1001 discos que debes escuchar antes de morir (Parte 6)
by Don Chinasky on Nov.22, 2009, under
226. Serge Gainsbourg - Histoire de Melody Nelson (1971)
Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.
Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña \"Historia de Melody Nelson\", cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el \"violero\" es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.
Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos.
1. Melody
2. Ballade De Melody Nelson
3. Valse De Melody
4. Ah! Melody
5. L’Hôtel Particulier
6. En Melody
7. Cargo Culte
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227. Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)
Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces.
Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales.
El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín.
La mejor canción del álbum es \"Maggy Mae\". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental.
En la romántica y bella \"Mandolin Wind\", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental.
Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en \"Seems like a long time\", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell.
También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en \"That\'s all right\", triunfa en la revisitación de \"Tomorrow is a long time\" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations \"(I know) I\'m losing you\".
El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin \"(Find a) Reason To Believe\" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.
1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That\'s All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I\'m Losing You
8. (Find A) Reason To Believe
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228. Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1971)
\"Pictures at an Exhibition\" es un álbum de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer lanzado en 1972 con música adaptada de la obra de Modest Mussorgsky. Es uno de los documentos más significativos de la era del rock progresivo. Anteriormente, este trabajo fue la pieza central del repertorio de la banda en el Festival de la Isla de Wight en 1970.
Hay cuatro canciones que no pertenecen a la obra original de Mussorgsky: \"The Sage\" (una balada acústica), \"Blues Variation\" (un blues instrumental), \"The Curse of Baba Yaga\" (una canción rockera) y \"Nutrocker\" (una adaptación de \"El Cascanueces\" de Tchaikovsky, hecha por Kim Fowley. El resto son las originales, adaptadas al estilo progresivo.
Carl Palmer hizo el arreglo en \"The Gnome\". La balada \"The Sage\", de Greg Lake es una de las mejores composiciones hechas por él. La adaptación blues de \"The Old Castle\" es seguida en cadena por la \"Blues Variation\". \"The Curse of Baba Yaga\" es una de las más conocidas de este disco. Con respecto a las demás, están dos interpretaciones de \"The Hut of Baba Yaga\", la adaptación incluyendo letra de \"The Great Gates of Kiev\", y \"Nutrocker\".
Keith Emerson es la estrella aquí, pero Lake y Palmer intervienen lo suficiente para evitar que sea una presentación de sólo teclados. El disco volvió a cosechar triunfales ventas, llegando al puesto 3 en Gran Bretaña y al 10 en los Estados Unidos.
1.- Promenade
2.- The Gnome
3.- Promenade
4. Sage
5.- The Old Castle
6. Blues Variations
7.- Promenade
8.- The Hut of Baba Yaga
9.- The Curse of Baba Yaga
10.- The Hut of Baba Yaga
11.- The Great Gates of Kiev
12. Nutrocker
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229. Leonard Cohen – Songs of Love & Hate (1971)
En Songs of Love and Hate la voz de Leonard Cohen suena más segura y convencida. La producción de Bob Johnston (Dylan, Johnny Cash, Willie Nelson) subraya el proceso y el canadiense encuentra soltura en un trabajo donde el acabado instrumental está cada vez más presente. Johnston crea la atmósfera perfecta para que, a pesar de la austeridad, estas canciones suenen clásicas, hundidas y enormes. El tercer disco de Cohen es un golpe emocional difícil de contestar y es –discutiblemente- uno de sus trabajos más personales a la fecha.
Cada canción en este registro es un abismo distinto y cada una termina estancándose en la soledad, la inseguridad y la amargura. Las relaciones se presentan bajo diferentes prismas y el amor, el odio, lo espiritual y lo físico construyen un disco visceral y sombrío desde su portada, donde Cohen no deja espacio para el té y las naranjas extranjeras y tampoco para la instrumentación brillante de New Skin for the Old Ceremony (1974). Éste es un disco opaco por necesidad. Cohen reflexiona respecto al paso de los años en un trabajo triste y resentido que no encuentra en el paso del tiempo razón para celebrar o tranquilidad para sobrellevar tanta decepción. Cohen se vuelve viejo y a pesar de ser tratado como un tipo exitoso, intelectual y mujeriego se da cuenta de que se ha convertido en una leyenda con tan sólo tres discos bajo la manga y que ahora le cuelgan carteles sin que él logre entender o asimilar cada una de las características que han decidido otorgarle. Songs of love and hate, en oposición a su disco siguiente y a sus dos anteriores, es terrenal y obsesivo en hacerse entender. Las imágenes son nítidas y explícitas.
Cohen resume el amor y el odio en ocho composiciones cerebrales y, aún así, espontáneas y conmovedoras. Un disco emocionante que abre con el resentimiento de ‘Avalanche’ y cierra con la sublime ‘Joan of Arc’, para dejar en medio canciones del porte de ‘Famous blue raincoat’, ‘Diamonds in the mind’ o ‘Last year’s man’ y expone, en menos de cuarenta y cinco minutos, emociones tan propias como universales. Los tópicos más recurrentes son, nuevamente, rescatados de las manos de la mediocridad por un hombre que se debate entre la música y la literatura de una forma que hasta el día de hoy resulta inusual, enigmática y sobrecogedora. Cohen sabe que sus canciones han envejecido y se han vuelto amargas y él lo anuncia entre el orgullo y la rabia en ‘Sing another song, boys’, quizás, el mejor ejemplo de lo que este disco realmente simboliza.
1. Avalanche
2. Last Year\'s Man
3. Dress Rehearsal Rag
4. Diamonds in the Mine
5. Love Calls You by Your Name
6. Famous Blue Raincoat
7. Sing Another Song, Boys
8. Joan of Arc
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230. Joni Mitchell – Blue (1971)
Joni Mitchell es una de las grandes divas de la composición surgidas a finales de los años 60, al igual que Carole King o Laura Nyro, espejo de incontables cantautoras como Jewell, Tori Amos, Liz Phair, Natalie Merchant o Fiona Apple, sus incursiones en el folk o el jazz con textos de elevada carga emocional son algunos de los mejores legados femeninos de la historia de la música, equivalentes a los trabajos más importantes del Neil Young más folk, Van Morrison, Leonard Cohen o James Taylor.
“Blue” es una de sus cumbres, un disco folk muy desnudo, intimista, sensitivo, personal y autobiográfico, que dibuja escenarios de desolación pero también de esperanza, de encuentros y desencuentros amorosos con textos maduros y sinceros en clave poética. Sea con una simple guitarra acústica, un piano o un dulcimer, junto a su voz y melodías sencillas pero que atrapan el sentido emocional del asunto narrado, Joni expresa sus epopeyas románticas y sus evocaciones líricas con percepción y sensibilidad sobre el hogar, el amor, la felicidad y la tristeza en un viaje interior y externo realmente admirable.
