran Lonnie Jordan, traduciendo el pálpito de los suburbios de Los Ángeles al lenguaje del rock negro, el mismo trabajo desarrollado en otras latitudes por The Isley Brothers, The Ohio Players y Funkadelic. No hay puntos muertos ni respiros en The world is a ghetto, ni siquiera en los temas más cercanos al jazz latino (“Beetles in the bog”, con su aire de marcha, y el sensacional “City, country, city”, un instrumental proteico escrito originalmente para la película Nigger Charlie), pero sí hay dos piezas sobresalientes, tanto por su repercusión comercial inmediata (Top 2 y 7 respectivamente en las listas de pop) como por su extraordinaria fuerza: “Cisco Kid”, una parábola colorista y mestiza dedicada a un héroe televisivo mexicano, famoso en los años 50; y “The world is a ghetto”, impresionante mosaico multicultural en clave de funk/jazz latino, con un estribillo coral estremecedor y un extraño olor a desolación y a miseria sin salida.
1. The Cisco Kid
2. Where Was You At
3. City, Country, City
4. Four Cornered Room
5. World Is a Ghetto, The
6. Beetles in the Bog
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269. Al Green – Let’s Stay Together (1972)
Al Green, como otros muchos, es un cantante de soul surgido del gospel. Pero, tal vez, sea el único comparable a Sam Cooke por su elegancia vocal y su atractivo personal. En este disco, el cuarto de su carrera, nos lleva al éxtasis con su voz angelical, acariciando las melodías con susurros, conteniendo toda su energía, dosificando los sentimientos y dando a las canciones un aire de voluptuosidad impresionante. Las guitarras y la sección de vientos completan el aderezo necesario para hacer de este álbum una grata recomendación.
Alcanzando su apogeo con este Let’s Stay Together en 1972,, con la canción que le daba título, alcanzó el nº 1 en las listas del Billboard, aunque el resto del disco tampoco dejan de ser grandes temas.
1. Let's Stay Together
2. La-La For You
3. So You're Leaving
4. What is This Feeling?
5. Old Time Lovin'
6. I've Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)
7. How Can You Mend a Broken Heart?
8. Judy
9. It Ain't No Fun To Me
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270. Rolling Stones – Exile on Main St (1972)
Los Stones encumbrados en lo más alto y atravesando por una de sus etapas de mayor profusión creativa publican este magistral trabajo, una jubilosa amalgama de rock, country (profundizando en este estilo gracias a la amistad de Keith Richards con Gram Parsons), blues y gospel, que proporciona sublimes instantáneas sónicas apoyadas por la descarnada producción de Jimmy Miller y que, como suele pasar con muchos discos trascendentes, se aborrecen en la primera escucha y se aman al límite en sucesivas escuchas, convirtiéndose en el favorito del grupo y en el más influyente de su carrera.
Vibrantes, densas y desaseadas piezas de rock’n’roll enraizadas en los sonidos tradicionales americanos como la soberbia Rocks off", "Rip this joint", el single "Tumbling dice", "Sweet Virginia" (memorable armónica de Jagger y colaboración no acreditada del mismísimo Parsons), la acústica "Sweet Black Angel" (con el productor Jimmy Miller a la percusión), una retozona pieza cantada por Keith Richards llamada "Happy", la extraordinaria balada "Let it loose" (con un notable acompañamiento vocal), "Ventilator blues", "All down the line", el regusto blues de "Stop breaking down" o la espléndida "Shine a light", dejan constancia de la gran versatilidad y estatura como compositores y músicos de los Rolling Stones, destacando el memorable duelo guitarrero entre Keith Richards y Mick Taylor.
El quinteto se encuentra acompañado por nombres esenciales en sus formas sonoras como sus habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keyes, Billy Preston o Jim Price, quienes en jubilosa sinergia con los protagonistas principales crean una imperecedera e imprescindible obra maestra, uno de las cúspides de la historia del rock.
Considerado uno de los mejores trabajos realizados por el grupo, la crítica lo coloca como el mejor, y uno de los discos más importantes de la historia del rock. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 7 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Rocks Off
2. Rip This Joint
3. Shake Your Hips
4. Casino Boogie
5. Tumbling Dice
6. Sweet Virginia
7. Torn and Frayed
8. Sweet Black Angel
9. Loving Cup
10. Happy
11. Turd On the Run
12. Ventilator Blues
13. I Just Want To See His Face
14. Let It Loose
15. All Down the Line
16. Stop Breaking Down
17. Shine a Light
18. Soul Survivor
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271. Lynyrd Skynyrd – Pronounced Leh-nerd Skin-nerd (1973)
Junto a la Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd es el grupo más importante que ha conocido el rock sureño, un estilo musical basado en la emulsión de blues-rock, country, boogie, honky tonk y rock'n'roll, y en una apostura personal que subraya sus raíces telúricas-confederadas, de finalidad reinvidicativa y lúdica. Las primeras semillas de Lynyrd Skynyrd fueron diseminadas a mitad de la década de los 60, cuando un grupo de estudiantes de Jacksonville, ciudad del estado de Florida, decidieron formar una banda a la que llamaron My Backyard.
Con posterioridad, poco conformes con su nombre, se fueron denominando The Noble Five, Wild Cats, Sons of Satan, Once Percent, Conqueror Worm y finalmente Lynyrd Skynyrd, nombre tomado de su profesor de gimnasia en el instituto, un tipo malhumorado llamado Leonard Skinner.
El grupo estaba compuesto por el cantante y guitarrista Ronnie VanZant, los guitarristas Allen Collins y Gary Rossington, el bajista Leon Wilkeson (que sustituyó a Larry Junstrom), el teclista Billy Powell, y el batería Bob Burns.
Tras patearse los locales de varios estados sureños, consiguieron llamar la atención de Al Kooper, el ex miembro de Blood, Sweat & Tears que después de contemplar un concierto del grupo en el club Funocchio's de Atlanta, les propuso firmar un contrato discográfico con la MCA.
Poco antes de su incorporación a la MCA se les unió otro guitarrista, Ed King, un antiguo componente de la banda psicodélica Strawberry Alarm Clock.
El talento del vocalista Ronnie VanZant en la composición, con textos urdidos en su autoafirmación redneck en los que había cabida para el humor, la nostalgia, la algazara o el sentimiento, y el triplete de guitarristas conformado por Ed King con su Fender Stratocaster, Allen Collins con su Gibson Firebird, y Gary Rossington con su Gibson Les Paul, fueron los cimientos básicos de su primer LP, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" , una obra maestra del rock sureño producida por el propio Al Kooper.
Entre sus ocho temas destacan cortes como "Gimme three steps", "Tuesday's gone" y "Freebird", una pieza compuesta en homenaje al guitarrista fallecido de los Allman Brothers, Duane Allman, que se convirtió en uno de los grandes clásicos del grupo de Florida.
El 20 de octubre de, Ronnie VanZant, Steve Gaines, Cassie Gaines y el manager Din Kilpatrick fallecían tras un accidente aéreo cuando el grupo volaba desde Greenville hacia Baton Rouge. Los demás miembros del grupo resultaron heridos, pero finalmente se recuperaron. Este golpe fue definitivo para la disolución de la banda, pues sin su alma mater compositivo no tendría sentido continuar la trayectoria musical como Lynyrd Skynyrd. Al conmemorarse los diez años del trágico accidente que puso punto y final a la banda, Gary Rossington, Ed King, Leon Wilkeson y Billy Powell volvieron a girar con el nombre de Lynyrd Skynyrd Tribute Tour, incorporándose a la banda el hermano menor de Ronnie, Johnny VanZant y un tercer guitarrista llamado Randall Hall.
1.I Ain't the One
2.Tuesday's Gone
3.Gimme Three Steps
4.Simple Man
5.Things Goin' On
6.Mississippi Kid
7.Poison Whiskey
8.Free Bird
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272. Incredible Bongo Band – Bongo Rock (1973)
Incredible Bongo Band es un proyecto iniciado por Michael Viner en 1972 y que consiste en interpretar varios temas ya reconocidos pero básicamente utilizando primordialmente percusiones, congas, bongos, etc. The Incredible Bongo Band, la banda instrumental de Michael Viner sólo editó dos discos, Bongo Rock en el 73 y Return Of The Incredible Bongo Band, un año más tarde. Su sonido es característico por el protagonismo de las percusiones, bongos y congas. Entre sus músicos destacan; el batería del grupo, Jim Gordon, uno de los mejores músicos de sesión de la época, y King Errison, el culpable de que los bongos suenen así de mágicos.
A pesar de su corta carrera, la banda dejó huella gracias a la versión de “Apache“, original de The Shadows, que hoy es como un himno del Hip Hop. Primero versionó Apache Sugarhill Gang (la versión que bailaban Carlton y Will en El Principe de Bel-Air), y los primeros en samplear Apache fueron los pioneros Kool Herc y Grandmaster Flash. Desde entonces muchísimos productores han incluido algún sample del tema en sus instrumentales.
Aquí se puede escuchar desde el clásico “In-A-Gadda-Da-Vida” de Iron Butterfly, “Apache” de los Shadows, “Let There Be Drums” de Sandy Nelson. Muy buen disco que también incluye saxofones, teclados y hasta sirve de base para el hip hop.
1. Let There Be Drums
2. Apache
3. Bongolia
4. Last Bongo In Belgium
5. Dueling Bongos
6. In-A-Gadda-Da-Vida
7. Raunchy '73
8. Bongo Rock
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273. David Bowie – Aladdin Sane (1973)
El disco que continuó a su exitoso "Ziggy Stardust" fue otra gran obra de un David Bowie en plena explosión glam, que aunque no incidió en el diseño conceptual de su pretérito trabajo, sí volvió a ambientar sus cortes en un mundo decadente y de ambigua caracterización, teatralidad en su esencia artística, y sobre todo, hedonismo y evasión sexual.
El LP acomoda piezas rock de espíritu stoniano con ritmos efervescentes, sensualismo en su vocalidad y estribillos pegadizos, ensanchando sus posturas glam con retazos blues, jazz, avant-gardé y doo wop.
"Aladdin Sane" se abre con "Watch that man", un corte rock al más puro estilo Rolling Stones, con una vívida interacción entre la punzante guitarra de Mick Ronson, los saxos de Bowie y Ken Fordham, y el piano de Mike Garson, virtuoso instrumentista que brilla a lo largo de todo el álbum, en especial en el título homónimo, una sugerente balada de fascinante estribillo y estructura, con elementos jazz.
"Drive in Saturday" es una de los temas más famosos del disco y una preciosa canción escrita en principio para Mott The Hoople que recupera sonidos de finales de la década de los 50 y comienzos de los 60, empleando efectivos coros de reminiscencias doo wop.
"Panic in Detroit" viene marcada por un magnífico trabajo en la percusión de Mick Woodmansey y una interesante lírica de miramiento social sobre unos iterativos ritmos rock a lo Bo Diddley.
Dos de las cumbres del disco son "Cracked actor", estimulante tema rock de irresistible estribillo, y "Time", dramática pieza cabaretera.
"The Prettiest Star" es una sencilla y elegante canción dedicada a su esposa Angie, con un soberbio saxo acariciando la melodía y de nuevo coros de herencia doo wop.
La versión de los Stones "Let's spend the night together" es el corte más flojo del LP, a pesar de ser ejecutado con intensidad y fuerza, y ofertar unos curiosos arreglos futuristas. Esta última canción es el preludio de las dos últimas y magníficas piezas disco.
"The Jean Genie", vibrante tema blues-rock con un riff idéntico al "Blockbuster" de The Sweet, y la maravillosa tonada "Lady Grinning Soul", canción de estupenda melodía con Garson a un piano clásico, un Ronson espléndido en su interpretación guitarrera, y un Bowie hipnótico en su sensual interpretación vocal.
Fue una de los seis entradas de Bowie en la lista de Rolling Stone de los mejores álbumes de todos los tiempos (aparecía en la posición 277) y se situó en el puesto 77 en la lista de Pitchfork Media de los mejores cien discos de los años 70.
1 Watch That Man
2 Aladdin Sane
3 Drive In Saturday
4 Panic In Detroit
5 Cracked Actor
6 Time
7 The Prettiest Star
8 Let's Spend The Night Together
9 The Jean Genie
10 Lady Grinning Soul
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274. King Crimson – Lark’s Tongues in Aspic (1973)
"Lark's Tongues in Aspic" . Posiblemente el disco perfecto de King Crimson. Este contiene en su nucleo el formato de músicos más memorable de la agrupación. Bill Bruford en la batería y John Wetton en el bajo junto a David Cross, Jamie Muir Y Fripp logran producir la más infame pieza (dividida en 4 partes que luego seguirán surgiendo con el tiempo) de rock progresivo que jamás he escuchado. Los acordes en el comienzo de Lark's Tongues... evocan las más extravagantes piezas de Igor Stravinsky y hasta Mussorgsky. Carece de la potencia tonal del disco "Red" del año siguente pero es el único disco de esta agrupación que lleva una genuina concordáncia de disco conceptual. Escuchar este disco es como salir de safari por un terreno ondulado, espinoso, lleno de pendientes frenéticas. Bien podría decirse que estamos ante la versión postmoderna de la "Divina Comedia": FRIPP y compañía, como modernos Virgilios, nos tienden la mano y nos sirven de guía en la experimentación de este enorme catálogo de antonimias, de dualidades. Hay de todo aquí: hay soledad y hay abandono, hay cinismo y hay furia; hay momentos reflexivos y hay momentos violentos. Hay de todo, pero nada es gratuito. Aquí tenemos la versión de un King Crimson nuevo, revitalizado, vuelto hacia adentro, egoísta, autocomplaciente. Como debe ser.
Aquí tenemos la versión de un Crimson que tiene el coraje de reinventarse desde su propia esencia, de seguir siendo el mismo siendo otro. Aquí tenemos un disco sin concesiones ni respiros. Música que oscila entre la violencia y la sutileza. Música que ocupa no solo todo el espacio, sino toda la mente, y que - al final - nos devuelve a un mundo muy distinto al de antes. Esta no es una experiencia sonora, es una experiencia onírica. Un pequeño viaje a las profundidades del averno. Invitado estás, compañero.
1. Larks' Tongues in Aspic, Pt. 1
2. Book of Saturday
3. Exiles
4. Easy Money
5. Talking Drum
6. Larks' Tongues in Aspic, Pt. 2
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275. Bob Marley & the Wailers – Catch a Fire (1973)
Si hubiera que elegir un disco de reggae para mostrarle a alguien ajeno al género, Catch a Fire sería una excelente elección. No sólo porque sus canciones son prácticamente invencibles, también por el hecho de que fue uno de los primeros discos de este estilo en obtener una repercusión a nivel internacional, esto es; fuera de la isla de Jamaica.
De algún modo, Catch a Fire es el patrón con el que están hechos todos los discos de Marley; las temáticas se reparten en tres o cuatro grupos principales: están las canciones de amor, tanto a nivel individual como universal, las de neto corte “combativo”, con diatribas dirigidas a los organismos -e individuos- ostentando el poder de turno, y también las odas a la ganja y a la religión (dos aliados indisociables en la cultura rastafari).