Algunas destacadas piezas del álbum, dentro de un Lp prácticamente redondo, son “My old man”, precioso tema pivotado en el contrapunto entre la felicidad otorgada por la presencia del ser querido y el desconsuelo por su ausencia; “River”, una canción iniciada con un piano que interpreta las notas del “jingle bells” y que se centra en la evasión personal en un ideal escenario navideño, o “Little green”, sentido tema de bonita melodía dedicado a la hija que la cantautora canadiense tuvo que dar en adopción cuando todavía no había iniciado su carrera musical. En su madurez ambas terminarían encontrándose.
Como colaboradores suenan en el disco y de manera puntual la guitarra de James Taylor y el bajo y la guitarra de Stephen Stills.
1. All I Want
2. My Old Man
3. Little Green
4. Carey
5. Blue
6. California
7. This Flight Tonight
8. River
9. A Case Of You
10. The Last Time I Saw Richard
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231. Funkadelic – Maggot Brain (1971)
Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.
Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como \"rock negro\"
Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.
Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.
Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de \"Can You Get to That\" y el irresistible groove de \"Super Stupid\", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.
En cuanto a las épicas, \"Wars of Armageddon\" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.
\"Maggot Brain\", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.
Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.
1. Maggot Brain
2. Can You Get To That
3. Hit It And Quit It
4. You And Your Folks,Me And My Folks
6. Back in our Minds
7. Wars Of Amargeddon
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232. Janis Joplin – Pearl (1971)
La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.
La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.
A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera \"Move over\"; la irónica \"Mercedes Benz\", cantada a capella; el número 1 \"Me & Bobby McGee\", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de \"Half Moon\", la balada soul \"Trust me\" y el sensacional instrumental \"Buried alive in the blues\" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).
Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.
1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can
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233. Fela Kuti - With Ginger Baker: Live! (1971)
Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat, que en síntesis es la fusión entre el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.
Este genial documento histórico que supone poder apreciar con un muy buen sonido una de las primeras grabaciones en directo del genial artista-estrella-rey de africa-gran seductor-mito-ente político conocido por todos como Fela Kuti, nace de una odisea sobre cuatro ruedas a lo Kerouac: El viaje que realizaron a principio de los 70 el que fuera batería de Cream, Ginger Baker y nuestro hombre a bordo de un Land Rover... captando ritmos y sonidos de todita África.
Explicaciones complices y reídas entre corte y corte sirven como perfecto prologo para la bacanal de funky con guerra de percusiones, teclado groovey, coros sexuales y movimientos de cadera dislocantes que se pueden disfrutar en este lp que se reeditó en 2006 con un tema extra grabado en 1978 en el festival de jazz de Berlin: Tony Allen (padre del este invento llamado afrobeat) y Ginger Baker a muerte en uno de los solos de batería más bestias que se recuerdan.
El resto de canciones, \"Let´s Start\", \"Black man´s cry\", \"Ye ye de smell\" y \"Egbe mi o (carry me i want to die)\" son variantes de una misma pulsión, de un mismo sonido, del rugido del tercer mundo. Fela nunca grabó ni tocó el mismo tema dos veces. Siempre en esa busqueda incesante de la perfección musical, eso sí con agitación de mentes a lo socio-político más que obligatoria.
Este álbum es lo suficientemente accesible como para poder despertar la curiosidad del neófito por su falta de experimentaciones futuras y su ritmo incesante, y es una joyita inmarchitable para el conocedor de la música más excitante (en el sentido más literal de la palabra) que nos vino del continente negro. Es interesante reflexionar sobre la epóca, ya que en todo el apogeo funk en los 70 en USA, esto ocurría paralelamente en Africa, extraño pero cierto. La música nunca nos dejará de sorprender. Ginger Baker apareció en este disco y Fela le correspondió participando en el disco de Ginger “Stratavarious” (1972).
1. Let\'s Start
2. Black Man\'s Cry - Ginger Baker, Fela Kuti & Africa 70, Fela Kuti & Africa 70
3. Ye Ye de Smell
4. Egbe Mi O (Carry Me I Want to Die)
5. Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo [Live]
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234. Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)
The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces.
El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman.
Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need.
El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.
1. Miss Judy\'s Farm
2. You\'re So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That\'s All You Need
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235. Flamin’ Groovies – Teenage Head (1971)
Espléndida formación americana, poco conocida entre la masa pero de fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock \'n\' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.
Los Flamin\' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.
“Teenage Head”, publicado en 1971, sería a la postre el último disco con Jordan y Loney, las diferencias musicales entre ambos terminaron por imponerse, diferencias que se aprecian con claridad en este disco, como también se aprecia el tremendo efecto que producía la conjunción de sus egos, en magníficos temas como “Have You Seen My Baby?”, “Yesterday Numbers” o “Whiskey Woman” donde se combinan de una forma magistral las afiladas y rugosas guitarras de Loney con las acertadísimas melodías de Jordan, en este disco es muy acusada la infuencia de los Rolling Stones y de los primeros Beatles, dotando al álbum de una coherencia superior a la de sus anteriores trabajos.
En este “Teenage Head” aparece claramente reflejada toda la actitud y la energía de la banda gracias a una producción (a cargo de Richard Robinson) que por fin les hizo justicia, resaltando su inigualable capacidad compositiva e interpretativa, su versatilidad a la hora de abordar temas rock clásicos (las versiones de “Doctor Boogie” y de “32-20”), temas blues o estupendas canciones pop.
Tras este álbum, con la salida de Roy Loney de la banda, The Flamin’ Groovies se decantaron definitivamente por el lado melódico de Jordan, ya con el control exclusivo de la banda, y aunque aún fueron capaces de entregar muy meritorios trabajos nunca volverían a sonar como lo hicieron en este disco, un auténtico clásico que nadie debería dejar de escuchar.
1.High Flyin\' Baby
2.City Lights
3.Have You Seen My Baby?
4.Yesterday\'s Numbers
5.Teenage Head
6.32-20
7.Evil Hearted Ada
8.Doctor Boogie
9.Whiskey Woman
10Shakin\' All Over
11.That\'ll Be The Day
12.Louie Louie
13.Walkin\' The Dog
14.Scratch My Back
15.Carol
16.Going Out Theme
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236. Gene Clark – White Light (1971)
Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron \"White Light\" (1971) y \"No Other\"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras \"No Other\" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, \"White Light\" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.
Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.
Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.
En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.