"Concrete Jungle" revela con una metáfora muy simple- la vida en las ciudades y su interminable desfile de injusticias y ridiculeces y es una de las canciones emblema de este trabajo, está ubicada en primer lugar y siguió apareciendo esporádicamente en los shows en vivo, incluso en el pico de la fama internacional de los Wailers, a fines de la década.
"Stir It Up" es el hit, el que todo el mundo conoce, aquel que es capaz de hacer bailar con una sonrisa al mas reacio. Una de las facetas más pasadas por alto en la lírica de Marley, la libidinosa, siempre presente, manejada con sutileza y administrada en sabias dosis.
Catch a Fire tiene una importancia histórica muy difícil de evaluar o calcular, lo cierto es que convirtió a Marley en una verdadera estrella internacional proveniente de un país subdesarrollado, que pavimentó el camino para la carrera solista de Peter Tosh e hizo que los músicos de rock angloparlante se detuvieran un segundo a prestar atención al increíble sonido dulzón del reggae de Bob Marley & the Wailers.
1. Concrete Jungle
2. Slave Driver
3. 400 Years
4. Stop That Train
5. Baby We've Got A Date (Rock It Baby)
6. Stir It Up
7. Kinky Reggae
8. No More Trouble
9. Midnight Ravers
10. High Tide Or Low Tide
11. All Day All Night
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1001 discos que debes escuchar antes de morir (on line)
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Si Lou Reed simplemente hubiese firmado este soberbio disco (dejando al margen sus influyentes grabaciones con la Velvet Underground) ya ocuparía un lugar de honor en la historia del rock. Se trata de un álbum con parte de las constantes temáticas del compositor neoyorquino (travestis, prostitutas, homosexuales, drogadictos, extraños personajes...) que grabó en asociación con David Bowie y Mick Ronson.
La perspectiva urbano-sexual, tan cínica como melancólica, ambigua o provocadora, de la escritura de Reed, se ve enriquecida con la teatralidad glam-rock de Bowie/Ronson para ofertar joyas como "Vicious", "Perfect Day", "Make Up", "Satellite Of Love", "New York Telephone Conversation" y el gigante clásico (utilizado no en pocas ocasiones en anuncios televisivos) "Walk On The Wild Side". canción que fue un éxito inmediato y se ha convertido en la canción más popular de Lou Reed.
Si la producción conjunta de los dos citados es excelente, hay que expresar una especial mención para Mick Ronson (ya que muchas veces sólo se menciona a Bowie), quien además de producir, arregla las cuerdas y el bajo, toca la guitarra y el piano, convirtiéndose en pieza esencial para la consecución del heterogéneo sonido.
Klaus Voorman y Herbie Flowers (que introduce una magnífica tuba, además del bajo) son otros imprescindibles componentes para lograr una perfecta interactuación entre grandes músicos que consuman un trabajo magistral lleno de ingenio, ironía y ecléctico muestrario sonoro, que va tanto del glam-rock o el pop pasando por el hard-rock o el jazz con aromas cabareteros.
“Transformer” es, sin duda, un disco especial y distinto. Imperfecto e irrepetible, nos muestra un lado de Lou Reed que no volveríamos a ver jamás. Y la verdad es que, a veces, se echa de menos.
1. Vicious
2. Andy´s chest
3. Perfect Day
4. Hangin´g round
5. Walk on the wild side
6. Make up
7. Satellite of love
8. Wagon wheel
9. New York telephone conversation
10. I´m so free
11. Goodnight ladies
12. Hangin´g round (acoustic demo)
13. Perfect day (acoustic demo)
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252. Hugh Masekela – Home is Where the Music Is (1972)
El músico de jazz, Hugh Masekela, nació en 1939 en Wittbank, Sudáfrica. Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band, pero Trevor Huddleston fue deportado a causa de su posición abiertamente anti-apartheid. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961. Su carrera despegó verdaderamente en EE.UU. Su mezcla de pop/jazz africano, tuvo tanto éxito que fundó su propio sello discográfico, Chisa, a mediados de los años sesenta. Colaboraría con artistas de la talla de Fela Kuti y Paul Simon. Esta grabación de inicios de los 70´s, es una muestra del más puro estilo de jazz, aún más que las grabaciones deMasekela de principios del decenio de los 80´s cuando hubo la mezcla de distintas cepas de África tribal o tradiciones culturales. Cuenta con varios temas compuestos por Caiphus Semenya, lo cual se ha convertido en habitual de Masekela.
1. Part Of A Whole
2. Minawa
3. The Big Apple
4. Unhome
5. Maseru
6. Inner Crisis
7. Blues For Huey
8. Nomali
9. Maesha
10. Ingoo Pow-Pow (Children's Song)
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253. Milton Nascimento & Lo Borges – Clube da Esquina (1972)
Milton Nascimento , cantante, compositor y guitarrista brasileño. Su ámbito de interés musical es amplio y abarca la música popular brasileña, la samba, el pop, el rock, y la fusión musical con diversas tradiciones musicales internacionales.
En 1972 colaboró con compositores como Marcio Borges, Fernando Brant, Ronaldo Bastos y otros amigos para grabar Clube Da Esquina, un disco doble del que surgieron tres sencillos muy exitosos como "Cais (Dock)" y "Cravo e Canela". Las canciones siguen siendo grabadas en la actualidad y se han convertido en estándares en Brasil. Desde que Milton empezó a grabar de forma independiente en 1967 para el sello Codil, ha escrito y grabado 28 discos.
1. Tudo Que Você Podia Ser
2. Cais
3. O Trem Azul (The Blue Train)
4. Saídas E Bandeiras No. 1
5. Nuvem Cigana (Gipsy Cloud)
6. Cravo É Canela
7. Dos Cruces
8. Um Girassol da Cor de Seu Cabelo
9. San Vicente
10. Estrelas
11. Clube da Esquina, No. 2
12. Paisagem da Janela
13. Me Deixa Em Paz
14. Os Povos
15. Saídas E Bandeiras No. 2
16. Um Gosto de Sol
17. Pelo Amor de Deus
18. Lilia
19. Trem de Doido
20. Nada Será Como Antes
21. Ao Que Vai Nascer
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254. Todd Rundgren – Something/Anything (1972)
Buen cantante, excelente compositor, gran pianista, interesantísimo ingeniero y productor, todo esto y además hace maravillas en la guitarra. Descubrimos uno de sus mejores trabajos de los 70`s , nos referimos a una de sus tantas obras maestras: Something/Anything
Todd es un músico norteamericano que se caracterizó en ser un incansable experimentador de las diferentes técnicas de grabación de instrumentos. Siempre tubo al alcance de sus manos toda la tecnología de punta para tales fines. Además es un gran músico bien rockero, de esos que aportan discos inteligentes. Compuso, entre otras cosas, el tema Influencia (Ifluenza) que luego grabaría Charly Garcìa en el disco homónimo.
Desde sus inicios con la banda Nazz, demostrò una inteligencia e intensidad creativa admirables, tanto como solista como también con su proyecto paralelo: la banda Utopia.
En este trabajo Todd abre un abanico de múltiples sonidos que recorren diferentes estilos rockeros. Todo esto dividido en cuatro partes, en las primeras tres toca todos los instrumentos. Descubrimos sus grandes composiciones como "I saw the light" (con pizcas de la naturalidad de la bossa-nova), la genial melodía a lo S. Wonder de "One More day (no word)" el salvajismo de "Little red Lights" y de "Black María", la inspiradísima y creciente "Torch Song" o la nueva versión de la gigantesca "Hello it`s me" ya grabada en los tiempos de Nazz.
La cuarta parte es la parte ejecutada con banda. Comienza presentando sus raíces o influencias musicales. Se pasea por lindas baladas como "Dust in the Wind" o bien rockean en temas como "Some folks is even wither than me".
El disco mas cotizado y el más largo de Rundgren que incluye éxitos de Rundgren como "Couldn't I Just Tell You", "I Saw The Light", "Wolfman Jack" y su éxito más grande "Hello It's Me" que alcanzo el lugar "5" en el "Billboard Hot 100". Este disco alcanzo el lugar 29 en el "Billboard 200" durando en este lugar por tres años luego de su lanzamiento, después certificado como oro. En 2003 se posiciono en el lugar 173 en el listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Rundgren tocó todos los instrumentos en las grabaciones de este disco.
Disco 1:
1. I Saw the Light
2. It Wouldn't Have Made Any Difference
3. Wolfman Jack
4. Cold Morning Light
5. It Takes Two to Tango (This Is for the Girls)
6. Sweeter Memories
7. Intro
8. Breathless
9. The Night the Carousel Burned Down
10.Saving Grace
11.Marlene
12.Song of the Viking
13.I Went to the Mirror
Disco 2:
1. Black Maria 2. One More Day (No Word)
3. Couldn't I Just Tell You
4. Torch Song
5. Little Red Lights
6. Overture—My Roots: Money (That's What I Want) / Messin' with the Kid
7. Dust in the Wind
8. Piss Aaron
9. Hello It's Me
10.Some Folks Is Even Whiter Than Me
11.You Left Me Sore
12.Slut
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255. Nitty Gritty Dirt Band – Will the Circle Be Unbroken (1972)
The Nitty Gritty Dirt Band se formó en el sur de California durante la primavera de 1966, como una joven banda desaliñada. Cuarenta y dos años más tarde, el cuarteto (Jeff Hanna, Jimmie Fadden, Bob Carpenter y John McEuen) sigue activo.
“Will the Circle Be Unbroken “ Es un álbum recopilatorio donde la Nitty Gritty Dirt Band, se reunen con un montón de amigos para tocar los grandes clásicos del country, como Randy Scruggs, Roy Huskey Jr., Jerry Douglas, Mark O'Connor, Chet Atkins, Sam Bush, Vassar Clements (a alguien le suena esta gente?), Bela Fleck, Bernie Leadon, John McEuen, Buck White, Roy Acuff, Paulette Carlson, The Carter Family, Johnny Cash (bueno, uno conocido), June Carter Cash, Rosanne Cash, John Denver, Emmylou Harris, Levon Helm, John Hiatt, Chris Hillman, Bruce Hornsby, Jimmy Martin, Roger McGuinn, Michael Martin Murphey, New Grass Revival, John Prine, Earl Scruggs y Ricky Skaggs.
El cambio radical en su suerte llegó con este su mágico Will the circle be unbroken", que pronto vende 1 millón de copias, una obra que hoy en día sigue siendo pieza clave en la historia de la Música Country.
Disco 1
1. Grand Ole Opry Song (Hylo Brown) with Jimmy Martin
2. Keep on the Sunny Side (A.P. Carter, Gary Garett) with Maybelle Carter
3. Nashville Blues (Earl Scruggs)
4. You Are My Flower (A.P. Carter)
5. The Precious Jewel (Roy Acuff) with Roy Acuff
6. Dark as a Dungeon (Merle Travis) with Merle Travis
7. Tennessee Stud (Jimmie Driftwood) with Doc Watson
8. Black Mountain Rag (Traditional)
9. Wreck on the Highway (Dorothy Dixon) with Roy Acuff
10. The End of the World (Fred Rose)
11. I Saw the Light (Hank Williams) with Roy Acuff
12. Sunny Side of the Mountain (Byron Gregory, Harry McAuliffe)
13. Nine Pound Hammer (Merle Travis)
14. Honky Tonkin' (Hank Williams)
15. You Don't Know My Mind (Jimmie Skinner) with Jimmy Martin
16. My Walkin' Shoes (Jimmy Martin, Paul Williams) with Jimmy Martin
Disco 2
1. Lonesome Fiddle Blues (Vassar Clements)
2. Cannonball Rag (Merle Travis) with Merle Travis
3. Avalanche (Millie Clements)
4. Flint Hill Special (Earl Scruggs)
5. Togary Mountain (Walter McEuen)
6. Earl's Breakdown (Earl Scruggs)
7. Orange Blossom Special (Ervin T. Rouse) with Vassar Clements
8. Wabash Cannonball (A.P. Carter)
9. Lost Highway (Leon Payne)
10. Doc Watson & Merle Travis First Meeting (Dialogue)
11. Way Downtown (Traditional, Doc Watson) with Doc Watson
12. Down Yonder (Doc Watson) with Doc Watson
13. Pins and Needles (In My Heart) (Floyd Jenkins) with Roy Acuff
14. Honky Tonk Blues (Hank Williams)
15. Sailin' on to Hawaii (Beecher Kirby) with Bashful Brother Oswald
16. I'm Thinking Tonight of My Blue Eyes (A.P. Carter)
17. I am a Pilgrim (Traditional)
18. Wildwood Flower (A.P. Carter) with Maybelle Carter
19. Soldier's Joy (John McEuen, Earl Scruggs)
20. Will the Circle Be Unbroken (A.P. Carter)
21. Both Sides Now (Joni Mitchell) with Randy Scruggs
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256. Stevie Wonder – Talking Book (1972)
Es muy fácil hablar bien de un disco que contiene "Superstition". También es fácil hablar de un disco que contiene "You Are The Sunshine Of My Life". Si sabes que el autor y extraordinario intérprete de estas canciones es además productor y arreglista de las mismas, y se encarga de tocar prácticamente todos los instrumentos, es fácil también hablar de este autor. Quiero decir: es tan fácil hablar de Stevie Wonder y de "Talking Book", que uno no sabe que decir.
"Talking Book" es el primero de los grandes discos de autor de Wonder, después de su declaración de independencia artística, que inauguraba su etapa de prodigiosa creatividad que le llevó a ser uno de los grandes creadores de los años setenta. La racha posterior de grandes obras, consolidó a Wonder como uno de los mayores genios de la música negra de todos los tiempos, un caso excepcional de niño prodigio convertido en maestro prematuro. Investigando con los incipientes sintetizadores se permitió el lujo de controlar casi todos los aspectos de su obra, mientras que progresivamente una conciencia social y política que iba a más, comenzaba a manifestarse en sus letras.
En esta ocasión el disco resulta mayoritariamente una romántica colección de canciones de amor y desamor dedicadas a Syreeta Wright, su mujer de entonces, y compañera de voces en la hermosa y rendida "You Are the Sunshine of My Life". En "Talking Book" podemos disfrutar de una serie de baladas marca de la casa, algo saturadas de azúcares ("You and I (We Can Conquer the World)", "Blame It on the Sun", "Lookin' for Another Pure Love"
, que se acercan peligrosamente al empalago, pero que se salvan gracias a la visionaria brillantez de su producción y a las extraordinarias dotes vocales de un Wonder prodigioso. Como cumbre de esta faceta del disco el cierre y esperanzador broche de oro: "I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)", preciosa y compleja balada con un estallido gospel tan febril que le hace a uno creer como Wonder entonces, que el amor carnal no sólo puede ser eterno, sino que también es una genuina vía de redención espiritual. Cuando fue escogida como cierre para los créditos finales de "Alta Fidelidad" hubo que rendirse sin condiciones ante la mano maestra con la que se escogió aquella banda sonora.Por otro lado se percibe una incipiente vena social, que se manifestaría del todo en el siguiente álbum, entra de lleno en harina, denunciando la hipocresía de los políticos blancos recolectando votos en los barrios negros. Y en "Superstition", Wonder sermonea sobre los peligros de las creencias irracionales. Sin embargo en este caso el mensaje sucumbe al medio: uno de los mejores singles de todos los tiempos y uno de los más prodigiosos "grooves" jamás construidos. A partir de un teclado (clavinet) utilizado como instrumento casi percusivo con unos arreglos de viento sensacionales, la infección de ritmo resulta inevitable. No en vano, Wonder había escrito el tema pensando en dárselo a Jeff Beck, pero el astuto Berry Gordy olfateó el "hit" y le ordenó grabarlo rápidamente y publicarlo a su nombre. Un número uno como aquél no se podía dejar pasar.