En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de \"intoxicaciones\" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de \"One in a hundred\", mi favorita del disco junto a \"1975\". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de \"One in a hundred\" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. \"For a spanish guitar\" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada \"1975\", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en \"Harvest\" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico \"Stand by me\" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al \"Tears of rage\" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de \"Because of you\" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.
1.- The Virgin
2.- With Tomorrow
3.- White Light
4.- Because of You
5.- One In A Hundred
6.- For a Spanish Guitar
7.- Where My Love Lies Asleep
8.- Tears of Rage
9.- 1975
10.- Because Of You
11.- Stand By Me
12.- Ship Of The Lord
13.- Opening Night
14.- Winter In
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237. John Prine – John Prine (1st Album) (1971)
John Prine es un cantautor de country y folk estadounidense con un amplio éxito, tanto de crítica como de público, desde la década de 1970. Su primer disco, titulado sencillamente John Prine, fue un gran éxito. El álbum incluye temas característicos de Prine como \"Illegal Smile\", \"Sam Stone\" y el clásico del newgrass \"Paradise\", así como \"Hello In There,\" una canción sobre el envejecimiento que después ha sido interpretada por numerosos artistas. El éxito del disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como \"el nuevo Bob Dylan\". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones de Prine en Nueva York.
1. Illegal Smile
2. Spanish Pipedream
3. Hello in There
4. Sam Stone
5. Paradise
6. Pretty Good
7. Your Flag Decal Won\'t Get You into Heaven Anymore
8. Far from Me
9. Angel from Montgomery
10. Quiet Man
11. Donald and Lydia
12. Six O\'Clock News
13. Flashback Blues
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238. Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)
Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco \"Nilsson Schmilsson\" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema \"Without You\" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue \"Coconut\" que también tuvo éxito en ventas.
1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I\'ll Never Leave You
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239. T.Rex – Electric Warrior (1971)
El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex, al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock \'n\' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos.
\"Electric Warrior\" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.
Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como \"Mambo Sun\", \"Cosmic Dancer\", el número 1 británico \"Get it on\", la primorosa balada \"Girl\", la clase y elegancia destilada por \"The Motivator\", \"Life\'s a gas\" o la colérica \"Rip-Off\". La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.
01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life\'s A Gas
11. Rip Off
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240. David Bowie – Hunky Dory (1971)
Uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.
Al margen de su propia carrera como intérprete y compositor, Bowie se convirtió en pieza clave para relanzar en los años 70 las carreras de nombres esenciales del rock, como Lou Reed e Iggy Pop y los Stooges, dos de sus principales referencias como músico.
El álbum que encumbró definitivamente a David Bowie como una superestrella a nivel mundial y uno de los mejores trabajos de un artista esencial (a pesar de su bajón artístico a partir de los años 80), \"Hunky Dory\" desarrolla desde perspectivas netamente acústicas pasajes repletos de gran imaginería lírica.
Reminiscencias de Lou Reed, Neil Young y Bob Dylan para un mundo de ambiguas identidades sexuales, retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales (\"Kooks\" está escrita para su hijo Zowie) con repiques cabareteros en una global sonoridad pop que no esconde magistrales destellos folk.
Glamour estelar para el venidero Ziggy, que contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, por no hablar de la guitarra y arreglos de su amigo y gran instrumentista Mick Ronson.
1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers
12. Bombers
13. The Supermen
14. Quicksand
15. The Bewlay Brothers
16. The Shadowman
17. How Lucky You Are
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241. Randy Newman – Sail Away (1972)
Randy Newman, compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). En 1972 publicó su disco \"Sail Away\" que alcanzó el puesto #163 en la lista Billboard. En este disco aparecían canciones como la que da nombre al disco \"Sail Away\" (y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles), \"Burn On\" en la que hablaba de la contaminación del río Cuyahoga en Ohio, o quizás la más conocida \"You Can Leave Your Hat On\", que fue posteriormente interpretada por Joe Cocker, Keb Mo, Tom Jones o Etta James. Nunca fue superventas, pero consolidó su reputación de compositor inteligente e incluso es ganador de un Oscar.
1. Sail Away
2. Lonely at the Top
3. He Gives Us All His Love
4. Last Night I Had a Dream
5. Simon Smith and the Amazing Dancing Bear
6. Old Man
7. Political Science -2:00
8. Burn On
9. Memo to My Son
10. Dayton, Ohio - 1903
11. You Can Leave Your Hat On
12. God\'s Song (That\'s Why I Love Mankind)
13. Let It Shine
14. Maybe I\'m Doing It Wrong (studio version)
15. Dayton, Ohio - 1903 (early version)
16. You Can Leave Your Hat On (demo version)
17. Sail Away (early version)
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242. Deep Purple – Machine Head (1972)
Después de haber demostrado todo su talento con el lp \"In Rock\" en 1970 Y su consolidación comercial con el album \"Fireball\" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al número cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda.
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con \"Highway Star\", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con \"Maybe I\'m a Leo\", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue \"Pictures of Home\", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de \"Never Before\", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
\"Smoke On The Water\" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue \"Lazy\", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con \"Space Truckin\'\", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema \"Smoke on the Water\", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.
1. Highway Star
2. Maybe I\'m a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water\"
6. Lazy
7. Space Truckin\'
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243. Big Star – # 1 Record (1972)
En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes. Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.
El álbum abre con \"Feel\", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion. Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda. En la gema \"Watch the Sunrise\", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. \"Give me Another Chance\" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. \"The India Song\" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.
Pero el tema que hace de este disco un clásico es \"Thirteen\". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído. Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la época, y logrado tanto.
1. Feel
2. The Ballad Of El Goodo
3. In The Street
4. Thirteen
5. Don\'t Lie To Me
6. The India Song
7. When My Baby\'s Beside Me
8. My Life Is Right
9. Give Me Another Chance
10. Try Again
11. Watch The Sunrise
12. St 110/6
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244. Black Sabbath – Vol 4 (1972)
Después de apisonar la entonces temprana escena con los rocosos riffs de su Master Of Reality, los ingleses Black Sabbath retornaron sobre el mismo cauce de sus hondas huellas en Septiembre de 1972, desatando otra reptante manada de subacordes de obscura rúbrica, que arropando esta vez tesituras de un folklore rockero más bucólico, dieron vida al ’volumen 4’ de su discografía, uno de los álbumes más exquisitos de su primera y mítica era.
Y aquella era fue la de Ozzy Osbourne, esa cara de la moneda que brilló sobre la cruz de aquella negra instrumentación con pasmosa simbiosis, una voz más carismática que virtuosa que en este álbum desgarraba y masculinizaba más su tonalidad para hacer más justicia al nuevo repertorio guitarrístico que presentaba el zurdo Iommi, ostentador este último de la ‘fórmula diabólica’, aquella fúnebre afinación que nació de las secuelas de un accidente, y que en este álbum que nos ocupa fue perpetuada para proyectar las futuras tinieblas y el alto tonelaje y octanaje del Metal, justo como hoy lo conocemos.