Así que más de treinta años después, aún la prodigiosa música de Wonder, tan repleta de colorido que parece una suerte de poliédrica visión alternativa a aquella de la que el propio Wonder carece, nos puede infectar de groove y hermosos sentimientos. Un álbum imprescindible en tu colección.
1. You Are the Sunshine of My Life
2. Maybe Your Baby
3. You and I
4. Tuesday Heartbreak
5. You've Got It Bad Girl
6. Superstition
7. Big Brother
8. Blame It on the Sun
9. Lookin' For Another Pure Love
10. I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)
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257. Stephen Still – Manassas (1972)
Stephen Stills acompañado por un espectacular grupo de amigos y grabando uno de los discos más heterogéneos que jamás se hayan realizado.
Algunos acompañantes de lujo son Chris Hillman, ex Byrds y Flying Burrito Brothers; Al Perkins, miembro de los Flying Burrito Brothers y Shilo; el prestigioso batería Dallas Taylor, el no menos celebrado fiddle de Byron Berline, participante en los discos de Gram Parsons, Byrds, Flying Burrito Brothers o The Dillards. Incluso el bajista de los Rolling Stones Bill Wyman introduce su instrumento en algún tema. La intención de Stills era la creación de un supergrupo country-rock pero que tristemente sólo produjo un disco más, titulado "Down the road" (1973).
Su primer trabajo es este doble Lp, un impresionante recorrido por todos los ángulos de la música tradicional americana, temas acústicos y eléctricos que desarrollan sonidos blues, country, rock, pasajes latinos, rock'n'roll, folk o bluegrass en una sabia ejecución instrumental y vocal (las armonías de Hillman, contrapunto a la voz rota y cruda de Stills resultan admirables).
Dentro de tanta aglomeración de calidad, los temas más sobresalientes de esta obra maestra son "Song of love", "Both of us (Bound to lose)", "Fallen Eagle", la sublime "So begins the task", "It doesn't matter (una joya escrita y cantada al alimón por Stills y Chris Hillman), "Johnny's garden", "Bound to fall", "What to do" y "The Treasure", un auténtico tesoro de canción.
1. Song of Love
2. Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass
3. Jet Set (Sigh)
4. Anyway
5. Both of Us (Bound to Lose)
6. Fallen Eagle
7. Jesus Gave Love Away For Free
8. Colorado
9. So Begins the Task
10. Hide It So Deep
11. Don't Look at My Shadow
12. It Doesn't Matter
13. Johnny's Garden
14. Bound to Fall
15. How Far
16. Move Around
17. Love Gangster, The
18. What to Do
19. Right Now
20. Treasure, The - (take 1)
21. Blues Man
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258. T.Rex – Slider (1972)
La trémula voz de Bolan, los fantasmagóricos y ululantes apoyos vocales de Howard Kaylan y Mark Volman y el sabio manejo en la producción de Tony Visconti son algunos momentos álgidos de "The Slider", la excelsa continuación a su obra maestra "Electric Warrior".
El creador del glam-rock vuelve a presentar un puñado de magníficos temas que amalgaman energía rockera y mecanismo melódico fuertemente orquestado, pasajes de pujanza guitarrera con hipnóticas y cósmicas baladas ("Ballrooms of Mars" versionada por Radio Futura) y arrebatadores medios tiempos. La portada en la que aparece un Marc Bolan desenfocado es obra del "fotógrafo" Ringo Starr (el Beatle era un gran fan de la música de T. Rex además de ser un buen amigo de Bolan y director de un documental sobre la banda). En un disco redondo destacan himnos inmortales de Bolan como "Metal Guru" o "Telegram Sam".
1. Metal Guru
2. Mystic Lady
3. Rock On
4. Slider, The
5. Baby Boomerang
6. Spaceball Ricochet
7. Buick McKane
8. Telegram Sam
9. Rabbit Fighter
10. Baby Strange
11. Ballrooms Of Mars
12. Chariot Choogle
13. Main Man
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259. David Ackles – American Gothic (1972)
La escasa obra (cuatro Lps) de David Ackles es una de las más desconocidas y por tanto infravaloradas de la música popular. Es una pena que un tipo de su talento se haya visto reducido a la peligrosa etiqueta de artista de culto que es tanto como decir reservada al disfrute de unos pocos.
American Gothic" concebido como un ciclo sobre la vida contemporánea en USA, está producido por Bernie Taupin y grabado en Inglaterra, lo que le dió una adecuada perspectiva de distancia sobre unos temas profundamente enraizados en el "American way of life" como el divorcio (Waiting for the Moving Van), la guerra de Vietnam (Ballad of the Ship of State), el racismo (Blues for Billie Whitecloud) o la prostitución (American Gothic).
Musicalmente se trata de una obra de gran riqueza en la que se oyen ecos tanto de compositores clásicos americanos como Ives y Copland como de las revistas musicales de Broadway de unos Rodgers, Gershwin o Cole Porter pero siempre manteniendo la estructura de canciones con unos arreglos extraordinarios que merecen punto y aparte.
No obstante, su joya de la corona es esta obra donde su imaginación y talento se ponen al servicio de las canciones. Por último, destacaría la épica "Montana Song" y sobre todo la bellisima "Love’s Enough", para mí una de las mejores canciones del siglo XX. Descubrir este disco es hacerse uno mismo el mejor favor al que se puede aspirar.
1. American Gothic
2. Love's Enough
3. Ballad of the Ship of State
4. One Night Stand
5. Oh, California!
6. Another Friday Night
7. Family Band
8. Midnight Carousel
9. Waiting For the Moving Van
10. Blues For Billy Whitecloud
11. Montana Song
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260. The Eagles – Eagles (1st Album) (1972)
The Eagles , banda de rock clásico estadounidense que se dio a conocer en origen en Los Ángeles, California a principios de los años 70. Inicialmente su música era un híbrido entre música country e instrumentación bluegrass injertadas en armonías del surfer rock californiano, y produciendo baladas sensibles y música ligera de aroma country y pop-rock con letras que hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon. Los Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de un grupo, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y gravitó hacia un sonido claramente más rock. The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. Del este primer álbum homónimo de Eagles se desprendió el primer sencillo "Take it easy". Dando muestras de la magia que vendría a raudales en unos años más.
1. Take It Easy
2. Witchy Woman
3. Chug All Night
4. Most of Us Are Sad
5. Nightingale
6. Train Leaves Here This Morning
7. Take the Devil
8. Earlybird
9. Peaceful Easy Feeling
10. Tryin'
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261. Tim Buckley – Greetings from L.A. (1972)
Greetings from L.A. es un disco, muy apropiado, para introducirse en la obra de Tim Buckley, y que sin duda, el que no lo conozca, terminara por acceder a toda su discografía. Músico y compositor incasillable, folk, jazz, psicodelia, soul… y en su última etapa, el rock más tradicional, con influencias tan heterogéneas como Van Morrison, Byrd u otros marginados y malditos como Hank Willians o Fred Neil. La obra de Tim Buckley es corta pero intensa, con un sonido preciosista, evocador y con una voz muy especial, la cual, heredaría su hijo Jeff. Debuta en 1966, “Tim Buckey”, sorprendiendo a todos, dejando marcado las bases de lo que sería su música. Goodbye and Hello 1967 y Happy Sad son imprescindibles en la obra de Tim Buckley. En 1971 grava Starsailor, un disco enigmático, con la canción más conocida y versionada (Héroes del silencio solía abrir sus directos con este tema) en el repertorio de Buckley, “Song to the Siren”. En 1970 lanza “Blue Aftermoon” un ramillete de baladas lisérgicas y escalofriantes y “Lorca” dedicado al poeta Andaluz, para en 1972, este disco que tenemos entre manos, “Greetings from L.A.” y finalmente en plena decadencia y autodestrucción, que le llevaría a la muerte con tan solo veintiocho años, grava “Sefronia” 1973 y Look at the Fooll” 1974 . Su culto aumenta y su legado con el paso del tiempo se ha revalorizado, no es para menos… Tim Buckley se lo merece.
1. Move With Me
2. Get on Top
3. Sweet Surrender
4. Night Hawkin'
5. Devil Eyes
6. Hong Kong Bar
7. Make It Right
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262. Nick Drake – Pink Moon (1972)
Cuando Nick Drake entregó las cintas originales de "Pink Moon" en las oficinas de Island y las abandonó sin decir mucho más, en cierto modo estaba haciendo una declaración de principios. Grabado sin ningún músico de acompañamiento, con menos de media hora de duración, con un sonido espartano y simple, y unas canciones en la mayoría de las ocasiones tremendamente breves, vino a decir algo así como: "Es tan simple, yo hago una música hermosa que es imposible que no le guste a todo el mundo. ¿Cómo lo podéis hacer vosotros tan complicado?". Les pedía que se limitasen a ponerlo a la venta y dejar que su indudable excelencia pusiera las cosas en su sitio, tras los fracasos comerciales de sus primeros dos discos. En realidad, no era tan simple entonces, y lo sigue sin ser ahora. Ese es uno de los temas recurrentes a propósito Drake: su gloriosa falta de realismo. Aunque algo menos de lo que parecía en un principio, pues es verdad que la calidad de su música ha puesto las cosas poco a poco en su sitio. Eso sí, mucho después de que Drake no pudiera seguir grabando más canciones.
Gracias a la desnudez de "Pink Moon" se puede disfrutar de la pureza de las cualidades de Drake como intérprete. Tanto en su delicada (que no frágil) y serena voz, como en los originales e intrincados dibujos de su guitarra acústica se puede apreciar una clase innata, una originalidad sin aspavientos, que se impone a las directrices de un género, el folk, que trasciende como lo hacen todos los grandes con el suyo. Sus canciones resaltan por sus tempos extraños pero nunca extravagantes (toda su música es de una estructura sólida como una roca), por la búsqueda de nuevas melodías mediante afinaciones alternativas de la guitarra y por un manejo sabio, pero siempre fresco, de su voz. Las cotas de belleza que era capaz de generar con tan escasos elementos son insuperables y sorprendentes.
Ésta es otra enorme tragedia añadida a la que supuso la absoluta ignorancia que sufrió en vida, y que paulatinamente ha ido remitiendo. Hasta convertirlo en uno de los escasos artistas de culto que, de verdad, responde a su fama sobrevenida, más allá de los tics revisionistas y esotéricos de críticos y esnobs del pop. Es verdad que mereció en vida un lugar entre los ilustres de su época. Pero muchos años después, por fin le ha sido concedido con todo merecimiento uno entre los más grandes de todos los tiempos.
1. Pink Moon
2. Place to Be
3. Road
4. Which Will
5. Horn
6. Things Behind the Sun
7. Know
8. Parasite
9. Free Ride
10. Harvest Breed
11. From the Morning
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263. Paul Simon – Paul Simon (1972)
El cantante y compositor Paul Simon nació en EE.UU. en 1941. Se convirtió en superestrella con el dúo de folk-rock Simon & Garfunkel, muy recordados por su canción "Bridge Over Troubled Water" (1970). Tras su separación, Simon inició una carrera en solitario que despegó con el lanzamiento en febrero de 1972 de su disco “Paul Simon”. En realidad no era su primer álbum en solitario ya que en 1965 había grabado el disco Paul Simon Song Book que se publicó únicamente en Gran Bretaña. Lo que si viene a ser, es el primer LP de Paul tras la ruptura del dúo, un disco heterogéneo en el que el autor toca muchos palos musicales distintos, tanto para marcar una diferencia con la etapa anterior como para tantear sus propias posibilidades y demostrar que era versátil. Así aparecen en el mismo el reggae, la música sudamericana, el blues, el jazz, el country y el calypso. Fue disco de oro, vendiendo más de 1 millón de copias y alcanzando el puesto 4 en las listas. Como singles se extrajeron los temas más destacados: Mother & Cild Reunion (puesto 4 en las listas); Me & Julio Down By The Schoolyard (puesto 22) y Duncan (puesto 52).
1. Mother and Child Reunion
2. Duncan
3. Everything Put Together Falls Apart
4. Run That Body Down
5. Armistice Day
6. Me and Julio Down by the Schoolyard
7. Peace Like a River
8. Papa Hobo
9. Hobo's Blues
10. Paranoia Blues
11. Congratulations
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264. Roxy Music – Roxy Music (1972)
Formación de éxito liderada por un auténtico dandy del pop-rock, Bryan Ferry (nacido el 26 de septiembre de 1945 en Durham), la cual fue cambiando de estilo a medida que iba avanzando su trayectoria, del art-rock al glam, del rock al pop con elementos soul y electrónicos.
Iniciaron sus pasos musicales en 1971 cuando a Ferry , estudiante de arte se le unieron el bajista Graham Simpson, el saxo Andy Mackay, Brian Eno (nacido el 15 de mayo de 1948 en Suffolk) a los teclados, el guitarrista Davy O'List -ex-The Nice- y el batería Paul Thompson (brevemente estuvieron el guitarrista Roger Bunn y el percusionista Dexter Lloyd). El guitarra Phil Manzanera, uno de sus componentes más afamados se incorporaría un año más tarde sustituyendo a O'List.
"Roxy Music" su primer trabajo para Islands producido por Peter Sinfield supuso un gran e inesperado triunfo comercial, que los llevo hasta el puesto número 10 de las listas. En este disco mezclan la música más pop con la vanguardia y el rock. Muchos efectos de sintetizadores y máquinas por Eno y la guitarra ruidosa de Manzanera, más clarinete y la titilante voz de Ferry hacen de este un buen disco, glam, taquilla y alternativo.
1. Re-Make/Re-Model
2. Ladytron
3. If There Is Something
4. Virginia Plain
5. 2 H.B.
6. Bob, The (Medley)
7. Chance Meeting
8. Would You Believe?
9. Sea Breezes
10. Bitters End
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265. Alice Cooper – School’s Out (1972)
Después de “Love It To Death” y “Killer”, Alice Cooper publicaron “School’s Out”, un LP con una serie de impresiones y remembranzas escolares de Cooper marcadas por la ironía y el deje teatral tan característico del grupo.