Esos ingredientes históricos que dan cuerpo y alma al fenómeno Black Sabbath se forjaron a fuego lento para que décadas después, grupos como Pantera o Machine Head vieran en este Vol. 4 una de sus principales influencias para crear su propio sonido, según declaraciones suyas en entrevistas, sin olvidar ese gran proyecto que fue Down, a cargo de Phil Anselmo y la créme de la créme del Metal noventista de Nueva Orleans y Los Angeles, siendo este álbum que nos ocupa notorio influjo para que esa apuesta naciera. Como experimentando una naturaleza campestre y a ratos cósmica, es apasionante sumergirse en esta cuarta obra de los de Birmingham, que recobraban el paisajismo musical de su disco debut, el de la dama, la casa y el árbol que se erguían fantasmagóricos en ese pantanoso campo, volviendo a nuestra mente tan enigmáticas figuras sumadas al eco tardío de un ’Verano del Amor’ que los ’70 sepultaron, vibrando en la voz de Ozzy el espíritu residual de aquel Woodstock del ’68, esta vez blindado por los leñosos riffs del zurdo del bigote y las pegadas de un Bill Ward que, como por arte de magia, lograba expandir las posibilidades que le brindaba tan minimalista kit (como Mary Poppins con su bolso - ¡¿?!), parches y platillos sobre los que el expresionismo al bajo de Geezer Butler pincelaba densos sus propios argumentos, paralelos al trabajo de Iommi, pero altamente compatibles.
En menos de un mes de vida, ’Volume 4’ consiguió el Disco de Oro, siendo una obra más arriesgada y progresiva que sus antecesoras, y en la que el negro clan británico resucitó a aquel ‘Verano del Amor’ que ellos mismos dieron muerte con su goecia eléctrica, reviviéndolo con el galvanismo de sus seis cuerdas pero convirtiéndolo así en un monstruo más pesado, no exento de una efervescencia que más palpable se iría haciendo en sus siguientes trabajos, proyectándonos su ‘sueño del mañana’, un sueño profético, un sueño muy real, muy fiel al Hoy más inmediato del Metal.
1. Wheels of Confusion/The Straightener
2. Tomorrow\'s Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes
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245. Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)
Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can\'t Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías.
El disco cuenta con Reelin\' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas, aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.
1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin\' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again
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246. Neil Young – Harvest (1972)
El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense.
Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, \"Harvest\", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como \"Heart of gold\", \"Are you ready for the country?\", \"Old man\", \"Alabama\", \"The needle and the damage done\" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima \"Harvest\".
Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.
1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There\'s a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)
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247. Curtis Mayfield – Superfly: Original Motion Picture Soundtrack (1972)
Curtis Mayfield, cantante, compositor y guitarrista de soul y funk nacido en Chicago en 1942.
El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.
Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.
Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.
Curtis Mayfield, en 1970, emprendió su carrera en solitario. Sus primeros sencillos tenían un aire muy funk, como \"(Don\'t Worry) If There\'s a Hell Below, We\'re All Gonna Go\", en el que muchos creían excesiva la forma tan cruda con que se hablaba sobre hechos de la comunidad negra urbana. En solitario no cosechó tanto éxito como anteriormente, hasta que en 1972 llegó la banda sonora de \"Superfly\" y con ella el éxito, dando lugar al movimeinto blaxploitation. La banda sonora tuvo mucha más relevancia que la película por sí misma.
En aquel momento, Curtis Mayfield era, junto a Stevie Wonder y Marvin Gaye, el icono de un nuevo soul. Tras el éxito abrumador de \"Superfly\" cosechó éxitos menores como \"Kung Fu\", \"So in Love\" y \"Only You Babe\".
1. Litte Child Runnin\' Wild
2. Pusherman
3. Freddie\'s Dead
4. Junkie Chase (instrumental)
5. Give Me Your Love
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think (instrumental)
9. Superfly
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248. Slade – Slayed? (1972)
El mejor álbum de los exitosos Slade, un conjunto esencial del glam británico surgido a comienzos de los años 70. Tomando como cimiento el rock\'n\'roll de los 50, enfatizando los ritmos y estribillos, endureciendo el aspecto sonoro y vistiendo excéntricos atuendos, que jugaban notablemente con la ambigüedad sexual, Slade, con su vigorizante, bulliciosa y divertida música, arrasaron en las listas británicas con estupendos discos y exuberantes singles, algunos de ellos incluidos en este álbum como \"Mama weer all crazee now\" o \"Gudbuy T\'Jane\".
Producido por Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, \'Slayed?\" es una plétora de latigazos de guitarras, musculosas bases rítmicas y agresividad vocal de elevada excitación en sus grandilocuentes estribillos, que brilla además de los sencillos en sensacionales piezas como \"Look at last night\", \"I won\'t let it \'appen agen\" o la obra maestra \"Gudbuy Gudbuy\".
Las muy conseguidas versiones revisitan a Janis Joplin con \"Move over\" y a Shirley & Lee con sus clásicas piezas de R&B \"Let the good times roll\" y \"Feel so fine\".
1.- How D\'you Ride
2.- The Whole World\'s Goin\' Crazee
3.- Look At Last Nite
4.- I Won\'t Let It \'Appen Agen
5.- Move Over
6.- Gudbuy T\'Jane
7.- Gudbuy Gudbuy
8.- Mama Weer All Crazee Now
9.- I Don\' Mind
10.- Let The Good Times Roll / Feel So Fine
11.- My Life Is Natural
12.- Candidate
13.- Wonderin\' Y
14.- Man Who Speeks Evil
15.- Slade Talk To \'Melanie\' Readers
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249. Deep Purple – Made in Japan (1972)
Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple.
Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero.
La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time.
Smoke on the water. Qué decir. Un clásico entre los clásicos. El riff que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin.
Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción.
Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos.
Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.
01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin\'
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250. Yes – Close to the Edge (1972)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción \"épica\" mucho más larga que las otras en el disco. Esto volvió a repetirse en los álbums Relayer (que incluyó \"The Gates of Delirium\"
y Going for the One\' (que incluyó \"Awaken\".
Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción \"Close to the Edge\" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y \"Siberian Khatru\" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el #4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el #3 en Estados Unidos.
1. Close to the Edge: The Solid Time of Change/Total Mass Retain/I Get Up
2. And You and I/Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse
3. Siberian Khatru
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Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.
Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña \"Historia de Melody Nelson\", cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el \"violero\" es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.
Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos.
1. Melody
2. Ballade De Melody Nelson
3. Valse De Melody
4. Ah! Melody
5. L’Hôtel Particulier
6. En Melody
7. Cargo Culte
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227. Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)
Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces.
Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales.
El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín.
La mejor canción del álbum es \"Maggy Mae\". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental.
En la romántica y bella \"Mandolin Wind\", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental.
Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en \"Seems like a long time\", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell.
También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en \"That\'s all right\", triunfa en la revisitación de \"Tomorrow is a long time\" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations \"(I know) I\'m losing you\".
El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin \"(Find a) Reason To Believe\" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.
1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That\'s All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I\'m Losing You
8. (Find A) Reason To Believe
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228. Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1971)
\"Pictures at an Exhibition\" es un álbum de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer lanzado en 1972 con música adaptada de la obra de Modest Mussorgsky. Es uno de los documentos más significativos de la era del rock progresivo. Anteriormente, este trabajo fue la pieza central del repertorio de la banda en el Festival de la Isla de Wight en 1970.
Hay cuatro canciones que no pertenecen a la obra original de Mussorgsky: \"The Sage\" (una balada acústica), \"Blues Variation\" (un blues instrumental), \"The Curse of Baba Yaga\" (una canción rockera) y \"Nutrocker\" (una adaptación de \"El Cascanueces\" de Tchaikovsky, hecha por Kim Fowley. El resto son las originales, adaptadas al estilo progresivo.
Carl Palmer hizo el arreglo en \"The Gnome\". La balada \"The Sage\", de Greg Lake es una de las mejores composiciones hechas por él. La adaptación blues de \"The Old Castle\" es seguida en cadena por la \"Blues Variation\". \"The Curse of Baba Yaga\" es una de las más conocidas de este disco. Con respecto a las demás, están dos interpretaciones de \"The Hut of Baba Yaga\", la adaptación incluyendo letra de \"The Great Gates of Kiev\", y \"Nutrocker\".
Keith Emerson es la estrella aquí, pero Lake y Palmer intervienen lo suficiente para evitar que sea una presentación de sólo teclados. El disco volvió a cosechar triunfales ventas, llegando al puesto 3 en Gran Bretaña y al 10 en los Estados Unidos.
1.- Promenade
2.- The Gnome
3.- Promenade
4. Sage
5.- The Old Castle
6. Blues Variations
7.- Promenade
8.- The Hut of Baba Yaga
9.- The Curse of Baba Yaga
10.- The Hut of Baba Yaga
11.- The Great Gates of Kiev
12. Nutrocker
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229. Leonard Cohen – Songs of Love & Hate (1971)
En Songs of Love and Hate la voz de Leonard Cohen suena más segura y convencida. La producción de Bob Johnston (Dylan, Johnny Cash, Willie Nelson) subraya el proceso y el canadiense encuentra soltura en un trabajo donde el acabado instrumental está cada vez más presente. Johnston crea la atmósfera perfecta para que, a pesar de la austeridad, estas canciones suenen clásicas, hundidas y enormes. El tercer disco de Cohen es un golpe emocional difícil de contestar y es –discutiblemente- uno de sus trabajos más personales a la fecha.
Cada canción en este registro es un abismo distinto y cada una termina estancándose en la soledad, la inseguridad y la amargura. Las relaciones se presentan bajo diferentes prismas y el amor, el odio, lo espiritual y lo físico construyen un disco visceral y sombrío desde su portada, donde Cohen no deja espacio para el té y las naranjas extranjeras y tampoco para la instrumentación brillante de New Skin for the Old Ceremony (1974). Éste es un disco opaco por necesidad. Cohen reflexiona respecto al paso de los años en un trabajo triste y resentido que no encuentra en el paso del tiempo razón para celebrar o tranquilidad para sobrellevar tanta decepción. Cohen se vuelve viejo y a pesar de ser tratado como un tipo exitoso, intelectual y mujeriego se da cuenta de que se ha convertido en una leyenda con tan sólo tres discos bajo la manga y que ahora le cuelgan carteles sin que él logre entender o asimilar cada una de las características que han decidido otorgarle. Songs of love and hate, en oposición a su disco siguiente y a sus dos anteriores, es terrenal y obsesivo en hacerse entender. Las imágenes son nítidas y explícitas.
Cohen resume el amor y el odio en ocho composiciones cerebrales y, aún así, espontáneas y conmovedoras. Un disco emocionante que abre con el resentimiento de ‘Avalanche’ y cierra con la sublime ‘Joan of Arc’, para dejar en medio canciones del porte de ‘Famous blue raincoat’, ‘Diamonds in the mind’ o ‘Last year’s man’ y expone, en menos de cuarenta y cinco minutos, emociones tan propias como universales. Los tópicos más recurrentes son, nuevamente, rescatados de las manos de la mediocridad por un hombre que se debate entre la música y la literatura de una forma que hasta el día de hoy resulta inusual, enigmática y sobrecogedora. Cohen sabe que sus canciones han envejecido y se han vuelto amargas y él lo anuncia entre el orgullo y la rabia en ‘Sing another song, boys’, quizás, el mejor ejemplo de lo que este disco realmente simboliza.
1. Avalanche
2. Last Year\'s Man
3. Dress Rehearsal Rag
4. Diamonds in the Mine
5. Love Calls You by Your Name
6. Famous Blue Raincoat
7. Sing Another Song, Boys
8. Joan of Arc
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230. Joni Mitchell – Blue (1971)
Joni Mitchell es una de las grandes divas de la composición surgidas a finales de los años 60, al igual que Carole King o Laura Nyro, espejo de incontables cantautoras como Jewell, Tori Amos, Liz Phair, Natalie Merchant o Fiona Apple, sus incursiones en el folk o el jazz con textos de elevada carga emocional son algunos de los mejores legados femeninos de la historia de la música, equivalentes a los trabajos más importantes del Neil Young más folk, Van Morrison, Leonard Cohen o James Taylor.
“Blue” es una de sus cumbres, un disco folk muy desnudo, intimista, sensitivo, personal y autobiográfico, que dibuja escenarios de desolación pero también de esperanza, de encuentros y desencuentros amorosos con textos maduros y sinceros en clave poética. Sea con una simple guitarra acústica, un piano o un dulcimer, junto a su voz y melodías sencillas pero que atrapan el sentido emocional del asunto narrado, Joni expresa sus epopeyas románticas y sus evocaciones líricas con percepción y sensibilidad sobre el hogar, el amor, la felicidad y la tristeza en un viaje interior y externo realmente admirable.