El disco, producido por Bob Ezrin, se inicia con el clásico “School’s Out”, una valiosa pieza rock garajero de base blues y afilado riff de Glenn Buxton con soflama de exaltación libertaria juvenil tras el fin del curso escolar. Todo un himno del adolescente harto de los libros y los profesores.
“Gutter Cats vs. The Jets” es un ambicioso tema glam-rock que revisita en clave jocosa el musical “West Side Story”, basado en el enfrentamiento entre pandillas de diferente procedencia. De compleja estructura y prominencia de los teclados del propio productor Boz Ezrin, es uno de los cortes más interesantes del LP.
Después del instrumental “Street Fight” aparece “Blue Turk”, un gozoso tema que podría ser escrito para un número musical de Broadway. De esencia jazzística y realce sonoro de los saxos y trompetas, podría estar interpretado por el mismísimo Frank Sinatra.
“My Stars” es una pieza rock de cierta intensidad y un piano contagioso pero en general carece de trascendencia lírica e instrumental.
“Public Animal #9” es un vibrante tema a lo Rolling Stones de comienzos de los 70 en el cual se subraya la rebeldía adolescente siempre desde un agradecido sentido del humor.
“Alma Mater”, fantástica balada con ecos de Paul McCartney escrita por el batería Neal Smith, es uno de los mejores cortes del álbum. Retoman la psicodelia con la distorsión vocal, introducen armonías vocales y se ponen nostálgicos sin perder la ironía.
El disco se cierra con el instrumental “Grand Finale”, pieza que recupera la sección de viento, la cual en comunión con la cuerda y los demás instrumentos consigue crear una densa y épica atmósfera, realmente atractiva.
School's Out llego a estar en el puesto 7 en el Billboard Hot 100, en el puesto 2 en el Billboard 200 y en el puesto 1 en el UK Singles Chart durante las tres semanas en agosto de 1972.
1. School's Out
2. Alma Mater
3. Blue Turk
4. Grande Finale
5. Gutter Cat Vs. the Jets
6. Luney Tune
7. My Stars
8. Public Animal #9
9. Grande Finale
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266. The Temptations – All Directions (1972)
Hay mucha confusión sobre diversos detalles de la génesis del grupo, aunque la mayoría de las versiones coinciden en los sustancial. Los componentes de The Temptations en el momento de la grabación del disco eran: Dennis Edwards , Damon Harris, Richard Street, Melvin Franklin y Otis Williams.
Este álbum era el segundo que editaban en 1972, tras "Solid Rock", el cual incluía una versión de Bill Whiters "Ain't no sunshine" y el hit "Superstar" y "The end of the road".
"All directions" se editó el 27 de julio de 1972, bajo la producción de Norma Whitfield, y con la instrumentación de la banda asidua de Motown, the Funk Brothers. En poco más de 30 minutos de álbum consiguieron dar brillo nuevamente a su carrera, tras el poco éxito de su trabajo anterior.
Este álbum es el último de The Temptations en el que Barrett Strong trabaja como compositor, ya que muy poco después abandonó Motown para reemprender su carrera como solista. El disco está cargado de carga social y política, con temas que demuestran el "black power", como "Papa Was a Rollin' Stone" o "Run Charlie Run". En el disco, quien menos aparece es Otis Williams, el cual solo interviene en dos de los temas; además él y Melvin Franklin son los únicos que no cuentan con un tema en solitario. con este álbum "All directions", se confirmaría una vez más a la banda como uno de los grandes gigantes del soul.
1. Funky Music Sho' Nuff Turns Me On
2. Run Charlie Run
3. Papa Was a Rollin' Stone
4. Love Woke Me up This Morning
5. I Ain't Got Nothing
6. First Time Ever I Saw Your Face
7. Mother Nature
8. Do Your Thing
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267. David Bowie – Rise & Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)
Una trayectoria tan extensa y sorprendente como la del camaleónico David Bowie ha conocido etapas muy diferentes, las cuales muestran el talento creativo y desarrollo imaginario de un artista en continua evolución y experimentación sonora.
Quizás de entre todas esas etapas la que más popularidad y reconocimiento le ha otorgado sea el periodo como estrella del glam-rock, influyente movimiento musical y estético del que Bowie se convirtió en su más relevante intérprete y en el que se introdujo atraído por la música del grupo de su amigo Marc Bolan, líder del grupo T. Rex.
Dentro de esa fase se encuadra "The rise and fall of Ziggy Stardust", probablemente la obra cumbre de su carrera y una de las cimas del estilo británico, en donde encontramos una espectacular exhibición lírica y melódica en interpretaciones cargadas de intensa emotividad, atmosférica imaginería y riqueza descriptiva, beneficiadas por las aptitudes instrumentales del pianista Rick Wakeman y el guitarrista Mick Ronson, pieza clave en el sonido del disco.
El álbum gira en torno a la figura de Ziggy Stardust, sugerente alien de ambigua sexualidad y ansias de rock star, introductor y protagonista de la sensual y galáctica materia con destino apocalíptico, desarrollado en gemas como "Moonage Daydream", "Ziggy Stardust", "Rock'n'roll suicide", la climática "Five years", las espaciales baladas "Soul love" y "Lady stardust", el sublime estribillo de "Starman" y el frenético ritmo de "Star", "Hang on to yourself" y "Suffragette city", temas en los que el toque glam resulta más palpable.
Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock. También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.
Para algunos el mejor disco del siglo XX, no se puede escapar de entre los discos más importantes jamás creados, la obra cumbre del glam de Bowie. Es oro de esos discos conceptuales de los 70, en los que se cuenta una historia, y en el que cada canción se asimila a un capítulo de un libro.
1. Five Years
2. Soul Love
3. Moonage Daydream
4. Starman
5. It Ain't Easy
6. Lady Stardust
7. Star
8. Hang on to Yourself
9. Ziggy Stardust
10. Suffragette City
11. Rock 'N' Roll Suicide
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268. War – World is a Ghetto (1972)
La noche antes de su muerte, Jimi Hendrix tocó en directo, secundado por una incendiaria banda californiana que acompañaba al cantante británico Eric Burdon. Dos años después, ya sin Burdon en su formación, War publicaban en el sello United Artists The world is a ghetto, su primera obra maestra y una de las referencias imprescindibles de la encrucijada soul/funk/black rock.
Como Mandrill y Santana, aunque más arrimados a la escuela del funk callejero, War enarbolaron la bandera del rock negro y chicano de la Costa Oeste con discos como All day music, The world is a ghetto, Live, Why can’t we be friends? o Platinum jazz, la clase de sonidos que uno espera escuchar al ver el dibujo de portada de este álbum magistral: seis músicos negros y uno blanco (el armonicista y percusionista danés Lee Oskar) liderados por el gran Lonnie Jordan, traduciendo el pálpito de los suburbios de Los Ángeles al lenguaje del rock negro, el mismo trabajo desarrollado en otras latitudes por The Isley Brothers, The Ohio Players y Funkadelic. No hay puntos muertos ni respiros en The world is a ghetto, ni siquiera en los temas más cercanos al jazz latino (“Beetles in the bog”, con su aire de marcha, y el sensacional “City, country, city”, un instrumental proteico escrito originalmente para la película Nigger Charlie), pero sí hay dos piezas sobresalientes, tanto por su repercusión comercial inmediata (Top 2 y 7 respectivamente en las listas de pop) como por su extraordinaria fuerza: “Cisco Kid”, una parábola colorista y mestiza dedicada a un héroe televisivo mexicano, famoso en los años 50; y “The world is a ghetto”, impresionante mosaico multicultural en clave de funk/jazz latino, con un estribillo coral estremecedor y un extraño olor a desolación y a miseria sin salida.
1. The Cisco Kid
2. Where Was You At
3. City, Country, City
4. Four Cornered Room
5. World Is a Ghetto, The
6. Beetles in the Bog
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269. Al Green – Let’s Stay Together (1972)
Al Green, como otros muchos, es un cantante de soul surgido del gospel. Pero, tal vez, sea el único comparable a Sam Cooke por su elegancia vocal y su atractivo personal. En este disco, el cuarto de su carrera, nos lleva al éxtasis con su voz angelical, acariciando las melodías con susurros, conteniendo toda su energía, dosificando los sentimientos y dando a las canciones un aire de voluptuosidad impresionante. Las guitarras y la sección de vientos completan el aderezo necesario para hacer de este álbum una grata recomendación.
Alcanzando su apogeo con este Let’s Stay Together en 1972,, con la canción que le daba título, alcanzó el nº 1 en las listas del Billboard, aunque el resto del disco tampoco dejan de ser grandes temas.
1. Let's Stay Together
2. La-La For You
3. So You're Leaving
4. What is This Feeling?
5. Old Time Lovin'
6. I've Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)
7. How Can You Mend a Broken Heart?
8. Judy
9. It Ain't No Fun To Me
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270. Rolling Stones – Exile on Main St (1972)
Los Stones encumbrados en lo más alto y atravesando por una de sus etapas de mayor profusión creativa publican este magistral trabajo, una jubilosa amalgama de rock, country (profundizando en este estilo gracias a la amistad de Keith Richards con Gram Parsons), blues y gospel, que proporciona sublimes instantáneas sónicas apoyadas por la descarnada producción de Jimmy Miller y que, como suele pasar con muchos discos trascendentes, se aborrecen en la primera escucha y se aman al límite en sucesivas escuchas, convirtiéndose en el favorito del grupo y en el más influyente de su carrera.
Vibrantes, densas y desaseadas piezas de rock’n’roll enraizadas en los sonidos tradicionales americanos como la soberbia Rocks off", "Rip this joint", el single "Tumbling dice", "Sweet Virginia" (memorable armónica de Jagger y colaboración no acreditada del mismísimo Parsons), la acústica "Sweet Black Angel" (con el productor Jimmy Miller a la percusión), una retozona pieza cantada por Keith Richards llamada "Happy", la extraordinaria balada "Let it loose" (con un notable acompañamiento vocal), "Ventilator blues", "All down the line", el regusto blues de "Stop breaking down" o la espléndida "Shine a light", dejan constancia de la gran versatilidad y estatura como compositores y músicos de los Rolling Stones, destacando el memorable duelo guitarrero entre Keith Richards y Mick Taylor.
El quinteto se encuentra acompañado por nombres esenciales en sus formas sonoras como sus habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keyes, Billy Preston o Jim Price, quienes en jubilosa sinergia con los protagonistas principales crean una imperecedera e imprescindible obra maestra, uno de las cúspides de la historia del rock.
Considerado uno de los mejores trabajos realizados por el grupo, la crítica lo coloca como el mejor, y uno de los discos más importantes de la historia del rock. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 7 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Rocks Off
2. Rip This Joint
3. Shake Your Hips
4. Casino Boogie
5. Tumbling Dice
6. Sweet Virginia
7. Torn and Frayed
8. Sweet Black Angel
9. Loving Cup
10. Happy
11. Turd On the Run
12. Ventilator Blues
13. I Just Want To See His Face
14. Let It Loose
15. All Down the Line
16. Stop Breaking Down
17. Shine a Light
18. Soul Survivor
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271. Lynyrd Skynyrd – Pronounced Leh-nerd Skin-nerd (1973)
Junto a la Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd es el grupo más importante que ha conocido el rock sureño, un estilo musical basado en la emulsión de blues-rock, country, boogie, honky tonk y rock'n'roll, y en una apostura personal que subraya sus raíces telúricas-confederadas, de finalidad reinvidicativa y lúdica. Las primeras semillas de Lynyrd Skynyrd fueron diseminadas a mitad de la década de los 60, cuando un grupo de estudiantes de Jacksonville, ciudad del estado de Florida, decidieron formar una banda a la que llamaron My Backyard.
Con posterioridad, poco conformes con su nombre, se fueron denominando The Noble Five, Wild Cats, Sons of Satan, Once Percent, Conqueror Worm y finalmente Lynyrd Skynyrd, nombre tomado de su profesor de gimnasia en el instituto, un tipo malhumorado llamado Leonard Skinner.
El grupo estaba compuesto por el cantante y guitarrista Ronnie VanZant, los guitarristas Allen Collins y Gary Rossington, el bajista Leon Wilkeson (que sustituyó a Larry Junstrom), el teclista Billy Powell, y el batería Bob Burns.
Tras patearse los locales de varios estados sureños, consiguieron llamar la atención de Al Kooper, el ex miembro de Blood, Sweat & Tears que después de contemplar un concierto del grupo en el club Funocchio's de Atlanta, les propuso firmar un contrato discográfico con la MCA.
Poco antes de su incorporación a la MCA se les unió otro guitarrista, Ed King, un antiguo componente de la banda psicodélica Strawberry Alarm Clock.
El talento del vocalista Ronnie VanZant en la composición, con textos urdidos en su autoafirmación redneck en los que había cabida para el humor, la nostalgia, la algazara o el sentimiento, y el triplete de guitarristas conformado por Ed King con su Fender Stratocaster, Allen Collins con su Gibson Firebird, y Gary Rossington con su Gibson Les Paul, fueron los cimientos básicos de su primer LP, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" , una obra maestra del rock sureño producida por el propio Al Kooper.
Entre sus ocho temas destacan cortes como "Gimme three steps", "Tuesday's gone" y "Freebird", una pieza compuesta en homenaje al guitarrista fallecido de los Allman Brothers, Duane Allman, que se convirtió en uno de los grandes clásicos del grupo de Florida.
El 20 de octubre de, Ronnie VanZant, Steve Gaines, Cassie Gaines y el manager Din Kilpatrick fallecían tras un accidente aéreo cuando el grupo volaba desde Greenville hacia Baton Rouge. Los demás miembros del grupo resultaron heridos, pero finalmente se recuperaron. Este golpe fue definitivo para la disolución de la banda, pues sin su alma mater compositivo no tendría sentido continuar la trayectoria musical como Lynyrd Skynyrd. Al conmemorarse los diez años del trágico accidente que puso punto y final a la banda, Gary Rossington, Ed King, Leon Wilkeson y Billy Powell volvieron a girar con el nombre de Lynyrd Skynyrd Tribute Tour, incorporándose a la banda el hermano menor de Ronnie, Johnny VanZant y un tercer guitarrista llamado Randall Hall.
1.I Ain't the One
2.Tuesday's Gone
3.Gimme Three Steps
4.Simple Man
5.Things Goin' On
6.Mississippi Kid
7.Poison Whiskey
8.Free Bird
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272. Incredible Bongo Band – Bongo Rock (1973)
Incredible Bongo Band es un proyecto iniciado por Michael Viner en 1972 y que consiste en interpretar varios temas ya reconocidos pero básicamente utilizando primordialmente percusiones, congas, bongos, etc. The Incredible Bongo Band, la banda instrumental de Michael Viner sólo editó dos discos, Bongo Rock en el 73 y Return Of The Incredible Bongo Band, un año más tarde. Su sonido es característico por el protagonismo de las percusiones, bongos y congas. Entre sus músicos destacan; el batería del grupo, Jim Gordon, uno de los mejores músicos de sesión de la época, y King Errison, el culpable de que los bongos suenen así de mágicos.
A pesar de su corta carrera, la banda dejó huella gracias a la versión de “Apache“, original de The Shadows, que hoy es como un himno del Hip Hop. Primero versionó Apache Sugarhill Gang (la versión que bailaban Carlton y Will en El Principe de Bel-Air), y los primeros en samplear Apache fueron los pioneros Kool Herc y Grandmaster Flash. Desde entonces muchísimos productores han incluido algún sample del tema en sus instrumentales.
Aquí se puede escuchar desde el clásico “In-A-Gadda-Da-Vida” de Iron Butterfly, “Apache” de los Shadows, “Let There Be Drums” de Sandy Nelson. Muy buen disco que también incluye saxofones, teclados y hasta sirve de base para el hip hop.
1. Let There Be Drums
2. Apache
3. Bongolia
4. Last Bongo In Belgium
5. Dueling Bongos
6. In-A-Gadda-Da-Vida
7. Raunchy '73
8. Bongo Rock
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273. David Bowie – Aladdin Sane (1973)
El disco que continuó a su exitoso "Ziggy Stardust" fue otra gran obra de un David Bowie en plena explosión glam, que aunque no incidió en el diseño conceptual de su pretérito trabajo, sí volvió a ambientar sus cortes en un mundo decadente y de ambigua caracterización, teatralidad en su esencia artística, y sobre todo, hedonismo y evasión sexual.
El LP acomoda piezas rock de espíritu stoniano con ritmos efervescentes, sensualismo en su vocalidad y estribillos pegadizos, ensanchando sus posturas glam con retazos blues, jazz, avant-gardé y doo wop.
"Aladdin Sane" se abre con "Watch that man", un corte rock al más puro estilo Rolling Stones, con una vívida interacción entre la punzante guitarra de Mick Ronson, los saxos de Bowie y Ken Fordham, y el piano de Mike Garson, virtuoso instrumentista que brilla a lo largo de todo el álbum, en especial en el título homónimo, una sugerente balada de fascinante estribillo y estructura, con elementos jazz.
"Drive in Saturday" es una de los temas más famosos del disco y una preciosa canción escrita en principio para Mott The Hoople que recupera sonidos de finales de la década de los 50 y comienzos de los 60, empleando efectivos coros de reminiscencias doo wop.
"Panic in Detroit" viene marcada por un magnífico trabajo en la percusión de Mick Woodmansey y una interesante lírica de miramiento social sobre unos iterativos ritmos rock a lo Bo Diddley.
Dos de las cumbres del disco son "Cracked actor", estimulante tema rock de irresistible estribillo, y "Time", dramática pieza cabaretera.
"The Prettiest Star" es una sencilla y elegante canción dedicada a su esposa Angie, con un soberbio saxo acariciando la melodía y de nuevo coros de herencia doo wop.
La versión de los Stones "Let's spend the night together" es el corte más flojo del LP, a pesar de ser ejecutado con intensidad y fuerza, y ofertar unos curiosos arreglos futuristas. Esta última canción es el preludio de las dos últimas y magníficas piezas disco.
"The Jean Genie", vibrante tema blues-rock con un riff idéntico al "Blockbuster" de The Sweet, y la maravillosa tonada "Lady Grinning Soul", canción de estupenda melodía con Garson a un piano clásico, un Ronson espléndido en su interpretación guitarrera, y un Bowie hipnótico en su sensual interpretación vocal.
Fue una de los seis entradas de Bowie en la lista de Rolling Stone de los mejores álbumes de todos los tiempos (aparecía en la posición 277) y se situó en el puesto 77 en la lista de Pitchfork Media de los mejores cien discos de los años 70.
1 Watch That Man
2 Aladdin Sane
3 Drive In Saturday
4 Panic In Detroit
5 Cracked Actor
6 Time
7 The Prettiest Star
8 Let's Spend The Night Together
9 The Jean Genie
10 Lady Grinning Soul
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274. King Crimson – Lark’s Tongues in Aspic (1973)
"Lark's Tongues in Aspic" . Posiblemente el disco perfecto de King Crimson. Este contiene en su nucleo el formato de músicos más memorable de la agrupación. Bill Bruford en la batería y John Wetton en el bajo junto a David Cross, Jamie Muir Y Fripp logran producir la más infame pieza (dividida en 4 partes que luego seguirán surgiendo con el tiempo) de rock progresivo que jamás he escuchado. Los acordes en el comienzo de Lark's Tongues... evocan las más extravagantes piezas de Igor Stravinsky y hasta Mussorgsky. Carece de la potencia tonal del disco "Red" del año siguente pero es el único disco de esta agrupación que lleva una genuina concordáncia de disco conceptual. Escuchar este disco es como salir de safari por un terreno ondulado, espinoso, lleno de pendientes frenéticas. Bien podría decirse que estamos ante la versión postmoderna de la "Divina Comedia": FRIPP y compañía, como modernos Virgilios, nos tienden la mano y nos sirven de guía en la experimentación de este enorme catálogo de antonimias, de dualidades. Hay de todo aquí: hay soledad y hay abandono, hay cinismo y hay furia; hay momentos reflexivos y hay momentos violentos. Hay de todo, pero nada es gratuito. Aquí tenemos la versión de un King Crimson nuevo, revitalizado, vuelto hacia adentro, egoísta, autocomplaciente. Como debe ser.
Aquí tenemos la versión de un Crimson que tiene el coraje de reinventarse desde su propia esencia, de seguir siendo el mismo siendo otro. Aquí tenemos un disco sin concesiones ni respiros. Música que oscila entre la violencia y la sutileza. Música que ocupa no solo todo el espacio, sino toda la mente, y que - al final - nos devuelve a un mundo muy distinto al de antes. Esta no es una experiencia sonora, es una experiencia onírica. Un pequeño viaje a las profundidades del averno. Invitado estás, compañero.
1. Larks' Tongues in Aspic, Pt. 1
2. Book of Saturday
3. Exiles
4. Easy Money
5. Talking Drum
6. Larks' Tongues in Aspic, Pt. 2
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275. Bob Marley & the Wailers – Catch a Fire (1973)
Si hubiera que elegir un disco de reggae para mostrarle a alguien ajeno al género, Catch a Fire sería una excelente elección. No sólo porque sus canciones son prácticamente invencibles, también por el hecho de que fue uno de los primeros discos de este estilo en obtener una repercusión a nivel internacional, esto es; fuera de la isla de Jamaica.
De algún modo, Catch a Fire es el patrón con el que están hechos todos los discos de Marley; las temáticas se reparten en tres o cuatro grupos principales: están las canciones de amor, tanto a nivel individual como universal, las de neto corte “combativo”, con diatribas dirigidas a los organismos -e individuos- ostentando el poder de turno, y también las odas a la ganja y a la religión (dos aliados indisociables en la cultura rastafari).
"Concrete Jungle" revela con una metáfora muy simple- la vida en las ciudades y su interminable desfile de injusticias y ridiculeces y es una de las canciones emblema de este trabajo, está ubicada en primer lugar y siguió apareciendo esporádicamente en los shows en vivo, incluso en el pico de la fama internacional de los Wailers, a fines de la década.
"Stir It Up" es el hit, el que todo el mundo conoce, aquel que es capaz de hacer bailar con una sonrisa al mas reacio. Una de las facetas más pasadas por alto en la lírica de Marley, la libidinosa, siempre presente, manejada con sutileza y administrada en sabias dosis.
Catch a Fire tiene una importancia histórica muy difícil de evaluar o calcular, lo cierto es que convirtió a Marley en una verdadera estrella internacional proveniente de un país subdesarrollado, que pavimentó el camino para la carrera solista de Peter Tosh e hizo que los músicos de rock angloparlante se detuvieran un segundo a prestar atención al increíble sonido dulzón del reggae de Bob Marley & the Wailers.
1. Concrete Jungle
2. Slave Driver
3. 400 Years
4. Stop That Train
5. Baby We've Got A Date (Rock It Baby)
6. Stir It Up
7. Kinky Reggae
8. No More Trouble
9. Midnight Ravers
10. High Tide Or Low Tide
11. All Day All Night
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1001 discos que debes escuchar antes de morir (on line)
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1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 6)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under
226. Serge Gainsbourg - Histoire de Melody Nelson (1971)
Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.
Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña \"Historia de Melody Nelson\", cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el \"violero\" es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.
Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos.
1. Melody
2. Ballade De Melody Nelson
3. Valse De Melody
4. Ah! Melody
5. L’Hôtel Particulier
6. En Melody
7. Cargo Culte
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227. Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)
Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces.
Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales.
El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín.
La mejor canción del álbum es \"Maggy Mae\". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental.
En la romántica y bella \"Mandolin Wind\", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental.
Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en \"Seems like a long time\", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell.
También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en \"That\'s all right\", triunfa en la revisitación de \"Tomorrow is a long time\" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations \"(I know) I\'m losing you\".
El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin \"(Find a) Reason To Believe\" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.
1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That\'s All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I\'m Losing You
8. (Find A) Reason To Believe
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228. Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1971)
\"Pictures at an Exhibition\" es un álbum de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer lanzado en 1972 con música adaptada de la obra de Modest Mussorgsky. Es uno de los documentos más significativos de la era del rock progresivo. Anteriormente, este trabajo fue la pieza central del repertorio de la banda en el Festival de la Isla de Wight en 1970.
Hay cuatro canciones que no pertenecen a la obra original de Mussorgsky: \"The Sage\" (una balada acústica), \"Blues Variation\" (un blues instrumental), \"The Curse of Baba Yaga\" (una canción rockera) y \"Nutrocker\" (una adaptación de \"El Cascanueces\" de Tchaikovsky, hecha por Kim Fowley. El resto son las originales, adaptadas al estilo progresivo.
Carl Palmer hizo el arreglo en \"The Gnome\". La balada \"The Sage\", de Greg Lake es una de las mejores composiciones hechas por él. La adaptación blues de \"The Old Castle\" es seguida en cadena por la \"Blues Variation\". \"The Curse of Baba Yaga\" es una de las más conocidas de este disco. Con respecto a las demás, están dos interpretaciones de \"The Hut of Baba Yaga\", la adaptación incluyendo letra de \"The Great Gates of Kiev\", y \"Nutrocker\".
Keith Emerson es la estrella aquí, pero Lake y Palmer intervienen lo suficiente para evitar que sea una presentación de sólo teclados. El disco volvió a cosechar triunfales ventas, llegando al puesto 3 en Gran Bretaña y al 10 en los Estados Unidos.
1.- Promenade
2.- The Gnome
3.- Promenade
4. Sage
5.- The Old Castle
6. Blues Variations
7.- Promenade
8.- The Hut of Baba Yaga
9.- The Curse of Baba Yaga
10.- The Hut of Baba Yaga
11.- The Great Gates of Kiev
12. Nutrocker
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229. Leonard Cohen – Songs of Love & Hate (1971)
En Songs of Love and Hate la voz de Leonard Cohen suena más segura y convencida. La producción de Bob Johnston (Dylan, Johnny Cash, Willie Nelson) subraya el proceso y el canadiense encuentra soltura en un trabajo donde el acabado instrumental está cada vez más presente. Johnston crea la atmósfera perfecta para que, a pesar de la austeridad, estas canciones suenen clásicas, hundidas y enormes. El tercer disco de Cohen es un golpe emocional difícil de contestar y es –discutiblemente- uno de sus trabajos más personales a la fecha.
Cada canción en este registro es un abismo distinto y cada una termina estancándose en la soledad, la inseguridad y la amargura. Las relaciones se presentan bajo diferentes prismas y el amor, el odio, lo espiritual y lo físico construyen un disco visceral y sombrío desde su portada, donde Cohen no deja espacio para el té y las naranjas extranjeras y tampoco para la instrumentación brillante de New Skin for the Old Ceremony (1974). Éste es un disco opaco por necesidad. Cohen reflexiona respecto al paso de los años en un trabajo triste y resentido que no encuentra en el paso del tiempo razón para celebrar o tranquilidad para sobrellevar tanta decepción. Cohen se vuelve viejo y a pesar de ser tratado como un tipo exitoso, intelectual y mujeriego se da cuenta de que se ha convertido en una leyenda con tan sólo tres discos bajo la manga y que ahora le cuelgan carteles sin que él logre entender o asimilar cada una de las características que han decidido otorgarle. Songs of love and hate, en oposición a su disco siguiente y a sus dos anteriores, es terrenal y obsesivo en hacerse entender. Las imágenes son nítidas y explícitas.
Cohen resume el amor y el odio en ocho composiciones cerebrales y, aún así, espontáneas y conmovedoras. Un disco emocionante que abre con el resentimiento de ‘Avalanche’ y cierra con la sublime ‘Joan of Arc’, para dejar en medio canciones del porte de ‘Famous blue raincoat’, ‘Diamonds in the mind’ o ‘Last year’s man’ y expone, en menos de cuarenta y cinco minutos, emociones tan propias como universales. Los tópicos más recurrentes son, nuevamente, rescatados de las manos de la mediocridad por un hombre que se debate entre la música y la literatura de una forma que hasta el día de hoy resulta inusual, enigmática y sobrecogedora. Cohen sabe que sus canciones han envejecido y se han vuelto amargas y él lo anuncia entre el orgullo y la rabia en ‘Sing another song, boys’, quizás, el mejor ejemplo de lo que este disco realmente simboliza.
1. Avalanche
2. Last Year\'s Man
3. Dress Rehearsal Rag
4. Diamonds in the Mine
5. Love Calls You by Your Name
6. Famous Blue Raincoat
7. Sing Another Song, Boys
8. Joan of Arc
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230. Joni Mitchell – Blue (1971)
Joni Mitchell es una de las grandes divas de la composición surgidas a finales de los años 60, al igual que Carole King o Laura Nyro, espejo de incontables cantautoras como Jewell, Tori Amos, Liz Phair, Natalie Merchant o Fiona Apple, sus incursiones en el folk o el jazz con textos de elevada carga emocional son algunos de los mejores legados femeninos de la historia de la música, equivalentes a los trabajos más importantes del Neil Young más folk, Van Morrison, Leonard Cohen o James Taylor.
“Blue” es una de sus cumbres, un disco folk muy desnudo, intimista, sensitivo, personal y autobiográfico, que dibuja escenarios de desolación pero también de esperanza, de encuentros y desencuentros amorosos con textos maduros y sinceros en clave poética. Sea con una simple guitarra acústica, un piano o un dulcimer, junto a su voz y melodías sencillas pero que atrapan el sentido emocional del asunto narrado, Joni expresa sus epopeyas románticas y sus evocaciones líricas con percepción y sensibilidad sobre el hogar, el amor, la felicidad y la tristeza en un viaje interior y externo realmente admirable.
Algunas destacadas piezas del álbum, dentro de un Lp prácticamente redondo, son “My old man”, precioso tema pivotado en el contrapunto entre la felicidad otorgada por la presencia del ser querido y el desconsuelo por su ausencia; “River”, una canción iniciada con un piano que interpreta las notas del “jingle bells” y que se centra en la evasión personal en un ideal escenario navideño, o “Little green”, sentido tema de bonita melodía dedicado a la hija que la cantautora canadiense tuvo que dar en adopción cuando todavía no había iniciado su carrera musical. En su madurez ambas terminarían encontrándose.