Algunas destacadas piezas del álbum, dentro de un Lp prácticamente redondo, son “My old man”, precioso tema pivotado en el contrapunto entre la felicidad otorgada por la presencia del ser querido y el desconsuelo por su ausencia; “River”, una canción iniciada con un piano que interpreta las notas del “jingle bells” y que se centra en la evasión personal en un ideal escenario navideño, o “Little green”, sentido tema de bonita melodía dedicado a la hija que la cantautora canadiense tuvo que dar en adopción cuando todavía no había iniciado su carrera musical. En su madurez ambas terminarían encontrándose.
Como colaboradores suenan en el disco y de manera puntual la guitarra de James Taylor y el bajo y la guitarra de Stephen Stills.
1. All I Want
2. My Old Man
3. Little Green
4. Carey
5. Blue
6. California
7. This Flight Tonight
8. River
9. A Case Of You
10. The Last Time I Saw Richard
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231. Funkadelic – Maggot Brain (1971)
Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.
Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como \"rock negro\"
Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.
Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.
Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de \"Can You Get to That\" y el irresistible groove de \"Super Stupid\", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.
En cuanto a las épicas, \"Wars of Armageddon\" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.
\"Maggot Brain\", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.
Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.
1. Maggot Brain
2. Can You Get To That
3. Hit It And Quit It
4. You And Your Folks,Me And My Folks
6. Back in our Minds
7. Wars Of Amargeddon
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232. Janis Joplin – Pearl (1971)
La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.
La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.
A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera \"Move over\"; la irónica \"Mercedes Benz\", cantada a capella; el número 1 \"Me & Bobby McGee\", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de \"Half Moon\", la balada soul \"Trust me\" y el sensacional instrumental \"Buried alive in the blues\" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).
Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.
1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can
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233. Fela Kuti - With Ginger Baker: Live! (1971)
Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat, que en síntesis es la fusión entre el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.
Este genial documento histórico que supone poder apreciar con un muy buen sonido una de las primeras grabaciones en directo del genial artista-estrella-rey de africa-gran seductor-mito-ente político conocido por todos como Fela Kuti, nace de una odisea sobre cuatro ruedas a lo Kerouac: El viaje que realizaron a principio de los 70 el que fuera batería de Cream, Ginger Baker y nuestro hombre a bordo de un Land Rover... captando ritmos y sonidos de todita África.
Explicaciones complices y reídas entre corte y corte sirven como perfecto prologo para la bacanal de funky con guerra de percusiones, teclado groovey, coros sexuales y movimientos de cadera dislocantes que se pueden disfrutar en este lp que se reeditó en 2006 con un tema extra grabado en 1978 en el festival de jazz de Berlin: Tony Allen (padre del este invento llamado afrobeat) y Ginger Baker a muerte en uno de los solos de batería más bestias que se recuerdan.
El resto de canciones, \"Let´s Start\", \"Black man´s cry\", \"Ye ye de smell\" y \"Egbe mi o (carry me i want to die)\" son variantes de una misma pulsión, de un mismo sonido, del rugido del tercer mundo. Fela nunca grabó ni tocó el mismo tema dos veces. Siempre en esa busqueda incesante de la perfección musical, eso sí con agitación de mentes a lo socio-político más que obligatoria.
Este álbum es lo suficientemente accesible como para poder despertar la curiosidad del neófito por su falta de experimentaciones futuras y su ritmo incesante, y es una joyita inmarchitable para el conocedor de la música más excitante (en el sentido más literal de la palabra) que nos vino del continente negro. Es interesante reflexionar sobre la epóca, ya que en todo el apogeo funk en los 70 en USA, esto ocurría paralelamente en Africa, extraño pero cierto. La música nunca nos dejará de sorprender. Ginger Baker apareció en este disco y Fela le correspondió participando en el disco de Ginger “Stratavarious” (1972).
1. Let\'s Start
2. Black Man\'s Cry - Ginger Baker, Fela Kuti & Africa 70, Fela Kuti & Africa 70
3. Ye Ye de Smell
4. Egbe Mi O (Carry Me I Want to Die)
5. Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo [Live]
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234. Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)
The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces.
El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman.
Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need.
El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.
1. Miss Judy\'s Farm
2. You\'re So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That\'s All You Need
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235. Flamin’ Groovies – Teenage Head (1971)
Espléndida formación americana, poco conocida entre la masa pero de fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock \'n\' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.
Los Flamin\' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.
“Teenage Head”, publicado en 1971, sería a la postre el último disco con Jordan y Loney, las diferencias musicales entre ambos terminaron por imponerse, diferencias que se aprecian con claridad en este disco, como también se aprecia el tremendo efecto que producía la conjunción de sus egos, en magníficos temas como “Have You Seen My Baby?”, “Yesterday Numbers” o “Whiskey Woman” donde se combinan de una forma magistral las afiladas y rugosas guitarras de Loney con las acertadísimas melodías de Jordan, en este disco es muy acusada la infuencia de los Rolling Stones y de los primeros Beatles, dotando al álbum de una coherencia superior a la de sus anteriores trabajos.
En este “Teenage Head” aparece claramente reflejada toda la actitud y la energía de la banda gracias a una producción (a cargo de Richard Robinson) que por fin les hizo justicia, resaltando su inigualable capacidad compositiva e interpretativa, su versatilidad a la hora de abordar temas rock clásicos (las versiones de “Doctor Boogie” y de “32-20”), temas blues o estupendas canciones pop.
Tras este álbum, con la salida de Roy Loney de la banda, The Flamin’ Groovies se decantaron definitivamente por el lado melódico de Jordan, ya con el control exclusivo de la banda, y aunque aún fueron capaces de entregar muy meritorios trabajos nunca volverían a sonar como lo hicieron en este disco, un auténtico clásico que nadie debería dejar de escuchar.
1.High Flyin\' Baby
2.City Lights
3.Have You Seen My Baby?
4.Yesterday\'s Numbers
5.Teenage Head
6.32-20
7.Evil Hearted Ada
8.Doctor Boogie
9.Whiskey Woman
10Shakin\' All Over
11.That\'ll Be The Day
12.Louie Louie
13.Walkin\' The Dog
14.Scratch My Back
15.Carol
16.Going Out Theme
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236. Gene Clark – White Light (1971)
Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron \"White Light\" (1971) y \"No Other\"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras \"No Other\" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, \"White Light\" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.
Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.
Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.
En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.
En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de \"intoxicaciones\" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de \"One in a hundred\", mi favorita del disco junto a \"1975\". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de \"One in a hundred\" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. \"For a spanish guitar\" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada \"1975\", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en \"Harvest\" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico \"Stand by me\" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al \"Tears of rage\" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de \"Because of you\" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.