Como colaboradores suenan en el disco y de manera puntual la guitarra de James Taylor y el bajo y la guitarra de Stephen Stills.
1. All I Want
2. My Old Man
3. Little Green
4. Carey
5. Blue
6. California
7. This Flight Tonight
8. River
9. A Case Of You
10. The Last Time I Saw Richard
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231. Funkadelic – Maggot Brain (1971)
Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.
Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como \"rock negro\"
Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.
Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.
Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de \"Can You Get to That\" y el irresistible groove de \"Super Stupid\", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.
En cuanto a las épicas, \"Wars of Armageddon\" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.
\"Maggot Brain\", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.
Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.
1. Maggot Brain
2. Can You Get To That
3. Hit It And Quit It
4. You And Your Folks,Me And My Folks
6. Back in our Minds
7. Wars Of Amargeddon
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232. Janis Joplin – Pearl (1971)
La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.
La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.
A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera \"Move over\"; la irónica \"Mercedes Benz\", cantada a capella; el número 1 \"Me & Bobby McGee\", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de \"Half Moon\", la balada soul \"Trust me\" y el sensacional instrumental \"Buried alive in the blues\" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).
Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.
1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can
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233. Fela Kuti - With Ginger Baker: Live! (1971)
Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat, que en síntesis es la fusión entre el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.
Este genial documento histórico que supone poder apreciar con un muy buen sonido una de las primeras grabaciones en directo del genial artista-estrella-rey de africa-gran seductor-mito-ente político conocido por todos como Fela Kuti, nace de una odisea sobre cuatro ruedas a lo Kerouac: El viaje que realizaron a principio de los 70 el que fuera batería de Cream, Ginger Baker y nuestro hombre a bordo de un Land Rover... captando ritmos y sonidos de todita África.
Explicaciones complices y reídas entre corte y corte sirven como perfecto prologo para la bacanal de funky con guerra de percusiones, teclado groovey, coros sexuales y movimientos de cadera dislocantes que se pueden disfrutar en este lp que se reeditó en 2006 con un tema extra grabado en 1978 en el festival de jazz de Berlin: Tony Allen (padre del este invento llamado afrobeat) y Ginger Baker a muerte en uno de los solos de batería más bestias que se recuerdan.
El resto de canciones, \"Let´s Start\", \"Black man´s cry\", \"Ye ye de smell\" y \"Egbe mi o (carry me i want to die)\" son variantes de una misma pulsión, de un mismo sonido, del rugido del tercer mundo. Fela nunca grabó ni tocó el mismo tema dos veces. Siempre en esa busqueda incesante de la perfección musical, eso sí con agitación de mentes a lo socio-político más que obligatoria.
Este álbum es lo suficientemente accesible como para poder despertar la curiosidad del neófito por su falta de experimentaciones futuras y su ritmo incesante, y es una joyita inmarchitable para el conocedor de la música más excitante (en el sentido más literal de la palabra) que nos vino del continente negro. Es interesante reflexionar sobre la epóca, ya que en todo el apogeo funk en los 70 en USA, esto ocurría paralelamente en Africa, extraño pero cierto. La música nunca nos dejará de sorprender. Ginger Baker apareció en este disco y Fela le correspondió participando en el disco de Ginger “Stratavarious” (1972).
1. Let\'s Start
2. Black Man\'s Cry - Ginger Baker, Fela Kuti & Africa 70, Fela Kuti & Africa 70
3. Ye Ye de Smell
4. Egbe Mi O (Carry Me I Want to Die)
5. Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo [Live]
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234. Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)
The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces.
El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman.
Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need.
El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.
1. Miss Judy\'s Farm
2. You\'re So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That\'s All You Need
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235. Flamin’ Groovies – Teenage Head (1971)
Espléndida formación americana, poco conocida entre la masa pero de fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock \'n\' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.
Los Flamin\' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.
“Teenage Head”, publicado en 1971, sería a la postre el último disco con Jordan y Loney, las diferencias musicales entre ambos terminaron por imponerse, diferencias que se aprecian con claridad en este disco, como también se aprecia el tremendo efecto que producía la conjunción de sus egos, en magníficos temas como “Have You Seen My Baby?”, “Yesterday Numbers” o “Whiskey Woman” donde se combinan de una forma magistral las afiladas y rugosas guitarras de Loney con las acertadísimas melodías de Jordan, en este disco es muy acusada la infuencia de los Rolling Stones y de los primeros Beatles, dotando al álbum de una coherencia superior a la de sus anteriores trabajos.
En este “Teenage Head” aparece claramente reflejada toda la actitud y la energía de la banda gracias a una producción (a cargo de Richard Robinson) que por fin les hizo justicia, resaltando su inigualable capacidad compositiva e interpretativa, su versatilidad a la hora de abordar temas rock clásicos (las versiones de “Doctor Boogie” y de “32-20”), temas blues o estupendas canciones pop.
Tras este álbum, con la salida de Roy Loney de la banda, The Flamin’ Groovies se decantaron definitivamente por el lado melódico de Jordan, ya con el control exclusivo de la banda, y aunque aún fueron capaces de entregar muy meritorios trabajos nunca volverían a sonar como lo hicieron en este disco, un auténtico clásico que nadie debería dejar de escuchar.
1.High Flyin\' Baby
2.City Lights
3.Have You Seen My Baby?
4.Yesterday\'s Numbers
5.Teenage Head
6.32-20
7.Evil Hearted Ada
8.Doctor Boogie
9.Whiskey Woman
10Shakin\' All Over
11.That\'ll Be The Day
12.Louie Louie
13.Walkin\' The Dog
14.Scratch My Back
15.Carol
16.Going Out Theme
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236. Gene Clark – White Light (1971)
Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron \"White Light\" (1971) y \"No Other\"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras \"No Other\" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, \"White Light\" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.
Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.
Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.
En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.
En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de \"intoxicaciones\" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de \"One in a hundred\", mi favorita del disco junto a \"1975\". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de \"One in a hundred\" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. \"For a spanish guitar\" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada \"1975\", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en \"Harvest\" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico \"Stand by me\" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al \"Tears of rage\" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de \"Because of you\" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.
1.- The Virgin
2.- With Tomorrow
3.- White Light
4.- Because of You
5.- One In A Hundred
6.- For a Spanish Guitar
7.- Where My Love Lies Asleep
8.- Tears of Rage
9.- 1975
10.- Because Of You
11.- Stand By Me
12.- Ship Of The Lord
13.- Opening Night
14.- Winter In
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237. John Prine – John Prine (1st Album) (1971)
John Prine es un cantautor de country y folk estadounidense con un amplio éxito, tanto de crítica como de público, desde la década de 1970. Su primer disco, titulado sencillamente John Prine, fue un gran éxito. El álbum incluye temas característicos de Prine como \"Illegal Smile\", \"Sam Stone\" y el clásico del newgrass \"Paradise\", así como \"Hello In There,\" una canción sobre el envejecimiento que después ha sido interpretada por numerosos artistas. El éxito del disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como \"el nuevo Bob Dylan\". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones de Prine en Nueva York.
1. Illegal Smile
2. Spanish Pipedream
3. Hello in There
4. Sam Stone
5. Paradise
6. Pretty Good
7. Your Flag Decal Won\'t Get You into Heaven Anymore
8. Far from Me
9. Angel from Montgomery
10. Quiet Man
11. Donald and Lydia
12. Six O\'Clock News
13. Flashback Blues
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238. Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)
Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco \"Nilsson Schmilsson\" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema \"Without You\" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue \"Coconut\" que también tuvo éxito en ventas.
1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I\'ll Never Leave You
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239. T.Rex – Electric Warrior (1971)
El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex, al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock \'n\' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos.
\"Electric Warrior\" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.
Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como \"Mambo Sun\", \"Cosmic Dancer\", el número 1 británico \"Get it on\", la primorosa balada \"Girl\", la clase y elegancia destilada por \"The Motivator\", \"Life\'s a gas\" o la colérica \"Rip-Off\". La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.
01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life\'s A Gas
11. Rip Off
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240. David Bowie – Hunky Dory (1971)
Uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.
Al margen de su propia carrera como intérprete y compositor, Bowie se convirtió en pieza clave para relanzar en los años 70 las carreras de nombres esenciales del rock, como Lou Reed e Iggy Pop y los Stooges, dos de sus principales referencias como músico.
El álbum que encumbró definitivamente a David Bowie como una superestrella a nivel mundial y uno de los mejores trabajos de un artista esencial (a pesar de su bajón artístico a partir de los años 80), \"Hunky Dory\" desarrolla desde perspectivas netamente acústicas pasajes repletos de gran imaginería lírica.
Reminiscencias de Lou Reed, Neil Young y Bob Dylan para un mundo de ambiguas identidades sexuales, retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales (\"Kooks\" está escrita para su hijo Zowie) con repiques cabareteros en una global sonoridad pop que no esconde magistrales destellos folk.
Glamour estelar para el venidero Ziggy, que contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, por no hablar de la guitarra y arreglos de su amigo y gran instrumentista Mick Ronson.
1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers
12. Bombers
13. The Supermen
14. Quicksand
15. The Bewlay Brothers
16. The Shadowman
17. How Lucky You Are
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241. Randy Newman – Sail Away (1972)
Randy Newman, compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). En 1972 publicó su disco \"Sail Away\" que alcanzó el puesto #163 en la lista Billboard. En este disco aparecían canciones como la que da nombre al disco \"Sail Away\" (y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles), \"Burn On\" en la que hablaba de la contaminación del río Cuyahoga en Ohio, o quizás la más conocida \"You Can Leave Your Hat On\", que fue posteriormente interpretada por Joe Cocker, Keb Mo, Tom Jones o Etta James. Nunca fue superventas, pero consolidó su reputación de compositor inteligente e incluso es ganador de un Oscar.
1. Sail Away
2. Lonely at the Top
3. He Gives Us All His Love
4. Last Night I Had a Dream
5. Simon Smith and the Amazing Dancing Bear
6. Old Man
7. Political Science -2:00
8. Burn On
9. Memo to My Son
10. Dayton, Ohio - 1903
11. You Can Leave Your Hat On
12. God\'s Song (That\'s Why I Love Mankind)
13. Let It Shine
14. Maybe I\'m Doing It Wrong (studio version)
15. Dayton, Ohio - 1903 (early version)
16. You Can Leave Your Hat On (demo version)
17. Sail Away (early version)
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242. Deep Purple – Machine Head (1972)
Después de haber demostrado todo su talento con el lp \"In Rock\" en 1970 Y su consolidación comercial con el album \"Fireball\" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al número cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda.
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con \"Highway Star\", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con \"Maybe I\'m a Leo\", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue \"Pictures of Home\", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de \"Never Before\", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
\"Smoke On The Water\" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue \"Lazy\", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con \"Space Truckin\'\", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema \"Smoke on the Water\", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.
1. Highway Star
2. Maybe I\'m a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water\"
6. Lazy
7. Space Truckin\'
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243. Big Star – # 1 Record (1972)
En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes. Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.
El álbum abre con \"Feel\", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion. Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda. En la gema \"Watch the Sunrise\", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. \"Give me Another Chance\" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. \"The India Song\" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.
Pero el tema que hace de este disco un clásico es \"Thirteen\". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído. Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la época, y logrado tanto.
1. Feel
2. The Ballad Of El Goodo
3. In The Street
4. Thirteen
5. Don\'t Lie To Me
6. The India Song
7. When My Baby\'s Beside Me
8. My Life Is Right
9. Give Me Another Chance
10. Try Again
11. Watch The Sunrise
12. St 110/6
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244. Black Sabbath – Vol 4 (1972)
Después de apisonar la entonces temprana escena con los rocosos riffs de su Master Of Reality, los ingleses Black Sabbath retornaron sobre el mismo cauce de sus hondas huellas en Septiembre de 1972, desatando otra reptante manada de subacordes de obscura rúbrica, que arropando esta vez tesituras de un folklore rockero más bucólico, dieron vida al ’volumen 4’ de su discografía, uno de los álbumes más exquisitos de su primera y mítica era.
Y aquella era fue la de Ozzy Osbourne, esa cara de la moneda que brilló sobre la cruz de aquella negra instrumentación con pasmosa simbiosis, una voz más carismática que virtuosa que en este álbum desgarraba y masculinizaba más su tonalidad para hacer más justicia al nuevo repertorio guitarrístico que presentaba el zurdo Iommi, ostentador este último de la ‘fórmula diabólica’, aquella fúnebre afinación que nació de las secuelas de un accidente, y que en este álbum que nos ocupa fue perpetuada para proyectar las futuras tinieblas y el alto tonelaje y octanaje del Metal, justo como hoy lo conocemos.
Esos ingredientes históricos que dan cuerpo y alma al fenómeno Black Sabbath se forjaron a fuego lento para que décadas después, grupos como Pantera o Machine Head vieran en este Vol. 4 una de sus principales influencias para crear su propio sonido, según declaraciones suyas en entrevistas, sin olvidar ese gran proyecto que fue Down, a cargo de Phil Anselmo y la créme de la créme del Metal noventista de Nueva Orleans y Los Angeles, siendo este álbum que nos ocupa notorio influjo para que esa apuesta naciera. Como experimentando una naturaleza campestre y a ratos cósmica, es apasionante sumergirse en esta cuarta obra de los de Birmingham, que recobraban el paisajismo musical de su disco debut, el de la dama, la casa y el árbol que se erguían fantasmagóricos en ese pantanoso campo, volviendo a nuestra mente tan enigmáticas figuras sumadas al eco tardío de un ’Verano del Amor’ que los ’70 sepultaron, vibrando en la voz de Ozzy el espíritu residual de aquel Woodstock del ’68, esta vez blindado por los leñosos riffs del zurdo del bigote y las pegadas de un Bill Ward que, como por arte de magia, lograba expandir las posibilidades que le brindaba tan minimalista kit (como Mary Poppins con su bolso - ¡¿?!), parches y platillos sobre los que el expresionismo al bajo de Geezer Butler pincelaba densos sus propios argumentos, paralelos al trabajo de Iommi, pero altamente compatibles.
En menos de un mes de vida, ’Volume 4’ consiguió el Disco de Oro, siendo una obra más arriesgada y progresiva que sus antecesoras, y en la que el negro clan británico resucitó a aquel ‘Verano del Amor’ que ellos mismos dieron muerte con su goecia eléctrica, reviviéndolo con el galvanismo de sus seis cuerdas pero convirtiéndolo así en un monstruo más pesado, no exento de una efervescencia que más palpable se iría haciendo en sus siguientes trabajos, proyectándonos su ‘sueño del mañana’, un sueño profético, un sueño muy real, muy fiel al Hoy más inmediato del Metal.
1. Wheels of Confusion/The Straightener
2. Tomorrow\'s Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes
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245. Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)
Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can\'t Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías.