1.- The Virgin
2.- With Tomorrow
3.- White Light
4.- Because of You
5.- One In A Hundred
6.- For a Spanish Guitar
7.- Where My Love Lies Asleep
8.- Tears of Rage
9.- 1975
10.- Because Of You
11.- Stand By Me
12.- Ship Of The Lord
13.- Opening Night
14.- Winter In
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237. John Prine – John Prine (1st Album) (1971)
John Prine es un cantautor de country y folk estadounidense con un amplio éxito, tanto de crítica como de público, desde la década de 1970. Su primer disco, titulado sencillamente John Prine, fue un gran éxito. El álbum incluye temas característicos de Prine como \"Illegal Smile\", \"Sam Stone\" y el clásico del newgrass \"Paradise\", así como \"Hello In There,\" una canción sobre el envejecimiento que después ha sido interpretada por numerosos artistas. El éxito del disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como \"el nuevo Bob Dylan\". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones de Prine en Nueva York.
1. Illegal Smile
2. Spanish Pipedream
3. Hello in There
4. Sam Stone
5. Paradise
6. Pretty Good
7. Your Flag Decal Won\'t Get You into Heaven Anymore
8. Far from Me
9. Angel from Montgomery
10. Quiet Man
11. Donald and Lydia
12. Six O\'Clock News
13. Flashback Blues
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238. Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)
Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco \"Nilsson Schmilsson\" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema \"Without You\" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue \"Coconut\" que también tuvo éxito en ventas.
1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I\'ll Never Leave You
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239. T.Rex – Electric Warrior (1971)
El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex, al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock \'n\' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos.
\"Electric Warrior\" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.
Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como \"Mambo Sun\", \"Cosmic Dancer\", el número 1 británico \"Get it on\", la primorosa balada \"Girl\", la clase y elegancia destilada por \"The Motivator\", \"Life\'s a gas\" o la colérica \"Rip-Off\". La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.
01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life\'s A Gas
11. Rip Off
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240. David Bowie – Hunky Dory (1971)
Uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.
Al margen de su propia carrera como intérprete y compositor, Bowie se convirtió en pieza clave para relanzar en los años 70 las carreras de nombres esenciales del rock, como Lou Reed e Iggy Pop y los Stooges, dos de sus principales referencias como músico.
El álbum que encumbró definitivamente a David Bowie como una superestrella a nivel mundial y uno de los mejores trabajos de un artista esencial (a pesar de su bajón artístico a partir de los años 80), \"Hunky Dory\" desarrolla desde perspectivas netamente acústicas pasajes repletos de gran imaginería lírica.
Reminiscencias de Lou Reed, Neil Young y Bob Dylan para un mundo de ambiguas identidades sexuales, retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales (\"Kooks\" está escrita para su hijo Zowie) con repiques cabareteros en una global sonoridad pop que no esconde magistrales destellos folk.
Glamour estelar para el venidero Ziggy, que contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, por no hablar de la guitarra y arreglos de su amigo y gran instrumentista Mick Ronson.
1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers
12. Bombers
13. The Supermen
14. Quicksand
15. The Bewlay Brothers
16. The Shadowman
17. How Lucky You Are
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241. Randy Newman – Sail Away (1972)
Randy Newman, compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). En 1972 publicó su disco \"Sail Away\" que alcanzó el puesto #163 en la lista Billboard. En este disco aparecían canciones como la que da nombre al disco \"Sail Away\" (y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles), \"Burn On\" en la que hablaba de la contaminación del río Cuyahoga en Ohio, o quizás la más conocida \"You Can Leave Your Hat On\", que fue posteriormente interpretada por Joe Cocker, Keb Mo, Tom Jones o Etta James. Nunca fue superventas, pero consolidó su reputación de compositor inteligente e incluso es ganador de un Oscar.
1. Sail Away
2. Lonely at the Top
3. He Gives Us All His Love
4. Last Night I Had a Dream
5. Simon Smith and the Amazing Dancing Bear
6. Old Man
7. Political Science -2:00
8. Burn On
9. Memo to My Son
10. Dayton, Ohio - 1903
11. You Can Leave Your Hat On
12. God\'s Song (That\'s Why I Love Mankind)
13. Let It Shine
14. Maybe I\'m Doing It Wrong (studio version)
15. Dayton, Ohio - 1903 (early version)
16. You Can Leave Your Hat On (demo version)
17. Sail Away (early version)
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242. Deep Purple – Machine Head (1972)
Después de haber demostrado todo su talento con el lp \"In Rock\" en 1970 Y su consolidación comercial con el album \"Fireball\" en 1971, Deep Purple se dispondrían a lanzar este estupendo album en 1972, que llegaría al número cinco de los charts americanos, reflejando además una sublime armonía entre todos los miembros de la banda.
Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con \"Highway Star\", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con \"Maybe I\'m a Leo\", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue \"Pictures of Home\", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.
Luego llega el turno de \"Never Before\", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
\"Smoke On The Water\" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue \"Lazy\", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con \"Space Truckin\'\", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema \"Smoke on the Water\", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.
1. Highway Star
2. Maybe I\'m a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water\"
6. Lazy
7. Space Truckin\'
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243. Big Star – # 1 Record (1972)
En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes. Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.
El álbum abre con \"Feel\", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion. Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda. En la gema \"Watch the Sunrise\", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. \"Give me Another Chance\" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. \"The India Song\" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.
Pero el tema que hace de este disco un clásico es \"Thirteen\". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído. Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la época, y logrado tanto.
1. Feel
2. The Ballad Of El Goodo
3. In The Street
4. Thirteen
5. Don\'t Lie To Me
6. The India Song
7. When My Baby\'s Beside Me
8. My Life Is Right
9. Give Me Another Chance
10. Try Again
11. Watch The Sunrise
12. St 110/6
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244. Black Sabbath – Vol 4 (1972)
Después de apisonar la entonces temprana escena con los rocosos riffs de su Master Of Reality, los ingleses Black Sabbath retornaron sobre el mismo cauce de sus hondas huellas en Septiembre de 1972, desatando otra reptante manada de subacordes de obscura rúbrica, que arropando esta vez tesituras de un folklore rockero más bucólico, dieron vida al ’volumen 4’ de su discografía, uno de los álbumes más exquisitos de su primera y mítica era.
Y aquella era fue la de Ozzy Osbourne, esa cara de la moneda que brilló sobre la cruz de aquella negra instrumentación con pasmosa simbiosis, una voz más carismática que virtuosa que en este álbum desgarraba y masculinizaba más su tonalidad para hacer más justicia al nuevo repertorio guitarrístico que presentaba el zurdo Iommi, ostentador este último de la ‘fórmula diabólica’, aquella fúnebre afinación que nació de las secuelas de un accidente, y que en este álbum que nos ocupa fue perpetuada para proyectar las futuras tinieblas y el alto tonelaje y octanaje del Metal, justo como hoy lo conocemos.