El disco cuenta con Reelin\' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas, aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.
1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin\' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again
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246. Neil Young – Harvest (1972)
El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense.
Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, \"Harvest\", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como \"Heart of gold\", \"Are you ready for the country?\", \"Old man\", \"Alabama\", \"The needle and the damage done\" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima \"Harvest\".
Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.
1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There\'s a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)
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247. Curtis Mayfield – Superfly: Original Motion Picture Soundtrack (1972)
Curtis Mayfield, cantante, compositor y guitarrista de soul y funk nacido en Chicago en 1942.
El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.
Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.
Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.
Curtis Mayfield, en 1970, emprendió su carrera en solitario. Sus primeros sencillos tenían un aire muy funk, como \"(Don\'t Worry) If There\'s a Hell Below, We\'re All Gonna Go\", en el que muchos creían excesiva la forma tan cruda con que se hablaba sobre hechos de la comunidad negra urbana. En solitario no cosechó tanto éxito como anteriormente, hasta que en 1972 llegó la banda sonora de \"Superfly\" y con ella el éxito, dando lugar al movimeinto blaxploitation. La banda sonora tuvo mucha más relevancia que la película por sí misma.
En aquel momento, Curtis Mayfield era, junto a Stevie Wonder y Marvin Gaye, el icono de un nuevo soul. Tras el éxito abrumador de \"Superfly\" cosechó éxitos menores como \"Kung Fu\", \"So in Love\" y \"Only You Babe\".
1. Litte Child Runnin\' Wild
2. Pusherman
3. Freddie\'s Dead
4. Junkie Chase (instrumental)
5. Give Me Your Love
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think (instrumental)
9. Superfly
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248. Slade – Slayed? (1972)
El mejor álbum de los exitosos Slade, un conjunto esencial del glam británico surgido a comienzos de los años 70. Tomando como cimiento el rock\'n\'roll de los 50, enfatizando los ritmos y estribillos, endureciendo el aspecto sonoro y vistiendo excéntricos atuendos, que jugaban notablemente con la ambigüedad sexual, Slade, con su vigorizante, bulliciosa y divertida música, arrasaron en las listas británicas con estupendos discos y exuberantes singles, algunos de ellos incluidos en este álbum como \"Mama weer all crazee now\" o \"Gudbuy T\'Jane\".
Producido por Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, \'Slayed?\" es una plétora de latigazos de guitarras, musculosas bases rítmicas y agresividad vocal de elevada excitación en sus grandilocuentes estribillos, que brilla además de los sencillos en sensacionales piezas como \"Look at last night\", \"I won\'t let it \'appen agen\" o la obra maestra \"Gudbuy Gudbuy\".
Las muy conseguidas versiones revisitan a Janis Joplin con \"Move over\" y a Shirley & Lee con sus clásicas piezas de R&B \"Let the good times roll\" y \"Feel so fine\".
1.- How D\'you Ride
2.- The Whole World\'s Goin\' Crazee
3.- Look At Last Nite
4.- I Won\'t Let It \'Appen Agen
5.- Move Over
6.- Gudbuy T\'Jane
7.- Gudbuy Gudbuy
8.- Mama Weer All Crazee Now
9.- I Don\' Mind
10.- Let The Good Times Roll / Feel So Fine
11.- My Life Is Natural
12.- Candidate
13.- Wonderin\' Y
14.- Man Who Speeks Evil
15.- Slade Talk To \'Melanie\' Readers
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249. Deep Purple – Made in Japan (1972)
Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple.
Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero.
La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time.
Smoke on the water. Qué decir. Un clásico entre los clásicos. El riff que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin.
Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción.
Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos.
Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.
01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin\'
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250. Yes – Close to the Edge (1972)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción \"épica\" mucho más larga que las otras en el disco. Esto volvió a repetirse en los álbums Relayer (que incluyó \"The Gates of Delirium\" y Going for the One\' (que incluyó \"Awaken\".
Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción \"Close to the Edge\" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y \"Siberian Khatru\" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el #4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el #3 en Estados Unidos.
1. Close to the Edge: The Solid Time of Change/Total Mass Retain/I Get Up
2. And You and I/Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse
3. Siberian Khatru
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Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.
Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña \"Historia de Melody Nelson\", cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el \"violero\" es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.
Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos.
1. Melody
2. Ballade De Melody Nelson
3. Valse De Melody
4. Ah! Melody
5. L’Hôtel Particulier
6. En Melody
7. Cargo Culte
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227. Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)
Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces.
Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales.
El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín.
La mejor canción del álbum es \"Maggy Mae\". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental.
En la romántica y bella \"Mandolin Wind\", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental.
Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en \"Seems like a long time\", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell.
También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en \"That\'s all right\", triunfa en la revisitación de \"Tomorrow is a long time\" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations \"(I know) I\'m losing you\".
El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin \"(Find a) Reason To Believe\" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.
1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That\'s All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I\'m Losing You
8. (Find A) Reason To Believe
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228. Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1971)
\"Pictures at an Exhibition\" es un álbum de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer lanzado en 1972 con música adaptada de la obra de Modest Mussorgsky. Es uno de los documentos más significativos de la era del rock progresivo. Anteriormente, este trabajo fue la pieza central del repertorio de la banda en el Festival de la Isla de Wight en 1970.
Hay cuatro canciones que no pertenecen a la obra original de Mussorgsky: \"The Sage\" (una balada acústica), \"Blues Variation\" (un blues instrumental), \"The Curse of Baba Yaga\" (una canción rockera) y \"Nutrocker\" (una adaptación de \"El Cascanueces\" de Tchaikovsky, hecha por Kim Fowley. El resto son las originales, adaptadas al estilo progresivo.
Carl Palmer hizo el arreglo en \"The Gnome\". La balada \"The Sage\", de Greg Lake es una de las mejores composiciones hechas por él. La adaptación blues de \"The Old Castle\" es seguida en cadena por la \"Blues Variation\". \"The Curse of Baba Yaga\" es una de las más conocidas de este disco. Con respecto a las demás, están dos interpretaciones de \"The Hut of Baba Yaga\", la adaptación incluyendo letra de \"The Great Gates of Kiev\", y \"Nutrocker\".
Keith Emerson es la estrella aquí, pero Lake y Palmer intervienen lo suficiente para evitar que sea una presentación de sólo teclados. El disco volvió a cosechar triunfales ventas, llegando al puesto 3 en Gran Bretaña y al 10 en los Estados Unidos.
1.- Promenade
2.- The Gnome
3.- Promenade
4. Sage
5.- The Old Castle
6. Blues Variations
7.- Promenade
8.- The Hut of Baba Yaga
9.- The Curse of Baba Yaga
10.- The Hut of Baba Yaga
11.- The Great Gates of Kiev
12. Nutrocker
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229. Leonard Cohen – Songs of Love & Hate (1971)
En Songs of Love and Hate la voz de Leonard Cohen suena más segura y convencida. La producción de Bob Johnston (Dylan, Johnny Cash, Willie Nelson) subraya el proceso y el canadiense encuentra soltura en un trabajo donde el acabado instrumental está cada vez más presente. Johnston crea la atmósfera perfecta para que, a pesar de la austeridad, estas canciones suenen clásicas, hundidas y enormes. El tercer disco de Cohen es un golpe emocional difícil de contestar y es –discutiblemente- uno de sus trabajos más personales a la fecha.
Cada canción en este registro es un abismo distinto y cada una termina estancándose en la soledad, la inseguridad y la amargura. Las relaciones se presentan bajo diferentes prismas y el amor, el odio, lo espiritual y lo físico construyen un disco visceral y sombrío desde su portada, donde Cohen no deja espacio para el té y las naranjas extranjeras y tampoco para la instrumentación brillante de New Skin for the Old Ceremony (1974). Éste es un disco opaco por necesidad. Cohen reflexiona respecto al paso de los años en un trabajo triste y resentido que no encuentra en el paso del tiempo razón para celebrar o tranquilidad para sobrellevar tanta decepción. Cohen se vuelve viejo y a pesar de ser tratado como un tipo exitoso, intelectual y mujeriego se da cuenta de que se ha convertido en una leyenda con tan sólo tres discos bajo la manga y que ahora le cuelgan carteles sin que él logre entender o asimilar cada una de las características que han decidido otorgarle. Songs of love and hate, en oposición a su disco siguiente y a sus dos anteriores, es terrenal y obsesivo en hacerse entender. Las imágenes son nítidas y explícitas.
Cohen resume el amor y el odio en ocho composiciones cerebrales y, aún así, espontáneas y conmovedoras. Un disco emocionante que abre con el resentimiento de ‘Avalanche’ y cierra con la sublime ‘Joan of Arc’, para dejar en medio canciones del porte de ‘Famous blue raincoat’, ‘Diamonds in the mind’ o ‘Last year’s man’ y expone, en menos de cuarenta y cinco minutos, emociones tan propias como universales. Los tópicos más recurrentes son, nuevamente, rescatados de las manos de la mediocridad por un hombre que se debate entre la música y la literatura de una forma que hasta el día de hoy resulta inusual, enigmática y sobrecogedora. Cohen sabe que sus canciones han envejecido y se han vuelto amargas y él lo anuncia entre el orgullo y la rabia en ‘Sing another song, boys’, quizás, el mejor ejemplo de lo que este disco realmente simboliza.
1. Avalanche
2. Last Year\'s Man
3. Dress Rehearsal Rag
4. Diamonds in the Mine
5. Love Calls You by Your Name
6. Famous Blue Raincoat
7. Sing Another Song, Boys
8. Joan of Arc
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230. Joni Mitchell – Blue (1971)
Joni Mitchell es una de las grandes divas de la composición surgidas a finales de los años 60, al igual que Carole King o Laura Nyro, espejo de incontables cantautoras como Jewell, Tori Amos, Liz Phair, Natalie Merchant o Fiona Apple, sus incursiones en el folk o el jazz con textos de elevada carga emocional son algunos de los mejores legados femeninos de la historia de la música, equivalentes a los trabajos más importantes del Neil Young más folk, Van Morrison, Leonard Cohen o James Taylor.
“Blue” es una de sus cumbres, un disco folk muy desnudo, intimista, sensitivo, personal y autobiográfico, que dibuja escenarios de desolación pero también de esperanza, de encuentros y desencuentros amorosos con textos maduros y sinceros en clave poética. Sea con una simple guitarra acústica, un piano o un dulcimer, junto a su voz y melodías sencillas pero que atrapan el sentido emocional del asunto narrado, Joni expresa sus epopeyas románticas y sus evocaciones líricas con percepción y sensibilidad sobre el hogar, el amor, la felicidad y la tristeza en un viaje interior y externo realmente admirable.
Algunas destacadas piezas del álbum, dentro de un Lp prácticamente redondo, son “My old man”, precioso tema pivotado en el contrapunto entre la felicidad otorgada por la presencia del ser querido y el desconsuelo por su ausencia; “River”, una canción iniciada con un piano que interpreta las notas del “jingle bells” y que se centra en la evasión personal en un ideal escenario navideño, o “Little green”, sentido tema de bonita melodía dedicado a la hija que la cantautora canadiense tuvo que dar en adopción cuando todavía no había iniciado su carrera musical. En su madurez ambas terminarían encontrándose.
Como colaboradores suenan en el disco y de manera puntual la guitarra de James Taylor y el bajo y la guitarra de Stephen Stills.
1. All I Want
2. My Old Man
3. Little Green
4. Carey
5. Blue
6. California
7. This Flight Tonight
8. River
9. A Case Of You
10. The Last Time I Saw Richard
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231. Funkadelic – Maggot Brain (1971)
Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.
Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como \"rock negro\"
Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.
Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.
Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de \"Can You Get to That\" y el irresistible groove de \"Super Stupid\", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.
En cuanto a las épicas, \"Wars of Armageddon\" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.
\"Maggot Brain\", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.
Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.
1. Maggot Brain
2. Can You Get To That
3. Hit It And Quit It
4. You And Your Folks,Me And My Folks
6. Back in our Minds
7. Wars Of Amargeddon
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232. Janis Joplin – Pearl (1971)
La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.
La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.
A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera \"Move over\"; la irónica \"Mercedes Benz\", cantada a capella; el número 1 \"Me & Bobby McGee\", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de \"Half Moon\", la balada soul \"Trust me\" y el sensacional instrumental \"Buried alive in the blues\" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).
Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.
1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can
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233. Fela Kuti - With Ginger Baker: Live! (1971)
Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat, que en síntesis es la fusión entre el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.
Este genial documento histórico que supone poder apreciar con un muy buen sonido una de las primeras grabaciones en directo del genial artista-estrella-rey de africa-gran seductor-mito-ente político conocido por todos como Fela Kuti, nace de una odisea sobre cuatro ruedas a lo Kerouac: El viaje que realizaron a principio de los 70 el que fuera batería de Cream, Ginger Baker y nuestro hombre a bordo de un Land Rover... captando ritmos y sonidos de todita África.
Explicaciones complices y reídas entre corte y corte sirven como perfecto prologo para la bacanal de funky con guerra de percusiones, teclado groovey, coros sexuales y movimientos de cadera dislocantes que se pueden disfrutar en este lp que se reeditó en 2006 con un tema extra grabado en 1978 en el festival de jazz de Berlin: Tony Allen (padre del este invento llamado afrobeat) y Ginger Baker a muerte en uno de los solos de batería más bestias que se recuerdan.
El resto de canciones, \"Let´s Start\", \"Black man´s cry\", \"Ye ye de smell\" y \"Egbe mi o (carry me i want to die)\" son variantes de una misma pulsión, de un mismo sonido, del rugido del tercer mundo. Fela nunca grabó ni tocó el mismo tema dos veces. Siempre en esa busqueda incesante de la perfección musical, eso sí con agitación de mentes a lo socio-político más que obligatoria.
Este álbum es lo suficientemente accesible como para poder despertar la curiosidad del neófito por su falta de experimentaciones futuras y su ritmo incesante, y es una joyita inmarchitable para el conocedor de la música más excitante (en el sentido más literal de la palabra) que nos vino del continente negro. Es interesante reflexionar sobre la epóca, ya que en todo el apogeo funk en los 70 en USA, esto ocurría paralelamente en Africa, extraño pero cierto. La música nunca nos dejará de sorprender. Ginger Baker apareció en este disco y Fela le correspondió participando en el disco de Ginger “Stratavarious” (1972).
1. Let\'s Start
2. Black Man\'s Cry - Ginger Baker, Fela Kuti & Africa 70, Fela Kuti & Africa 70
3. Ye Ye de Smell
4. Egbe Mi O (Carry Me I Want to Die)
5. Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo [Live]
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234. Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)
The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces.
El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman.
Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need.
El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.
1. Miss Judy\'s Farm
2. You\'re So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That\'s All You Need
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235. Flamin’ Groovies – Teenage Head (1971)
Espléndida formación americana, poco conocida entre la masa pero de fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock \'n\' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.
Los Flamin\' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.