Esos ingredientes históricos que dan cuerpo y alma al fenómeno Black Sabbath se forjaron a fuego lento para que décadas después, grupos como Pantera o Machine Head vieran en este Vol. 4 una de sus principales influencias para crear su propio sonido, según declaraciones suyas en entrevistas, sin olvidar ese gran proyecto que fue Down, a cargo de Phil Anselmo y la créme de la créme del Metal noventista de Nueva Orleans y Los Angeles, siendo este álbum que nos ocupa notorio influjo para que esa apuesta naciera. Como experimentando una naturaleza campestre y a ratos cósmica, es apasionante sumergirse en esta cuarta obra de los de Birmingham, que recobraban el paisajismo musical de su disco debut, el de la dama, la casa y el árbol que se erguían fantasmagóricos en ese pantanoso campo, volviendo a nuestra mente tan enigmáticas figuras sumadas al eco tardío de un ’Verano del Amor’ que los ’70 sepultaron, vibrando en la voz de Ozzy el espíritu residual de aquel Woodstock del ’68, esta vez blindado por los leñosos riffs del zurdo del bigote y las pegadas de un Bill Ward que, como por arte de magia, lograba expandir las posibilidades que le brindaba tan minimalista kit (como Mary Poppins con su bolso - ¡¿?!), parches y platillos sobre los que el expresionismo al bajo de Geezer Butler pincelaba densos sus propios argumentos, paralelos al trabajo de Iommi, pero altamente compatibles.
En menos de un mes de vida, ’Volume 4’ consiguió el Disco de Oro, siendo una obra más arriesgada y progresiva que sus antecesoras, y en la que el negro clan británico resucitó a aquel ‘Verano del Amor’ que ellos mismos dieron muerte con su goecia eléctrica, reviviéndolo con el galvanismo de sus seis cuerdas pero convirtiéndolo así en un monstruo más pesado, no exento de una efervescencia que más palpable se iría haciendo en sus siguientes trabajos, proyectándonos su ‘sueño del mañana’, un sueño profético, un sueño muy real, muy fiel al Hoy más inmediato del Metal.
1. Wheels of Confusion/The Straightener
2. Tomorrow\'s Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes
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245. Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)
Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can\'t Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías.
El disco cuenta con Reelin\' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas, aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.
1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin\' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again
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246. Neil Young – Harvest (1972)
El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense.
Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, \"Harvest\", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como \"Heart of gold\", \"Are you ready for the country?\", \"Old man\", \"Alabama\", \"The needle and the damage done\" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima \"Harvest\".
Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.
1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There\'s a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)
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247. Curtis Mayfield – Superfly: Original Motion Picture Soundtrack (1972)
Curtis Mayfield, cantante, compositor y guitarrista de soul y funk nacido en Chicago en 1942.
El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.
Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.
Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.
Curtis Mayfield, en 1970, emprendió su carrera en solitario. Sus primeros sencillos tenían un aire muy funk, como \"(Don\'t Worry) If There\'s a Hell Below, We\'re All Gonna Go\", en el que muchos creían excesiva la forma tan cruda con que se hablaba sobre hechos de la comunidad negra urbana. En solitario no cosechó tanto éxito como anteriormente, hasta que en 1972 llegó la banda sonora de \"Superfly\" y con ella el éxito, dando lugar al movimeinto blaxploitation. La banda sonora tuvo mucha más relevancia que la película por sí misma.
En aquel momento, Curtis Mayfield era, junto a Stevie Wonder y Marvin Gaye, el icono de un nuevo soul. Tras el éxito abrumador de \"Superfly\" cosechó éxitos menores como \"Kung Fu\", \"So in Love\" y \"Only You Babe\".
1. Litte Child Runnin\' Wild
2. Pusherman
3. Freddie\'s Dead
4. Junkie Chase (instrumental)
5. Give Me Your Love
6. Eddie You Should Know Better
7. No Thing On Me (Cocaine Song)
8. Think (instrumental)
9. Superfly
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248. Slade – Slayed? (1972)
El mejor álbum de los exitosos Slade, un conjunto esencial del glam británico surgido a comienzos de los años 70. Tomando como cimiento el rock\'n\'roll de los 50, enfatizando los ritmos y estribillos, endureciendo el aspecto sonoro y vistiendo excéntricos atuendos, que jugaban notablemente con la ambigüedad sexual, Slade, con su vigorizante, bulliciosa y divertida música, arrasaron en las listas británicas con estupendos discos y exuberantes singles, algunos de ellos incluidos en este álbum como \"Mama weer all crazee now\" o \"Gudbuy T\'Jane\".
Producido por Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, \'Slayed?\" es una plétora de latigazos de guitarras, musculosas bases rítmicas y agresividad vocal de elevada excitación en sus grandilocuentes estribillos, que brilla además de los sencillos en sensacionales piezas como \"Look at last night\", \"I won\'t let it \'appen agen\" o la obra maestra \"Gudbuy Gudbuy\".
Las muy conseguidas versiones revisitan a Janis Joplin con \"Move over\" y a Shirley & Lee con sus clásicas piezas de R&B \"Let the good times roll\" y \"Feel so fine\".
1.- How D\'you Ride
2.- The Whole World\'s Goin\' Crazee
3.- Look At Last Nite
4.- I Won\'t Let It \'Appen Agen
5.- Move Over
6.- Gudbuy T\'Jane
7.- Gudbuy Gudbuy
8.- Mama Weer All Crazee Now
9.- I Don\' Mind
10.- Let The Good Times Roll / Feel So Fine
11.- My Life Is Natural
12.- Candidate
13.- Wonderin\' Y
14.- Man Who Speeks Evil
15.- Slade Talk To \'Melanie\' Readers
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249. Deep Purple – Made in Japan (1972)
Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple.
Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero.
La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time.
Smoke on the water. Qué decir. Un clásico entre los clásicos. El riff que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin.
Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción.
Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos.
Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.
01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin\'
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250. Yes – Close to the Edge (1972)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos. Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción \"épica\" mucho más larga que las otras en el disco. Esto volvió a repetirse en los álbums Relayer (que incluyó \"The Gates of Delirium\"
y Going for the One\' (que incluyó \"Awaken\".Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción \"Close to the Edge\" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y \"Siberian Khatru\" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el #4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el #3 en Estados Unidos.
1. Close to the Edge: The Solid Time of Change/Total Mass Retain/I Get Up
2. And You and I/Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse
3. Siberian Khatru
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