“Teenage Head”, publicado en 1971, sería a la postre el último disco con Jordan y Loney, las diferencias musicales entre ambos terminaron por imponerse, diferencias que se aprecian con claridad en este disco, como también se aprecia el tremendo efecto que producía la conjunción de sus egos, en magníficos temas como “Have You Seen My Baby?”, “Yesterday Numbers” o “Whiskey Woman” donde se combinan de una forma magistral las afiladas y rugosas guitarras de Loney con las acertadísimas melodías de Jordan, en este disco es muy acusada la infuencia de los Rolling Stones y de los primeros Beatles, dotando al álbum de una coherencia superior a la de sus anteriores trabajos.
En este “Teenage Head” aparece claramente reflejada toda la actitud y la energía de la banda gracias a una producción (a cargo de Richard Robinson) que por fin les hizo justicia, resaltando su inigualable capacidad compositiva e interpretativa, su versatilidad a la hora de abordar temas rock clásicos (las versiones de “Doctor Boogie” y de “32-20”), temas blues o estupendas canciones pop.
Tras este álbum, con la salida de Roy Loney de la banda, The Flamin’ Groovies se decantaron definitivamente por el lado melódico de Jordan, ya con el control exclusivo de la banda, y aunque aún fueron capaces de entregar muy meritorios trabajos nunca volverían a sonar como lo hicieron en este disco, un auténtico clásico que nadie debería dejar de escuchar.
1.High Flyin\' Baby
2.City Lights
3.Have You Seen My Baby?
4.Yesterday\'s Numbers
5.Teenage Head
6.32-20
7.Evil Hearted Ada
8.Doctor Boogie
9.Whiskey Woman
10Shakin\' All Over
11.That\'ll Be The Day
12.Louie Louie
13.Walkin\' The Dog
14.Scratch My Back
15.Carol
16.Going Out Theme
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236. Gene Clark – White Light (1971)
Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron \"White Light\" (1971) y \"No Other\"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras \"No Other\" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, \"White Light\" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.
Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.
Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.
En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.
En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de \"intoxicaciones\" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de \"One in a hundred\", mi favorita del disco junto a \"1975\". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de \"One in a hundred\" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. \"For a spanish guitar\" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada \"1975\", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en \"Harvest\" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico \"Stand by me\" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al \"Tears of rage\" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de \"Because of you\" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.
1.- The Virgin
2.- With Tomorrow
3.- White Light
4.- Because of You
5.- One In A Hundred
6.- For a Spanish Guitar
7.- Where My Love Lies Asleep
8.- Tears of Rage
9.- 1975
10.- Because Of You
11.- Stand By Me
12.- Ship Of The Lord
13.- Opening Night
14.- Winter In
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237. John Prine – John Prine (1st Album) (1971)
John Prine es un cantautor de country y folk estadounidense con un amplio éxito, tanto de crítica como de público, desde la década de 1970. Su primer disco, titulado sencillamente John Prine, fue un gran éxito. El álbum incluye temas característicos de Prine como \"Illegal Smile\", \"Sam Stone\" y el clásico del newgrass \"Paradise\", así como \"Hello In There,\" una canción sobre el envejecimiento que después ha sido interpretada por numerosos artistas. El éxito del disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como \"el nuevo Bob Dylan\". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones de Prine en Nueva York.
1. Illegal Smile
2. Spanish Pipedream
3. Hello in There
4. Sam Stone
5. Paradise
6. Pretty Good
7. Your Flag Decal Won\'t Get You into Heaven Anymore
8. Far from Me
9. Angel from Montgomery
10. Quiet Man
11. Donald and Lydia
12. Six O\'Clock News
13. Flashback Blues
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238. Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)
Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco \"Nilsson Schmilsson\" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema \"Without You\" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue \"Coconut\" que también tuvo éxito en ventas.
1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I\'ll Never Leave You
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239. T.Rex – Electric Warrior (1971)
El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex, al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock \'n\' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos.
\"Electric Warrior\" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.
Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como \"Mambo Sun\", \"Cosmic Dancer\", el número 1 británico \"Get it on\", la primorosa balada \"Girl\", la clase y elegancia destilada por \"The Motivator\", \"Life\'s a gas\" o la colérica \"Rip-Off\". La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.
01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life\'s A Gas
11. Rip Off
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240. David Bowie – Hunky Dory (1971)
Uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.
Al margen de su propia carrera como intérprete y compositor, Bowie se convirtió en pieza clave para relanzar en los años 70 las carreras de nombres esenciales del rock, como Lou Reed e Iggy Pop y los Stooges, dos de sus principales referencias como músico.
El álbum que encumbró definitivamente a David Bowie como una superestrella a nivel mundial y uno de los mejores trabajos de un artista esencial (a pesar de su bajón artístico a partir de los años 80), \"Hunky Dory\" desarrolla desde perspectivas netamente acústicas pasajes repletos de gran imaginería lírica.
Reminiscencias de Lou Reed, Neil Young y Bob Dylan para un mundo de ambiguas identidades sexuales, retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales (\"Kooks\" está escrita para su hijo Zowie) con repiques cabareteros en una global sonoridad pop que no esconde magistrales destellos folk.
Glamour estelar para el venidero Ziggy, que contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, por no hablar de la guitarra y arreglos de su amigo y gran instrumentista Mick Ronson.
1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers
12. Bombers
13. The Supermen
14. Quicksand
15. The Bewlay Brothers
16. The Shadowman
17. How Lucky You Are
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241. Randy Newman – Sail Away (1972)
Randy Newman, compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). En 1972 publicó su disco \"Sail Away\" que alcanzó el puesto #163 en la lista Billboard. En este disco aparecían canciones como la que da nombre al disco \"Sail Away\" (y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles), \"Burn On\" en la que hablaba de la contaminación del río Cuyahoga en Ohio, o quizás la más conocida \"You Can Leave Your Hat On\", que fue posteriormente interpretada por Joe Cocker, Keb Mo, Tom Jones o Etta James. Nunca fue superventas, pero consolidó su reputación de compositor inteligente e incluso es ganador de un Oscar.
1. Sail Away
2. Lonely at the Top
3. He Gives Us All His Love
4. Last Night I Had a Dream
5. Simon Smith and the Amazing Dancing Bear
6. Old Man
7. Political Science -2:00
8. Burn On
9. Memo to My Son
10. Dayton, Ohio - 1903
11. You Can Leave Your Hat On
12. God\'s Song (That\'s Why I Love Mankind)
13. Let It Shine
14. Maybe I\'m Doing It Wrong (studio version)
15. Dayton, Ohio - 1903 (early version)
16. You Can Leave Your Hat On (demo version)
17. Sail Away (early version)
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242. Deep Purple – Machine Head (1972)
Después de haber demostrado todo su talento con el lp \"In Rock\" en 1970 Y su consolidación comercial con el album \"Fireball\" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al número cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda.
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con \"Highway Star\", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con \"Maybe I\'m a Leo\", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue \"Pictures of Home\", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de \"Never Before\", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
\"Smoke On The Water\" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue \"Lazy\", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con \"Space Truckin\'\", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema \"Smoke on the Water\", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.
1. Highway Star
2. Maybe I\'m a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water\"
6. Lazy
7. Space Truckin\'
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243. Big Star – # 1 Record (1972)
En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes. Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.
El álbum abre con \"Feel\", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion. Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda. En la gema \"Watch the Sunrise\", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. \"Give me Another Chance\" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. \"The India Song\" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.
Pero el tema que hace de este disco un clásico es \"Thirteen\". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído. Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la época, y logrado tanto.
1. Feel
2. The Ballad Of El Goodo
3. In The Street
4. Thirteen
5. Don\'t Lie To Me
6. The India Song
7. When My Baby\'s Beside Me
8. My Life Is Right
9. Give Me Another Chance
10. Try Again
11. Watch The Sunrise
12. St 110/6
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244. Black Sabbath – Vol 4 (1972)
Después de apisonar la entonces temprana escena con los rocosos riffs de su Master Of Reality, los ingleses Black Sabbath retornaron sobre el mismo cauce de sus hondas huellas en Septiembre de 1972, desatando otra reptante manada de subacordes de obscura rúbrica, que arropando esta vez tesituras de un folklore rockero más bucólico, dieron vida al ’volumen 4’ de su discografía, uno de los álbumes más exquisitos de su primera y mítica era.
Y aquella era fue la de Ozzy Osbourne, esa cara de la moneda que brilló sobre la cruz de aquella negra instrumentación con pasmosa simbiosis, una voz más carismática que virtuosa que en este álbum desgarraba y masculinizaba más su tonalidad para hacer más justicia al nuevo repertorio guitarrístico que presentaba el zurdo Iommi, ostentador este último de la ‘fórmula diabólica’, aquella fúnebre afinación que nació de las secuelas de un accidente, y que en este álbum que nos ocupa fue perpetuada para proyectar las futuras tinieblas y el alto tonelaje y octanaje del Metal, justo como hoy lo conocemos.
Esos ingredientes históricos que dan cuerpo y alma al fenómeno Black Sabbath se forjaron a fuego lento para que décadas después, grupos como Pantera o Machine Head vieran en este Vol. 4 una de sus principales influencias para crear su propio sonido, según declaraciones suyas en entrevistas, sin olvidar ese gran proyecto que fue Down, a cargo de Phil Anselmo y la créme de la créme del Metal noventista de Nueva Orleans y Los Angeles, siendo este álbum que nos ocupa notorio influjo para que esa apuesta naciera. Como experimentando una naturaleza campestre y a ratos cósmica, es apasionante sumergirse en esta cuarta obra de los de Birmingham, que recobraban el paisajismo musical de su disco debut, el de la dama, la casa y el árbol que se erguían fantasmagóricos en ese pantanoso campo, volviendo a nuestra mente tan enigmáticas figuras sumadas al eco tardío de un ’Verano del Amor’ que los ’70 sepultaron, vibrando en la voz de Ozzy el espíritu residual de aquel Woodstock del ’68, esta vez blindado por los leñosos riffs del zurdo del bigote y las pegadas de un Bill Ward que, como por arte de magia, lograba expandir las posibilidades que le brindaba tan minimalista kit (como Mary Poppins con su bolso - ¡¿?!), parches y platillos sobre los que el expresionismo al bajo de Geezer Butler pincelaba densos sus propios argumentos, paralelos al trabajo de Iommi, pero altamente compatibles.
En menos de un mes de vida, ’Volume 4’ consiguió el Disco de Oro, siendo una obra más arriesgada y progresiva que sus antecesoras, y en la que el negro clan británico resucitó a aquel ‘Verano del Amor’ que ellos mismos dieron muerte con su goecia eléctrica, reviviéndolo con el galvanismo de sus seis cuerdas pero convirtiéndolo así en un monstruo más pesado, no exento de una efervescencia que más palpable se iría haciendo en sus siguientes trabajos, proyectándonos su ‘sueño del mañana’, un sueño profético, un sueño muy real, muy fiel al Hoy más inmediato del Metal.
1. Wheels of Confusion/The Straightener
2. Tomorrow\'s Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes
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245. Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)
Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can\'t Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías.
El disco cuenta con Reelin\' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas, aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.
1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin\' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again
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246. Neil Young – Harvest (1972)
El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense.
Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, \"Harvest\", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como \"Heart of gold\", \"Are you ready for the country?\", \"Old man\", \"Alabama\", \"The needle and the damage done\" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima \"Harvest\".
Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.
1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There\'s a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)
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247. Curtis Mayfield – Superfly: Original Motion Picture Soundtrack (1972)
Curtis Mayfield, cantante, compositor y guitarrista de soul y funk nacido en Chicago en 1942.
El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.
Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.
Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.
Curtis Mayfield, en 1970, emprendió su carrera en solitario. Sus primeros sencillos tenían un aire muy funk, como \"(Don\'t Worry) If There\'s a Hell Below, We\'re All Gonna Go\", en el que muchos creían excesiva la forma tan cruda con que se hablaba sobre hechos de la comunidad negra urbana. En solitario no cosechó tanto éxito como anteriormente, hasta que en 1972 llegó la banda sonora de \"Superfly\" y con ella el éxito, dando lugar al movimeinto blaxploitation. La banda sonora tuvo mucha más relevancia que la película por sí misma.
En aquel momento, Curtis Mayfield era, junto a Stevie Wonder y Marvin Gaye, el icono de un nuevo soul. Tras el éxito abrumador de \"Superfly\" cosechó éxitos menores como \"Kung Fu\", \"So in Love\" y \"Only You Babe\".
1. Litte Child Runnin\' Wild
2. Pusherman
3. Freddie\'s Dead
4. Junkie Chase (instrumental)
5. Give Me Your Love
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think (instrumental)
9. Superfly
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248. Slade – Slayed? (1972)
El mejor álbum de los exitosos Slade, un conjunto esencial del glam británico surgido a comienzos de los años 70. Tomando como cimiento el rock\'n\'roll de los 50, enfatizando los ritmos y estribillos, endureciendo el aspecto sonoro y vistiendo excéntricos atuendos, que jugaban notablemente con la ambigüedad sexual, Slade, con su vigorizante, bulliciosa y divertida música, arrasaron en las listas británicas con estupendos discos y exuberantes singles, algunos de ellos incluidos en este álbum como \"Mama weer all crazee now\" o \"Gudbuy T\'Jane\".
Producido por Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, \'Slayed?\" es una plétora de latigazos de guitarras, musculosas bases rítmicas y agresividad vocal de elevada excitación en sus grandilocuentes estribillos, que brilla además de los sencillos en sensacionales piezas como \"Look at last night\", \"I won\'t let it \'appen agen\" o la obra maestra \"Gudbuy Gudbuy\".
Las muy conseguidas versiones revisitan a Janis Joplin con \"Move over\" y a Shirley & Lee con sus clásicas piezas de R&B \"Let the good times roll\" y \"Feel so fine\".
1.- How D\'you Ride
2.- The Whole World\'s Goin\' Crazee
3.- Look At Last Nite
4.- I Won\'t Let It \'Appen Agen
5.- Move Over
6.- Gudbuy T\'Jane
7.- Gudbuy Gudbuy
8.- Mama Weer All Crazee Now
9.- I Don\' Mind
10.- Let The Good Times Roll / Feel So Fine
11.- My Life Is Natural
12.- Candidate
13.- Wonderin\' Y
14.- Man Who Speeks Evil
15.- Slade Talk To \'Melanie\' Readers
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249. Deep Purple – Made in Japan (1972)
Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple.
Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero.
La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time.
Smoke on the water. Qué decir. Un clásico entre los clásicos. El riff que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin.
Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción.
Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos.
Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.
01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin\'
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250. Yes – Close to the Edge (1972)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción \"épica\" mucho más larga que las otras en el disco. Esto volvió a repetirse en los álbums Relayer (que incluyó \"The Gates of Delirium\"
y Going for the One\' (que incluyó \"Awaken\".Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción \"Close to the Edge\" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y \"Siberian Khatru\" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el #4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el #3 en Estados Unidos.
1. Close to the Edge: The Solid Time of Change/Total Mass Retain/I Get Up
2. And You and I/Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse
3. Siberian Khatru
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